Schon bevor „ES“ zum erfolgreichsten Horrorfilm aller Zeiten wurde, hatte Netflix den erfolgreichen Autor auf dem Zettel. So setzten sie Regisseur Mike Flanagan („Spuk in Hill House“), der bald auch mit der King-Verfilmung „Doctor Sleep“ in die Kinos kommt, auf den Roman „Das Spiel“ an. Vicenzo Natali, der nun Im hohen Gras adaptierte, ist ebenfalls kein unbeschriebenes Blatt für Horror-Fans, den von ihm stammt der sehr originelle Cube aus dem Jahr 1997 – und auch „Splice“ von 2009. Wie gut ist seine King-Version geworden?

Im hohen Gras: Die Handlung

Die Geschwister Becky (Laysla de Oliveira) und Cal (Avery Whitted) sind mit dem Auto auf dem Weg durch Amerikas Mittelwesten. Becky ist hochschwanger, hat sich aber entschieden, das Kind zu einer wohlhabenden Familie zu bringen, die es adoptieren wollen. Bei einer Pause auf dem Highway, der scheinbar endlos durch ein hohes Grasfeld führt, hören die beiden plötzlich Hilfeschreie eine kleinen Jungen. Kurz darauf ruft eine Frau, sie sollen nicht näherkommen. Ohne zu zögern, gehen die Geschwister dennoch ins hohe Gras, um das Kind zu finden.

Doch schon nach wenigen Metern haben sich Becky und Cal aus den Augen verloren. Bald stellen sie fest, dass die Naturgesetze in diesem Grasfeld offenbar nicht gelten- Obwohl sie sich nicht bewegen, sind sie mal näher aneinander, mal weiter voneinander entfernt. Als es dunkel wird, dämmert den beiden, dass sie in eine tödliche Falle geraten sind, die sie sich nicht erklären können. Da trifft Cal auf den Familienvater Ross (Patrick Wilson), der nach seiner Frau und seinem Sohn Tobin (Will Buje Jr.) sucht. Und scheinbar das Geheimnis des Feldes entschlüsselt hat …

Im hohen Gras: Schwierige Vorlage

Mit der Vorlage hat sich Natali nicht unbedingt eine typische King-Story vorgenommen. Denn die Novelle hat wenig Inhalt und setzt mehr auf eine stetige Steigerung der Angst machenden Ereignisse. Mysteriös und blutig erzählen Vater und Sohn eine Geschichte ohne große Erklärungen oder richtiges Ende. Nicht gerade perfekte Voraussetzungen für einen Film. Somit musste Natali, der auch das Drehbuch für seinen Film schrieb, viel hinzufügen, um eine 100-minütige Story zu erzählen. Das hat nicht unbedingt gut funktioniert.

Denn zunächst setzt Natali durchaus auf die Idee der Autoren, statt vieler Erklärungen einfach ein möglichst unheimliches Szenario zu entwerfen. Die Stimmen aus dem Feld, ein toter Hund, die der Physik trotzenden Effekte innerhalb des Grasfeldes. Das fängt Natali nicht nur in erstaunlich unterschiedlichen Bildern dafür ein, dass letztlich fast alles im hohen Gras spielt. Sondern ihm gelingen in den ersten 30 Minuten auch ein paar Szenen, die echten Horror erzeugen, indem sie dem Zuschauer den Boden unter den Füßen wegziehen.

Im hohen Gras: Neues Material schwächer

Doch nach etwa 30 Minuten geht Natali der Originalstoff aus und er muss mit eigenen Ideen seinen Film auffüllen. Und die sind klar schwächer als das, was die King-Sippe sich überlegt hat. Denn Natali gibt im Lauf seiner Story doch Hinweise und Erklärungen, was nun genau mit diesem Feld aus hohem Gras nicht stimmt. Das ist zwar durchaus originell, aber nicht sonderlich gruselig. Was auch daran liegt, dass Natali seinen Figuren relativ wenig Hintergrund spendiert und sich allein darauf verlässt, dass der Zuschauer immer mitfiebert.

Weil aber die Story nicht unbedingt logischem Verhalten folgt und immer wieder Geschehnisse passieren, die nicht erklärbar sind, funktioniert Im hohen Gras auf emotionaler Ebene nicht durchgehend. Das Interesse an möglicher Aufklärung bleibt zwar, aber je länger der Film dauert, desto klarer wird, dass es so etwas nicht geben wird. Und für 90 Minuten reicht nur Atmosphäre nicht aus, um die Spannung zu halten. Wer überlebt, wer stirbt, das ist nicht nur wenig überraschend, sondern in der zweiten Filmhälfte auch weitgehend egal.

Die außer Wilson weitgehend unbekannten Schauspieler schaffen es auch nicht, an ihren Figuren echtes Interesse zu wecken. So lässt Im hohen Gras kühl, was für einen Horrorfilm kein Qualitätsmerkmal ist. Lediglich die wirklich exquisite Kameraarbeit dürfte auch Cineasten gefallen, der Rest ist zu durchschnittlich, um länger im Gedächtnis zu bleiben. Der dritte Film von Netflix nach einem Werk von Stephen King ist der schwächste.

Fazit:

Interessant und originell, aber für Spielfilmlänge gibt die Vorlage von Stephen King und Sohn Joe Hill nicht genug her. Und Vincenzo Natalis eigene Ideen in seinem Script überzeugen nicht durchgehend, um aus Im hohen Gras einen wirklich spannenden Horrorfilm zu machen. Die Versprechen, die der Film in der ersten halben Stunde gibt, hält er danach nicht ein. Die extrem sehenswerten Bilder, die das Gras zu heimlichen Hauptfigur der Story machen, lohnen aber dennoch das Einschalten.

Im hohen Gras startet am 4. Oktober 2019 bei Netflix.

Welche Stephen King-Verfilmungen auch in Arbeit sind, erfahren Sie hier.

Kritiken zu weiteren Netflix-Filmen finden Sie hier.

 

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Alexandre Aja schockte die Kinowelt 2003 mit seinem Horror-Debüt „High Tension“, einem hochspannenden, aber auch extrem blutigen Slasher-Thriller. Als er drei Jahre später mit seiner ersten Hollywood-Produktion das beinharte Remake „The Hills Have Eyes“ (Originalfilm von Wes Craven) ablieferte, war für Horrorfans klar – das ist einer! Nach dem derben, aber lustigen Piranhas 3D erwarteten die Fans auch bei Crawl blutige Horror-Action mit Humor. Aber kriegen sie das auch? Lauterfilme verrät’s.

Crawl: Die Handlung

Haley (Kaya Scodelario) ist besorgt. Weil ihre Schwester Vater Dave (Barry Pepper) nicht erreicht, beschließt die junge Frau, zu ihrem Dad zu fahren, obwohl die Behörden einen Stufe-5-Sturm melden, der in ihrer alten Heimat sein Unwesen treibt. Mit viel Mühe erreicht sie das Haus ihres Vaters – doch außer dem Hund ist niemand da. Einer Eingebung folgend, fährt Haley zum ehemaligen Haus ihrer Eltern, das Dave schön längst hätte verkaufen wollen. Und dort macht sie einige unheimliche Entdeckungen. Es scheint, als wäre etwas im Keller.

Beim Nachsehen findet Haley tatsächlich ihren verletzten Vater – und auch gleich den Grund dafür. Ein großer Alligator hat sich durch das alte Abflussrohr in den Keller verirrt und ihn zu seinem neuen Schlafplatz umfunktioniert. Bei stetig steigendem Wasser muss Haley nun versuchen, ihren Dad und sich selbst vor dem gefräßigen Räuber zu schützen und den Keller lebend zu verlassen. Doch das ist leichter gesagt als getan, denn der Alligator denkt gar nicht daran, seine einmal verwundete Beute kampflos ziehen zu lassen …

Crawl: Effektiver Horror

Den Krokodilen in Horrorfilmen geht es wie den Haien. Es gibt unzählige Filme, aber kaum welche, die sehenswert sind. Neben dem trashigen „Der Horror-Alligator“ (1980) und dem humorvollen „Lake Placid“ (1999) konnte in diesem Jahrtausend der australische „Rogue“ (2007) überzeugen – viel mehr gibt es aber nicht. Bis jetzt. Denn mit Crawl darf sich Alexandre Aja auf die Fahnen schreiben, einen weiteren, richtig guten Kroko-Horror in die Kinos gebracht zu haben. Was auch daran liegt, dass der Franzose diesmal auf Humor verzichtet hat.

Stattdessen setzt er das meist recht clevere Drehbuch von Michael und Shawn Rasmussen (schrieben auch John Carpenters letzten Film „The Ward“) schnörkellos, aber mit viel Gespür für Spannung und Timing um. Und sorgt so dafür, dass sich die Spannung im Film dem Wasserspiegel anpasst – beides steigt im Film ständig weiter an. Die Rassmussens bedienten sich dabei eines sehr effizienten Stilmittels – die Story ist zwar durchaus unwahrscheinlich, aber in sich stimmig und eben nicht völlig unrealistisch. Das macht den Überlebenskampf von Vater und Tochter gleich eine Spur packender.

Crawl: Gesunde Härte

Zumal Aja in seiner typischen Art auch optisch keine Gefangenen macht. Zwar hat er schon deutlich blutigere Filme gedreht, aber auch für Crawl gilt: Wenn es blutig wird, dann wird es auch gezeigt. Für ein zartbesaitetes Publikum ist Crawl schon deshalb nicht sonderlich gut geeignet. Dazu kommen aber noch ausgezeichnet gesetzte Jump-Scares, die den Namen auch verdienen. Und eine gelungene Atmosphäre, die das Zusehen von Minute zu Minute unbehaglicher macht. Denn das Drehbuch schickt die Helden wieder Willen klug vom Regen in die Traufe.

Die Autoren waren zudem schlau genug, auf wie auch immer geartete Super-Ausgaben von Alligatoren zu verzichten und blieben stattdessen auch hier eng an der Realität. Die Raubtiere sind groß, aber nicht unglaubwürdig groß. Auch das verleiht Crawl eine Authentiztät, die der Spannung gut tut. Denn statt einem kühlen Zuschauerinteresse, wie es komplett unrealistische Plots oft auslösen, fiebert man hier unwillkürlich mit, weil der kleine Funken im Kopf, der ständig wiederholt, dass so etwas tatsächlich passieren könne, einfach nicht verstummen will.

Dennoch ist Crawl kein knochentrockener Horror. Mit gelegentlichen, absichtlich übertriebenen Szenen schafft Aja für den Zuschauer immer wieder eine befreiende Distanz – wenn auch nicht lange. Aber das unterscheidet den guten Crawl letztlich von seinen noch besseren Frühwerken, bei denen er sein Publikum keine Sekunde vom Haken ließ und die Spannung fast ins Unerträgliche steigerte. Da ist der Franzose offenbar doch etwas altersmilde geworden – oder das Studio wollte keinen derartig harten Film haben.

Fazit:

Nach längerer Horror-Pause meldet sich Alexandre Aja, Mitbegründer der neuen französischen Härte Anfang der 2000er, mit Crawl eindrucksvoll zurück. Der temporeiche, nie zu unglaubwürdige Tier-Horror besticht mit gut aufgebauter Spannungskurve, glaubhaftem Plot und genug unangenehmen Szenen, dass Horrorfans auf ihre Kosten kommen. Wer allerdings einen zweiten High Tension oder Hills Have Eyes erwartet, wird vielleicht enttäuscht sein. Crawl ist deutlich mehr Mainstream als Ajas Frühwerke.

Crawl startet am 22. August 2019 in den deutschen Kinos.

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Chucky ist in Horrorkreisen nicht weniger als eine Ikone. War der erste Teil noch ein gradliniger Slasher, entwickelte sich die Serie – ähnlich wie Freddy Kruger – bald immer mehr zum augenzwinkernden Splatterspaß, immerhin sechs weitere Teile lang. Und Brad Dourif, die englische Stimme von Chucky, wurde ebenfalls zum Star. Nun ist im Original eine weitere Ikone zu hören – Mark Hamill, der bereits den Joker in zahlreichen Animationsfilmen zum Leben erweckte. Liefert der norwegische Regisseur diesmal einen ordentlichen Horrorfilm ab?

Childs Play: Die Handlung

Andy (Gabriel Bateman) hat keine leichte Kindheit. Seine alleinerziehende Mum Karen (Aubrey Plaza, „Legion“) hält die beiden mit einem miesen Job als Verkäuferin in einem Spielzeugladen gerade so über Wasser. Und seit dem Umzug in einen heruntergekommen Mietblock hat Andy auch keine Freunde mehr. Deshalb ist er auch zuerst sehr skeptisch, als seine Mum ihm als Geschenk eine der neuen Puppen mitbringt, die per Chip und Software zum lernenden besten Freund werden sollen und so ideale Spielkameraden abgeben.

Doch tatsächlich merkt Andy schnell, dass Chucky, wie die Puppe bald heißt, etwas Besonderes ist. Wo andere Ausgaben der Puppe artig auf Befehl einnicken oder schweigen, ist Chucky nicht bereit, sich in seiner Liebe zu Andy von solchen Dingen ausbremsen zu lassen. Und so wird die Puppe bald immer unheimlicher, statt sich zum dicken Kumpel zu entwickeln. Als Andy deshalb versucht, Chucky in seine Schranken zu weisen, beschwört er damit eine Katastrophe herauf, die bald immer größere Kreise zieht …

Childs Play: Ein ganz neuer Chucky

Einen neuen Dreh findet Klevberg gleich zu Beginn. War es im Original noch ein sterbender Serienkiller, der seine Seele in den Puppenkörper übertrug, so ließ sich Klevberg von John Carpenter inspirieren. Der Horror-Altmeister hatte in seiner Verfilmung von Stephen Kings „Christine“ den Wagen schon kurz nach der Endmontage zum Bösen konvertieren lassen. Und Klevberg wählt einen ähnlichen Ansatz. Und macht aus Chucky eine böse KI, die beim Zusammenbauen von einem wütenden Arbeiter ohne moralische Grenzen programmiert wird.

Durch diesen Kniff vermeidet Klevberg nicht nur den Vergleich zwischen Dourif und Hamill, sondern kann auch Tyler Burton-Smiths Drehbuch mit einem frischen Ansatz in Szene setzen. Obwohl Fans der Serie vieles bekannt vorkommen dürfte, weil die Leitmotive sich nicht ändern, sind die Details doch unterschiedlich genug, um auch Chucky-Fans der ersten Stunde ein paar neue Ideen zu servieren. Ob sie die mögen, hängt allerdings stark davon ab, ob sie sich mit Änderungen anfreunden können – oder eben nicht.

Childs Play: Humor trifft Blut

Klevberg ist aber auch klug genug, um Chuckys Markenzeichen – originelle und recht blutige Morde – beizubehalten. Und schafft so ein paar wunderbar makabere Momente, die mit ihrem schwarzen Humor gut funktionieren. Und dem Fan der Reihe daher auch nicht allzu viele Neuheiten zumuten. Denn auch der KI im neuen Chucky fallen genug fiese Kommentare ein, die er seinen sterbenden Opfern noch hinterherschickt. Und Hamill verleiht ihnen trotz eigentlich emotionsloser Stimme genau die richtige Menge Bosheit, um zu wirken.

So gelingt Klevberg ein sehenswertes Remake, dass trotz vieler Ähnlichkeiten genug eigene Ideen mitbringt, um sich eine Daseinsberechtigung zu schaffen. Und die Figur der Mörderpuppe nicht zu demontieren. Mit Aubrey Plaza fand er zudem eine perfekt Besetzung für eine schräge Mutterfigur. Und Gabriel Bateman als Andy schlägt sich ebenfalls gut als Außenseiter, der bald feststellen muss, dass die kluge Puppe nicht so einfach aufzuhalten ist. Und der auch genug komödiantisches Talent für die witzigen Momente mitbringt.

In einem bislang eher bescheidenen Horror-Jahr fällt Childs Play daher durchaus positiv auf, auch wenn der Film durchaus etwas mutiger hätte ausfallen dürfen. Denn bei der handwerklichen Umsetzung verlässt sich Klevberg doch sehr auf eigentlich ausgetretene Pfade und zeigt wenig Innovation. Für Genre-Fans mit Spaß an Retro-Horror ist der Film dennoch einen Kinobesuch wert. Denn die Grundidee der fiesen Killerpuppe hat von ihrem dunklen Charme über die Jahre nichts eingebüßt. 

Fazit:

Neuer Chucky, alter Charme! Auch in der Neuauflage funktioniert der Puppen-Horror noch immer, zumal sich auch der Blutfaktor des Remakes eng ans Original hält. Und die Änderungen bringen, wenn in der Menge auch überschaubar, ein paar originelle Neuerungen in den bekannten Plot. Für Horror-Fans ist Childs Play daher auch recht genau das, was sie erwartet haben dürften. Obwohl mit ein wenig mehr Mut zu Änderungen das Remake noch besser hätte ausfallen können.

Childs Play startet am 18. Juli 2019 in den deutschen Kinos.

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In seiner Karriere hat Stephen King schon so manchen Horror-Schocker geschrieben, doch bei Friedhof der Kuscheltiere fand sogar der Autor, dass dieses Buch nicht erscheinen sollte. King empfand es selbst als zu trostlos, zu düster. Doch weil er Jahre später einen Buch-Deal abgeschlossen hatte und etwas liefern musste, überredete ihn seine Frau, die Geschichte aus der Schublade zu holen. Und nun ist es der erste große Roman Kings, der bereits zum zweiten Mal für die Leinwand adaptiert wurde. Wo liegen die Unterschiede zum Buch und zur ersten Version?

Friedhof der Kuscheltiere: Die Handlung

Weil er einen neuen Job als Arzt an der nahen Universität antritt, zieht Louis Creed (Jason Clarke) mit seiner Frau Rachel (Amy Seimetz) und den Kinder Ellie (Jeté Lawrence) und Gage (Hugo und Lucas Lavoie) in ein Haus in der Kleinstadt Ludlow in Maine. Schon am ersten Tag erleben die Creeds mit, wie einige Kinder aus der Nähe mit Tiermasken verkleidet hinter ihrem Grundstück in den Wald ziehen, um einen toten Hund dort zu begraben. Der neue Nachbar Jud (John Lithgow) erzählt Louis, dass der Friedhof der Kuscheltiere schon Jahrzehnte existiert.

Denn Ludlow wird von einer Schnellstraße durchzogen, die auch direkt am Haus der Creeds vorbeiführt und durch rasende Trucks schon vielen Haustieren im Dorf das Leben gekostet hat. Und es bleibt bedrohlich in Ludlow. Bald muss Louis als Uni-Arzt seinen ersten Toten beklagen. Student Victor Pascow hatte einen Unfall und zog sich tödliche Schädelverletzungen zu. Doch nach seinem Tod scheint der Leichnam noch einmal kurz zu erwachen und warnt Louis ausdrücklich vor dem Friedhof. Bald darauf wird Ellies Katze Church überfahren und Nachbar Judd hat eine Idee, was zu tun ist …

Friedhof der Kuscheltiere: Neue und alte Fehler

Grundsätzlich hält sich auch die zweite Verfilmung recht dicht an die Originalgeschichte von King. Allerdings weicht sie in Details davon ab, wie auch schon der erste Film von 1989. Während es im Roman beispielsweise viele Seiten dauert, bis Louis nach dem Tod seines Kindes eine Entscheidung darüber trifft, ob er es an dem unheiligen Ort begraben soll oder nicht, ignorieren beide Filme diesen langen, inneren Kampf und setzen Tod und Wiederkehr in nur wenigen Minuten um. Das nimmt der Geschichte viel von ihrer emotionalen Tiefe.

Dazu bekommt Nachbar Jud im Roman eine durchaus starke Motivation der Dankbarkeit, aus der heraus er Louis von dem Ort im Wald erzählt und ihm hilft, Ellies Katze zu retten. Im neuen Film ist dieses Motiv kaum vorhanden und das Publikum fragt sich zurecht, warum der alte Mann sein Geheimnis überhaupt weitergegeben hat. Dazu wird ein wichtiger Rückblick des Romans – die Geschichte von Timmy Baterman, des ersten Menschen, der auf dem Friedhof begraben wurde. komplett weggelassen. Jud offenbart die Story im Roman, um Louis von seinem Plan abzuhalten, sein totes Kind dort zu begraben.

Friedhof der Kuscheltiere: Holprige Inszenierung

Doch der neue Film hat nicht nur inhaltlich seine Schwächen. Während das Set-Design des Kuscheltier-Friedhofs beispielsweise extrem gelungen ist, fällt die Optik des alten Indianer-Friedhofs, der das Grauen auslöst, merklich ab und wirkt fast wie die Kulisse eines Hammer-Films aus den 50er Jahren. Dazu greifen Widmyer und Kölsch immer wieder unnötig auf Jump-Scares zurück, weil sie offenbar ihrer eigenen Dramaturgie nicht trauen. Dabei wäre die Story  – gut umgesetzt – sicher  derart gruselig und tragisch, dass es billige Tricks wie plötzliche, laute Geräusche nicht bräuchte.

Auffällig schwach getrickst ist auch der Unfall auf der Straße. Denn im Gegensatz zum restlichen Film, bei dem die Regisseure weitgehend auf handgemachte Effekte setzen, kommt der Truck-Crash aus dem Computer – und das sieht man auch sehr deutlich. Das ist ärgerlich, weil es Friedhof der Kuscheltiere ebenso schwächer macht wie die vorhersehbare Inszenierung, die möglichst viele Schocks setzen will. Das hat Mary Lambert 1989 besser gemacht, als sie der düsteren Story mehr vertraute und kaum Jump-Scares nutzte.

Dennoch ist Friedhof der Kuscheltiere kein schlechter Film. Er bleibt nahe genug am Original, um King-Fans nicht zu verärgern, ist von allen Schauspielern stark gespielt und verändert das Ende nachvollziehbar, um wenigstens dort etwas wirklich Neues zu liefern. Aber insgesamt ist die zweite Verfilmung des Romans von King sehr konventionell geraten und bietet daher nur für Horror-Neulinge oder King-Leser, die sich normalerweise nicht ins Kino verirren, echten Schrecken. Das große Potenzial von Kings Version des Frankenstein-Mythos bleibt auch diesmal ungenutzt.

Fazit:

Ein paar Schwächen hat die neue Adaption von Kings Roman Friedhof der Kuscheltiere, bietet aber insgesamt ein Kino-Erlebnis, bei dem die meisten den Roman, den sie kennen, auch wiederfinden. Und das für Nichtkenner der Story auch eine paar derbe Schocks zu bieten hat. Allerdings ist das Regie-Duo Widmyer und Kölsch hier sehr wenig Risiko gegangen und hat den Film relativ bieder und qualitativ nicht immer auf hohem Niveau inszeniert. Mit der Version von 1989 kann der neue Film mithalten, die Tiefe des Romans erreicht er aber in keiner Szene.

Friedhof der Kuscheltiere startet am 4. April 2019 in den deutschen Kinos.

Welche Horror-Film kommen noch ins Kino? Hier gibt es die Übersicht.

Einen Überblick über neue Filme und Serien nach Stephen King-Werken finden Sie hier.

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Obwohl es eigentlich auf der Hand liegt, wird eine Leichenhalle als spannungserzeugendes Szenario gar nicht so häufig verwendet, wie man vielleicht denkt. Ein prominentes Beispiel ist die Horrorkomödie „Re-Animator“, die zu großen Teilen dort spielt – und reichlich Kunstblut dabei verbraucht. Aber es geht auch subtiler. So ist „Nightwatch“, ein fieser Thriller des dänischen Regisseurs Ole Bornedal nicht nur die erste große Rolle von Nikolaj Coster-Waldau, sondern auch verdammt spannend. Und 2017 überzeugte „The Autopsy of Jane Doe“, der fast ausschließlich in der Leichenhalle spielt. Wie schlägt sich The Posession of Hannah Grace im Vergleich?

The Posession of Hannah Grace: Die Handlung

Nachdem sie ihrer Meinung nach den Tod ihres Partners verschuldet hat, versank Polizistin Megan (Shay Mitchell) in Alkohol und Drogen – und verlor Job und Freund Andrew (Grey Damon). Um wieder auf die Beine zu kommen, besorgt ihre AA-Patin Lisa (Stana Katic), die als Krankenschwester arbeitet, Megan einen Job in der Leichenhalle des Krankenhauses. Dort soll sie die Nachtschicht übernehmen und ankommende Leichen von Krankenwagen in die dafür vorgesehenen Fächer bringen. Angst macht der Ex-Polizistin dieser Job nicht.

Das ändert sich eines Nachts, als die übel zugerichtete Leiche einer jungen Frau namens Hannah (Kirby Johnson) bei Megan eintrifft. Tiefe Schnittwunden und Verbrennungen lassen auf einen gewaltsamen Tod schließen – und seltsamerweise versagt beim Aufnehmen der Leiche komplett die Technik. Megan kann weder Fotos machen, noch die Fingerabdrücke in der Datenbank abgleichen. Und das ist nur der Auftakt einiger seltsamer Vorgänge, die offenbar mit dem Körper der jungen Hannah zu tun haben …

The Posession of Hannah Grace: Stimmungsvoller Beginn

Nachdem der Film mit einem unoriginellen, aber immerhin handwerklich sauber gemachten Exorzismus startet, der schon nach fünf Minuten alle Spekulation um die namensgebende Figur beendet, baut The Posession of Hannah Grace langsam, aber gekonnt, eine unheimliche Atmosphäre auf. Dabei helfen eigentlich unspektakuläre Dinge wie die Beleuchtung, die sich widerwillig per Bewegungsmelder einschaltet. Und die langen dunklen Flure der Leichenhalle, die durch diffuses Licht der eigenen Phantasie viel Freiraum lassen.

Weniger Mühe macht sich der Film dagegen bei der Charakterzeichnung der Figuren. So wirkt die Drogenabhängigkeit von Megan angesichts der wenig überzeugend spielenden Shay Mitchell eher aufgesetzt als glaubhaft. In der Theorie wäre dieser Kniff, dass Megan deshalb an dem zweifelt, was sie sieht, sogar ganz sinnvoll. Hätte der niederländische Regisseur Diederik Van Rooijen im Verbund mit Autor Sieve nicht schon vorab klar gemacht, dass Hannah Grace wirklich vom Bösen besessen und somit alles echt ist, was Megan beobachten muss.

The Posession of Hannah Grace: Finale Enttäuschung

Kirby Johnson verkörpert die gar nicht so tote Leiche dank ihrer Ausbildung als Kontortionistin (Schlangenmensch) recht unheimlich, da sie mit ihrem Körper Dinge anstellt, die sehr schmerzhaft aussehen. Die fiese Tonspur, die zu den Verrenkungen entsprechend derbe Geräusche beinhaltet, funktioniert auch ausgezeichnet. Und so fragt sich mancher Zuschauer in der ersten Stunde garantiert, wie der Film eine derart schlechte Wertung bekommen konnte. Das liegt beinahe ausschließlich am finalen Akt der Geschichte.

Denn gruselige Ausgangspositionen zu schaffen, das gelingt vielen Filmen. Sie aber sinnvoll und glaubwürdig zu Ende zu bringen, daran scheitern etliche Horrorstoffe. Das gilt auch für The Posession of Hannah Grace. Denn wenn die vermeintliche Leiche richtig aktiv wird und das Sterben beginnt, geht eine Menge der vorher aufgebauten Stimmung verloren. Zu beliebig wirken die Aktionen des Dämonen, zu unklar ist die Motivation, manche Dinge zu tun – und andere nicht. Und echte Überraschungen oder auch nur gelungene Twists sind den Kreativen auch nicht mehr eingefallen.

Und so bleibt The Posession of Hannah Grace trotz guter Ansätze deutlich hinter dem wirklich originellen The Autopsy of Jane Doe zurück. Hätte Drehbuchautor Sieve sich ein wenig mehr Zeit genommen und auf bessere Ideen gewartet, hätte daraus ein deutlich besser Film werden können, denn handwerklich ist hier kaum etwas auszusetzen. Und eine völlige Katastrophe wie beispielsweise „Polaroid“ ist The Posession of Hannah Grace trotz des schwachen Finales auch nicht geworden. Dazu ist die erste Stunde einfach zu gut.

Fazit:

Schade, dass The Posession of Hannah Grace im letzten Drittel Ideen und Spannung verloren gehen, denn die erste Stunde des Films kann sich durchaus sehen lassen. Doch je länger der Film dauert, desto offensichtlicher wird, dass der Film seinem Publikum doch nur Besessenheits-Einheitsbrei auftischen will. Das mag für unerfahrene Horrorfans dennoch ganz gut funktionieren, wer aber schon den einen oder anderen Klassiker gesehen hat, wird sich von diesem Finale sicher nicht erschrecken lassen.

The Posession of Hannah Grace startet am 31. Januar 2019 in den deutschen Kinos.

Welchen Horror das Kinojahr 2019 noch bereithält, erfahren Sie hier.

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Regisseur und Autor Steven Susco hat vorher noch nie Regie geführt, allerdings schon einige Drehbücher zu Horrorfilmen abgeliefert. So schrieb er unter anderem an „Texas Chainsaw“ mit und dachte sich die Storys für die US-Remakes von „The Grudge“ Teil eins und zwei aus. Das sind zwar keine exquisiten Referenzen, aber auch keine ganz fürchterlichen. Ein wenig Hoffnung auf einen guten Horrofilm war in Bezug auf Unknown User 2 also durchaus erlaubt. Hat die sich als begründet erwiesen?

Unknown User 2: Die Handlung

Matias (Colin Woodell) hat in einem Internet-Cafe ein Macbook mitgehen lassen, das dort schon seit mehreren Wochen herumsteht. Zwar plagt ihn ein wenig das schlechte Gewissen, aber er braucht dringend einen besseren Computer für sein Herzensprojekt. Er arbeitet an einer Software, die gesprochene Sprache in Gebärdensprache umwandelt, damit er sich besser mit seiner taubstummen Freundin Amaya (Stephanie Nogueras) verständigen kann. Beim gemeinsamen Online-Spieleabend mit seinen engen Freunden nutzt er das Gerät nun zum ersten Mal.

Doch bald macht das neue Macbook ersten Ärger. Immer wieder wird er über soziale Medien von Kontakten angesprochen, die offensichtlich den Vorbesitzer des Computers meinen. Und der scheint kein besonders netter Zeitgenosse gewesen zu sein. Als Matias dann feststellt, dass die Festplatte des Rechners fast voll ist, obwohl überhaupt keine Inhalte im Menü erscheinen, fragt er einen Freund um Hilfe. Und findet Umengen von versteckten Videos, in denen anscheinend Menschen zu Tode gequält werden …

Unknown User 2: Konsequent und clever

Kaum zu glauben, aber Susco hält den Look des Films konsequent über die gesamten 92 Minuten durch. Der Zuschauer sieht nur das, was Matias und seine Freunde über ihre Computer sehen und tun – nicht mehr. Dabei nutzt er zwar Hacks wie Überwachungskameras im Freien, doch die Prämisse, einen modernen Cyber-Thriller zu erzählen, gibt Susco nie auf. Diese Idee ist zwar nicht komplett neu, aber doch noch frisch. Und Susco setzt sie mit seinem Kameramann Kevin Stuart sehr clever und gekonnt ein.

Denn schon in den ersten Minuten erzeugt Susco durch aufpoppende Fenster mit seltsamen Botschaften erste Unsicherheit beim Publikum, ob der Diebstahl dieses Macbooks wirklich so eine gute Idee war. Und führt den Zuschauer dann immer tiefer in einen dunklen und bitterbösen Trip, dessen ganze perfide Wucht erst in den allerletzten Minuten wirklich aufgelöst wird. Vorher spielt der Autor und Regisseur klug mit den Vorstellungen der Zuschauer, die denen seiner Protagonisten sehr ähnlich sind. 

Unknown User 2: Unblutig, aber bitterböse

Susco gelingt es dabei, seine Spannungskurve zu Beginn durch Kleinigkeiten so zu steigern, dass die Zuschauer bald darauf trainiert sind, jede kleine Veränderung auf dem Bildschirm wahrzunehmen. Und bei jedem Mal einen weiteren Baustein zu bekommen, der ihr schon anfängliches Misstrauen immer mehr bestätigt. Schon nach 30 Minuten ist sicher, dass diese Geschichte deutlich düsterer und beklemmender wird, als man zu Beginn vermutet hätte. Bis Susco sein Finale in einer Weise eskalieren lässt, die man beim besten Willen nicht kommen sieht.

Dank seiner guten Schauspieler, die die wachsende Angst glaubwürdig spielen, funktioniert die Story auch emotional sehr gut. Wenn die ersten Freunde von Matias ernsthaft bedroht werden, fiebern die Zuschauer mit jedem einzelnen mit. Da Susco vorher mit kurzen, gut geschriebenen Momenten für eine Bindung zu ihnen gesorgt hat. Das Publikum möchte die manchmal albernen, aber dennoch sympathischen Figuren eigentlich nicht leiden oder gar sterben sehen. Deshalb schockt Unknown User 2 auch weit mehr, als manch einer vielleicht erwartet hat.

Ob der Zuschauer den Plot nun glaubwürdig findet oder nicht, dürfte Geschmackssache sein. Manch einer wird sich auch über die Reaktion des einen oder anderen Protagonisten aufregen und hätte alles bestimmt ganz anders gemacht. Trotzdem gelingt es Susco, den immer substanzieller werdenden Kampf der kleinen Gruppe gegen eine diffuse Bedrohung so intensiv zu inszenieren, dass Unknown User 2: Dark Web Fans von atmosphärischem Horror gefallen sollte. 

Fazit:

Erstaunlich clever und richtig böse: Unknown User 2:  Dark Web ist eine angenehm fiese Horror-Überraschung zum Jahresende, an dem sich allerdings die Geister scheiden werden. Wer sich auf die Story gar nicht einlassen kann, wird langweilige 92 Minuten im Kino verbringen. Wem die immer stärker bedrohte Freundesrunde aber ans Herz gewachsen ist, dürfte eine ständig wachsende Spannung verspüren, die sich erst in einem sehr sehenswerten Finale entlädt.

Unknown User 2: Dark Web startet am 6. Dezember 12018 in den deutschen Kinos.

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Januar

Insidious: The Last Key

Im inzwischen vierten Teil der Reihe ist Hellseherin Elisa die Hauptfigur, denn in ihrem Elternhaus geht es auch nicht mit rechten Dingen zu. Ob das Konzept noch immer trägt? Verleiher Sony zeigte den Film vorab nicht – meist kein gutes Zeichen. Insidious: The Last Key startet am 4. Januar 2018 in den deutschen Kinos.

Prognose: Bestenfalls routinierter Grusler ohne neue Ideen.

Februar

Heilstätten

Ein Horrorfilm aus Deutschland? Das muss man sich ja eigentlich rot im Kalender anstreichen. Zwar verrät der kurze Trailer bisher nicht allzu viel, aber schon der Mut, sich an einem Horrorfilm zu versuchen, ist aller Ehren wert. Regisseur Michael David Pate hat allerdings bislang wenig Erfahrung, zudem steht „Kartoffelsalat“ auf seiner kurzen Schaffensliste. Das dämpft die Erwartungen. Zur Handlung: Eine Horde Teenies will 24 Stunden in dem unheimlichen Gebäude in der Nähe von Berlin ausharren, indem es spuken soll. Bald merken sie, dass an den Gerüchten etwas dran ist … Am 22. Februar kommt Heilstätten in die deutschen Kinos.

Hier gibt es die Kritik zu Heilstätten.

Prognose: Wenn Pate es schafft, etwas Eigenständiges zu schaffen, vielleicht eine positive Überraschung. Sonst wohl ein müder Abklatsch US-amerikanischer Vorbilder.

März

Winchester – Das Haus der Verdammten

Nachdem Sarah Winchester (Helen Mirren) ihre ganze Familie verliert, ist sie überzeugt davon, dass ein Fluch auf ihr lastet. Mithilfe eines Mediums baut sie sich ein ganz spezielles Haus zum Schutz. Was nicht sonderlich aufregend klingt, ist mit Helen Mirren aber prominent besetzt und wurde von den Spierig-Brüdern geschrieben und inszeniert. Die haben zwar Jigsaw 8 gehörig daneben gesetzt, vorher aber bereits ein paar schöne Genreperlen wie „Daybreakers“ und „Predestination“ abgeliefert. Das lässt hoffen. Winchester – Das Haus der Verdammten startet am 15. März in den deutschen Kinos.

Hier gibt es die Kritik zu Winchester.

Prognose: Wenn die Spierig-Brüder ihre Jigsaw-Flaute hinter sich gelassen haben, dürfte das zumindest ein interessanter Film werden, vielleicht sogar ein guter.

April

X-Men: New Mutants

Eigentlich haben Superhelden-Filme in Horrorfilm-Aufstellungen ja nichts zu suchen, aber Josh Boone hatte nach „Das Schicksal ist ein mieser Verräter“ offenbar Lust, das Genre mit frischem Blut zu versehen – und zwar mit möglichst viel davon. Die Story von fünf jungen Mutanten, die von unheimlichen Kräften gejagt werden, macht zumindest im Trailer einen waschechten Horror-Eindruck und steht hoffentlich zurecht hier. Und mit Anya Taylor-Joy und Maisie Williams hat Boone auch noch angesagte Jungstars an Land gezogen. Am 12. April wissen wir dann mehr. Update: Wurde inzwischen auf August 2019 verschoben!

Prognose: Wenn Boone sich tatsächlich der sehr gruseligen „Demonbear“-Saga angenommen hat, kann das ein dunkles Highlight für Superheldenfans werden.

Ghostland

Bereits Anfang April kommt ein potenzieller Horrorhit in die Kinos. Mit „Ghostland“ meldet sich Pascal Laugier, einst Vertreter der ultraharten französischen Horrowelle Anfang der 2000er („Martyrs“) mit einem neuen Film zurück. In Ghostland kehrt die erfolgreiche Horrorautorin Beth in das Haus zurück, indem sie mit ihrer Mutter und Schwester lebte und einst schreckliche Dinge ertragen musste. Doch der Besuch bleibt nicht ohne Folgen und weckt alte Geister …

Prognose: Laugier hat stets Filme gemacht, die es auf irgendeine Art in sich hatten. Auch Ghostland dürfte da keine Ausnahme bilden und ziemlich sicher ein Horror-Higlight 2018 werden.

Und damit lagen wir richtig! Die Kritik zum Film gibt es hier.

Ghost Stories

Martin Freeman hat Hobbit und Dr. Watson hinter sich gelassen. Als Prof. Goodman, der nicht an übernatürliche Phänomene glaubt, sieht er sich drei besonders gruselige Fälle an. Natürlich will er sie als Humbug oder Trick entlarven, doch die Sache gestaltet sich schwieriger – und unheimlicher – als er gedacht hatte. In England, wo er bereits 2017 lief, fand der Film sein Publikum, ab 19. April versucht Ghost Stories das auch bei uns.

Prognose: Innovativ ist der Trailer nicht gerade, aber vielleicht hat der Film mit Martin Freeman noch ein As im Ärmel. 

Gruseliger, guter Film! Die Kritik zum Film gibt es hier.

A Quiet Place

John Krasinski inszenierte und spielte die Hauptrolle in diesem laut Trailer gruseligen Sci-Fi-Film. Die Erde wurde von Außerirdischen erobert, die ihre Beute – die Menschen – durch Geräusche entdecken. Deshalb sind die letzten Überlebenden darauf angewiesen, mucksmäuschenstill zu sein und sich in Zeichensprache zu verständigen. Aber klappt das auf Dauer? Am 10. Mai kommt der Film in die deutschen Kinos.

Prognose: John Krasinski, Emily Blunt und ein mächtig spannender Trailer – das kann etwas werden!

Das ist auch was geworden! Die Kritik zum Film finden Sie hier.

Mai

Truth or Dare

Blumhouse Productions lassen nicht locker. Nach etlichen Hits („Happy Death Day“, „Get Out“) kommt auch 2018 ein Horrorfilm aus dieser Schmied in die Kinos. Diesmal sieht das allerdings arg generisch aus: Eine Gruppe Twens wird nach und nach Opfer eines „Wahrheit oder Pflicht“-Spiels, dass offenbar als Fluch seine Mitspieler tötet. Regisseur Jeff Wadlow hat auch noch keinen Hit abgeliefert. Dieser Film startet am 10. Mai in Deutschland.

Prognose:  Da muss schon deutlich Originelleres passieren als im Trailer, damit dieser Film überzeugt.

So ganz falsch lag unsere Prognose nicht, aber schlecht ist Wahrheit oder Pflicht auch nicht, die Kritik gibt es hier.

Slender Man

Seit er 2009 erfunden wurde, erfreut sich der Slender Man, eine Art fiktive Gruselgestalt im Internet, immer größerer Beliebtheit. Nun bekommt er sogar seinen eigenen Film. Joey King („Wish Upon“) und einige andere Teenies versuche, die Begegnung mit dem gesichtlosen Monster zu überleben. Wir lehen uns mal aus dem Fenster und tippen: Nicht alle schaffen das. Regie führt Sylvain White, der bislang nur den letzten „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“-Teil drehte – vor zwölf Jahren. Der Film startet am (Update: 30.8.2018) in den deutschen Kinos.

Prognose: Es bestehen arge Zweifel, ob das mehr ist als die übliche Teeniejagd durch ein unheimliches Wesen.

Juli

The Purge 4: The Island

Teil vier setzt chronologisch ganz am Anfang an und erzählt uns, wie es mit dem blutigen Ritual der Reinigung begann. Mastermind James DeMonaco hat den Film diesmal nur geschrieben und produziert, Regie führt nun Gerard MacMurray. Der Film kommt am 5. Juli in die deutschen Kinos.

 

Prognose: Schon nach Teil eins hatte man die Reihe tot gesagt, das hat ihr aber nicht geschadet. Vielleicht ist auch der neueste Teil besser als erwartet.

 The Nun

Sie war die Gruselkönigin aus „The Conjuring 2“, nun bekommt der Dämon, der wie eine Nonne aussieht, seinen eigenen Film. Statt Vera Farmiga ist nun die kleine Schwester Taissa im Kampf mit dem Bösen, Serienerfinder James Wan produziert allerdings nur, Regie führt Corin Hardy. Der gab sein Debut immerhin mit dem ordentlichen „The Hallow“. Und „Annabelle 2“ hat 2017 bewiesen, dass auch die Spin-Offs von The Conjuring durchaus funktionieren können. Der Film startet am 12. Juli in den deutschen Kinos.

Prognose: James Wan weiß, was er tut und wie es geht, also dürfte auch The Nun mindestens Horror auf gehobenem Niveau bieten, vielleicht einer der besten Horrorfilme 2018 werden.

Update: Leider legt Blumhouse mit diesem Film den ersten Flop der Conjuring-Reihe hin.

August

Meg

Dass dieser Film tatsächlich noch einmal das Licht der Welt entdeckt, hätte Steve Alten, Autor der Romanvorlage, wohl auch nicht mehr vermutet. Mehr als zehn Jahre dümpelte der Stoff um eigentlich ausgestorbenen Riesenhai Megalodon in der Entwicklungs-Hölle – nun kommt er doch noch, mit Star Jason Statham – am 30. August.

Prognose: Eigentlich kann der Film nur funktionieren, wenn das Riesenbiest richtig Angst macht. Da Warner einen PG-13-Film möchte, wäre ein Action-Horrorfilm mit Biss eine Überraschung.

September

The Silence

Parasitäre Insekten verwandeln ihre Wirte, eine große Horde Fledermäuse, in blutrünstige Bestien, die blind sind, aber fast jedes Geräusch wahrnehmen. Was nach fiesem Monstertrash klingt, ist mit Stanley Tucci und Miranda Otto gut besetzt und basiert auf einem erfolgreichen Horrorroman. Am 6. September nehmen die Biester Kurs auf die deutschen Kinos.

Prognose: Ob es mehr wird als der übliche Tierhorror, wird vor allem am Plot liegen. Ist der besser als das „Zehn kleine Negerlein“-Prinzip, kann es etwas werden.

Update: auf 2019 verschoben

Oktober

Halloween, der am 25. Oktober in die deutschen Kinos kommt, kann leider nicht völlig überzeugen.

Eher ein Remake als eine Fortsetzung, die Kritik gibt es hier.

November

The Posession of Hannah Grace (ehemals „Cadaver“)

Ein weiblicher Ex-Cop schiebt Nachtdienst in der Leichenhalle eins Krankenhauses. Und schon bald sieht sie Dinge, die sich mit dem gesunden Menschenverstand nicht erklären lassen. Die Frage ist nur, ob sie den noch hat. Viel mehr als die Besetzung mit Shay Mitchell und Stana Katic ist noch nicht bekannt, originell klingt das aber nicht. Der Film startet am 13. September in Deutschland.

Prognose: Das sieht nach einem zumindest ansehnlichen Horrorfilm aus.

Update: verschoben auf den 31. Januar 2019

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Die Zeit von Jack the Ripper übt bist heute für viele Menschen eine ganz besondere Anziehungskraft aus. Unzählige Filme und Serien wurden schon in dieser Ära angesiedelt, selbst wenn sie inhaltlich wenig oder gar nichts mit dem berüchtigten Serienkiller zu tun haben. Auch The Limehouse Golem macht sich diese Faszination zunutze, erzählt aber auch von anderen Facetten der damals wohl interessanten Stadt Europas.

The Limehouse Golem: Die Handlung

Im Londoner Elendsviertel Limehouse werden Einwohner bestialisch umgebracht. Weil nie verwertbare Hinweise zu finden sind, teilt man den Fall dem unbeliebten Inspektor John Kildare (Bill Nighy) zu. Und der stößt bald mithilfe seines fleißigen Constable Flood (Daniel Mays) auf eine heiße Spur. Durch in Blut geschriebene Sätze an den Tatorten entdeckt Kildare ein Buch in der Bibliothek, dass offenbar in direktem Zusammenhang mit den Morden steht. Und kurze Zeit später hört er vom Fall der jungen Lizzie Cree (Olivia Cooke), die ihren Mann vergiftet haben soll. Besteht zwischen den Morden und dem Tod des Schriftstellers John Cree ein Zusammenhang?

The Limehouse Golem: Kluges Erzählkino

Der Film basiert auf einem Roman des historisch bewanderten Autoren Peter Ackroyd, und das merkt man dem Drehbuch der „Die Frau in Schwarz“-Autorin Jane Goldman auch an. Sie konnte aus einem reichhaltigen Fundus aus der Geschichte Londons schöpfen. Und besonders der Bereich des komischen Boulevard-Theaters, indem damals oft Männer in Frauenrollen besondere Berühmtheit erlangten, nimmt im Film einen breiten Raum ein. So ist The Limehouse Golem denn auch deutlich mehr als nur die Jagd nach einem Killer. Der Film zeichnet auch ein spannendes Sittengemälde der damaligen Zeit.

Dass der Film so gut gelungen ist, hat Regisseur Juan Carlos Medina hauptsächlich seinem großartigen Cast zu verdanken. Bill Nighy verleiht mit seiner kühlen, zurückhaltenden Art dem Scotland Yard-Inspektor die nötige Glaubwürdigkeit beim Ermitteln und Schlussfolgern. Douglas Booth spielt den Schauspiel-Star Dan Leno mit soviel Charme und Hintergründigkeit, dass er ein steter Unruheherd in der Erzählung bleibt und man nie weiß, wo er eigentlich steht und welche Pläne ihn antreiben. Hauptfigur und Star des Films ist aber die junge Olivia Cooke, die nicht nur aussieht, als hätten Kate Winslet und Christina Ricci zusammen eine Tochter, sondern als angeklagte Gattenmörderin auch eine furiose Leistung zeigt. Mit ihr gemeinsam betreten wir die Zauberwelt des Theaters, dem wir ebenso erliegen wie Lizzie. Und das mit seinen eigenen Regeln und Sitten ohne viel Mühe eine Parallelwelt zur kalten nassen Pflastertstraße des Londoner Limehouse wird.

The Limehouse Golem: Nicht nur eine Mörderjagd

Die Rückblicke in Lizzies Kindheit und Jugend und die Geschichten im Theater unterbrechen immer wieder die Ermittlungen nach dem Mörder. So wird The Limehouse Golem für reine Thrillerfans sicher unbefriedigender sein als für Zuschauer, die Spaß an den Kulissen und Kostümen haben und auch die Scheinwelt der Bühne spannend finden. Optisch spricht der Film zwar Horrorfans an, aber nur in den wenigen Momenten, wenn Kildare die grausamen Taten untersucht. Die Morde selbst bleiben weitgehend der Phantasie des Publikums überlassen. Und je länger der Film läuft, desto mehr weicht die Neugier auf den geheimnisvollen Mörder auch der Sorge um die junge Lizzie, deren Prozess sich nicht unbedingt gut entwickelt.

Medina erzählt seine Geschichte dabei nie hektisch, manchmal gar etwas zu ruhig. Er verliert aber seine verschiedenen Erzählstränge nie aus den Augen und hält sie bis zum gelungenen Finale zusammen. Lediglich die angedeutete Homosexualität des Inspektors wirkt fehl am Platz. Nicht weil das Thema keine Aufmerksamkeit verdienen würde. Sondern weil es innerhalb der Story einfach keine Rolle spielt und im Sande verläuft. Echte Krimi- und Thrillerfans werden möglicherweise auch schon früh erraten, wer hinter den grausamen Morden steckt, eine gelungene Auflösung ist es trotzdem.

Fazit:

The Limehouse Golem ist deutlich mehr Historienfilm als harter Horror und kann dennoch mit gelungener Atmosphäre und einigen blutigen Bildern auch bei Grusel-Fans punkten. Wer früh die Lösung des Falles errät, kann sich immer noch an der tollen Atmosphäre, den Kostümen und der stimmigen Kulisse erfreuen. Wer nicht darauf kommt, für den hält das Ende auch noch eine echte Überraschung bereit. Ein etwas altmodischer, aber sehr sehenswerter Film mit wunderbaren Schauspielern. Wer Serien wie „Ripper Street“ oder „Penny Dreadful“ mochte, sollte hier unbedingt einen Blick riskieren.

The Limehouse Golem läuft ab dem 31. August in den deutschen Kinos.

Was in Sachen Horrorfilme 2017 noch in die Kinos kommt, lesen Sie hier.

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Die Filme nach den angeblich wahren Fällen des Geisterjäger-Ehepaares Warren haben in den vergangenen Jahren richtig Kasse gemacht. Sowohl The Conjuring als auch „The Conjuring 2“ wurden mächtige Hits und zeigten, dass gute Horrorfilme auch ohne Blutbäder ausgezeichnet funktionieren können. Und der clevere Regisseur und Produzent James Wan legte nach: Mit Annabelle und Annabelle 2 gibt es Spin-Offs zur Hauptserie, mit „The Nun“ steht für 2018 ein weiteres in den Startlöchern. Auch „The Crooked Man“, ein weiteres Gruselwesen aus der Reihe, soll seinen eigenen Film bekommen. Allerdings waren nicht alle Fans von der Qualität von Annabelle überzeugt. Macht es der zweite Teil besser und erfahren wir wirklich, wie es der Originaltitel „Annabelle: Creation“ verspricht, wie die dämonische Macht der Puppe in diese Welt kam?

Annnabelle 2: Die Handlung

Irgendwo in einem ländlichen Gebiet der USA: Das gottesfürchtige Ehepaar Samuel (Anthony LaPaglia) und Esther Mullins (Miranda Otto) hat bei einem furchtbaren Autounfall seine einzige Tochter Bee verloren. Nach langen Jahren der Trauer haben sie nun ihr großes Haus für eine Gruppe Waisenmädchen samt der Nonne Schwester Charlotte (Stephanie Sigman) geöffnet. Zwei der Mädchen, die gehbehinderte Janice (Talitha Bateman) und ihre beste Freundin Linda (Lulu Wilson), merken aber schon bald, dass es in diesem Haus nicht mit rechten Dingen zugeht. Dinge bewegen sich, verschlossene Türen sind plötzlich offen – und immer wieder taucht eine große Porzellanpuppe an Orten auf, an denen sie eigentlich nicht sein sollte. 

Bald haben einige der Mädchen unheimliche Begegnungen mit seltsamen Gestalten im Haus und immer mehr wird klar, dass die Waisen und das Ehepaar nicht die einzigen Bewohner sind – aber möglicherweise die einzigen von dieser Welt. Als Schwester Charlotte endlich ein paar Wahrheiten erfährt, ist es womöglich bereits zu spät, um das Grauen noch aufzuhalten …

Annabelle 2: Sauberes Handwerk

Für die Fans der Monster aus dem Conjuring-Universum stellen sich bei Annabelle 2 zwei Fragen. Passt das Prequel vernünftig zum ersten Film? Und ist auch dieser Film spannend und gruselig geraten?

Beides lässt sich eindeutig mit Ja beantworten. Der Film passt sauber mit den Geschehnissen von Annabelle zusammen und beantwortet die Frage, wie es zu der dämonisch besessenen Puppe kommen konnte. Und Regisseur David F. Sandberg, der im vergangenen Jahr den sehr guten „Lights Out“ in die Kinos brachte, leistet mit dieser Auftragsarbeit auch wieder gute Arbeit. Schon in Lights Out erwies sich Sandberg als Virtuose im Spiel mit Licht  und Schatten und das zeigt er mithilfe des Kameramannes Maxime Alexandre auch hier. Alexandre, der bereits einige beinharte Horrorfilme für Regisseur Alexandre Aja („High Tension“, „The Hills have Eyes“) fotografierte, beweist in Annabelle 2, dass er auch unblutig extrem spannende Bilder einfangen kann. Und mit der Vogelscheuche könnte bereits der nächste Spin-Off-Kandidat vor der Tür stehen.

Annabelle 2: Bekanntes Strickmuster

Dennoch zeigt sich in den Filmen um die Conjuring-Gestalten langsam eine gewisse Abnutzungserscheinung. Auch wenn die Szenen für sich genommen alle gut funktionieren, zieht doch allmählich eine gewisse Vorhersehbarkeit ins Franchise ein. Und das mindert in einigen Momenten die Spannung. Da es Sandberg nicht gelingt, sich stilistisch deutlich von den Vorgängern abzuheben, sieht der erfahrene Conjuring-Fan bei Annabelle 2 doch die eine oder andere Sequenz kommen. Und das ist natürlich dem Spannungsaufbau nicht unbedingt förderlich.

Dass man im Kino dennoch ordentlich mitfiebert, liegt vor allem an den sehr guten Darstellern. Sowohl LaPaglia und Otto als gebrochenes Paar, als auch die Mädchen erledigen ihre Aufgabe sehr gut. Daher lässt ihr Schicksal auch nicht kalt und man hofft – mitunter erfolglos – die Sache möge doch noch ein gutes Ende für diese Figur nehmen. Dabei gelingt es Sandberg, sowohl eine stetig wachsende Atmosphäre der Bedrohung aufzubauen, als auch einige sehr gelungene Jump-Scares zu schaffen. Nur so richtig neu und originell ist an der dämonischen Geisterschar eben nichts mehr. Möglicherweise macht James Wan es richtig, wenn er für The Conjuring 3 nicht als Regisseur zurückkehrt. Es wird langsam Zeit für frische Ideen.

Fazit:

Auch wenn so langsam ein wenig die Luft raus ist aus dem Franchise, so bietet Annabelle 2 noch immer gehobenen Grusel, der deutlich mehr die Nerven als den Magen strapaziert. Gute Darsteller und handwerklich saubere, mitunter brillante Bilder, sorgen auch hier für diverse Schockmomente. Ein guter Horrorfilm, nur eben nicht mehr von der Qualität eines The Conjuring 2. Vielleicht wäre es doch eine gute Idee, neue Filme und Spin-Offs in etwas größeren Abständen zu drehen. So bleibt der Eindruck, die Reihe könnte sich bald totlaufen.

Annabelle 2 startet am 24. August in den deutschen Kinos.

Was dieses Jahr noch an Horrorfilmen in die Kinos kommt, finden Sie hier.

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