Die Handlung

Der jüdisch-stämmige J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) ist eher ein Theoretiker denn ein Praktiker, das wird ihm schon im Studium klar, als Laborversuche regelmäßig in einem Fiasko enden. Doch er ist ein brillanter Kopf, stellt kluge Fragen. Und kann sogar den damals bereits legendären Physiker Nils Bohr (Kenneth Branagh) beeindrucken, der ihm zu weiteren Studien bei Kollegen in ganz Europa rät. Zurück in den USA sieht er die wachsende Bedrohung Europas durch die Nazis zunehmend mit Sorge. Zudem ist Oppenheimer politisch eher links eingestellt, was auch die Amerikaner mit mäßiger Begeisterung zur Kenntnis nehmen. Bei einer Party der Kommunisten trifft Oppenheimer seine erste große Liebe Jean (Florence Pugh).

Seine Vorlesungen in Berkeley erfreuen sich großer Beliebtheit, bald gilt Oppenheimer als einer der größten Köpfe in der Quantenphysik. Und weil der Wettkampf darum, wer als erster eine Atomwaffe einsetzen kann, zwischen den USA und Nazi-Deutschland in eine entscheidende Phase tritt, holt das Militär in der Person von Lt. General Leslie Groves (Matt Damon) den politisch eher unbequemen, aber fachlich grandiosen Oppenheimer zum Manhattan Project. In der Wüste von New Mexiko entsteht Los Alamos, ein Dorf, das nur einem Zweck dient: der Erschaffung einer Atombombe, die den Krieg entscheiden kann. Oppenheimer und seine Crew gewinnen schließlich das Rennen gegen Hitler, doch die US-Regierung hat inzwischen einen weiteren Feind – Japan …

Ein starkes Stück Zeitgeschichte

Mit Oppenheimer wagt Regisseur und Autor Christopher Nolan einen neuen Schritt in seiner Karriere. Konnte der mittlerweile 52-jährige Brite bislang vor allem mit rein fiktionalen Stoffen begeistern, so drehte er nun nach dem Kriegsdrama „Dunkirk“ einen weiteren historischen Stoff mit real existierenden Personen. War aber die Rettung britischer Soldaten vom Festland eher eine Momentaufnahme mit nur wenig bekannten Figuren und hauptsächlich fiktiven Helden, steigt Nolan mit Oppenheimer tief in die jüngere Geschichte der USA ein. Und beleuchtet die Causa Oppenheimer von verschiedenen Seiten. Nicht alle davon sind schmeichelhaft für den Wissenschaftler selbst oder die Regierung, für die er arbeitete.

Nolan, der auch das Drehbuch verfasste, ist dabei klug genug, die wissenschaftliche Seite des Projekts dabei weitgehend zu ignorieren. Allerdings nur, um das Publikum nicht mit einer Physik zu überfordern, die ohne Studium kaum zu verstehen ist. Stattdessen verlegt er sich auf die Beobachtung der Ereignisse, die mit dem Einsatz der Bombe auf Hiroshima und Nagasaki noch längst nicht auserzählt sind. Nolan interessiert sich für den Wandel, der in Oppenheimer vorgeht und die Art, wie sein Land ihn vor und nach der Fertigstellung der Atombombe behandelt. Dazu nutzt er klug einen Ansatz mit viel Zeitkolorit. Denn Oppenheimer geriet aufgrund seiner Vergangenheit in den Fokus der hysterisch-antikommunistischen McCarthy-Ära. Einige der besten Momente des Films erzählen davon.

Gefühlvolles Portrait einer komplexen Persönlichkeit

Für Nolan, dem Kritiker immer wieder nicht völlig zu Unrecht vorwerfen, recht kühle Filme zu inszenieren, hat mit Oppenheimer vielleicht seinen emotionalsten Film seit „Memento“ gedreht. Seine Charaktere fühlen unverkennbar, sind weder Superhelden noch Agenten, sondern Menschen. Und dieser Aspekt gelingt Nolan in Anbetracht seiner bisherigen Defizite auf diesem Gebiet ausnehmend gut. Was sicher zu einem guten Teil an den Schauspielern liegt, die er für das Projekt gewinnen konnte. Murphy spielt den ambivalenten Titelhelden mit viel Gespür für einen abgehobenen, genialen Verstand, der dennoch vor allem für die fleischlichen Gelüste viel übrig hatte, mit einer klugen Mischung aus Zurückhaltung und gelegentlichen Gefühlsausbrüchen. Und holt so den fast normalen Menschen hinter dem Denkmal hervor.

Ein heißer Kandidat für einen Oscar für die beste männliche Nebenrolle ist Robert Downey Jr.. Er brilliert als Senator, der zum Erzfeind Oppenheimers wird und alles in die Waagschale wirft, um ihn zu vernichten. Downeys Spiel eines durchtriebenen Machtmenschen schwebt über den durchgehend starken Auftritten diverser großer Namen wie der Geist über dem Wasser. Sein Gesicht in Schwarz-Weiß (die Nachkriegs-Szenen sind alle ohne Farbe gedreht) bleibt hängen, seine Blicke voller verhaltenem Zorn dringen durch. Neben Murphy und Downey Jr. bleiben für Stars wie Josh Hartnett, Emily Blunt, Florence Pugh, Jason Clarke, Matt Damon, Casey Affleck und viele andere nur einzelnen Szenen, in denen sie sich auszeichnen können.

Und neben dieser imposanten Liste hat Nolan weitere kluge Entscheidungen getroffen. So zeigt er kein einziges Bild der zerstörten japanischen Städte. Er belässt es bei der visuell eindrucksvollen Testzündung in New Mexiko, Tage vor dem Abwurf. Den Schrecken, der bald Oppenheimers Wesen beeinflusst, nachdem er den Geist aus der Flasche ließ, braucht diese Bilder nicht, um zu funktionieren. Die Gefahr, die der Wissenschaftler durch seinen eigentlich ehrenhaften Versuch, die Nazis zu stoppen, auf die Welt losließ, findet auch so den Weg zum Publikum. Lediglich bei der Tonspur hat Nolan entgegen seiner sonstigen Gepflogenheiten nicht überzeugt – die ist an vielen Stellen so laut, dass der gesprochene Text dahinter verschwindet. Das mag allerdings in der deutschen Version besser sein.

Fazit:

Christopher Nolan meldet sich mit Oppenheimer nach Dunkirk nochmals als Chronist echter Geschichte zurück. Und überzeugt diesmal auch auf einer emotionalen Basis. War sein Kriegsfilm technisch und optisch aufregender als inhaltlich, so zeigt er mit dieser Erzählung, dass ihm auch solche Stoffe liegen. Denn er stellt als Regisseur und Autor viele Weichen richtig, bringt seine Geschichte früh ins Rollen und bremst sie auch durch diverse Zeitsprünge niemals aus. Die Bombe fällt nach zwei Stunden und Nolan gelingt es eine weitere Stunde, die Handlung spannend zu fesselnd zu halten. Und deckt dabei viele Aspekte der komplexen Geschichte ab, wertet aber selbst zurückhaltend. Großes Erzählkino nach Tatsachen, das nie langweilt und mit großen Bildern und Schauspielern auftrumpft.

Oppenheimer startet am 20. Juli 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Das Jahr 1767 im Süden Frankreichs. Der Chevalier Gregoire de Fronsac (Simon Le Bihan) und sein Begleiter, der amerikanische Ureinwohner Mani (Mark Dacascos), reisen ins Gebiet von Gevaudan, um eine Serie von tödlichen Angriffen auf die Bevölkerung zu untersuchen. Vom König selbst geschickt, soll de Fronsac die als „Bestie von Gevaudan“ berüchtigte Kreatur jagen, töten und als Präparat an den königlichen Hof zurückbringen. Bald merkt der weitgereiste Abenteurer, dass in diesem abgelegenen Gebiet Frankreichs noch andere Dinge umgehen als nur eine Bestie. Die Meinung, ein Wolf wäre für die Attacken verantwortlich, kann de Fronsac bald als Legende nachweisen, allerdings hat auch er Mühe, sich der Kreatur zu nähern. Sie scheint ein Gespür dafür zu haben, wann sie sich verstecken muss.

Als Chevalier wird de Fronsac auch in die feine Gesellschaft des Gevaudan eingeführt und lernt dort die Familie de Morangias kennen. Während der Sohn der Familie, der verkrüppelt von einer Afrikareise zurückgekehrte Jean-Francois (Vincent Cassel), dem Freigeist eher mit Verachtung begegnet, findet dessen Schwester Marianne (Emilie Duquenne) trotz ihres kühlen Verhaltens den Abenteurer aus Paris offenbar wesentlich spannender. Dass die Bestie allerdings auch einen politischen Hintergrund aufweist, in den offenbar auch die Edelhure Sylvia (Monica Belucci) verstrickt ist, findet de Fronsac erst spät heraus. Kann der Edelmann die Bestie zur Strecke bringen, bevor ihr grausamer Plan vollends aufgeht?

Genre-Mix vom Feinsten

Vermutlich muss man Genre-Fans und Filmfreunden Christophe Gans‘ Werk nicht mehr vorstellen. Aber wer den Film tatsächlich noch nie gesehen hat, braucht Infos. Pakt der Wölfe ist ein Sammelsurium von einem Film. Er beginnt als historischer Film, fügt schnell Martial-Arts-Elemente hinzu und wird später zum Polit-Thriller, Horrorfilm und Fantasy-Streifen. Was Gans, der auch am Drehbuch mitarbeitete, hier zusammenfügt, gibt es in dieser Menge wohl in keinem anderen Genre-Mix. Und Gans gelingt es dabei noch, eine historisch nachgewiesene Begebenheit als Hintergrund für seinen üppigen Plot zu nutzen – die Bestie von Gevaudan hat es wirklich gegeben, das Rätsel um sie wurde nie gelöst.

Natürlich lassen sich auch hier Punkte zur Kritik finden. Bedingt durch seine fast absurd hohe Menge an verschiedenen Geschichten sind die meisten Charaktere eher Stereotype als echte Menschen. Zeit für ein wenig mehr Tiefe hat Gans nur für seinen Helden de Fronsac gefunden, der sich vom zu Beginn leicht arrogant wirkenden Schöngeist zur furiosen Kampfmaschine entwickelt und dabei auch seinen moralischen Kompass wiederfindet. Alle anderen Figuren ordnen sich hingegen den Storys unter und bekommen nur so viel Aufmerksamkeit wie absolut notwendig ist. Anders wäre die Fülle an Inhalt allerdings wohl auch nicht in 150 Minuten zu erzählen.

Gutes Bild, fantastische Bilder

Gans ist aber nicht nur inhaltlich wild unterwegs. Auch seine damals innovative Inszenierung mit vielen (aber nicht zu vielen) Zeitlupen, schrägen Kamerawinkeln und Perspektiven vor durchgehend grandioser Kulisse, machen Pakt der Wölfe absolut sehenswert für jeden, der ein Auge für ästhetische Filme hat. Denn so manches, was sich hier zeigte, wurde in späteren Jahren zum Standard für gehobene Actionfilme. Dazu lässt Gans auch seine Set-Designer freidrehen und präsentiert nicht nur ein Bordell aus einem surrealen Gemälde, sondern auch gothische Ruinen und Katakomben vom Feinsten. Optisch ist Pakt der Wölfe daher in jeder Hinsicht ein absoluter Leckerbissen, selbst wenn einem Zuschauer die vollgepackte-Genre-Mix-Story nicht zusagen sollte.

Das gilt auch weitgehend für die Bildqualität der neu abgetasteten UHD-Version. Zwar lässt sich nicht komplett verhehlen, dass der Film mehr als 20 Jahre alt ist, denn gerade in dunklen Bereichen des Bildes sind hin und wieder Moiree-Spuren zu sehen, insgesamt glänzt Pakt der Wölfe aber mit knallscharfen und farblich beeindruckenden Bildern. Und zeigen so, wie gut der Film bereits 2001 in den Kinos ausgesehen hat – und mehr. Denn erstmals ist nicht nur der Director’s Cut in UHD zu sehen, sondern der wurde nun auch endlich komplett mir deutschem Ton bestückt. Die bisherige Fassung, bei der neue Szenen im Original mit deutschen Untertiteln enthalten waren, ist damit endlich Geschichte. Und auch fünf Stunden Bonusmaterial können sich mehr als sehen lassen.

Fazit:

Auch mehr als 20 Jahre nach Erscheinen ist Pakt der Wölfe noch immer ein faszinierender Genre-Mix aus Historienfilm, Thriller, Fantasy, Martial Arts und Tier-Horror. Im neuen 4k-Gewand und mit erstmals komplett synchronisierter Director’s Cut-Fassung kann Christophe Gans‘ Meisterstück nun zeigen, wie gut er gealtert ist. Wer den Film bereits kennt und liebt, sollte sich die 4k-Version unbedingt zumindest einmal ansehen, für Sammler dürfte ebenfalls jetzt die Chance gekommen sein, einen der besten europäischen Unterhaltungsfilme des neuen Jahrtausends in den Schrank zu stellen. Angesichts dieser Qualität kann man nur hoffen, dass Regisseur Christophe Gans seinen zweiten Silent Hill-Film bald in Angriff nehmen kann.

Pakt der Wölfe erscheint am 12. Mai 2023 auf Blu-Ray und UHD-Blu-Ray.

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Die Handlung

Es ist das Jahr 1863, wenige Wochen, nachdem US-Präsident Abraham Lincoln die Sklaverei offizielle aufgehoben hat und der Bürgerkrieg bereits im dritten Jahr im Lande tobt. Der Sklave Peter (Will Smith) wird von seinem Herrn für den Bau der Eisenbahn-Linie abgegeben und muss seine Frau Dodienne (Charmaine Bingwa) und seine Kinder verlassen. Im Lager der Eisenbahnbauer gibt es viele Südstaaten-Soldaten und die tuscheln, ohne die lauschenden Sklaven zu bemerken, von den Entscheidungen Lincolns und der Nähe der Nordstaaten-Armee. Und so reift in Peter der Entschluss, durch die Sümpfe Louisanas nach Norden zu fliehen, um die Armee des Nordens zu finden und frei zu werden.

Im richtigen Moment zettelt Peter einen Tumult an, in dessen Verwirrung es ihm und drei weiteren Sklaven gelingt, aus dem Lager in die naheliegenden Sümpfe zu fliehen. Allerdings ist ihnen der ebenso erfahrene wie sadistische Sklavenjäger Fassel (Ben Foster) auf den Fersen. Und treibt die Entflohenen mit zwei weiteren Männern sowie einigen Bluthunden vor sich her. Bald trennt sich das Quartett und Peter versucht alleine, durch die gefährlichen Sümpfe zu kommen, sich gegen hungrige Krokodile und Schlangen zu verteidigen. Doch Fassel sieht es als eine Art heilige Pflicht an, den Sklaven nicht entwischen zu lassen. Und so kommt es tief in den Sümpfen zum tödlichen Duell …

Farblose Gemälde

Die erste Frage, die dem Publikum nach wenigen Augenblicken durch den Kopf schießen dürfte, lautet: Ist das ein Schwarz-Weiß-Film? Denn Regisseur Antoine Fuqua entsättigt seine Bilder derart stark, dass manche Aufnahmen tatsächlich so aussehen. Und der Fokus umso stärker auf wichtigen Farben liegt, wie dem blutigen Rot, das in Emancipation eine große Rolle spielt. Allerdings nutzt Fuqua hier nicht die grellen Kontraste wie das in „Sin City“ getan wurde, sondern setzt auf zarte Pastellfarben, die aus der grauen Masse dennoch stark genug hervorstechen. Die Optik, die Kameramann Robert Richardson (mehrfacher Oscar-Gewinner) hier einfängt, ist in der Tat spektakulär und wirkt in den besten Momenten wie die umwerfenden Aufnahmen in „Roma“.

Es sind Bilder wie Gemälde, in denen an verschiedenen Orten gerade Dinge passieren, nicht nur in der Mitte. Zusammen mit einer wechselnden Tiefenschärfe schafft Richardson Momente, die sich ins Gedächtnis brennen. Und die zwischen der urwüchsigen Schönheit der Sumpflandschaften samt wolkigem Himmel und den Grausamkeiten, zu denen Menschen fähig sind, immer wieder hin- und herschalten. Schönheit und Hässlichkeit geben sich in Emancipation die Klinke in die Hand. Dazu passen die Leistungen der beiden Hauptdarsteller Will Smith und Ben Foster. Wenn die beiden aufeinandertreffen, versteht man, warum der Film früh für Oscar-Würden gehandelt wurde.

Wenig originelle Story

Das Drehbuch hingegen kann mit diesem Spiel nicht mithalten. Denn die Botschaften und Erklärungen, die William N. Collage hier aussendet, sind deutlich flacher als das, was die Schauspieler zu bieten haben. So erzählt Fosters Figur Fassel, wie er vom Freund der Sklaven zu deren Jäger wurde. Und sein Blick sagt dabei viel mehr als der Text, den er spricht. Denn der ist leider alles andere als tiefsinnig oder originell. Ähnlich ergeht es dem Publikum mit der Rolle von Will Smith, die einen tatsächlich existierenden Mann namens Gordon nachempfunden wurde. Smith spielt die Rolle mit allem, was er hat, dennoch erfährt man so gut wie Nichts über den Charakter, wie er wurde, wie er ist, und was in seinem Inneren wirklich vorgeht. Abgesehen von seinem Wunsch, seine Familie wiederzusehen.

Ein Vergleich mit Steve McQueens „12 Years a Slave“ drängt sich auf, ebenso zu Barry Jenkins‘ Serie „The Railroad Underground“. Beide verhandeln wichtige Aspekte des Themas besser als Actionspezialist Fuqua. Der sorgt zwar für furiose Verfolgungsjagden und spannende Momente in seinem historischen Survival-Thriller, über die Menschen hinter dem unmenschlichen System aber erfährt der Zuschauer nichts. Alle Südstaatler waren rassistische Sadisten. Mehr hat Fuquas Film letztlich nicht zu sagen. Das mag man so sehen oder nicht, zu glaubwürdigen Figuren macht das kaum jemanden im Film. Selbst Fassel bleibt ein eiskalter Killer, der sich im Recht fühlt und darüber hinaus offenbar nichts. Für einen interessanten Bösewicht ist das etwas wenig.

Erst spät im Film erfährt das Publikum, warum die Figur des Peter überhaupt Bekanntheit erlangte. Denn erst dann entsteht das Foto von seinem unfassbar vernarbten Rücken, der von etlichem Misshandlungen zeugt. Dieses Foto zeigte damals klar auf, dass die Behauptungen der Südstaaten, den Sklaven würde eine ordentliche Behandlung zuteil, ein Ammenmärchen war. Und ging um die Welt. Noch heute ist es eines der bekanntesten Zeugnisse der damaligen Zeit. Dass Fuqua und Smith diesem Mann nun ein filmisches Denkmal setzen, ist ehrenhaft. Aber diese Verehrung geht mit einem Pathos einher, der in einigen Szenen deutlich zu dick aufgetragen ist. Kamera und Schauspieler, diese Oscar-Nominierungen sind denkbar, das Drehbuch hingegen hat leider keine Auszeichnung verdient.

Fazit:

Obwohl Will Smith in Emancipation eine überzeugende Vorstellung gibt und er mit Ben Foster einen kongenialen Partner gefunden hat, bleibt der Film im Vergleich zu anderen thematischen Beiträgen von schwarzen Filmemachern ein wenig hinter den Erwartungen zurück. Kameramann Robert Richardson kleidet die Story zwar in brillante Bilder, die ein wenig an Alfonso Cuarons Meisterstück Roma erinnern, aber der Inhalt fällt gegenüber der Optik deutlich ab. Regisseur Antoine Fuqua inszeniert hier einen Survival-Thriller, der zwar während der Zeit der Sklaverei spielt, zu dem Thema aber letztlich nichts wirklich Neues zu sagen hat. Aufgrund der Schauspieler und der Optik gibt es aber dennoch eine Empfehlung.

Emancipation startet am 9. Dezember 2022 bei AppleTV+.

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Die Handlung

Der Orkan Katrina fegt im August 2005 mit voller Wucht über New Orleans. Auch die Ärzte und Schwestern des Memorial Hospitals sowie des im gleichen Gebäude gelegenen Life-Care-Krankenhauses rechnen mit dem Schlimmsten und haben deshalb hunderte von Anwohnern ins vermeintlich sichere Gebäude gelassen, wo sie den Sturm abwarten können. Tatsächlich entgeht das Krankenhaus nur knapp einer Überschwemmung – vorerst. Denn Susan Mulderick (Cherry Jones), die Katastrophen-Verantwortliche im Memorial, muss mit Schrecken feststellen, dass es für eine Evakuierung des Krankenhauses im Fall einer Flut keinerlei Pläne gibt. Und das in einer Stadt, deren Viertel zum Teil unterhalb des Meeresspiegels liegen!

Am nächsten Tag ist der Sturm vorüber und die Stadt atmet auf – allerdings nur kurz. Denn fast gänzlich unbemerkt von Helfern und Medien bricht in der Nähe von New Orleans ein für die Stadt lebenswichtiger Damm. Und so strömen Wassermassen völlig ungehindert in die Armenviertel und die Innenstadt. Viel zu spät hören die Ärzte und Schwestern im Memorial davon und wenige Stunden danach läuft der Keller voller Wasser und vernichtet nicht nur die Stromversorgung, sondern auch die Notgeneratoren. Doch ohne medizinisches Gerät geraten etliche Patienten schnell in Lebensgefahr. Und so müssen Ärztinnen wie Anna (Vera Farmiga) unmenschliche Entscheidungen treffen …

Chronik angekündigter Tode

Five Days at Memorial ist eine Serie, die wütend macht. Denn sie basiert auf Tatsachen und zeigt sehr eindrücklich die Folgen des Totalversagens der Behörden während der Katastrophe im Jahr 2005.  Dadurch starben allein in Louisiana mehr als 1500 Menschen. Und einigen davon sieht der Zuschauer dabei zu, denn sie sind Patienten des Memorial. Die Hauptfiguren der Serie sind aber die Ärzte und Ärztinnen sowie Pfleger, die in diesen fünf Tagen versuchen, Leben zu retten und die Patienten so gut wie möglich zu versorgen. Um diese wahre Geschichte so gut wie möglich zu erzählen, holte sich Apple zwei erfahrene Autoren an Bord. Carlton Cuse schrieb unter anderem die Netflix-Serie „Locke & Key„, John Ridley gewann den Drehbuch-Oscar für „12 Years a Slave“. Und die beiden liefern ab.

Denn sie verdammen den Zuschauer dazu, ohnmächtig einem Drama zuzusehen, das von Folge zu Folge schlimmer wird. Bis es sich in der fünften Episode zu einem absoluten Alptraum auswächst. Die drei Folgen danach beschäftigen sich dann mit den Reaktionen von Staat und Behörden auf die Vorfälle im Memorial und den juristischen Folgen der Tragödie. Hier ist die Intensität der Bilder nicht mehr so drastisch, die Wut über eine Regierung, die erst bei der Hilfe versagt und dann noch einzelne Leute dafür opfern will, lässt aber nicht nach. Dabei gelingt ihnen das Kunststück, aus vorher heldenhaften Figuren zutiefst zweifelhafte Charaktere zu machen, deren Motive und Aussagen plötzlich in einem gänzlich anderen Licht erscheinen.

Emotional belastend

Damit so eine Wende glaubhaft gelingt, braucht es neben einem starken Drehbuch aus erstklassige Schauspieler. Und die haben Ridley und Cuse bekommen. Vera Farmiga gelingt es, ihre Figur der Dr. Anne Pou in den ersten fünf Episoden als echte Heldin zu präsentieren, umso sie danach ebenso glaubhaft in eine deutlich dunklere Ecke zu stellen. Cherry Jones ist als Krisenmanagerin Susan mehrfach am Ende jeglicher Kräfte und spielt diese Momente so intensiv, dass der Zuschauer kaum den Blick vom Bildschirm abwenden kann. Zu fesselnd ist das, was die Schauspielerin bietet. Obwohl die beiden ein wenig herausragen, ist es aber letztlich der gesamte Cast, bis in die kleinste Nebenrolle, der für die emotionale Achterbahnfahrt von Five Days in Memorial sorgt.

Dazu kommen immer wieder Original-Fernsehausschnitte der damaligen Ereignisse. Die sind in ihrer Härte fast noch schlimmer als das, was die Autoren geschrieben haben. Und halten die Serie stets so nah an der Realität, dass die Formal „ist ja nur ein Film“ diesmal einfach nicht funktionieren will. Daher dürfte Five Days at Memorial vor allem für Fans von Serien wie „Chernobyl“ eine Empfehlung sein. Zwar geht es um eine andere Katastrophe, aber hier wie dort sind das Zusammenspiel guter Schauspieler und Autoren sowie das Grauen der tatsächlich passierten Geschehnisse die Faktoren, die aus der Serie etwas ganz Besonderes gemacht haben. Zudem können sich auch die Spezial-Effekte der Serie absolut sehen lassen.

Und so ist Five Days at Memorial hauptsächlich etwas für Zuschauer, die kein Problem damit haben, sich emotionalen Schlägen auszusetzen. Wer auch nur über ein wenig Empathie verfügt, wird in vielem Szenen der Serie zumindest schlucken müssen. Und wer lieber herzerwärmende Serien sieht, ist hier komplett falsch. Five Days at Memorial führt nicht nur drastisch vor Augen, wie abhängig die moderne Zivilisation davon ist, dass im Fall einer großen Katastrophe das Rettungssystem funktioniert. Sondern entlässt das Publikum auch mit niederschmetternden Nachrichten über einen möglichen zukünftigen Umgang mit solchen Horror-Szenarien.

Fazit:

Leichte Kost ist so ziemlich das letzte Prädikat, das auf die neue Apple TV+-Serie Five Days at Memorial zutrifft. Denn was die beiden Autoren John Ridley und Carlton Cuse hier an wahren Ereignissen zusammentragen, geht nicht nur sensiblen Zuschauern an die Nieren. Das sinnlose Sterben, der vergebliche Kampf des Krankenhauspersonals gegen Windmühlen und das völlige Fehlen von Koordination angesichts einer furchtbaren Katastrophe entlässt das Publikum weitgehend sprachlos. Dass Ridley und Cuse daraus in den abschließenden drei Folgen noch ein weiteres moralisches Dilemma aufzeigen, adelt die Serie zu einem der besten Dramen seit Jahren. Wer sich eine Serie zumuten will, die emotionale Schläge fast im Minutentakt austeilt, wird hier fündig. Und das Erlebnis so bald nicht vergessen. So sieht großes Fernsehen aus!

Five Days at Memorial startet am 12. August 2022 mit drei Folgen bei Apple TV+, weitere fünf Episoden jeweils freitags.

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Die Handlung

1995 in Los Angeles. Tommy Lee (Sebastian Stan) und Pamela Anderson (Lily James) sind gerade frisch verheiratet und der Rocker möchte den ersten Stock seiner Prunkvilla zum Sex-Paradies für sich und seine Frau umbauen lassen. Dafür heuert er unter anderem den Tischler Rand (Seth Rogen) an. Obwohl er mit den Handwerkern Vorauszahlung abgemacht hat, kommt Tommi aber mit immer neuen Ideen und Änderungen für seine Spielwiese aus Betten, Schaukeln und ähnlichem im die Ecke, aber nicht mit einem müden Dollar. Schließlich haben die Handwerker die Nase voll davon, alles vorstrecken zu müssen, was an Kosten anfällt und schicken Rand vor, um mit Tommy über die Situation zu reden. Doch der wird wütend und feuert alle, die bisher mit dem Bau zu tun hatten.

Rand ist darüber derart sauer, dass er sich vornimmt, dem Rockstar dafür mächtig eins auszuwischen. Und er weiß, dass Lee in seiner Garage einen großen Safe untergebracht hat. Auf den hat es Rand abgesehen und es gelingt ihm nach wochenlangen Vorarbeiten tatsächlich, unbemerkt den massiven Geldschrank aus T0ommy Lees Anwesen zu klauen und ihn im Wald aufzubrechen. Dass sich darin neben etlichen Waffen und einer ordentlichen Menge Bargeld auch ein Videotape befindet, interessiert Rand zuerst überhaupt nicht. Doch dann schnappt er sich das Band und besucht damit seinen Kumpel Miltie (Nick Offerman), einen Porno-Regisseur und Produzenten. Der hat die Ausrüstung, um ein Hi 8-Band abzuspielen. Die beiden trauen ihren Augen kaum, als sie sehen, was auf dem Tape tatsächlich aufgenommen wurde …

Wer den Schaden hat …

Die älteren Zuschauer werden sich an den Skandal der 90er noch erinnern können, denn die Mini-Serie (acht Episoden) beruht auf wahren Begebenheiten. Neben dem Medien-Rummel um zwei junge Menschen, denen jeder das zugetraut hätte, was dann auf dem Tape auch zu sehen war, diente der Fall aber auch als Lehrbeispiel über das damals noch recht junge Internet. Denn wie alle Beteiligten lernen mussten: Was einmal im Internet ist, bleibt auch dort. Private Aufnahmen lassen sich von dort nie restlos entfernen. Und so kann auch heute noch jeder Internet-Nutzer das Video sehen, wenn er eine Suchmaschine bemüht. Insofern hat sich der Rachegedanke des Handwerkers, der Tommy Lee leiden lassen wollte, auf sehr nachhaltige Art durchgesetzt.

Doch man täte der Mini-Serie unrecht, würde man sie nur auf die Sex-Video-Story reduzieren. Denn Seth Rogen und Evan Goldberg, die die Serie entwickelt haben und produzieren, wollten auch die Personen hinter dem Skandal zeigen – und sich ordentlich über alle Beteiligten lustig machen. Und so holten sie als Regisseur Craig Gillespie an Bord, der mit „I, Tonya“ bereits einen anderen Medien-Skandal ebenso genüsslich wie witzig sezierte. Wie schon in seinem Kinofilm setzt Gillespie mit seinem Autoren-Team dabei auch leichte Übertreibung und lässt seine Figuren in einem Raum zwischen Ernsthaftigkeit und Parodie agieren. Damit das gut funktioniert, braucht es natürlich Schauspieler, die das umsetzen können. Und die haben Gillespie, Goldberg und Rogan gefunden.

Großartig gespielt

Sebastian Stan geht in seiner Rolle als reichlich bescheuerter Metal-Drummer voll auf. In den Szenen, in denen er sich mit seinem (gut sichtbaren, aber falschen) Penis unterhält, sind absolut grandios. Aber auch sonst hat man beim Zusehen das Gefühl, Stan habe sich in diesen Charakter mit allem hineingeworfen, was er hat. Dementsprechend gut ist das Ergebnis. Und doch stiehlt ihm noch jemand die Show, denn Lily James ist als blondes Dummchen Pamela Anderson einfach großartig. Wie sie ihre künstlichen Brüste stolz durchs Bild trägt, mit jedem Augenaufschlag Naivität vermittelt und dennoch bewusst oder unbewusst jeden Mann in ihrer Umgebung wuschig macht, das ist immens wichtig für die Figur – und James meistert das perfekt.

Besonders erwähnenswert ist dabei die Tatsache, dass dennoch keine der Figuren unsympathisch wirkt. Schnell hakt man als Zuschauer Pam und Tommy als das ab, was sie wohl im echten Leben auch wahren und hat ab da Spaß daran, dieses Rock’n’Roll-lebende Pärchen beim Sex, beim Feiern und bei teilweise unfassbar dummen Gesprächen zu beobachten. Dass dabei wenig Klischees ausgelassen werden, ist ebenso wahr wie die Tatsache, dass dir realen Vorbilder das eben auch nicht getan haben. Gillespie gelingt es, seinen Charakteren eine Restwürde zu lassen, egal wie derbe er sie durch den Kakao zieht. Und so geht Pam and Tommy beim Zusehen nie wirklich unangenehm tief in den Fremdschäm-Bereich, sondern bleibt erträglich. Und streckenweise brüllend komisch.

Wenn man an dem Format etwas kritisieren kann, dann ist es die Länge. Die ganze Story wird etwas zu gemächlich erzählt, um den Zuschauer permanent zu interessieren. Gerade die Rolle von Steh Rogen, die alles andere als aufregend ausfällt, vergleich man sie mit dem Glamour-Paar, hat manchmal quälend lange Szenen, in denen kaum etwas passiert. Möglicherweise wäre Pam and Tommy mit sechs statt acht Folgen sogar noch etwas besser geworden. Ansehen kann man sich diese sehr witzige, wenn auch spezielle Aufarbeitung eines der großen Medienskandale der 90er aber auf jeden Fall.

Fazit:

Auch Zuschauer, die sich an die 90er noch nicht erinnern können, werden bei Pam and Tommy ihren Spaß haben. Satire-Spezialist Craig Gillespie inszeniert die Story um zwei Mega-Stars der 90er und ihren Sex-Skandal mit leichter Hand und manchmal derben, aber nie zynischen Humor. Sebastian Stan und Lily James sind dabei eine Traumbesetzung als wildes Paar im Zeichen des Rock’n’Roll-Lifestyles der Zeit. Und mit den Serienschöpfern Seth Rogen und Evan Goldberg („The Boys“) kann man sich auch sicher sein, Bilder zu sehen zu bekommen, die deutlich unter die Gürtellinie gehen. Wer sich also einen sprechenden Penis nicht entgehen lassen will, sollte einschalten. Man kann sich die Mini-Serie aber auch aus anderen Gründen gut ansehen.

Pam and Tommy startet am 2. Februar 2022 bei Disney+.

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Die Handlung

Italien 1978: Die junge Patrizia Reggiani (Lady Gaga) lernt auf einer Party Maurizio Gucci (Adam Driver) kennen, einen Jura-Studenten – und der Erbe von 50 Prozent des Modehauses Gucci. Zwar interessiert sich Maurizio nicht sonderlich für Mode oder Geschäfte, dafür aber bald umso mehr für Patrizia. Doch Maurizios Vater Rodolfo (Jeremy Irons) glaubt, dass Patrizia nur hinter Maurizios Geld her ist. Und verweigert seinem Sohn die Erlaubnis, seine große Liebe zu heiraten. Doch den zieht es trotz Geldentzugs so sehr zu Patrizia, dass er lieber bei deren Vater als Autowäscher arbeitet, als weiterhin von seiner Liebe getrennt zu sein. Und schließlich mischt sich auch Maurizios Onkel Aldo (Al Pacino) ein, um den Frieden in der Familie wieder herzustellen.

Als Patrizia schließlich als Teil der Familie akzeptiert ist, beginnt sie, sich den momentanen Stand des Modelabels genau anzusehen. Und stellt schnell fest, dass aus der einstigen Nobelmarke regelrechter Ramsch geworden ist. Das will sie in jedem Fall ändern. Also wirkt sie auf Maurizio ein, doch endlich die Verantwortung für das Familienunternehmen zu übernehmen und es nicht länger in den Händen von Aldo und seinem unbegabten Sohn Paolo (Jared Leto) zu lassen. Dabei entwickelt die einstige Sekretärin erstaunliches Geschick, wenn es darum geht, im Hintergrund die richtigen Fäden zu ziehen. Doch das Leben als Chef verändert Maurizio …

Kontroversen zum Film

Mit der Verfilmung der wahren Geschichte des Gucci-Clans über einen Zeitraum von 17 Jahren hat Scott sich nicht nur Freunde gemacht. So haben bereits Teile der Gucci-Familie öffentlich ihren Unmut über die Darstellung ihrer Verwandten im Film geäußert. Vor allem die Rolle Paolos traf bei dessen Nachkommen auf wenig Verständnis. Und das ist auch eines der wenigen Probleme des Films. Angesichts der teilweise fast absurd wirkenden Geschehnisse kann sich Scott nie so ganz entscheiden, ob der einen kalten, bösen Thriller drehen oder doch eine Art Farce aus der Story machen wollte. Elemente beider Ideen treffen in House of Gucci aufeinander – und tun sich gegenseitig nicht gut.

Denn die unterschiedliche Tonalität des Films sorgt immer wieder dafür, dass der Zuschauer aus dem Gefühl gerissen wird, an dass er sich gerade gewöhnt hatte. Einem Könner wie Scott darf man da gern Absicht unterstellen, nur – so richtigen Sinn ergibt es hier nicht. Will er Patrizia nun als liebende Gattin und Mutter inszenieren? Oder doch als eiskaltes Miststück, das für eigene Macht über Leichen ging? Hin und wieder erinnert House of Gucci daher an „I, Tonya“ der einen medienwirksamen Skandal ebenfalls satirisch überspitzt in Szenen setzt. Auch dort bleib einem so manches mal das Lachen im Hals stecken. Doch da die wahre Geschichte im Fall Gucci deutlich düsterer ausfällt, wirkt diese Satire hier in manchen Szenen schlicht deplatziert.

Grandios gespielt – von fast allen

Das ist aber neben der etwas zu langen Laufzeit von mehr als 150 Minuten auch die einzige Schwäche, die man House of Gucci anlasten kann, wenn man von Jared Leto als großartig maskiertem, aber ständig am Rand der Albernheit balancierender Paolo Gucci einmal absieht. Denn der Cast ist nicht nur auf dem Papier großartig. Lada Gaga spielt die facettenreiche Patrizia ebenso gekonnt mit großem Pathos wie mit kleinen Gesten und Blicken. Zudem schafft sie es glänzend, eine schwerreiche Frau darzustellen, die sich möglicherweise aus Überzeugung oder schlicht wegen schlechten Geschmacks anzieht wie eine Sekretärin. Gaga mit schrillen 80er-Frisuren und Leoparden-Look – das bleibt in Auge und Hirn hängen, auch über den Film hinaus.

Adam Driver ist gewohnt souverän in seiner Darstellung des Maurizio Gucci, der sich vom intellektuellen Schöngeist zum knallharten Geschäftsmann mausert – und von Becky Johnstons Drehbuch dafür auch reichlich Prügel bekommt. Obwohl Scott immer wieder auch sehr emotional inszeniert, so ergreift er doch nie Partie. Und überlasst dem Publikum, bei wem es seine Sympathien festmacht. Dass auch Al Pacino in der Rolle des charismatischen, aber letztlich wenig stilsicheren Aldo beeindruckt, sollte wirklich niemanden verwundern. Ob hier die eine oder andere Oscar-Nominierung herausspringt? Vermutlich.

Wenig überraschend ist auch, wie optisch stilsicher Scott seinen Film in Szene setzt. Licht, Perspektive und Musik, das geht in House of Gucci in fast jeder Szene eine perfekte Symbiose ein und nimmt den Zuschauer mit in die Discos der späten 70er, die Modenschauen der 80er und 90er sowie die Villen der Reichen und Schönen, mit denen Patrizia Gucci sich gerne umgibt. Hätte Scott sich emotional stärker auf ein Genre gestürzt und das konsequent umgesetzt, House of Gucci wäre wohl noch unterhaltsamer geworden, als er ohnehin schon ist. Dennoch gelingt dem Regisseur etwas, dass er schon sehr langte nicht mehr geschafft hat: zwei richtig gute Filme hintereinander zu drehen.

Fazit:

Mit House of Gucci gelingt Altmeister Ridley Scott zwar nicht sein bester Film seit Jahren, aber dennoch ein sehr guter. Denn die stellenweise fast absurd anmutende und dennoch wahre Geschichte unterhält auch dann glänzend, wenn sich Scott nicht so recht entscheiden kann, ob er einen düsteren Thriller oder doch eine satirische angehauchten Krimi drehen will. Das verdankt er auch seinem umwerfenden Cast um Lady Gaga und Adam Driver. Die beide in keiner einzigen Szene langweilen und eine große Präsenz in dem Film bringen. Lediglich bei einer Sache war sich Scott ganz sicher: Er wollte den Schwerpunkt auf die Intrigen und Wirrungen der Familie legen und nicht auf das Modehaus Gucci. Wer darüber mehr zu erfahren hofft, geht hier weitgehend leer aus.

House of Gucci startet am 2. Dezember 2021 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Frankreich im späten 14. Jahrhundert. Ritter Jean de Carrouges (Matt Damon) ist einer der besten Kämpfer des Landes, gewinnt für seinen König so manche Schlacht. Weil Carrouges aber wenig von den höfischen Gebräuchen hält und daher bei Graf Pierre (Ben Affleck), seinem Lehnsherren, wenig beliebt ist, kann sein Freund Jacques Le Gris (Adam Driver) häufig Vorteile für sich herausschlagen, die meist auf Carrouges‘ Kosten gehen. So werden die beiden ehemaligen Kampfgefährten über die Jahre zu Feinden. Carrouges‘ Beschwerden über ungerechte Behandlungen verhallen bei Pierre ungehört und der wenig beachtete Ritter wird immer stärker von Wut beherrscht.

Als er schließlich mit Marguerite (Jodie Comer) die Tochter eines ehemaligen Verräters zur Frau nimmt, erweckt deren Schönheit erneut das Interesse von Le Gris. Während Carrouges in Paris weilt, um sich seinen verdienten Lohn für einen Feldzug der Krone abzuholen, dringt Le Gris mit einem Trick in Carrouges Burg ein und vergewaltigt Marguerite. Doch die junge Frau schweigt nicht und erzählt ihrem Gatten, was ihr in seiner Abwesenheit widerfahren ist. Außer sich vor Zorn klagt Carrouges Le Gris an und verlangt ein Gottesurteil: einen Kampf zwischen ihm und Le Gris auf Leben und Tod. Dabei nimmt der Ritter auch den Feuertod seiner Frau in Kauf, sollte er verlieren …

Aktuelle Themen in alter Zeit

1950 brachte Japans großer Regisseur Akira Kurosawa mit „Rashomon“ einen Film in die Kinos, der sich explizit mit verschiedenen Sichtweisen und unzuverlässigen Erzählern beschäftigte. Anhand eines Verbrechens und dessen Verhandlung vor Gericht ließ zeigte Kurosawa die gleiche Tat aus unterschiedlichen Perspektiven. Und setzte so langsam ein Bild zusammen, auf das sich der Zuschauer seinen Reim machen sollte. Kurosawas Diskurs darüber, was Wahrheit tatsächlich ist und wie schwer es ist, sie zu finden, hat offenbar auch Ridley Scott und sein Drehbuch-Team aus Matt Damon, Ben Affleck und Nicole Holofcener inspiriert, denn auch The Last Duel erzählt die gleiche Geschichte aus drei verschiedenen Perspektiven. Im Gegensatz zu Kurosawa positioniert sich Scott allerdings deutlich, wessen Version die richtige ist.

Und so entwickelt der Brite aus der historischen Tatsache, dass sich die beiden Ritter 1396 im letzten Gottesurteil Frankreichs gegenüberstanden, einen deutlichen Kommentar zu aktuellen Diskussionen über das Verhalten von Männern gegenüber Frauen. Auch wenn so manche geschichtliche Tatsache dem Zuschauer sauer aufstoßen dürfte, so war die Vergewaltigung kein Verbrechen gegen die Frau, sondern eine Art Sachbeschädigung gegenüber ihrem Ehemann, zeigt der Film doch auch klar in unsere Gegenwart mit den Harvey Weinsteins und Jeffrey Epsteins dieser Welt. Dazu spielt Scott virtuos mit dem Begriff Wahrheit. Und zeigt mit den Unterschieden und Gemeinsamkeiten der drei Blickwinkel das ganze Ausmaß einer zutiefst frauenfeindlichen Welt des 14. Jahrhunderts.

Welche Erzählung ist die Wahrheit?

So unterscheidet sich die Schlüsselszene des Films, die in Le Gris‘ und in Marguerites Geschichte vorkommt, in den beiden Versionen überhaupt nicht. Und das Publikum sieht zweimal eine Vergewaltigung. Obwohl nur eine Figur das auch so wahrnimmt – Le Gris ist sich keiner Schuld bewusst. Das Bild, das der Zuschauer von Jean de Carrouges erhält, wenn der Film aus seiner Sicht beginnt, erhält bereits in der zweiten Story leichte Risse, die sich mit der Erzählung aus der Perspektive seiner Frau noch vertiefen. Wenn Jacques Le Gris‘ Geschichte beginnt, ist das Publikum bereits durch die Erzählung seines Vorgängers voreingenommen und zieht das Gesehene daher stärker in Zweifel als in Story eins. Ridley Scott wollte hier offenbar kein Risiko eingehen und bezeichnet Marguerites Version der Ereignisse daher auch simpel als „die Wahrheit“.

Das ist vielleicht eine der wenigen Schwächen des Films. Denn hätte sich Scott getraut, auch die letzte der drei Version unter Vorbehalt zu zeigen und sie dementsprechend ambivalent einzuschätzen, die Verunsicherung des Publikums, was nun stimmt und was nicht, wäre sicherlich noch stärker gewesen. Dieses Aspekt verschenkt Scott zugunsten der klaren #metoo-Statements von The Last Duel. Und das ist nun wirklich keine schlechte Sache.

Auch optisch eine Wucht

Es wäre aber unfair, den Film nur auf seine starke Aussage zu beschränken. Wie fast immer in Scotts Filmen sind auch die handwerklichen Aspekte wichtig. So kann Scott als Meister des Lichts einmal mehr die Tageszeit einer Szene nur durch die Beleuchtung zeigen. Dazu findet Kameramann Dariusz Wolski starke Bilder für das düstere Mittelalter. Und dass Scott Schlachten und Kämpfe brillant inszenieren kann, weiß jeder, der Gladiator oder „Königreich der Himmel“ gesehen hat. Das nur wenige Minuten dauernde Duell tut schon beim Zusehen weh. Zudem hat Scott mit Matt Damon, Adam Driver, Ben Affleck und vor allem Jodie Comer eine exzellente Besetzung, die den Rollen Leben verleihen und den Zuschauer gerade dann besonders faszinieren, wenn sie ihre dunklen Seiten offenbaren.

Fazit:

The Last Duel ist starkes, erzählendes Kino, dass auf jeder Ebene überzeugt. Die Schauspieler sind erstklassig, die Bilder des Films beeindruckend und die Story, aufgeteilt in drei Perspektiven, packend und emotional erzählt. Das Drehbuch, das aktuelle Themen in ein historisches Gewand kleidet, die zweite Zusammenarbeit von Damon und Affleck als Autoren, überzeugt ebenfalls. Lediglich über die Laufzeit von 150 Minuten lässt sich diskutieren. Mit 15 Minuten weniger wäre der Film sicher nicht schlechter gewesen. Zudem lässt The Last Duel in seinen Perspektiv-Wechseln die Ambivalenz des großen Vorbilds Rashomon etwas vermissen, weil die nicht zur gewünschten Aussage passt. Das lässt sich angesichts der großen Qualität von Scotts neuestem Werk aber gut verschmerzen.

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Die Handlung

Fünf Jahre sind seit denn Ereignissen in London („Conjuring 2“) vergangen, wir schreiben das Jahr 1981. Auf Bitten der Kirche sind Ed (Patrick Wilson) und Lorraine Warren (Vera Farmiga) bei einer Familie, deren jüngster Sohn David (Julian Hilliard, „Spuk in Hill House„) offenbar von einem Dämonen besessen ist. Obwohl die Warrens und ein Priester der Kirche alles in ihrer Macht stehende versuchen, lässt sich die unheilige Kraft nicht aus dem Körper des Jungen vertreiben – bis von fast allen unbemerkt Arne (Ruairi O’Connor), der Freund von Davids älterer Schwester Debbie (Sarah Catherine Hook), dem Dämonen anbietet, ihn in Besitz zu nehmen, wenn er David dafür frei lässt.

Lediglich Ed Warren hat die Szene beobachtet, wird von der Kreatur in Arne allerdings fast umgebracht. Mit einer Herzattacke fällt Ed ins Koma und nimmt sein Wissen vorerst mit in den Schlaf. Deshalb kann er auch niemanden warnen, dass der Dämon noch immer aktiv ist. Und das rächt sich bitter. Wenig später tötet Arne seinen Vermieter mit 22 Messerstichen, kann sich allerdings nicht an die Tat erinnern. Nun steht er vor Gericht und nur die Warrens können ihm noch helfen. Denn Arne möchte als Grund für seine Unschuldserklärung anführen, das er im Bann des Teufels stand und für das grauenhafte Verbrechen nicht verantwortlich ist. Lorraine und Ed suchen daher nach anderen, ähnlichen Fällen. Und werden fündig …

Viel Krimi-Handlung

Bereits zum dritten Mal beziehen sich die Filmemacher auf einen wahren Fall, in den die Warrens 1981 verstrickt waren. Den Prozess gegen Arne Johnson, der als „The Devil made me do it“ in die US-Gerichtshistorie einging, gab es wirklich. Drehbuchautor David Leslie Johnson-McGoldrick, der bereits am zweiten Teil mitschrieb und für Wan die Drehbücher von „Aquaman“ und dem kommenden zweiten Film mit dem Herrscher von Atlantis verfasste, nahm sich allerdings reichlich künstlerische Freiheiten heraus, um den Plot Horrorkino-gerecht zu adaptieren.

Dabei gibt es in Teil drei eine leichte Abweichung zu den bisherigen Geschichten. Zwar steht auch hier der übernatürliche Faktor im Vordergrund, doch die Warrens müssen im neuen Film deutlich mehr Detektivarbeit leisten als in den beiden Vorgängern. Daher fühlt sich der dritte Film mehr wie ein Thriller an, als tatsächlich blanken Horror auszulösen. Das liegt sicherlich am Stoff, der trotz seiner Prämisse nicht so gruselig ist wie noch der Nonnen-Dämon aus Teil 2. Diesmal fehlt schlicht eine gruselige Fratze zum Plot.

Gutes Handwerk, wenig Innovation

Aber auch das Fehlen von James Wan hinter der Kamera macht sich bemerkbar. Michael Chaves ist ein handwerklich guter Regisseur, der die oberflächlichen Regeln des Horrors bereits in Lloronas Fluch beherrschte. Und auch bei The Conjuring 3 zeigt, dass er Jump Scares, langsame Kamerafahrten und die perfekte Ausleuchtung eines möglichst unheimlichen Hauses beherrscht. Aber ihm fehlt der Instinkt eines James Wan, der aus manchen Szenen einfach das Quäntchen mehr Grauen herausholt, indem er Details anders macht als das Gros der Horror-Regisseure.

So bleibt es an Patrick Wilson und Vera Farmiga hängen, den etwas schwächeren Plot und die etwas weniger innovative Regie dennoch in einen guten Beitrag der Conjuring-Reihe zu verwandeln. Und das gelingt ihnen weitgehend. Denn beide Schauspieler kennen ihre Rolle mittlerweile gut und machen auch im dritten Anlauf das Ehepaar Warren zu den größten Sympathieträgern des Films. Allerdings muss man attestieren, dass die Reihe trotz einer jahrelangen Pause der Hauptserie (Conjuring 2 ist fünf Jahre alt) langsam qualitativ etwas nachlässt.

Im Vergleich zu einigen Szenen der Vorgängerfilme gelingt es The Conjuring 3 nicht, Momente zu schaffen, die länger im Gedächtnis bleiben, weil sie wirklich unter die Haut gehen. Wer sich noch an das Portrait des Dämons in Teil zwei erinnern kann, der weiß, was gemeint ist. Diese Intensität erreicht der neue Film nie, obwohl er sich darum bemüht, möglichst unheimliche Szenen zu zeigen. Das Rezept ist einfach inzwischen nicht nur bekannt, sondern auch dank Nachahmern wie „Malasana 32 – Haus des Bösen“ etwas ausgelutscht. Solide ist The Conjuring 3 – Im Bann des Teufels allerdings durchgehend, auch wenn der fiese letzte Kick der früheren Teile fehlt.

Fazit:

Mit The Conjuring 3 – Im Bann des Teufels präsentiert Warner Bros. nach langer Pause von fünf Jahren den dritten Teil der titelgebenden Filmreihe und achten Film der Gesamtserie. Auch diesmal erlebt der Zuschauer eine spannende Story nach historischen Begebenheiten, allerdings zeigt die Reihe, vielleicht wegen des Fehlens von Mastermind James Wan, leichte Ermüdungserscheinungen. Vera Farmiga und Patrick Wilson sind gewohnt stark, Regisseur Michael Chaves kann aber die innovativen Ideen früherer Filme nicht bieten. Noch immer solide, manchmal sogar gut, aber die Qualität der Vorgänger erreicht Teil drei nicht mehr.

The Conjuring 3 – Im Bann des Teufels startet am 1. Juli 2021 in den deutschen Kinos.

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Der Prozess beschäftige die USA in den Jahren 1969 bis 1972. Er hatte weitreichende Folgen für viele Teilnehmer und gilt heute als Inbegriff eines politischen Schauprozesses in moderner Zeit: der Trial of the Chicago 7. Das damals sehr populäre Quartett Crosby, Stills, Nash and Young schrieb mit „Chicago“ sogar einen Song über eine besonders furchterregende Episode in diesem Prozess. Angesichts der momentan Demonstrationen in den USA gegen die Behandlung von schwarzen Bürgern durch die Polizei ist der Film plötzlich brandaktuell. Aber ist er auch gut?

The Trial of the Chicago 7: Die Handlung

Es sind verschiedene Gruppierungen, die sich im August 1968 auf den Weg nach Chicago machen, wo die Demokraten auf ihrem Parteitag den Präsidentschaftskandidaten wählen wollen. Tom Hayden (Eddie Redmayne) und  Rennie Davis (Alex Sharp) gehören zu Anführern der Studentenbewegung gegen den Vietnam-Krieg. Der Pazifist David Dellinger (John Carroll Lynch) plant dort ebenfalls gegen den Krieg demonstrieren. Die beiden Aktivisten und Comedians Abby Hoffman (Sascha Baron-Cohen)  und Jerry Rubin (Jeremy Strong) wollen neben der Demo auch ihren Spaß haben. Der schwarze Black Panther-Chef Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II) hingegen muss nur für ein Statement vor Ort sein. Während der Demonstration kommt es zu schweren und gewalttätigen Unruhen.

Ein Jahr später ist die republikanische Nixon-Regierung im Amt und der neue Justizminister will für die gewalttätigen Ausschreitungen jemanden bestraft sehen. Er beauftragt Staatsanwalt Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt) gegen dessen Abraten mit der Eröffnung eines Prozesses wegen organisierter Verschwörung zur Gewalt über Landesgrenzen – eine 200 Jahre altes Gesetz, das noch nie angewandt wurde. Der Prozess gegen Hayden, Seal und andere bleibt skandalträchtig. Seale bekommt keinen Anwalt, der Richter scheint senil und rassistisch und die Comedians machen sich einen Spaß aus allem …

Wahre Geschichte, dramaturgisch bearbeitet

Die meisten Filmfans kennen Regisseur Aaron Sorkin hauptsächlich als Drehbuchautor. Er schrieb Scripts zu Filmen wie „Eine Frage der Ehre“, „The Social Network“ (oscarprämiert) oder „Molly’s Game“, bei dem er auch erstmals Regie führte. In seiner zweiten Inszenierung eines eigenen Drehbuches nimmt er sich den vielleicht größten Justizskandal der späten 60er und frühen 70er Jahre vor, den Trial of the Chicago 7. Bei dem zu Beginn sogar acht Aktivisten angeklagt waren, ehe Bobby Seale nach schweren Misshandlungen auf Anordnung des Richters im Saal schließlich vom Verfahren getrennt wurde.

Sorkin arbeitet in seinem Film auf zwei Ebenen. Er erzählt die besonders wichtigen Details aus dem 180 Tage dauernden Prozess gegen Kriegsgegner. Der in der Schlüsselszene gipfelt, wenn Bobby Seal geknebelt und an den Stuhl gekettet wird wie ein Sklave. Dazu deckt er in Rückblenden die Geschehnisse auf, die zu den Ausschreitungen und Straßenschlachten mit der Chicagoer Polizei führten. Dabei stilisiert Sorkin seine Protagonisten nicht zu Helden. Die beiden Hippies Hoffman und Rubin zeigt er als nervige und vorlaute, aber auch sehr witzige Kindsköpfe, die wenig ernst nehmen. Hayden als fast verbissenen Kämpfer mit klarer politischer Agenda. Und den Pazifisten Dellinger als zu Gewalt fähig – und furchtbar erschrocken darüber. Auch, dass die Angeklagten sich untereinander teilweise nicht mochten, lässt Sorkin nicht aus.

The Trial of the Chicago 7: Stark gespielt und hochemotional

Obwohl Sorkin als Regisseur noch nicht über große Erfahrung verfügt, führt er sein Rudel von Stars jederzeit sicher – und gibt jedem mindestens eine große Szene in seinem Script. Die wohl undankbarste Rolle hat dabei Frank Langella als Richter Hoffman, dem wohl jeder Zuschauer nach einer Stunde gehörig die Meinung geigen möchte. Als „alter weißer Mann“, beinhart, unbelehrbar und an den Rechten der Angeklagten sichtbar wenig interessiert, ist er der stärkste Antagonist des Films, aber nicht der einzige. Der republikanische Apparat, der hinter dem Schauprozess steckt, bekommt ebenfalls sein Fett weg.

Überraschend stark ist Sascha Baron-Cohen, der hier zeigt, dass er mehr kann als Fremdschäm-Filme zu drehen. Sein Abby Hoffman ist ebenso witzig wie intelligent, mal zynisch und verbittert, mal klar und leise. Eine spannende, großartig geschriebene Figur, die Baron-Cohen eindrucksvoll meistert. Und Joseph Gordon-Levitt ist als Mann, der immer stärker mit seiner Integrität zu kämpfen hat, ebenfalls wundervoll. Aber eigentlich lässt sich keine der schauspielerischen Leistungen deutlich hervorheben, dazu ist das Ensemble durchgehend einfach zu stark.

Aktuell ist der Film vor allem dadurch, dass die Leute, die damals vor Gericht standen, von Männern wie Trump heute sicher der Antifa zugerechnet würden. Und damit bei Wiederwahl des Präsidenten demnächst als Terroristen gebrandmarkt würden. Sorkin zeigt auf, wie wenig sich in einem republikanischen Amerika seit den 70er Jahren tatsächlich verändert hat. So ist The Trial of the Chicago 7 aus vielen Gründen sehenswert. Er zeigt tolle Schauspieler, legt den Finger in eine noch immer blutende Wunde Amerikas und ist darüber hinaus hochemotional. Obwohl nur wenig passiert, dürfte dieses Werk wohl nur die wenigsten Zuschauer kalt lassen. Großes Kino bei Netflix!

Fazit:

The Trial of the Chicago 7 ist zwar aufgrund seiner stark auf die USA bezogenen Themen für ein deutsches Publikum nicht so emotional wie vermutlich für einen US-Bürger. Die Wut auf ein solches System wird aber auch bei nicht-US-Zuschauern aufkommen. Dafür sorgen die groß aufspielenden Stars, das starke Drehbuch und die stringente, selbst mit 130 Minuten keine Sekunde zu lange Inszenierung. Wer politische Filme mag und auch Gefallen an Gerichtsdramen findet, bekommt mit diesem Film einen echten Gewinner.

The Trial of the Chicago 7 startet am 16. Oktober 2020 bei Netflix.

Mehr Kritiken zu Netflix-Filmen gibt es hier.

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Europa ist nicht der einzige Kontinent, der sich mit einer Flut an Flüchtlingen auseinandersetzen muss. Auch in Australien kommen viele Menschen an, die aus Asien stammen und vor Krieg, Verfolgung und Armut ins reiche Australien fliehen wollen. Allerdings ist das Land mittlerweile für eine rigorose Politik gegen die Bootsflüchtlinge bekannt, die von einem nicht unbeträchtlichen Teil der Bevölkerung allerdings getragen wird. Dieses alles andere als einfache Thema nutzt Blanchett für ihren Sechsteiler, der auch noch auf wahren Begebenheiten beruht. Geht er auch an die Nieren?

Stateless: Die Handlung

Sophie (Yvonne Strahovski) ist psychisch labil, leidet seit Jahren unter ihrer übermächtigen Mutter und der erfolgreichen Schwester. Schließlich fällt sie auf der Suche nach Halt in die Fänge einer Sekte, angeführt von Gordon (Dominic West) und Pat (Cate Blanchett). Schließlich ist sie so verzweifelt, dass sie sich mit einem gestohlenen Pass in ein Flüchtlingscamp der Regierung begibt und als deutsche Staatsbürgerin ausgewiesen werden möchte. Doch der Schwindel fliegt auf …

Ameer (Fayssal Bazzi) floh mit Frau und zwei Töchtern aus Afghanistan und strandet in Malaysia, wo er auf Plätze für alle auf einem Schlepperboot wartet. Doch er wird von seiner Familie getrennt und kommt erst Monate später im australischen Lager an. Dort erwartet ihn die Hölle …

Cam (Jai Courtney) hat seinen Job auf dem Bau satt und nimmt die Stelle als Wärter im Flüchtlingslager an, weil sie viel besser bezahlt ist. Zu Beginn gefällt ihm das bessere Gehalt und der damit verbundene bescheidene Luxus für die Familie. Doch bald meldet sich Cams Gewissen …

Claire (Asher Keddie) arbeitet für die Regierung und wird zum Flüchtlingslager abkommandiert, um die Probleme dort zu lösen. Doch die ehrgeizige Beamtin stößt mit ihrem kalten Pragmatismus bald an Grenzen, die sie eigentlich nicht überschreiten wollte. Ihre Reaktion darauf hat schlimme Folgen …

Stateless: Fair, aber unbarmherzig

Stateless geht nicht den leichten Weg und drückt mit den Schicksalen der Flüchtlinge auf die Tränendrüse. Stattdessen bemüht sich das Drehbuch um eine differenzierte Sichtweise, das auch die Perspektiven der Wachen, der Regierung und der Einwohner Australiens nicht unter den Tisch kehrt. Sonderlich freundlich geht das Script allerdings mit keiner dieser Gruppen um. Dafür zeichnet es ein düsteres Bild einer Politik, die Asylsuchende faktisch zu Gefangenen macht, weil ihre Anträge jahrelang nicht bearbeitet werden. Obwohl das Gesetz es eigentlich so vorsieht.

So gibt es mehrere Gruppen. Die Flüchtlinge, die nicht alle Engel sind und durchaus schlimme Dinge tun, um ihre Not zu lindern. Die Mitarbeiter des Systems, die aus Karrieregründen oder finanzieller Not wegschauen. Und die Menschen, die helfen wollen, dazu aber ebenfalls gegen Regeln verstoßen müssen. Denn die Stimmung im Land wird gegenüber den Flüchtlingen zusehends feindlich. Und inmitten dieses Pulverfasses spielt sich Yvonne Strahovski, selbst Tochter polnischer Einwanderer in Australien, als psychisch kranke Sophie die Seele aus dem Leib.

Stateless: Großes Schauspiel

Nachdem ihre US-Karriere in der in Deutschand weitgehend unbekannten Spionage-Comedy-Serie „Chuck“ begonnen hatte, war sie in einigen Kino-Produktionen wie „I, Frankenstein“ zu sehen, bevor sie mit „The Handmaids Tale“ ihren zweiten Serienhit landen konnte. Schon da zeigt sie, was sie kann. Aber in Stateless legt die Australierin nochmals eine Schippe drauf. Die erste Folge, die weitgehend ihr gehört, ist ein wilder Ritt einer hübschen jungen Stewardess in den langsamen Wahnsinn, der ungemein fesselt und schmerzt.

Zum Ende der Folge spielt sie gemeinsam mit Blanchett eine Szene, die eine unglaublich Intensität entwickelt und haften bleibt. Und am Ende dieser Episode versteht der Zuschauer deshalb auch, warum eine weiße Australierin plötzlich in einem Camp für illegale Flüchtlinge landet – und sie dort gar nicht so falsch ist, wie man denkt. Allerdings ist Strahovski nicht die einzige, die in Stateless eine tolle Leistung zeigt. Jai Courtney, den viele nur aus Actionrollen wie „Suicide Squad“ kennen, ist hier ebenfalls sehr sehenswert als Mann mit Gewissen – und Kindern.

Und auch die weiteren Darsteller sind allesamt sehenswert und verliehen ihren Rollen die Authentizität, die Stateless gleichzeitig zu einer faszinierenden und unangenehmen Seh-Erfahrung machen. Denn die Serie macht es dem Zuschauer schwer, einen Schuldigen für die Situation auszumachen. Jeder trägt seinen Teil dazu bei, aber jede der Figuren ist dabei nachvollziehbar und nicht so einfach als Held oder Schurke auszumachen. Zudem ergeht sich das Script nicht in einfachen Lösungen, sondern beschränkt sich darauf, beobachtend die Realität zu zeigen, wie sie ist. Und das reicht völlig.

Fazit:

Stateless ist eine Serie, die in mehr als einer Hinsicht besonders ist. Denn sie ergeht sich nicht in simpler Schwarz-Weiß-Malerei, sondern bietet stattdessen einen differenzierten Blick auf die Flüchtlings-Problematik. Und der ist mitunter deshalb so schmerzhaft, weil er sich so real anfühlt. Und wenig Hoffnung hinterlässt, dass sich diese Tragödien nicht mehr wiederholen. Dabei gibt die Serie nie vor, einfache Antworten auf die komplexen Fragen zu haben, die sich hier stellen. Und ist auch noch toll geschrieben und großartig gespielt. Keine leichte Kost – aber gute.

Stateless startet am 8. Juli 220 bei Netflix.

Gesehen: Vier von sechs Folgen

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