Die Handlung

Eine kleine schwedische Gemeinde hat es geschafft, genug Interessenten für ein Einkaufszentrum zu finden, um es zu bauen. Morgen soll der erste Spatenstich sein und der Gemeindeangestellte Jonas (Adam Lundgreen), der das Projekt mit aller Macht durchgedrückt hat, soll dabei Hand anlegen. Vorher will die kleine Gruppe der Gemeindeangestellten aber noch auf einem Seminar ihren Zusammenhalt stärken. Zwar ist nicht jeder davon begeistert, aber die Chefin Ingela (Maria Sid) hat sich mit der Idee durchgesetzt. Wieder mit dabei ist nach längerer Krankheit wegen Überarbeitung auch Lina (Katia Winter), die mit Jonas nicht das beste Verhältnis hat.

Bei der Besprechung des kommenden Tages bemerkt Lina tatsächlich Ungereimtheiten in den Unterlagen. Es finden sich Verträge darunter, die ihre Unterschrift tragen, die sie aber nicht unterschrieben hat. Oder doch? Immerhin hatte sie ja nervliche Probleme. Während also die Team-Building-Maßnahmen weitergehen, kommt die kleine Crew des Veranstaltungsorts mitten im Wald langsam in Schwierigkeiten. Denn Koch Karl (Jimmy Lindström) ist seit einiger Zeit verschwunden, weil er eine neue Gasflasche zum Kochen besorgen will. und auch ein weiterer Mitarbeiter ist nicht aufzufinden. Was noch niemand vor Ort weiß: Ein geheimnisvoller Killer ist in der Nähe und scheint vorzuhaben, niemanden am Leben zu lassen …

Im Norden nichts Neues

Mats Strandbergs Story hat weniger mit Jason und Michael zu tun als man meint. Stattdessen standen eher Filme wie Hitchcocks „Psycho“ oder der erste „Freitag, der 13.“ Pate für Konferensen. Denn übernatürliche Phänomene wie Unverwundbarkeit sucht man hier vergeblich. Hier ist ein sehr irdischer Killer unterwegs, dessen Identität lange ein Geheimnis bleibt. Denn die klassische Maske darf natürlich nicht fehlen. Ebenso wenig wie eine ordentliche Portion Blut. Zwar ist Konferensen sicher kein zweiter „Terrifier“, aber komplett harmlos ist die Darstellung von Gewalt auch nicht. Netflix vergab eine Freigabe ab 18. Dennoch ist der Film kein reines Blutbad, in dem wahllos Teenager abgeschlachtet werden. Strandberg will um die Morde eine Geschichte erzählen.

Und das tut auch der Film. Allerdings sollte man hier keine tiefgründigen Gedanken wie in „Das Schweigen der Lämmer“ oder ähnliches erwarten. Strandberg streut mehrere Motive aus, um eine möglichst große Zahl an Verdächtigen zu haben. Regisseur Eklund kassiert allerdings schon in den ersten 20 Minuten die meisten davon wieder ein, sodass eine wirklich große Spannung um das Gesicht unter der Maske gar nicht erst aufkommt. Es läuft schnell auf zwei mögliche Täter hinaus. Und obwohl der Film den Mörder nicht wirklich genau zeigt, ahnt das Publikum doch recht genau, um wen es sich dabei handelt. In Sachen Slasher ist Konferensen letztlich ein Genre-typischer Film von der Stange.

Immerhin: Archetypen mit Herz

Ein wenig mehr Mühe gibt sich das Drehbuch hingegen bei den Protagonisten. Zwar sind auch die Konstellationen innerhalb der Gruppe nichts Neues und erinnern nicht nur einmal an „Severance“ von Christopher Smith, aber zumindest sind die Archetypen mit guten Dialogen bestückt und auch ansprechend gespielt. Ob die feige Eva, der alte Torbjörn, der eigentlich nur an Alkohol und Essen interessiert ist oder die umweltbewusste Anette, die wegen ihrer Sorge um den Planeten immer wieder zum Ziel von Spott wird. Die Charaktere geben tatsächlich, mal mehr, mal weniger flach, dem Publikum einen Grund, über ihren Tod entweder erfreut oder traurig zu sein. Mehr, als viele andere Slasher der letzten Jahre geschafft haben.

Dennoch bleibt Konferensen ein typischer Vertreter seiner Zunft, der in keinen Moment auch nur versucht, etwas wirklich Neues zu erzählen oder auch nur eine interessante Variante des mordenden Maskenträgers zu etablieren. Eine neue Maske, dazu die betont menschliche Charakterisierung des Killers on Form von Ausrutschern oder der Fähigkeit zu bluten, wie etwa in „Scream„. Und ein Dutzend potenzieller Opfer, von denen dem Publikum vor allem die frühen abtretenden relativ egal sind – mangels Zeit zur Charakterisierung. Möglicherweise ist das Slasher-Genre inzwischen dort angekommen, wie sich Exorzismus-Filme schon länger befinden: Neue Ideen gibt es nicht mehr. Wem es aber genügt, wenn Menschen möglichst blutig mit diversen Klingen und anderen Werkzeugen ermordet werden, wird hier fündig.

Fazit:

Strandberg mag ein aufstrebender Horrorautor sein, die Verfilmung seines neuesten Werks beweist das nicht. Denn Konferensen ist ein Slasher von der Stange. Durchaus blutig, wenn auch nicht in der Oberliga der Brutalitäten angesiedelt. Ordentliche Schauspieler, aber keine sonderlich stark ausgearbeiteten Figuren, stattdessen Archetypen. Und ein Story, die zwar zunächst eine große Anzahl möglicher Killer anbietet, aber auch schnell wieder die meisten Angebote zurückzieht und sich auf lediglich zwei Optionen fokussiert. Das ist handwerklich in Ordnung, leidlich spannend und dürfte alle unterhalten, denen die gefühlte 25. Version eines Maskenkillers genügt, um Spaß zu haben. Wer nach frischen Ideen sucht, wird hier allerdings nichts finden.

Konferensen startet am 13. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Das Familien-Imperium von Roderick Usher (Bruce Greenwood) und seiner Schwester Madeline (Mary McDonnell) liegt in Trümmern. Alle sechs Kinder Rodericks sind innerhalb weniger Tage gestorben. Und das mitten in einem Gerichtsprozess, den Rodericks Intimfeind Auguste Dupin (Carl Lumbly) nach jahrelanger Vorbereitung nun endlich auf den Weg gebracht hat. Der Familienanwalt Arthur Gordon Pym (Mark Hamill) versucht zwar alles, um die Verhandlung auszuhebeln. Doch Roderick scheint kein Interesse mehr daran zu haben, aus der Sache als Sieger hervorzugehen. Er bestellt Dupin für den Abend an eine bestimmte Adresse mit dem Versprechen, dem Gesetzesdiener alles zu erzählen, was er wissen will.

Als Dupin später am Abend zur angegebenen Adresse fährt, staunt er nicht schlecht. Es ist das seit Jahren leerstehende Geburtshaus von Roderick und Madeline. Der Gastgeber empfängt ihn mit teurem Cognac und einigen Geschichten, die Dupin kaum glauben kann. Denn obwohl die Todesursache bei allem Kindern Rodericks klar festgestellt wurde, besteht der darauf, dass er seinen Nachwuchs allesamt auf dem Gewissen hat. Die Dinge, die Roderick ihm erzählt, lassen dann schließlich sogar den erfahrenen Staatsanwalt erzittern. In allen spielt eine geheimnisvolle Frau namens Verna (Carla Gugino) eine wichtige Rolle. Und so erfährt Dupin die wahre Geschichte des Untergangs des Hauses Usher …

Großartige Modernisierung von Poes Werk

Mit „Spuk in Hill House“ lieferte Mike Flanagan sein erste Serie für Netflix ab. Der Untergang des Hauses Usher ist nun voraussichtlich seine letzte. Der 45-jährige hat einen langfristigen Vertrag mit Amazon Prime Video abgeschlossen. Ob es daran lag, dass Netflix seine Serie „Midnight Club“ nach einer Staffel absetzte, was Flanagan angeblich sehr geärgert hat, oder ob es andere Gründe gab, bleibt Spekulation. Wichtiger ist auch ,dass er sich auf ebenso hohem Niveau von Netflix verabschiedet, wie er in Sachen Serien dort begann. Denn vor allem für Fans von Edgar Allan Poe ist Flanagans Adaption eine Offenbarung. Denn alles zeugt von Respekt und Liebe an den Autor sowie einer genauen Auseinandersetzung Flanagans mit dem Original-Material.

Jede der acht Folgen, bis auf die erste, trägt den Titel eines berühmten Werkes von Poe wie Morde in der Rue Morgue, die schwarze Katze oder Das Verräterische Herz. Und die Kernthemen dieser Kurzgeschichten spielen in den entsprechenden Episoden dann auch wichtige Rollen. So wird in Das verräterische Herz Schuld und Wahnsinn zum wichtigen Faktor. Auch wenn sie die Episoden letztlich nur wenige Minuten mit der titelgebenden Storyline beschäftigt und in weiten Teilen die Hauptgeschichte weitererzählt. Doch Flanagan nutzt die Vorgaben der Storys klug, um seine eigenen Interpretationen zu schaffen. Und Poes beeindruckendes Werk für eine neue Generation gründlich zu entstauben. Lovecraft ist mittlerweile wieder ein Liebling vieler junger Horrorfans – Poe hätte das Gleiche verdient.

Optisch und schauspielerisch oberste Liga

Es ist also sicher so, dass Poe-Kenner an dieser Serie noch mehr Spaß haben werden als Neulinge in der Welt des dunklen Poeten. Aber auch völlig ohne Vorkenntnisse ist Der Untergang des Hauses Usher ein Genuss. Und das liegt an vielen Faktoren. Da ist das Bild. Was die Serie optisch auf den Bildschirm bringt, ist von einer morbiden Schönheit, die ihresgleichen sucht. Wenn sich Dupin und Usher in den harten Schatten eines Kaminfeuers gegenübersitzen, dann ist das in scharfem 4k einfach grandios anzusehen. Auch die Sets wie die diversen Designer-Wohnungen der Usher-Kinder oder die Party in Episode 2 sind optische Leckerbissen. Doch den Schrecken mit Leben erfüllen, das erledigen die großartigen Schauspieler.

Hier greift Flanagan fast ausschließlich auf Darsteller zurück, mit denen er bereits gearbeitet. Die Hauptrolle geht dabei an Bruce Greenwood („Das Spiel„), der nach dem Rauswurf von Frank Langella die Rolle des Roderick Usher übernahm. Und eine grandiose Darbietung zeigt. Auch Carla Gugino, Stammgast in Flanagans Serien und Filmen, spielt die geheimnisvolle Verna, die mit dem Todesfällen zu tun zu haben schient, mit großer Präsenz und einer derart eiskalten Aura, dass einem beim Zusehen fröstelt. Letztlich lässt sich aber kaum jemand herausheben, so gut sind sie alle. Und doch wird kaum jemand mit einem davon mitfiebern. Denn Flanagan schreibt seine Protagonisten ganz in Poe-Tradition derart fies und abstoßend, dass man wenig Mitleid verspürt. Obwohl einige davon es verdient hätten.

Die acht Folgen greifen nicht nur perfekt ineinander und lüften erst zum Schluss die ganzen Geheimnisse rund um den Tod von Rodericks Kindern. Sie sind auch immer wieder ziemlich unheimlich. Weitgehend ohne Jump-Scares, nur mit der stetig bedrohlicher werdenden Atmosphäre, erwächst so ein ebenso dunkles wie faszinierendes Bild einer Familie, die für Macht über Leichen geht und dafür den Preis zahlt. Mike Flanagan ist mit dieser Serie auf der bisherigen Höhe seines Könnens. Man kann sich wirklich nur auf seine nächsten Projekte, die Verfilmung der Stephen King-Novelle „Life of Chuck“ und danach die Umsetzung von Kings Opus Magnum „The Dark Tower“ freuen. Großes Kino für den Bildschirm!

Fazit:

Der Untergang des Hauses Usher ist nicht nur Flanagans letzte Netflix-Serie, sondern gemeinsam mit seiner ersten auch die beste. Eine großartige Grundidee, tolle Drehbücher, herausragende Schauspieler und eine permanent wachsende Spannung adelt die Serie zum Horror-Glanzlicht 2023 bei Netflix. Die Art, wie Flanagan Edgar Allan Poes berühmte Geschichten in einen neuen Kontext webt und dennoch die wichtigsten Grundzüge der Storys beibehält, ist brillant. Die Serie ist sicher für Poe-Fans noch besser als für andere, weil die die zahlreichen Anspielungen und Verweise erkennen („Das Fass Amontillado“, „Annabelle Lee“ und viele mehr). Aber auch Poe-unkundige Horrorfans sollten hier voll auf ihre Kosten kommen.

Der Untergang des Hauses Usher startet am 12. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Emily (Phoebe Dynevor) und Luke (Alden Ehrenreich) sind schwer verliebt. Das müssen sie in der Finanzfirma, in der sie beide arbeiten, allerdings streng geheim halten, da es dort nicht erlaubt ist und zu Kündigung führen kann. Dennoch macht Luke seiner Traumfrau einen Heiratsantrag, den sie glücklich annimmt. In ihrem Job als Analysten bei einem Hedgefonds tun sie allerdings weiter so, als seien sie nur flüchtig bekannte Kollegen. Die „Hire and Fire“-Mentalität des Fondsbosses Campbell (Eddie Marsan) führt immer wieder zu freien Stellen über dem Paar. Und als eines Tages ein Portfoliomanager gehen muss – und dabei sein Büro komplett zertrümmert – hört Emily das Gerücht, Luke solle sein Nachfolger werden.

Freudestrahlend erzählt sie ihm abends von der guten Nachricht. Doch noch in der gleichen Nacht erhält sie einen Anruf von einem Kollegen, der sie bittet, in eine Bar zu kommen – es sei wichtig. Dort wartet Campbell auf sie, der ihr verkündet, dass sie die neue Managerin wird. Wieder zuhause gratuliert Luke ihr scheinbar von Herzen. Doch Emily wird den Verdacht nicht los, dass er mit dieser Beförderung deutlich schlechter umgehen kann, als er es vorgibt. Bald zeigt sich, dass sie mit ihrem Verdacht Recht hatte. Luke nimmt ihre Beförderung als eigene Zurückweisung und reagiert zunehmend toxisch auf sie. Findet das Paar wieder zusammen?

Mehr Drama als Erotik

Chloe Domont gab in einem Interview zu Protokoll, dass dieser Film auf ihren eigenen, persönlichen Erfahrungen beruht. Und das merkt man. Denn Fair Play ist ein wütender Film, der sehr viel mehr Fokus auf diese Wut und die toxische Beziehung legt, als auf den Erotik-Teil. Gleich zu Beginn setzt Domont mit einer Sex-Szene, in der Menstruationsblut eine Rolle spielt, einen geplanten und etwas konstruiert wirkenden Schock-Moment, um danach das Thema Sex immer mehr in den Hintergrund treiben zu lassen. Denn in dem Maße, wie sich die Beziehung zwischen Emily und Luke abkühlt, werden auch die Sex-Szenen zurückgefahren. Von einem Erotik-Thriller zu sprechen, wirkt angesichts der wenigen Szenen schon ein wenig übertrieben. Beziehungsdrama gibt den Inhalt von Fair Play eigentlich genauer wieder.

Und dieses Drama wird konsequent aus Emilys Sicht erzählt. Domont wählt dabei geschickt Stilmittel, um das Auseinanderdriften des Paares zu verdeutlichen. Sind die beiden am Anfang des Films nur zusammen zu sehen, bricht das bald auf und bleibt für den Rest des Films auch gleich. Das Publikum sieht Luke kaum einmal allein. Und wenn, wird Lukes Figur dadurch nicht klarer. Ganz im Gegensatz zu Emily. Hier wird in fast jeder Szene, in der sie ohne Luke agiert, ein Detail ihres Charakters oder ihrer Hintergrundgeschichte hinzugefügt. Emily wächst, Luke tut das nicht. Zumindest nicht für das Publikum sichtbar. Und auch seine Reaktionen auf die Situation kommen deshalb aus heiterem Himmel – für Emily wie für die Zuschauer.

Starke Darsteller

Gespielt ist das alles stark. Alden Ehrenreich ist überaus glaubhaft in der Rolle des gekränkten Mannes, der eine Zurücksetzung, selbst zugunsten der Frau, die er angeblich liebt, nicht ertragen kann. Denn es gelingt ihm, trotz seines Verhaltens auch immer wieder Momente zu erzeugen, in denen er so geläutert und verständnisvoll wirkt, dass man Emily Zweifel, ob er wirklich die alleinige Schuld an der Situation trägt, gut nachvollziehen kann. Und Phoebe Dynevor zeigt nicht nur, dass sie durch „Bridgerton“ viel Erfahrung bei Sex-Szenen gesammelt hat, sondern auch, dass sie die emotional fordernde Rolle der Emily ohne Probleme meistern kann. Und Regisseurin Domont setzt ihre besonderen Vorzüge dabei so in Szene, dass sie die beabsichtigte Wirkung des Films maximal verstärkt.

Die schlanke und zierlich, fast verletzlich wirkende Dynevor wird immer wieder im starken Kontrast zu einer unruhigen, manchmal bedrohlichen Umwelt gefilmt. Ob leicht eingeschüchtert wirkend in der U-Bahn oder auch im Büro, wo sie als einzige Frau sich schon optisch deutlich von allen anderen abhebt. Die optische Isolation ihrer Figur geht dabei Hand in Hand mit der emotionalen. Den auch andere Männer gehen mit ihr letztlich nicht besser um. Als sie einen Fehler macht, bezeichnet sie ihr Chef als „dumme Schlampe“ und entschuldigt so nur halbherzig, als sie diese Scharte wieder auswetzt. Stattdessen erhält sie als Bonus mehr, als die meisten Menschen in fünf Jahren verdienen. Was direkt zu einem weiteren Kritikpunkt an Fair Play führt.

Die Story spielt in der Hochfinanz ist ist derart mit Klischees vollgestopft, dass man manchmal fast lächeln muss, so plump werden Stereotype verbraten. Stripclubs, weinende Kerle in teuren Anzügen, nachdem sie gefeuert wurden, ständige Telefonate, um an Insiderwissen zu gelangen. All das wirkt genau so, wie sich jemand die Hochfinanz vorstellt, der nie etwas Dokumentarisches darüber gesehen hat. Und das zieht die durchaus packende und emotional ansprechende Geschichte einer Beziehungskrise eben auch manchmal in die Nähe von Klischees. Obwohl sie wesentlich glaubhafter ist. Dennoch: Als Regiedebüt kann sich Fair Play durchaus sehen lassen, wenn auch eine ausgeglichene Sicht auf das Geschehen fehlt. Die Schuldfrage stellt sich dennoch nicht. Die Antwort ist klar.

Fazit:

Mit Fair Play betreibt Netflix ein wenig Etikettenschwindel, denn von der angekündigten Erotik eines Erotikthrillers bleibt unterm Strich nicht viel. Stattdessen bietet der Film eine interessantes Psychogramm einer jungen Liebensbeziehungen unter dem Druck der Umwelt und der eigenen Erwartungen. Und die ist, komplett aus weiblicher Sicht erzählt, durchaus sehenswert. Denn Phobe Dynevor erfüllt die weibliche Hauptrolle mit Leben, sowohl körperlich wie auch emotional. Und Alden Ehrenreich bildet als zunehmend toxisch werdender Lover einen ansprechenden Gegenpart. Leider nutzt Debüt-Regisseurin Chloe Domont zu viele Klischees für ihre Handlung, um sie wirklich real wirken zu lassen, als kühler Beziehungs-Thriller liefert der Film aber durchaus ab.

Fair Play startet am 6. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Kritik zu Staffel 1.

Die Kritik zu Staffel 2.

Hier steht die Kritik zu Staffel 3.

Die Handlung

Endlich sind sie zusammen – und doch auch wieder nicht. Otis (Asa Butterfield) und Maeve (Emma Mackay) haben sich endlich ihre Liebe füreinander eingestanden. Doch Minuten später musste die junge Frau abreisen, um ihr Stipendium in den USA anzutreten. Und seitdem führen Otis und sie eine telefonische Fernbeziehung. Und haben beide mit der sexuellen Spannung zu kämpfen, die sie nicht miteinander ausleben können. Otis hat dazu noch ein weiteres Problem: Seine Mutter Jean (Gillian Anderson) brachte vor ein paar Wochen seine Schwester Joy zur Welt. Doch weil ihr Partner Jakob nicht der Vater des Kindes ist, hat er sie nach ihrem Geständnis verlassen.

Maeve hingegen muss sich in ihrer neuen Umgebung nicht nur mit neuen Schülern auseinandersetzen, sondern auch mit einem alternden Literatur-Jungstar, der als Dozent extrem streng auf Maeves Arbeit schaut. Und die junge Frau mehr als einmal frustriert. Eric wähnt sich hingegen im Paradies. Die neue Schule, auf der die er, Otis, Ruby und all die anderen ihr letztes Schuljahr verbringen, ist dermaßen queer-freundlich, dass Eric sich sofort wie zuhause fühlt. Dennoch quält er sich mit einem anderen Thema herum. Seine Familie wünscht sich, dass er sich taufen lässt, doch die Kirche lehnt ihn als schwulen Mann weiterhin ab. Und Otis muss feststellen, dass es an der neuen Schule mit „O“ (Thaddea Graham, „Die Bande aus der Baker Street“) bereits eine Sex-Therapeutin für Schüler gibt, obwohl das doch seine Idee war …

Gute Geschichten, gut erzählt

In Sex Education Staffel 4 haben die Autoren noch einmal alles hineingelegt, was die Serie bislang so erfolgreich machte. Schließlich galt es, allen Figuren einen würdigen Abschluss zu geben. Das ist tatsächlich beeindruckend gut gelungen. Denn die Drehbuchschreiber beweisen ein ums andere Mal, wie gut und genau sie ihre Charaktere kennen, was sie ausmacht und wohin sie sich entwickeln sollen. Nur selten wirkt eine Entwicklung aufgesetzt und verläuft selbst dann noch in befriedigenden Bahnen. So wirkt beispielsweise der Besuch von Jeans Schwester Joanne, die Otis zur Hilfe gerufen hat, weil er sieht, dass seine Mutter überfordert ist, zu Beginn etwas bemüht. Und entwickelt sich dann zu einer der stärksten Storys der finalen Staffel.

Was die jungen Erwachsenen angeht, da zeigen die Autoren erneut ihr Talent, auch Figuren, die weit außerhalb irgendwelcher Normen agieren, so einfühlsam und lebendig zu gestalten, dass das Publikum kaum anders kann als mit ihnen mitzufiebern, mögen die sexuellen Interessen auch gänzlich andere sein. Und das ist in Sex Education Staffel 4, vielleicht auch durch die Gewissheit des Abschieds, emotionaler denn je. Wer bislang schon beim Zuschauen hin und wieder eine Träne verdrückte, der muss sich auf eine harte Zeit mit den letzten acht Folgen einstellen. Nah am Wasser gebaute Zuschauer dürften einige Taschentücher verbrauchen, bis sie das Ende erreicht haben.

Klare Botschaften

Und ja, die Gründe, die Serie nach Staffel 4 zu beenden, sind nachvollziehbar. Die Schauspieler werden immer älter und unglaubwürdiger als Schüler, Stars wie Emma Mackay starten gerade international durch und möchten sich nicht mehr an eine Serie binden. Und doch lässt es sich nicht anders sagen: Das Ende von Sex Education ist ein herber Verlust für die Serienlandschaft bei Netflix. Denn die Serie ist eben nicht nur ein sehr genaues und sehr liebevoll gezeichnetes Bild einer Generation, sondern erschafft auch die Vision, wie schön es sein könnte, respektvoll und freundlich miteinander umzugehen. Und die Menschen sein zu lassen, wie sie sind, solange niemand darunter leiden muss. Das gelang der Serie nie besser als in Staffel 4.

Dass es den Autoren gelingt, jeder Figur eine starke Story auf den Leib zu schreiben, ist dabei beeindruckend. So berührt die Geschichte um die Familie Groff. Adam will nicht mehr zur Schule gehen und beginnt ein Praktikum auf einem Pferdehof. Sein Vater Michael, nun einfacher Lehrer auf der neuen Schule, bemüht sich weiter, sich von einem Ekel zu einem liebevollen Ehemann und Vater zu werden. Ruby muss lernen, dass sie auf der neuen Schule nicht mehr der uneingeschränkte Star ist. Aber das Herzstück der Serie bleibt die komplizierte Liebe zwischen Otis und Maeve, die wundervoll weitergeht und dem Publikum die Tränen in die Augen treibt (ob vor Rührung oder Mitleid soll hier nicht verraten werden). Mackay und Butterfield sind einfach grandios gut zusammen.

Wie bei jeder außergewöhnlichen Serie hat man am Ende das Gefühl, dass sie zu früh endet. Da wären doch noch so viele Geschichten zu erzählen, so viel ist ungesagt oder verdiente eine Fortsetzung. All das ist richtig. Und doch finden die Autoren einen Moment, der sich als Schlusspunkt eignet. Und das Publikum auf einem rekordverdächtigen emotionalen Niveau verabschiedet. Keine Frage, die Serie wird ein Hit bei Netflix bleiben in den kommenden Jahren. Denn Maeve, Otis, Eric und die anderen wird kaum ein Fan von Sex Education so schnell vergessen. Waren sie doch, wenn nicht sogar Freunde, dann zumindest gute Bekannte, um deren Schicksal man sich eben Gedanken macht. Eine Serie, die das schafft, darf sich zu Recht großartig nennen.

Fazit:

Taschentücher raus, letzte Folge läuft! Mit Sex Education Staffel 4 halten die Macher der Serie das hohe Niveau mühelos. Und präsentieren den Fans acht weitere Folgen mit der unwiderstehlichen Mischung aus Drama und Humor. Erneut erfüllen die großartigen Schauspieler wie Gillian Anderson, Asa Butterfield, Emma Mackay und Ncuti Gatwa mühelos die stark geschriebenen Handlungsstränge mit Leben. Darüber hinaus schafft die Serie aber auch die Vision von einem Zusammenleben, das von gegenseitigem Respekt füreinander geprägt ist. Das ist so schön und wirkt dabei so realistisch, dass die meisten Zuschauer sich wohl sofort an dieser Schule anmelden würden. Ein Edelstein von einer Serie, der auch in Jahren noch funkeln wird.

Sex Education Staffel 4 startet am 21. September 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Drogendealer Tyrone (John Boyega) hat keinen sonderlich guten Tag. Erst macht ihm ein anderer Gangster das Revier streitig, dann bringt ihm sein Kurier viel weniger Geld als erwartet. Und als Tyrone selbst zu Zuhälter Slim Charles (Jamie Foxx) und dessen bestem Pferd im Stall, Yo-Yo (Teyonah Parris), fährt, um seine Kohle einzutreiben, wird er beim Verlassen des Zimmer auch noch über den Haufen geschossen. Dennoch wacht er am nächsten Morgen in seinem Bett auf, als wäre nichts gewesen. Hat  er das alles nur geträumt? Oder ist gestern doch etwas passiert, das sich mit gesundem Menschenverstand nicht erklären lässt?

Slim Charles bestätigt ihm jedenfalls bei seinem zweiten Besuch in zwei Tagen, dass er von jemandem niedergeschossen wurde. Und so macht sich Tyrone mit Charles im Schlepptau auf den Weg, um Yo-Yo zu finden. Die kann die Story bestätigen, worauf sich Tyrone auf die Suche nach Spuren macht, die erklären könnten, was in seinem Viertel und mit ihm gerade passiert. Tatsächlich findet er eine Leiche, die ihm bis aufs Haar gleicht. Aber damit fangen die seltsamen Ereignisse erst an. Denn offenbar ist nicht nur Tyrone von merkwürdigen Dingen umgeben. Das ganze Viertel The Glen scheint langsam verrückt zu spielen. Haben die Insassen der schwarzen SUVs damit zu tun, die scheinbar an jeder Ecke stehen?

Wilder Mix, der Spaß macht

Regisseur und Co-Autor Juel Taylor hat mit They cloned Tyrone wahrhaftig einen merkwürdigen Film abgeliefert. Denn das Ganze scheint in der Jetztzeit zu spielen. Allerdings stammt der Plot aus den 50er oder frühen 60er Jahren, der großen Zeit der Sci-Fi-Verschwörungsthriller. Musik, Look des Films und die Garderobe passen perfekt zum Blaxploitation-Kino der frühen und mittleren 70er Jahre. Und die Schauspieler sind von heute. Warum Taylor seine Story so und nicht anders umgesetzt hat, bleibt dabei sein Geheimnis. Gut möglich, dass er der großen Zeit des schwarzen Kinos in den USA seinen Respekt zollen wollte. Oder der Look für seinen Geschmack gut zur Handlung passte. Für Cineasten hebt das in jedem Fall They cloned Tyrone über das typische Niveau des Netflix-Unterhaltungsfilm.

Denn die Ausstattung des Films, liebevoll und detailreich den 70ern nachempfunden, machen alleine schon viel Spaß. Besonders die Frisuren heben die Stimmung nur vom Zusehen schon garantiert. Aucg bei der Besetzung bewies Taylor ein gutes Händchen. Der minimalistische John Boyega als harter Kerl überzeugt ebenso wie die sich ständig streitenden Foxx und Parris, die mit sichtlichem Spaß Overacting betreiben und sich Dialoge um die Ohren hauen, bis die Ohren bluten. Und Freunde von Soul und Funk-Music sowie angejazzten Klängen dürften mit dem Soundttrack ebenfalls eine gute Zeit haben. Dennoch kann They cloned Tyrone nicht auf ganzer Linie überzeugen.

Zu lang für die Story-Idee

Dazu ist der Film mit knapp zwei Stunden viel zu lang geraten. Während er zu Beginn noch mit gutem Tempo und flotter Inszenierung überzeugt und trotzdem Zeit für ruhige Momente findet, hängt das Werk in der Mitte doch ziemlich durch und verliert unnötig an Tempo und Biss. Zwar hat es hin und wieder fast etwas Hitchcockhaftes, wie die Protagonisten von einer Gefahr in die nächste stolpern, bis Taylor langsam beginnt, den Schleier des Geheimnisses zu lüften – in einer der stärksten Szenen des Films, in dem auch noch ein illustrer Stargast auftritt. Auch eine Kirchenszene ist sehr gelungen, in der David Alan Grier als schräger Reverend ein klein wenig dem unvergessenen James Brown aus „Blues Brothers“ huldigen darf.

Aber unter dem Strich passiert in der mittleren Stunde zu wenig, um die Laufzeit zu rechtfertigen. Zudem verliert They cloned Tyrone trotz einiger pfiffiger Drehbuch-Einfälle im letzten Drittel fast komplett die Spannung und kann erst in den leicht absurd anmutenden finalen Minuten wieder punkten. Immerhin verliert Taylor die herrlich schräge Grundidee nie aus den Augen und baut dazu immer wieder starke Szenen ein. Doch aus den einzelnen guten Momenten wird kein starkes Ganzes. Dazu ist der Film als Thriller nicht spannend genug, als Sci-Fi-Story nicht originell genug, als Komödie nicht durchgehend witzig und für eine mögliche Gesellschaftskritik schlicht zu flach. So bleibt als einzig wirklich gelungener Teil die Hommage an das Blaxploitation-Kino. Wem das genügt, hat aber eine richtig gute Zeit.

Fazit:

Auch wenn die einzelnen Teile seines wilden Genre-Mix-Film They cloned Tyrone nicht durchgehend überzeugen, gelingt Regisseur und Mitautor Juel Taylor doch ein ansehnlicher Film, der vor allem durch die Verehrung des großen schwarzen Kinos der 70er punkten kann. Die drei Hauptdarsteller liefern alle gut ab, die Musik passt ebenfalls – und schön schräg ist das Ganze auch noch. Aber Taylors Werk bleibt ein Film, auf den sich das Publikum schon sehr einlassen muss, um Spaß zu haben. Denn letztlich ist die wilde Mischung vielleicht einen Hauch zu abgedreht, um zu einer homogenen Erzählung zu verschmelzen. Ob man da wirklich eine zumindest angedeutete Fortsetzung braucht?

They cloned Tyrone startet am 21. Juli 2023 bei Netflix.

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Die Kritik zu Staffel 1 findest du hier.

Die Kritik zu Staffel 2 ist hier.

Die Handlung

Mittlerweile ist Geralt (Henry Cavill) und Yennefer (Anya Chalotra) klar: Ciri (Freya Allen) ist fast überall in großer Gefahr. Denn es sind so viele verschiedene Interessensgruppen aus unterschiedlichen Motiven hinter ihr her, das hinter jeder Ecke der nächste Attentäter lauern könnte. Zudem rumoert es im Norden des Kontinents. Das Königreich Nilfgaard schielt ganz offen über die Grenzen anderer Reiche und will sich weiteres Gebiet einverleiben. Yennefer will diese Krieg unbedingt verhindern, träumt von einem friedlichen Norden – und hofft auf Geralts Unterstützung. Doch der Witcher hat ihr ihren Verrat noch nicht verziehen. Und so ziehen sie als ungewöhnliches Trio durch das Land, finden immer wieder für eine kurze Zeit Verstecke, in denen Yennefer Ciri in Magie unterweisen kann – mit wenig Erfolg.

Geralt weiß, dass der Feuermagier Rience (Chris Fulton) noch immer hinter Ciri her ist und nicht aufgeben wird. Allerdings hat er keine Ahnung, welche mächtige Magier hinter dem Angreifer steckt. Denn Rience hat einen Herren, so viel hat Geralt bereits herausgefunden. Die nächste Attacke von Rience macht Geralt und Yennefer dann klar, dass sie sich trennen müssen. Yennefer will Ciri nach Aretuza bringen, damit die Magier dort ihren Schutz übernehmen können, während Geralt sich auf die Jagd nach Rience und dessen Hintermännern machen will. Doch die nördlichen Königreiche haben ihre eigenen Pläne und bringen das Gefüge des Kontinents gehörig ins Wanken. Das hat auch Einfluss auf das Geschehen um Ciri …

Aus einem Guss

Es geht nahtlos weiter! In manchen Serien merkt der Zuschauer sehr deutlich einen Sprung zwischen Staffeln, manchmal als gewolltes Stilmittel, manchmal nicht, aber The Witcher Staffel 3 fühlt sich an, als sei Staffel 2 erst vor wenigen Minuten beendet worden. Vordergründig geht es weiter um Ciri und ihre Bedeutung für viele Königreiche und Völker. Und die Autoren geben sich alle Mühe, diese ständige Bedrohung für das Heldentrio in entsprechende Szenen zu kleiden. Bereits die erste Folge hat eine spektakuläre Kampfszene zu bieten, in der Henry Cavill erneut die Messlatte für seinen Nachfolger in Sachen Schwertkampf sehr hoch legt. Und auch die mitunter etwas mühevoll in die Handlung geschriebenen Monster sind erneut gelungen und ein Spaß für Fantasy-Fans.

Aber The Witcher Staffel 3 hat in seinen ersten fünf Folgen mehr zu bieten als das. Die Autoren zeichnen auch ein sehr gelungenes Bild von den wahren Sehnsüchten der Figuren und holen einiges an plausibler Handlung heraus. So steht die Patchwork-Familie aus Geralt, Yennefer und Ciri in der ersten Hälfte der Staffel stark im Fokus. Papa Geralt gibt Ciri seine unbeirrbaren moralischen Kompass mit auf den Weg, der ihr noch viel Ärger bereiten wird. Und mit Mama Yennefers politischen Geschicken mehr als einmal kollidiert. Und die Menge an Emotionen, die beide hier auf Ciri projizieren, weil sie selbst als ungeliebte Kinder in die Welt kamen, wirkt in den stärksten Szenen des Trios so authentisch, dass man hier deutlich sieht, welch gute Schauspieler am Werk sind.

Serie mit komplexer Handlung

Zugleich geht die Reise weg von einzelnen Folgen und hin zu einer großen, alles überspannenden Handlung in The Witcher Staffel 3 ebenfalls weiter. Wer hier erst einsteigen will, hat keine Chance, die zahlreichen Könige, Schurken, Magier und andere Charaktere in einen Kontext zu bekommen. Aber das ist auch richtig so. Schließlich befinden wir uns fast in der Mitte einer Saga, die für ihre Komplexität und ihren Einfallsreichtum so geschätzt wird. Das wird in der fünften Folge besonders klar. Die nicht nur mit einem fiesen Cliffhanger endet, sondern auch zeigt, wie viele unterschiedliche Gruppierungen hier am Werk sind, um die Dinge in ihrem Sinne zu beeinflussen. Denn es sind nicht einmal alle dabei und dennoch haben Geralt und Yennefer reichlich zu tun, nur mit den Anwesenden zu sprechen.

In der Umsetzung fällt auf, dass sich die Serie im Vergleich zur ersten Staffel in Sachen expliziter Sex-Szenen deutlich zurückgenommen hat. War beispielswiese Anya Chalotra dort mehrfach nackt zu sehen, sind solche Szene in The Witcher Staffel 3 nicht mehr Teil der Erzählung. Stattdessen bekommen die Momente zwischen Geralt und Yennefer eine gänzlich andere Schwingung als früher. Alles ist intimer, entspannter, aber auch deutlich emotional tiefergehend als in früheren Folgen. Und man kommt nicht umhin, jetzt bereits um über den Abgang Cavills zu trauern. Selbst wenn noch drei Episoden mit ihm ausstehen. Denn die Chemie zwischen Chalotra und ihm, eine der wichtigsten Zutaten für eine gelungene Serie, die passt einfach.

Absichtlicher Aufreger?

Showrunnerin Lauren Schmidt Hissrich hat für Ritttersporn (Joey Batey) einen Story-Arc in die Staffel schreiben lassen, der die Bekämpfer liberaler Werte wieder auf die Barrikaden treiben wird. Auch die Musik ist in einigen Szenen fast eine Parodie auf das, was man eigentlich zu sehen und zu hören erwartet. Wie bereits in früheren Staffeln kämpft die Serie immer noch mit dem richtigen Ton, wenn es um Humor geht. Die kurzen One-Liner Geralts sitzen. Wenn es aber um andere Charaktere oder Situationen geht, haben die Autoren noch immer keinen roten Faden gefunden. Dennoch unterhält der erste Teil der dritten Staffel ebenso gut wie die Vorgänger und legen in Sachen komplexer Handlung noch einen ordentlichen Schritt zu. So darf das gern weitergehen.

Fazit:

Die ersten fünf Folgen  von The Witcher Staffel 3 lassen Fans leiden. Denn es wird deutlich, wie sehr Henry Cavill diese Rolle prägt. Seine körperliche Präsenz, sein Talent in den Kampfszenen, aber auch sein Auftreten als Machtfaktor wider Willen in einer sich schnell verändernden Welt ist einfach gut. Sein Nachfolger tritt ein schweres Erbe an. Fans der Bücher wird es freuen, dass sich die dritte Staffel recht dicht an die Vorlage hält. Aber auch an einer besonders fiesen Stelle abbricht und das Publikum einen Monat warten lässt. Insgesamt bleibt die Serie als düstere Fantasy mit interessanten Figuren und Konstellationen auf einem hohen Niveau und dürfte allen Spaß machen, die bereits vorher mit der Serie zufrieden waren.

The Witcher Staffel 3 startet am 29. Juni 2023 bei Netflix (5 von 8 Folgen, der Rest kommt am 27. Juli).

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Die Handlung

Eigentlich müsste Tyler Rake (Chris Hemsworth) tot sein. Von Kugeln durchsiebt siukt sein Körper auf den Grund des Flusses. Doch wie durch ein Wunder wird er nicht nur angespült und von seiner Auftraggeberin Nik (Golshifteh Faharani) gefunden, sondern kann auch in aufwendigen Operationen vor dem Tod bewahrt werden. Allerdings ist sein Körper nach monatelangem Liegen kaum noch in der Lage zu gehen, geschweige denn, mit der Waffe in der Hand Menschen zu retten. In einer Hütte in der österreichischen Natur soll Tyler wieder zu Kräften und in Form kommen – und eigentlich seine Frührente genießen. Doch es kommt ganz anders. Denn eines Tages sitzt ein geheimnisvoller Fremder (Idris Elba) auf der Bank vor seinem Haus und erteilt ihm einen Auftrag, den er nicht ablehnen kann.

In Georgien haben zwei Brüder jahrelang unter ihrem tyrannischen Vater gelitten, doch als Erwachsene selbst den falschen Weg eingeschlagen. Als Köpfe eines verschworenen Verbrecher-Clans beherrschen sie die Unterwelt, obwohl einer von beiden eine lange Haftstrafe absitzen muss. Weil die Familie so mächtig ist, darf – oder vielmehr muss- dessen  Frau (Tinatin Dalakishvili) und die beiden Kinder mit ihm im Knast leben. Rake soll die drei aus dem Gefängnis befreien und in Sicherheit bringen. Doch der Arm der Brüder reicht deutlich weiter, als sich die Befreier das gedacht hatten. Es kommt zum gnadenlosen Kampf im georgischen Winter …

Handwerklich überzeugend

Zweite Teile sind ihren Vorgängern häufig in Sachen Story und Spannung unterlegen. Das Drehbuch ist oft ein Schnellschuss und variiert lediglich die Ideen des ersten Teils. Und die Action ist meist ebenfalls ein Abklatsch der ersten Variation. Zumindest eines von beiden stimmt bei Extraction 2 nicht. Denn die Action ist nicht nur handwerklich bestechend, sondern sogar noch einen Hauch stärker als im ersten Film. Prunkstück des handwerklichen Könnens von Regisseur Hargrave und Kameramann Greg Baldi ist eine gefühlt 20 Minuten lange Plansequenz ohne sichtbaren Schnitt, in der Rake und seine Mitstreiter ins Gefängnis eindringen und anschließend ihre Flucht durchziehen. Das sieht man auch im internationalen Actionkino auf der Leinwand nicht beeindruckender als hier.

Denn Hargrave und sein Team erzählen diesen Teil des Films nicht nur mit perfektem Spannungsaufbau, sondern auch mit dem nötigen Schuss brutaler Authentizität. Auch das zweite lange Setpiece, eine Art Belagerung eines Hochhauses, hält geschickt die Spannung noch und bleibt bei aller Übertreibung zugunsten von Adrenalinkicks noch halbwegs realistisch. Erst im Finale gehen den Drehbuchautoren die Pferde ein wenig durch und sie lassen ausgerechnet den Gaul mit Namen Logik ausbüchsen. Zu diesem Zeitpunkt spielt das ohnehin keine großer Rolle mehr, denn das Publikum ist längst auf den großen Showdown eingestimmt, auf den es sich seit einer Stunde schon freut. Und Tyler Rake Extraction 2 liefert.

Hemsworth glänzt als schweigsamer Kämpfer

Ein weiteres Mal lebt der Film vor allem von der physischen Präsenz das Hauptdarstellers. Der muskelbepackte Hüne Chris Hemsworth bewegt sich in seiner Rolle als Tyler Rake so glaubwürdig, dass es im Film niemals Szenen gibt, die man dem Australier nicht abnimmt. Wohltuend selten tischt Drehbuchautor Joe Russo dem Publikum lange Dialoge auf, denn die sind meist nicht sonderlich überzeugend. Die emotionalen Knackpunkte der Handlung sind schnell gesetzt und schnell abgearbeitet, die Motive klargestellt. Und dann regiert die Action. Hemsworth nimmt man den emotional verkrüppelten Kämpfer auch deshalb ab, weil er erfreulich wenig darüber reden muss. Sein Gesicht beim Anblick von Kindern genügt auch.

Das gilt leider nicht für alle Charaktere. Bei einigen der Figuren kleben die Autoren bereits in deren erster Szene einen Totenkopf auf die Stirn, so sicher ist der Zuschauer sofort, dass dieser Charakter die Handlung nicht überleben wird. Das trägt nicht unbedingt zu einer originellen Handlung bei, und auch hier sorgt das eher für Schulterzucken als echte emotionale Anteilnehme, wenn es denn soweit ist. Auch der Schurke des Plots bleibt blass, was man allerdings dem georgischen Darsteller Tornike Gogrichiani kaum anlasten kann. Es gibt schlicht keine Szene, in der sich Gogrichiani als etwas anderes als ein Monster etablieren darf. Auch Graustufen bei der Charakterzeichnung legt Tyler Rake Extraction 2 schlicht keinerlei Wert. Und das unterscheidet ihn letztlich in Nuancen von Actionbrettern wie der John Wick-Reihe, die die interessanteren Schurken zu bieten hat.

Am Samstag startet Netflix seinen großen Tudum-Event, bei dem auch Chris Hemsworth als Stargast angekündigt ist. Es wäre wenig verwunderlich, würde er dort Extraction 3 als weiteren Teil bestätigen.

Fazit:

Mit der Story wird Tyler Rake Extraction 2 sicher keine Preise gewinnen. Mit der furios und hart inszenierten Action dürfte er hingegen die Fans des ersten Films der Reihe weitgehend abholen. Denn eine großartige Plansequenz zur Mitte des Films ist zwar das Highlight, aber längst nicht die einzige stark gemachte Actionsequenz. Chris Hemsworth pflügt sich erneut mit einer ungeheuren körperlichen Präsenz durch Gegnermassen und wirkt in jedem Moment glaubhaft – wenn man das Finale einmal ausspart. Bei Netflix dürfte der FIlm zum Abräumer der kommenden Wochen werden. Da ist die Verkündung eines dritten Teils in der Filmreihe eigentlich nur noch Formsache.

Tyler Rake Extraction 2 startet am 16. Juni 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Sie (Jennifer Lopez) bleibt namenlos. Eine Elitesoldatin, die sich mit den falschen Leuten eingelassen und die nun an die Behörden verraten hat – weil sie schwanger ist und die Angst um ihr Baby sie dazu treibt. Doch die Idee erweist sich als nur mäßig gelungen. Der FBI-Unterschlupf, in dem sie befragt wird, wird von den Gangstern überfallen und bis auf den Agenten Cruise (Omari Hardwick), dem sie das leben rettet, sterben alle Agenten dort im Kugelhagel. Sie selbst entkommt knapp mit schweren Verletzungen. ALs sie im Krankenhaus erwacht, erfährt sie, dass es ihrer inzwischen geborenen Tochter gut geht. Doch die Mutter muss eine Entscheidung treffen, denn die Gangster sind noch immer hinter ihr her.

Und so erklärt sie sich bereit für den härtesten Verlust ihres Lebens – sie gibt ihre neugeborene Tochter auf, damit nichts auf eine Verbindung zwischen ihr und dem Kind hinweist und sie so sicher ist. Dann zieht sich die Mutter nach Alaska zurück und wartet dort in einer völligen Einöde darauf, ob die Killer sie aufspüren oder nicht. Und nur Agent Cruise weiß, wo sie ist und teilt ihr einmal im Jahr mit, dass es ihrer Tochter gutgeht. Nach zwölf Jahren schlägt Cruise aber Alarm. Offenbar haben die Killer herausgefunden, dass die Tochter existiert und planen möglicherweise eine Entführung. Und so muss die Mutter aus ihrem selbsterwählten Exil zurück in die Zivilisation. Das geht nicht ohne Leichen ab …

Wenig Charakter

Ob einem The Mother gefällt oder nicht, steht und fällt mit Jennifer Lopez. Wer der 53-jährigen die Rolle als Eiltesoldatin und Killerin abnimmt, der kann durchaus auf seine Kosten kommen. Wer sich hingegen schwer tut, die Tänzerin und Sängerin als knallharte Kämpferin zu sehen, der dürfte mit The Mother wohl nicht warm werden. Dabei sind das längst nicht die einzigen Probleme des Films. Gute Helden brachen meistens gute Schurken, damit der Zuschauer die Geschichte spannend findet. Und da geizt das Script nicht nur mit Charakteren, sondern auch mit Möglichkeiten. Gael Garcia Bernal („Werewolf By Night„) bekommt lediglich eine Szene, um sich sich als Widerling zu profilieren, was wirklich nicht viel ist. Und Joseph Fiennes als finalem Gegner ergeht es nicht wesentlich besser.

Beide bleiben halbgare Figuren, deren wirkliche Motivation das Drehbuch nie herausarbeitet. Das ist umso schlimmer, weil beide der Vater des Kindes sein könnten, wegen dem die Lopez-Figur das alles auf sich nimmt. Da wäre es schön gewesen, das Publikum hätte erkennen können, aus welchem Grund beide interessant genug fand, um mit ihnen im Bett zu landen. Die mäßige Charakterzeichnung ist vielleicht da schwächste Seite des Films, der aber auch gute Anlagen aufweist. So ist Omari Hardwicks Charakter Cruise eine grundsolide Sidekick-Figur, der der Zuschauer schnell ins Herz schließt. Und auch Lopez darf in einigen Szenen durchaus zeigen, dass sie schauspielern kann und ihrer Figur damit ein paar interessante Ecken und Kanten verleiht.

Action oder Drama?

Und auch die Actionsequenzern gelingen ordentlich, wenn man The Mother nicht mit Krachern wie John Wick oder Mission Impossible vergleicht. Eine schönes Set-Piece auf Kuba gehört ebenso dazu wie einige ordentlichen zusammengefügten Szenen einer Hausstürmung. Im Vergleich zur Spitze der Actionwelt ist das dennoch alles ein wenig bieder. Immerhin erinnert das Finale stark an Willi Bogner-Sequenzen aus alten Bond-Filmen und sorgt so für ein wenig Retro-Feeling im Schnee. Aber die Zuschauer wirklich vom Hocker fegen, das gelingt The Mother leider zu keinem Zeitpunkt. Dazu ist die Inszenierung zu behäbig, Regisseurin Niki Caro hat bislang hauptsächlich Dramen gedreht – und das merkt man.

Und auch die Dramaturgie ist aufgrund der fehlenden Motive der Schurken etwas holprig. Stark wie The Mother eigentlich immer nur dann, wenn sich die Mutter mit ihrer Tochter Zoe auseinandersetzen muss und von knallharten Killer zum völlig verschüchterten, schuldbeladenen Eisschrank wird, der die Nähe zwar will, aber keine Ahnung hat, wie sie herzustellen wäre. In diesen Momenten ist auch Jennifer Lopez am besten in ihrer Rolle. Leider kommt dieser Aspekt der Geschichte trotz zweistündiger Laufzeit deutlich zu kurz und hätte breiteren Raum verdient. Auch weil die junge Lucy Paez als Zoe einen richtig guten Job macht und dem Zuschauer Emotionen entlocken kann.

So zeigt The Mother immer wieder durchaus interessante Ansätze, die aber in dem Willen, einen Actionthriller zu drehen, zu oft auf der Strecke bleiben. Und die Thriller-Anteile sind zwar solide, aber eben auch nicht mehr. Für die abendliche Berieselung, während man nebenbei am Smartphone beschäftigt ist, bietet der Film aber ausreichend gute Unterhaltung und auch eine Handlung, die selbst mit zehn Minuten geistiger Pause nicht zu Verwirrungen führt. Wem das genügt, der hat hier seinen Spaß.

Fazit:

Schade, dass sich The Mother nie entscheiden kann, ob nun der Thriller-Teil oder der Drama-Aspekt im Vordergrund stehen soll. So nehmen sich beide Genres ein wenig die Luft zum Atmen und machen aus einem möglicherweise sonst guten Film nur einen ganz soliden. Die Action ist in Ordnung, aber nicht weltbewegend. Jennifer Lopez hat ein paar starke Szenen als Schauspielerin, die aber die nächste Actionszene kaum überdauern. Als Actionthriller mit einigen schönen Kulissen, Bond-Anleihen und genug Verfolgungsjagden und Schusswechseln dürfte der Film aber zumindest bei Fans des Genres Pluspunkte sammeln. Mit einem besseren Script und mehr Finesse hätte es aber ein deutlich besserer Film werden können.

The Mother startet am 12. Mai 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Gleich nach ihrem mörderischen Urlaub vor vier Jahren haben sich Audrey (Jennifer Aniston) und Nick Spitz (Adam Sandler) als Detektive selbständig gemacht – doch der große Erfolg blieb aus. Kleine Gaunereien und untreue Ehemänner, das liegt den beiden nicht sonderlich gut. Und so freuen sie sich, als ihr alter Freund, der Maharadscha Vikram (Adeel Akhtar) sie zu seiner Hochzeit nach Indien einlädt – auf seine Kosten, versteht sich. Ein paar Tage Urlaub machen und feiern, das ist genau das, was das Ehepaar nun braucht. Und zuerst sieht die Sache auch nach einer wundervollen Erholungsreise aus. Vikrams Braut Claudette (Melanie Laurent) erweist sich als charmante Französin, auch Vics Schwester Saira (Kuhoo Verma) macht einen überaus netten Eindruck.

Doch der Abend vor der Hochzeit verläuft nicht so, wie sich fast alle Anwesenden das gedacht hatten. Auf dem Höhepunkt einer klassischen Bollywood-Tanznummer sollte Vic eigentlich auf einem Elefanten ins Festzelt reiten. Doch auf dem Tier findet sich nur Vics ermordeter Leibwächter. Der Maharadscha wurde entführt! Zwar vertraut Colonal Ulenga (John Kani), Sicherheitschef des Clans, den Spitzes, da er sie von früher kennt, aber die Familie heuert zur Sicherheit den Top-Spezialisten für Entführungen an: Connor Miller (Mark Strong). Und der hält von der Einmischung von Nick und Audrey gar nichts. Dumm für ihn, dass die Entführer nur mit Nick verhandeln wollen und so finden sich er und seine Frau bald im Zentrum eines undurchsichtigen Komplotts wieder …

Kein Glass Onion

Krimis können Spaß machen, das hat zuletzt Rian Johnson mit „Glass Onion“ bewiesen, auch Apple TV+ hat mit „The Afterparty“ einen wirklich lustigen Whodunit-Plot im Angebot. Allerdings ist die Idee von Murder Mystery älter als die beiden – war allerdings auch deutlich schwächer. Zwar konnte der erste Teil mit einer beeindruckenden Schauspielerriege auftrumpfen, wie sich das für einen Agatha Christie-ähnlichen Plot gehört und wurde an wirklich schönen Orten Europas gedreht, die Story selbst war allerdings nicht sonderlich innovativ und auch die Gas zündeten nicht durchgehend. Die Menge an Stars hat zwar im Vergleich zum ersten Tel in Murder Mystery 2 etwas nachgelassen, schöne Orte und einen nicht sonderlich originellen Krimiplot gibt es im neuen Film aber auch.

Einen kleinen Unterschied gibt es allerdings: Murder Mystery 2 ist tatsächlich ein wenig witziger geraten als der Vorgänger. Ein Gag-Feuerwerk sieht zwar anders aus, aber Vanderbilt schrieb immerhin einige wirklich vergnügliche Szenen ins Script. So ist eine Verfolgungsjagd in einem Lieferwagen quer durch Paris zwar nicht wirklich neu, aber durch sehr gutes Timing und gut aufgelebte Stars wirklich komisch. Und der Autor hat noch ein paar weitere gute Einfälle gehabt, die den zweiten Teil der möglichen Reihe (noch gibt es keine Infos zu einem dritten Film) ein kleines Stück über den ersten erheben. Zudem funktioniert das Zusammenspiel zwischen Sandler und Aniston, die beide als als Produzenten fungierten, ebenfalls etwas besser als noch in Teil 1.

Ein wenig über sonstigen Sandler-Filmen

Vor allem gehört James Vanderbilt nicht zur langjährigen Entourage von Adam Sandler, der bis auf wenige Ausnahmen in den vergangenen Jahren einige wirklich schlimme Filme verbrochen hat. Dementsprechend ist der Humor diesmal nicht ganz so dümmlich wie in vielen anderen Werken des Schauspielers, der mit „Uncut Gems“ gezeigt hat, dass er eigentlich mehr kann. Jennifer Aniston bekommt ebenfalls viel Raum zum Atmen, und das Gespann ist einfach lustiger als beide allein. Außerdem gelingen Vanderbilt mit einigen kleinen Nebenrollen wie dem erneut mitwirkenden französischen Comedy-Star Dany Boon als Inspektor oder Jillian Bell als romantischer Amerikanerin schöne Momente, die Murder Mystery 2 für kurze Momente die Last von Aniston und Sandler nehmen, was dem Gesamteindruck durchaus nicht schadet.

Wer jetzt aber eine erzählerische und inszenatorische Perle wie Glass Onion erwartet, dürfte trotzdem enttäuscht sein. Denn letztlich bleibt auch der zweite Film mit dem Detektiv-Duo, das cleverer ist als es auf den ersten Blick wirkt, ein launiger, aber durchgehend flacher Comedy-Krimi für den schnellen Konsum. Wem das genügt oder bereits den ersten Film mochte, der wird auch diesmal auf seine Kosten kommen. Die Stars liefern ab, wie ihre Fans das erwarten, Sandler ist dabei nicht ganz so nervig wie in Filmen wie „Hubie Halloween“ und lässt neben sich auch andere glänzen. nicht zuletzt Mark Strong als coolen Supercop. Dennoch bleibt Murder Mystery 2 ein Film, dessen Anfang man am Ende bereits fast wieder vergessen hat.

Fazit:

Ein wenig besser als der erste Teil ist Murder Mystery 2 geworden, auch wenn er nicht mehr mit der gleichen Stardichte glänzen kann wie der Vorgänger. Aber Aniston und Sandler fungieren als Ehepaar sehr solide zusammen und spielen sich durchaus gekonnt manchen Ball zu. Dazu sind Autor James Vanderbilt, der zuletzt für „Scream 6“ verantwortlich war, auch ein paar wirklich lustige Szenen eingefallen, die Regisseur Jeremy Garelick auch gekonnt umsetzt. Eine echte Handschrift ist bei der Umsetzung aber ebenso wenig zu sehen wie beim Script. So steht am Ende ein leidlicher unterhaltsamer Comedy-Krimi, der mit einem deutlich weniger nervtötenden Sandler punkten kann und mit gut 80 Minuten auch keinerlei kostbare Lebenszeit verschwendet. Ein netter Film für zwischendurch.

Murder Mystery 2 startet am 31. März 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

John Luther (Idris Elba) sitzt im Gefängnis. Wegen diverser Gesetzesbrüche beim Aufhalten von gefährlichen Killern wurde er vor Gericht gestellt und verurteilt. Doch noch immer ist Luther ein Ermittler. Als ihm der sadistische Serienkiller David Robey (Andy Serkis) eine Nachricht ins Gefängnis sendet, in der er den Detective verspottet und weitere Gräueltaten ankündigt, weiß Luther, was er zu tun hat. Mit einem klugen Plan gelingt es ihm, aus dem Gefängnis zu entkommen und unterzutauchen. Eigentlich will er seiner Nachfolgerin Odette Rain (Cynthia Erivo) helfen. Doch die resolute Polizistin denkt nicht daran, Luthers Unterstützung anzunehmen, kündigt ihm stattdessen an, ihn erbarmungslos zu jagen.

Dennoch verliert der erfahrene Ermittler keine Zeit. Und setzt sich auf die Spur Robeys, der bei seiner Nachricht Spuren hinterlassen hat. Um die Polizei auf Stand zu halten, kontaktiert Luther vorher seinen alten Chef Martin (Dermot Crowley), der zwar seinen Freund nicht schützen kann, ihm aber trotzdem bei den Ermittlungen hilft. Obwohl Luther seinem Ziel immer näher kommt, erweist sich Robey als ernstzunehmender Gegner, der vor keiner Grausamkeit zurückschreckt, um sich und seine Pläne zu retten. Doch Luther gibt nicht auf. Längst hat er die Jagd auf das Monster in Menschengestalt zu einer sehr persönlichen Sache gemacht …

Auch für Einsteiger geeignet

Die erste Frage, die sich viele stellen, lautet: Kann ich den Film auch sehen, wenn ich die Serie nicht kenne? Die Antwort lautet: ja. Zwar gehen dann einige Anspielungen und komplexe Freundschaften zwischen die Figuren verloren, aber für die eigentliche Geschichte sind Vorkenntnisse nicht notwendig. Fans der Serie könnten von Luther The Fallen Sun sogar ein wenig enttäuscht sein. Denn obwohl der bisherige Serienschreiber Neil Cross auch diesmal am Werk war, fühlt sich der Film anders an als die Serie. Das liegt sicher auch an dem ordentlichen Budget, das Regisseur Jamie Payne in starke Bilder umsetzt. Und die mit dem Etat der BBC so vielleicht nicht umsetzbar gewesen wären. Aber auch die Story ist actionlastiger als zuvor und steckt dafür in Sachen Charakterzeichnung und Psycho-Analyse deutlich zurück.

So legt Cross in seinem Drehbuch keinen großen Wert auf die Motive des Killers und lässt ihn im Finale eine eher halbgare Erklärung abgeben. Das hat der Autor in früheren Serienfolgen schon deutlich besser gemacht. Offenbar stand es bei Luther The Fallen Sun mehr im Vordergrund, dem Publikum ein ordentliches Spektakel zu bieten. Das allerdings gelingt dem Film auch auf ganzer Linie. Ob der Ausbruch aus dem Gefängnis während eines Aufstands, die erste Begegnung zwischen Robey und Luther, oder der letzte Akt in eisiger Kälte: Optisch fährt der neueste Fall von John Luther für seine Verhältnisse große Geschütze auf. Der ganz besondere Reiz der Figur, die sich in den Serienepisoden in aller Regel aus den Dialogen mit Zeugen, Opfern und Tätern entwickelt, bleibt dagegen ein wenig auf der Strecke.

Der alte Luther als Light-Version

Allerdings entfernt sich das Drehbuch von Cross nicht so weit von der bekannten Figur, dass Serienfans nun komplett vor den Kopf gestoßen wären. Die Essenz des klugen und melancholischen Cops bleibt auch in Luther The Fallen Sun erhalten. Sie kommt nur etwas weniger zum Tragen als früher. Und schauspielerisch gibt es ohnehin nichts zu mäkeln. Idris Elba kennt diese Rolle so gut wie keine andere in seiner Karriere – und das merkt man. Hier sitzt jeder Blick, jede Geste, jedes Stirnrunzeln. Elba ist Luther, daran kann es auch nach dem Film keinen Zweifel geben. Allerdings ist er mit seiner Leistung keineswegs allein. So bekommt er mit Andy Serkis einen gleichwertigen Kollegen zur Seite gestellt, der beim Publikum innerhalb weniger Sekunden eine heftige Abneigung gegen seine Figur erzeugt, die bis zum Ende bestehen bleibt.

Auch hier sind es oft die kleinen Dinge, die den Charakter besonders abstoßend machen und einen Schurken erschaffen, der auch gut in Serien wie „Sherlock“ gepasst hätte. Zumal er eine gewisse Ähnlichkeit mit Charles Augustus Magnussen aufweist, einem Schurken aus der dritten Sherlock-Staffel. Abgerundet wird der starke Eindruck der Schauspieler durch Cynthia Erivo. Die vom knallharten Cop zur verletzlichen Frau und wieder zurück agieren darf und das problemlos umsetzt. Und mit leisem Humor darf Luthers langjähriger Vorgesetzter Martin Schenk eine Version des Colonel Trautmann-Charakters aus dem ersten „Rambo“-Film geben, der als einziger einschätzen kann, zu was Luther in der Lage ist, wenn er sich erst einmal an einem Gegner festgebissen hat. Und das mit kurzen, treffenden Sätzen auch kundtut.

So ist Luther The Fallen Sun vor allem für Freunde von harten Krimis mit genial-kranken Serienkillern eine absolute Empfehlung, während sich Freunde der eher leiseren Töne diesmal von Luther nicht so recht unterhalten fühlen dürften. Payne inszeniert seinen kaputten Helden deutlich öfter als überlebensgroße Ikonen als die Serie das getan hat. Luther vor der Kulisse des nächtlichen London, Luther, der langsam im Gegenlicht auf seine Gegner zurollt: So wenig realistisch die Story des Films ist, so wenig wirkt Luther in einigen Momenten noch wie ein normaler Mensch. Was seine Nehmerqualitäten einschließt. Wer auf harte, spannende Krimis steht, ist hier aber immer noch an der richtigen Adresse.

Fazit:

Mit Luther The Fallen Sun gehen die Macher der Serie neue Wege. Die liegen allerdings nicht allzu weit entfernt von den bekannten Pfaden, die die Serie so beliebt und erfolgreich machte. Idris Elba spielt seine wohl bekannteste Rolle gewohnt souverän, darf aber im Gegensatz zu vielen Episoden der BBC-Reihe diesmal auch körperlich sehr präsent sein. Autor Neil Cross packt diesmal bedeutend mehr Action in den Plot, was etwas zu Lasten der komplexen Psyche einiger Figuren geht, die Fans sonst von Luther kennen. Dafür dürfte der Film aber auch Neuzugänge unterhalten, die mit der Serie bislang noch wenig oder keinen Kontakt hatten. Und mit Andy Serkis und Cynthia Erivo sind neben Elba gleich zwei weitere Hochkaräter ihres Fachs zu sehen, die das Einschalten lohnen.

Luther The Fallen Sun startet am 10. März 2023 bei Netflix.

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