Die Handlung

Emily (Phoebe Dynevor) und Luke (Alden Ehrenreich) sind schwer verliebt. Das müssen sie in der Finanzfirma, in der sie beide arbeiten, allerdings streng geheim halten, da es dort nicht erlaubt ist und zu Kündigung führen kann. Dennoch macht Luke seiner Traumfrau einen Heiratsantrag, den sie glücklich annimmt. In ihrem Job als Analysten bei einem Hedgefonds tun sie allerdings weiter so, als seien sie nur flüchtig bekannte Kollegen. Die „Hire and Fire“-Mentalität des Fondsbosses Campbell (Eddie Marsan) führt immer wieder zu freien Stellen über dem Paar. Und als eines Tages ein Portfoliomanager gehen muss – und dabei sein Büro komplett zertrümmert – hört Emily das Gerücht, Luke solle sein Nachfolger werden.

Freudestrahlend erzählt sie ihm abends von der guten Nachricht. Doch noch in der gleichen Nacht erhält sie einen Anruf von einem Kollegen, der sie bittet, in eine Bar zu kommen – es sei wichtig. Dort wartet Campbell auf sie, der ihr verkündet, dass sie die neue Managerin wird. Wieder zuhause gratuliert Luke ihr scheinbar von Herzen. Doch Emily wird den Verdacht nicht los, dass er mit dieser Beförderung deutlich schlechter umgehen kann, als er es vorgibt. Bald zeigt sich, dass sie mit ihrem Verdacht Recht hatte. Luke nimmt ihre Beförderung als eigene Zurückweisung und reagiert zunehmend toxisch auf sie. Findet das Paar wieder zusammen?

Mehr Drama als Erotik

Chloe Domont gab in einem Interview zu Protokoll, dass dieser Film auf ihren eigenen, persönlichen Erfahrungen beruht. Und das merkt man. Denn Fair Play ist ein wütender Film, der sehr viel mehr Fokus auf diese Wut und die toxische Beziehung legt, als auf den Erotik-Teil. Gleich zu Beginn setzt Domont mit einer Sex-Szene, in der Menstruationsblut eine Rolle spielt, einen geplanten und etwas konstruiert wirkenden Schock-Moment, um danach das Thema Sex immer mehr in den Hintergrund treiben zu lassen. Denn in dem Maße, wie sich die Beziehung zwischen Emily und Luke abkühlt, werden auch die Sex-Szenen zurückgefahren. Von einem Erotik-Thriller zu sprechen, wirkt angesichts der wenigen Szenen schon ein wenig übertrieben. Beziehungsdrama gibt den Inhalt von Fair Play eigentlich genauer wieder.

Und dieses Drama wird konsequent aus Emilys Sicht erzählt. Domont wählt dabei geschickt Stilmittel, um das Auseinanderdriften des Paares zu verdeutlichen. Sind die beiden am Anfang des Films nur zusammen zu sehen, bricht das bald auf und bleibt für den Rest des Films auch gleich. Das Publikum sieht Luke kaum einmal allein. Und wenn, wird Lukes Figur dadurch nicht klarer. Ganz im Gegensatz zu Emily. Hier wird in fast jeder Szene, in der sie ohne Luke agiert, ein Detail ihres Charakters oder ihrer Hintergrundgeschichte hinzugefügt. Emily wächst, Luke tut das nicht. Zumindest nicht für das Publikum sichtbar. Und auch seine Reaktionen auf die Situation kommen deshalb aus heiterem Himmel – für Emily wie für die Zuschauer.

Starke Darsteller

Gespielt ist das alles stark. Alden Ehrenreich ist überaus glaubhaft in der Rolle des gekränkten Mannes, der eine Zurücksetzung, selbst zugunsten der Frau, die er angeblich liebt, nicht ertragen kann. Denn es gelingt ihm, trotz seines Verhaltens auch immer wieder Momente zu erzeugen, in denen er so geläutert und verständnisvoll wirkt, dass man Emily Zweifel, ob er wirklich die alleinige Schuld an der Situation trägt, gut nachvollziehen kann. Und Phoebe Dynevor zeigt nicht nur, dass sie durch „Bridgerton“ viel Erfahrung bei Sex-Szenen gesammelt hat, sondern auch, dass sie die emotional fordernde Rolle der Emily ohne Probleme meistern kann. Und Regisseurin Domont setzt ihre besonderen Vorzüge dabei so in Szene, dass sie die beabsichtigte Wirkung des Films maximal verstärkt.

Die schlanke und zierlich, fast verletzlich wirkende Dynevor wird immer wieder im starken Kontrast zu einer unruhigen, manchmal bedrohlichen Umwelt gefilmt. Ob leicht eingeschüchtert wirkend in der U-Bahn oder auch im Büro, wo sie als einzige Frau sich schon optisch deutlich von allen anderen abhebt. Die optische Isolation ihrer Figur geht dabei Hand in Hand mit der emotionalen. Den auch andere Männer gehen mit ihr letztlich nicht besser um. Als sie einen Fehler macht, bezeichnet sie ihr Chef als „dumme Schlampe“ und entschuldigt so nur halbherzig, als sie diese Scharte wieder auswetzt. Stattdessen erhält sie als Bonus mehr, als die meisten Menschen in fünf Jahren verdienen. Was direkt zu einem weiteren Kritikpunkt an Fair Play führt.

Die Story spielt in der Hochfinanz ist ist derart mit Klischees vollgestopft, dass man manchmal fast lächeln muss, so plump werden Stereotype verbraten. Stripclubs, weinende Kerle in teuren Anzügen, nachdem sie gefeuert wurden, ständige Telefonate, um an Insiderwissen zu gelangen. All das wirkt genau so, wie sich jemand die Hochfinanz vorstellt, der nie etwas Dokumentarisches darüber gesehen hat. Und das zieht die durchaus packende und emotional ansprechende Geschichte einer Beziehungskrise eben auch manchmal in die Nähe von Klischees. Obwohl sie wesentlich glaubhafter ist. Dennoch: Als Regiedebüt kann sich Fair Play durchaus sehen lassen, wenn auch eine ausgeglichene Sicht auf das Geschehen fehlt. Die Schuldfrage stellt sich dennoch nicht. Die Antwort ist klar.

Fazit:

Mit Fair Play betreibt Netflix ein wenig Etikettenschwindel, denn von der angekündigten Erotik eines Erotikthrillers bleibt unterm Strich nicht viel. Stattdessen bietet der Film eine interessantes Psychogramm einer jungen Liebensbeziehungen unter dem Druck der Umwelt und der eigenen Erwartungen. Und die ist, komplett aus weiblicher Sicht erzählt, durchaus sehenswert. Denn Phobe Dynevor erfüllt die weibliche Hauptrolle mit Leben, sowohl körperlich wie auch emotional. Und Alden Ehrenreich bildet als zunehmend toxisch werdender Lover einen ansprechenden Gegenpart. Leider nutzt Debüt-Regisseurin Chloe Domont zu viele Klischees für ihre Handlung, um sie wirklich real wirken zu lassen, als kühler Beziehungs-Thriller liefert der Film aber durchaus ab.

Fair Play startet am 6. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

1947. Der berühmte Meisterdetektiv Hercule Poirot (Kenneth Branagh) hat sich in Venedig zur Ruhe gesetzt, genießt das Leben und lässt die zahlreichen Bittsteller vor seiner Haustür links liegen. Poirot hat mit seinem alten Leben scheinbar abgeschlossen. Doch das ändert sich, als seine alte Freundin, die Bestsellerautorin Ariadne Oliver (Tiny Fey) bei ihm auftaucht und ihn überredet, an einer Seance teilzunehmen und bei dieser Gelegenheit gleich das angebliche Medium Joyce Reynolds (Michelle YeoH9 auffliegen zu lassen. Eingeladen hat die einstmals gefeierte Opernsängerin Rowena Drake (Kelly Reilly), die allerdings seit dem Tod ihrer Tochter Alicia (Rowan Robinson) keinen Ton mehr gesungen hat. Sie will unbedingt Kontakt zum Geist ihrer toten Tochter aufnehmen.

Schon bei der Ankunft wird Poirot von Hausdame Olga (Camille Cottin) darüber in Kenntnis gesetzt, dass es im Palazzo schon seit vielen Jahren spukt. Einst ein Waisenhaus, hatten Ärzte und Nonnen das Haus in schweren Zeiten aufgegeben und die Kinder allein dem Hungertod überlassen. Seitdem sollen in dem Gemäuer schon einige Ärzte und Schwestern zu Tode gekommen sein. Poirot tut dies als Aberglaube ab, muss allerdings einräumen, dass der Palazzo von Rowena Drake eine durchaus morbide Ausstrahlung besitzt. Als die Seance beginnt, ist sich der Meisterdetektiv schnell sicher, die Tricks von Miss Reynolds durchschaut zu haben. Doch wenig später gibt es eine Leiche und der brillante Geist des Hercule Poirot muss beweisen, dass seine kleinen grauen Zellen noch nicht in Rente gegangen sind …

Optisch gelungen

Dem Vorgänger „Tod auf dem Nil“ hatten viele Kritiker vorgeworfen, zu künstlich auszusehen, da weite Teile während der Corona-Zeit im Studio gedreht worden waren. Das wollte Branagh diesmal besser machen – und es ist ihm gelungen. Kameramann Haris Zambarloukos, mit dem Branagh auch die beiden ersten Poirot-Abenteuer umsetzte und der bereits zum neunten Mal mit Branagh als Regisseur arbeitet, fängt Venedig als klassisch-morbide Schönheit ein. Die wundervollen Paläste und Bauten einerseits, die dunklen Kanäle und der stetige Verfall der Stadt andererseits. Zambarloukos gelingt es dabei, sowohl Venedig selbst als auch den Palazzo, in dem fast der gesamte Film spielt, als eigenen Charakter in den Film einzubringen. Optisch liefert Branagh mit A Haunting in Venice voll ab.

Allerdings auch nur optisch. Zwar hält Branagh sein Versprechen, mit dem dritten Film einiges anders zu machen. Und sich mit anderen Genre-Versatzstücken zu umgeben als in den beiden Vorgängern. Allerdings stehen dem belgischen Detektiv die Geisterbahn-Momente des Films nur bedingt. Zwar ist A Haunting in Venice in Teilen durchaus atmosphärisch gelungen. Aber das Wichtigste an einem Whodunnit ist nun einmal die Jagd nach dem Mörder. Und die gestaltet sich hier ähnlich fade wie schon in Tod auf dem Nil. Michael Greens Drehbuch, der ebenfalls zum dritten Mal als Autor dabei ist, schafft es kaum, auch nur ein paar glaubwürdige Verdächtige zu etablieren. Die meisten Figuren, die als Täter in Frage kommen sollen, bleiben erschreckend blass.

Schwache Story

Es wird sicher Gründe haben, warum die Romanvorlage nicht zu den großen Storys der englische Krimi-Königin gezählt wird. Zwar ist das Motiv des Killers letztlich nachvollziehbar, großartige Spannung liefert A Haunting in Venice trotz diverser Geistererscheinungen und Jump Scares aber kaum. Und so plätschert die Spurensuche, nur selten gewürzt mit ein paar trockenen Kommentaren von Tina Feys Charakter, wenig aufregend vor sich hin. Dazu präsentiert die Handlung fast durchgehend völlig nichtssagende und langweilige Figuren, deren Namen man sich kaum merken kann, weil sie so wenig Substanz aufweisen. Bei einigen dieser Charaktere lassen sich auch die Darsteller nicht gänzlich von Schuld freisprechen.

Wobei auch das zu einem guten Teil auf Branaghs Deckel geht. Denn der Regisseur sollte schon eine groben Kurs vorgeben, wie weit der Grad an Realismus oder Übertreibung gehen sollte. Und an diese Vorgabe sollten sich tunlichst alle Mitwirkenden halten. Während aber Tina Fey sich offenkundig sicher war, in einer sarkastischen Krimikomödie mitzuwirken, hatten Kelly Reilly und Jamie Dornan sich eindeutig in einem leicht kitschigen Melodram verortet – und so spielen sie dann auch. Die größte Schwäche aber bleibt der Fall. Poirot Aufklärung ist fadenscheinig, die Zufälle wie so oft bei Agatha Christie deutlich überstrapaziert. Das ist es gut, dass es zumindest Spaß macht, Branagh als Poirot spielen zu sehen. Er trifft erneut den richtigen Ton aus mitunter recht grobem Verhalten und ausgesuchter Höflichkeit, wenn es ihm hilft.

Und trägt so weitgehend allein den Film gerade noch akzeptabel über die Ziellinie. Doch trotz erlesener Bilder werden sich nicht wenige Krimifans im Kino wünschen, Branagh hätte sich doch eine bekannteren – und besseren – Fall für seinen dritten Film ausgesucht. Denn die Geisterbahn wirkt nie überzeugend und der Charme Venedigs ist bald aufgebraucht. Uneingeschränkt können sich bei A Haunting in Venice nur die Setdesigner den Lorbeer an die Brust heften. Die liefern zum dritten Mal sehenswert ab. Branagh hatte bereits vor Kinostart kundgetan, im Falle eines Erfolgs weitere Poirot-Verfilmungen angehen zu wollen. Diese Hoffnung wird er wohl begraben müssen. Dass der seltsam schlaff wirkende Film genug Gewinn für einen vierten Teil macht, ist nur schwer vorstellbar.

Fazit:

A Haunting in Venice, Kennath Branaghs dritter Fall als Hercule Poirot geht mit viel gutem Willen gerade noch so als solide durch. Mehr ist hier aber beim besten Willen nicht zu holen. Außer Branagh selbst fällt keiner der Schauspieler positiv auf. Die Story ist die bislang mit Abstand schwächste, der Roman ist offenbar nicht grundlos eher unbekannt. Zwar zaubert Kameramann Hareis Zambarloukos erneut schöne und morbide Bilder, passend zum Drehort, auf die Leinwand. Und auch die Sets sind wieder ein Traum aus Detailverliebhteit und coolem Design. Aber das Rückgrat des Films – eine spannende Krimi-Geschichte – hängt hier leider arg durch. Christie-Fans, die die beiden ersten mochten, werden wohl auch hier halbwegs ordentlich unterhalten, aber ein großer Wurf sieht definitiv anders aus.

A Haunting in Venice startet am 14. September 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Kritik zu Der Pass Staffel 1 gibt es hier.

Die Kritik zu Der Pass Staffel 2 gibt es hier.

Die Handlung

Ellie Stocker (Julia Jentsch) ist noch immer wütend. Ihr Kollege Gedeon Winter (Nicholas Ofczarek) hat ein wichtiges Beweismittel im Fall der toten Kollegin Yela Antic verschwinden lassen und damit dem Täter die Flucht ermöglicht. Dass Gedeon dadurch eine Spur zu einem verschwundenen Maler bekam, der ihn als Kind missbraucht hatte, weiß Ellie nicht. So setzt sie all ihre Kräfte ein, um den ehemaligen Freund und Lebensretter ans Messer zu liefern. Doch das muss zurückstehen, als im Grenzgebiet zwischen Deutschland und Österreich ein Serienmörder grausam zuschlägt. Und seine Opfer unsagbaren Qualen aussetzt, bevor sie sterben.

Und so müssen sich Gedeon Winter und Ellie Stocker noch einmal zusammenraufen, um den Killer zu stoppen, bei dem selbst Profiler kaum ein Motiv erkennen können. Mit jedem weiteren Opfer gerät die Sonderkommission weiter unter Druck. Erste Spuren scheinen in eine Richtung zu deuten, die normalerweise in Ermittlungen keine Rolle spielen: das Reich der Mythen und Sagen. Offenbar orientiert sich der Mörder an einer Gestalt, die angeblich im Mittelalter in der Gegend lebte. Und sich gegen die Herrschenden stellte. Während Gedeon Winter somit gleich zwei Verbrecher jagt, muss sich Ellie schließlich entscheiden, wo ihre Prioritäten liegen …

Neue kreative Köpfe

Für die finale Staffel wurden die Showrunner und Autoren Cyril Boss und Philipp Steinert abgelöst. Christopher Schier und Thomas W. Kiennast, Macher der „Ibiza-Affäre“ wurden von Sky zu den neuen kreativen Chefs gemacht, um die Geschichte um Winter und Stocker zu einem Ende zu bringen. Auch neue Autoren wurden verpflichtet. Wer die bisherigen Staffeln gesehen hat, wird die Veränderungen auch bemerken. Sie sind aber nicht so groß, dass aus Der Pass Staffel 3 eine grundlegend andere Serie werden würde. Die grundlegende, düstere Atmosphäre bleibt bestehen, wird sogar fast noch dunkler als zuvor. Das führt manchmal sogar dazu, dass es in einigen Momenten fast wie eine Parodie wirkt. Hier wäre weniger vielleicht mehr gewesen.

Denn in einigen Szenen wirkt die Brutalität der Serie, die in den beiden ersten beiden Staffeln als sparsames Stilmittel eingesetzt wurde, diesmal eher wie ein Selbstzweck, um zu vermitteln, wie grausam der Killer vorgeht. Das wird sicher nicht jedem gefallen, denn die vorherigen Showrunner erreichten die manchmal eiskalte Stimmung der Serie auch ohne expliziten Einsatz von blutigen Bildern. Während die erste Staffel sich mit einem glaubhaften Psychopathen beschäftigte, schlug die zweite Staffel als Psychogramm einer dysfunktionalen Familie eine andere Saite an, die ebenfalls gut funktionierte. Der Pass Staffel 3 schielt hingegen mehr auf Vorbilder wie „Sieben“, ohne ganz dessen Qualität zu erreichen.

Grandios gespielt – schon wieder

Dennoch bleibt die Serie auch in ihrer finalen Staffel auf hohem Niveau. Denn Julia Jentsch und der nach wie vor grandios aufspielende Nicholas Ofczarek spielen ihre Rollen mit einer Intensität, die es so im deutschen Fernsehen nicht oft zu sehen gibt. Die innere Zerrissenheit, die der körperlich kernige Ofczarek hier zeigt und die Art und Weise, wie er sich in einigen Szenen wieder in ein verängstigtes Kind verwandelt, bleibt auch nach Ende der Staffel noch lange im Gedächtnis. Schauspielerisch gibt es aber auch in Der Pass Staffel 3 keinen einzigen Ausfall. Besonders erwähnenswert sind Lucas Gregorowicz als schmieriger Journalist. Und August Diehl als undurchsichtiger Einsiedler.

Auch inszenatorisch können die neuen  Folgen überzeugen. So fängt die Kamera Gedeon Winter, dessen Schicksal sich in dieser Staffel anhand von Gemälden entwickelt, immer wieder in einer Art Rahmen ein. Mal sind es schroffe Felswände, mal sind es Türrahmen, aber immer steht Winter auf eine falsche Art im Zentrum eines mehr oder weniger bizarren Bildes. Das ist wohltuend subtil gemacht. Eine Eigenschaft, die man Der Pass Staffel 3 leider nicht durchgehend attestieren kann. Gerade der Beginn vieler Episoden, in der das Publikum Kinder zu sehen  bekommt, die seltsame Rituale vollziehen, ist eher redundant als verstörend. Und bringt auch die Handlung nicht wirklich voran. Auch die Suche nach dem Killer wird durch einige sehr unglaubwürdige Kandidaten nicht spannender.

Denn erstmals haben die Autoren tatsächlich die Auflösung nicht in die Mitte der Staffel gesetzt, sondern ans Ende. Und sind damit der klassischen Mörderjagd deutscher Krimis einen großen Schritt näher gekommen. Spannender als die Vorgänger ist die finale Staffel dadurch zwar nicht. Aber zumindest wirkt sie anders als die Vorgänger, was auch einen gewissen Grad an Frische durch die nach wie vor nachtschwarzen Wälder der Grenzregion wehen lässt. Und so ist Der Pass Staffel 3 inhaltlich vielleicht die schwächste, emotional aber vielleicht auch die stärkste Staffel dieser zu kurzen, aber stets fulminanten Serie.

Fazit:

Mit Der Pass Staffel 3 hält die großartige Serie nicht mehr ganz das Niveau ihrer Vorgänger, punktet dafür aber mit besonders emotional ergreifenden Momenten. Bleibende Elemente wie die entsättigten Farben und die wilde, gefährliche Natur, die das zarte Pflänzchen Zivilisation umgibt, prägen erneut das Erscheinungsbild, während die letzte Staffel inhaltlich etwas bekanntere Pfade wählt, ohne deshalb zu langweilen. Denn die abermals großartigen Schauspieler machen auch aus der etwas weniger innovativen Story noch ein Fest für Serienfans. Auch mit den finalen Folgen verteidigt Der Pass den Ruf als eine der besten Thriller-Serien, die je in Deutschland entstanden sind. Chapeau!

Der Pass Staffel 3 startet am 4. Mai 2023 bei Sky und WOW.

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Die Handlung

Das Jahr 1767 im Süden Frankreichs. Der Chevalier Gregoire de Fronsac (Simon Le Bihan) und sein Begleiter, der amerikanische Ureinwohner Mani (Mark Dacascos), reisen ins Gebiet von Gevaudan, um eine Serie von tödlichen Angriffen auf die Bevölkerung zu untersuchen. Vom König selbst geschickt, soll de Fronsac die als „Bestie von Gevaudan“ berüchtigte Kreatur jagen, töten und als Präparat an den königlichen Hof zurückbringen. Bald merkt der weitgereiste Abenteurer, dass in diesem abgelegenen Gebiet Frankreichs noch andere Dinge umgehen als nur eine Bestie. Die Meinung, ein Wolf wäre für die Attacken verantwortlich, kann de Fronsac bald als Legende nachweisen, allerdings hat auch er Mühe, sich der Kreatur zu nähern. Sie scheint ein Gespür dafür zu haben, wann sie sich verstecken muss.

Als Chevalier wird de Fronsac auch in die feine Gesellschaft des Gevaudan eingeführt und lernt dort die Familie de Morangias kennen. Während der Sohn der Familie, der verkrüppelt von einer Afrikareise zurückgekehrte Jean-Francois (Vincent Cassel), dem Freigeist eher mit Verachtung begegnet, findet dessen Schwester Marianne (Emilie Duquenne) trotz ihres kühlen Verhaltens den Abenteurer aus Paris offenbar wesentlich spannender. Dass die Bestie allerdings auch einen politischen Hintergrund aufweist, in den offenbar auch die Edelhure Sylvia (Monica Belucci) verstrickt ist, findet de Fronsac erst spät heraus. Kann der Edelmann die Bestie zur Strecke bringen, bevor ihr grausamer Plan vollends aufgeht?

Genre-Mix vom Feinsten

Vermutlich muss man Genre-Fans und Filmfreunden Christophe Gans‘ Werk nicht mehr vorstellen. Aber wer den Film tatsächlich noch nie gesehen hat, braucht Infos. Pakt der Wölfe ist ein Sammelsurium von einem Film. Er beginnt als historischer Film, fügt schnell Martial-Arts-Elemente hinzu und wird später zum Polit-Thriller, Horrorfilm und Fantasy-Streifen. Was Gans, der auch am Drehbuch mitarbeitete, hier zusammenfügt, gibt es in dieser Menge wohl in keinem anderen Genre-Mix. Und Gans gelingt es dabei noch, eine historisch nachgewiesene Begebenheit als Hintergrund für seinen üppigen Plot zu nutzen – die Bestie von Gevaudan hat es wirklich gegeben, das Rätsel um sie wurde nie gelöst.

Natürlich lassen sich auch hier Punkte zur Kritik finden. Bedingt durch seine fast absurd hohe Menge an verschiedenen Geschichten sind die meisten Charaktere eher Stereotype als echte Menschen. Zeit für ein wenig mehr Tiefe hat Gans nur für seinen Helden de Fronsac gefunden, der sich vom zu Beginn leicht arrogant wirkenden Schöngeist zur furiosen Kampfmaschine entwickelt und dabei auch seinen moralischen Kompass wiederfindet. Alle anderen Figuren ordnen sich hingegen den Storys unter und bekommen nur so viel Aufmerksamkeit wie absolut notwendig ist. Anders wäre die Fülle an Inhalt allerdings wohl auch nicht in 150 Minuten zu erzählen.

Gutes Bild, fantastische Bilder

Gans ist aber nicht nur inhaltlich wild unterwegs. Auch seine damals innovative Inszenierung mit vielen (aber nicht zu vielen) Zeitlupen, schrägen Kamerawinkeln und Perspektiven vor durchgehend grandioser Kulisse, machen Pakt der Wölfe absolut sehenswert für jeden, der ein Auge für ästhetische Filme hat. Denn so manches, was sich hier zeigte, wurde in späteren Jahren zum Standard für gehobene Actionfilme. Dazu lässt Gans auch seine Set-Designer freidrehen und präsentiert nicht nur ein Bordell aus einem surrealen Gemälde, sondern auch gothische Ruinen und Katakomben vom Feinsten. Optisch ist Pakt der Wölfe daher in jeder Hinsicht ein absoluter Leckerbissen, selbst wenn einem Zuschauer die vollgepackte-Genre-Mix-Story nicht zusagen sollte.

Das gilt auch weitgehend für die Bildqualität der neu abgetasteten UHD-Version. Zwar lässt sich nicht komplett verhehlen, dass der Film mehr als 20 Jahre alt ist, denn gerade in dunklen Bereichen des Bildes sind hin und wieder Moiree-Spuren zu sehen, insgesamt glänzt Pakt der Wölfe aber mit knallscharfen und farblich beeindruckenden Bildern. Und zeigen so, wie gut der Film bereits 2001 in den Kinos ausgesehen hat – und mehr. Denn erstmals ist nicht nur der Director’s Cut in UHD zu sehen, sondern der wurde nun auch endlich komplett mir deutschem Ton bestückt. Die bisherige Fassung, bei der neue Szenen im Original mit deutschen Untertiteln enthalten waren, ist damit endlich Geschichte. Und auch fünf Stunden Bonusmaterial können sich mehr als sehen lassen.

Fazit:

Auch mehr als 20 Jahre nach Erscheinen ist Pakt der Wölfe noch immer ein faszinierender Genre-Mix aus Historienfilm, Thriller, Fantasy, Martial Arts und Tier-Horror. Im neuen 4k-Gewand und mit erstmals komplett synchronisierter Director’s Cut-Fassung kann Christophe Gans‘ Meisterstück nun zeigen, wie gut er gealtert ist. Wer den Film bereits kennt und liebt, sollte sich die 4k-Version unbedingt zumindest einmal ansehen, für Sammler dürfte ebenfalls jetzt die Chance gekommen sein, einen der besten europäischen Unterhaltungsfilme des neuen Jahrtausends in den Schrank zu stellen. Angesichts dieser Qualität kann man nur hoffen, dass Regisseur Christophe Gans seinen zweiten Silent Hill-Film bald in Angriff nehmen kann.

Pakt der Wölfe erscheint am 12. Mai 2023 auf Blu-Ray und UHD-Blu-Ray.

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Die Handlung

Mason Kane (Richard Madden) und Nadja Singh (Priyanka Chopra Jonas) sind die Topagenten einer streng geheimen und keinem Land unterstallten Geheimdienst-Agentur namens Citadel. Sie liegen schon lange im internationalen Clinch mit einer ebenso geheimen Verbrecher-Organisation, die sich Manticore nennt. Und ganz offensichtlich  hat Manticore auf verschlungenen Wegen von der Identität aller Citadel-Agenten erfahren, denn mehr oder weniger zeitglich werden alle auf der Erde attackiert. Mason und Nadja, die sich gerade in einem Einsatz in einem Schnellzug in Italien befinden, werden kalt davon erwischt, dass die ganze Operation nur getrickst wurde, um die beiden Agenten hervorzulocken und zu eliminieren. Das klappt auch beinahe.

Denn wenig später wacht Mason in einem Krankenhaus auf – und hat keinerlei Erinnerungen mehr daran, wer er eigentlich ist. Das bessert sich auch nicht. Viele Jahre später hat er eine Frau (Ashleigh Cummings, „NOS4A2„) und eine kleine Tochter und führt ein ruhiges Leben. Doch das ändert sich, als plötzlich ein Mann namens Bernard (Stanley Tucci) in sein Leben tritt und ihm eröffnet, dass er in Wirklichkeit ein Top-Agent ist. Und ihm das auch noch beweisen kann. Mason bleibt keine Wahl, als Bernard zu folgen, denn schon bald bemerkt er, dass Elitekiller sich auf seine und die Spuren seiner Familie gesetzt haben. Für Mason beginnt eine lebensgefährliche Reise zurück in die Erinnerung, bei der er auch auf Nadja trifft …

Wo wollen sie bloß hin?

Wie so oft haben die Briten für eine Serie wie Citadel den am besten passenden Begriff: „all over the place“. Denn die Serie, die von David Weil („Hunters“, „Solos„) geschaffen und von den Russo-Brüdern produziert wurde, kann sich in den ersten drei, vorab gezeigten Folgen überhaupt nicht entscheiden, was sie denn nun genau sein möchte. Der Beginn zeigt eine durchaus gut gemachte Actionsequenz in einem Hochgeschwindigkeitszug und ähnelt nicht nur deshalb der „Mission Impossible“-Reihe. Danach beginnt dann mit dem Gedächtnisverlust die „Jason Bourne“-Phase von Citadel, bevor sie in Episode drei eine wie aus einem Bond-Film gerissene Willi Bogner-gedächtnis-Ski-Verfolgung präsentiert.

Dabei lässt sich aber der übergeordnete Plot so an, als würde Prime Video dem Publikum hier eine etwas gehobenere Version von „G.I. Joe“ präsentieren. Denn in vielen Momenten bleibt offen, ob das Publikum das Ganze noch Ernst nehmen soll oder gerade eine durchaus gelungenen Parodie auf Agentenfilme sieht. Denn manchmal sind die gezeigten Kämpfe so übertrieben, dass es schwierig wird, hier noch an eine düstere Spionage-Serie zu glauben. Der Plot hilft dabei nicht, denn nach der Hälfte der kurzen ersten Staffel (sechs Folgen) ist kaum jemand das, was er zu Beginn der Serie zu sein schien. Eine derart übertriebene Doppel- und Dreifachagenten-Story hat man lange nicht gesehen.

Coole, aber eindimensionale Helden

Gibt es denn gar nichts Gutes? Doch. Richard Madden läuft recht gelungen Probe für eine mögliche Rolle als nächster James Bond, macht sowohl im Smoking als auch blutend im Kampf eine gute Figur. Und taugt auch als mehr oder weniger einziger Fixpunkt des Vertrauens für das Publikum, weil man ihm die Sorge um Frau und Tochter wirklich abnimmt. Stanley Tucci ist gewohnt gut als kühler Citadel-Boss mit unklarer Agenda. Und Priyanka Copra Jonas ist nicht nur hübsch anzusehen, sondern darf auch in Sachen Action und Undurchsichtigkeit zeigen, was sie kann. Ihr Charakter könnte einer der interessanteren werden in einer Serie, die mit arg vielen Klischees operiert und dem Publikum daher bislang wenig Neues zu bieten hat.

Auch die Actionsequenzen, die Citadel seinem Publikum zeigt, können sich mit teuren Filmproduktionen durchaus messen und überzeugen auch mit dynamischen Kamerafahrten und gut choreographierten Prügeleien. Und daher kann die Serie Fans solcher Stoffe schon Spaß machen, wenn man sich dazu durchringen kann, möglichst wenig über die Story nachzudenken. Denn bleibt in den ersten drei Episoden leider verdächtig oft auf der Erzählqualität einer Kinderserie. Langweilig wird es dennoch nie, weil die Episoden zum einen recht kurz sind, einige gerade einmal 30 Minuten, und zum anderen mit Dauerkrawall auch dafür sorgen, dass immer irgendetwas passiert. Zwar sind erklärende Dialoge selten, aber soviel soll der Zuschauer zu Beginn ja auch gar nicht verstehen.

Spin-Offs der Serie dürften von weiteren Citadel-Agenten handeln, die den Angriff von Manticore überlebt haben und möglicherweise irgendwann auch in eine gemeinsame Erzählung überführt werden. Vielleicht kommen aus Indien oder Italien ein paar originellere Figuren als in der Hauptserie. Schaden würde das nicht.

Fazit:

Citadel ist unterhaltsam schnell und actionreich erzählt, kann mit schönen Menschen, ordentlichen Actionsequenzen und guten Darstellern aufwarten und ist daher als leicht zu konsumierender Serienhappen für Zwischendurch auch gut geeignet. Für eine richtig gute Serie fehlt es aber an zu vielen Zutaten. So scheint Citadel alle gängigen  Filme und Serien abzuklappern, in denen Agenten vorkommen und kann sich dabei nicht auf einen eigenen Kurs festlegen. Zudem ist die comichafte Vereinfachung des Konflikts zwischen zwei streng geheimen Agenturen teilweise so platt, dass es fast albern wirkt. Aber vielleicht kann Citadel sich in den verbleibenden drei Folgen von einem netten Appetithappen doch noch zu einer sättigenden Mahlzeit entwickeln. Warten wir es ab.

Citadel startet mit zwei Folgen am 28. April 2023 bei Prime Video, danach immer freitags eine neue.

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Die Handlung

Gleich nach ihrem mörderischen Urlaub vor vier Jahren haben sich Audrey (Jennifer Aniston) und Nick Spitz (Adam Sandler) als Detektive selbständig gemacht – doch der große Erfolg blieb aus. Kleine Gaunereien und untreue Ehemänner, das liegt den beiden nicht sonderlich gut. Und so freuen sie sich, als ihr alter Freund, der Maharadscha Vikram (Adeel Akhtar) sie zu seiner Hochzeit nach Indien einlädt – auf seine Kosten, versteht sich. Ein paar Tage Urlaub machen und feiern, das ist genau das, was das Ehepaar nun braucht. Und zuerst sieht die Sache auch nach einer wundervollen Erholungsreise aus. Vikrams Braut Claudette (Melanie Laurent) erweist sich als charmante Französin, auch Vics Schwester Saira (Kuhoo Verma) macht einen überaus netten Eindruck.

Doch der Abend vor der Hochzeit verläuft nicht so, wie sich fast alle Anwesenden das gedacht hatten. Auf dem Höhepunkt einer klassischen Bollywood-Tanznummer sollte Vic eigentlich auf einem Elefanten ins Festzelt reiten. Doch auf dem Tier findet sich nur Vics ermordeter Leibwächter. Der Maharadscha wurde entführt! Zwar vertraut Colonal Ulenga (John Kani), Sicherheitschef des Clans, den Spitzes, da er sie von früher kennt, aber die Familie heuert zur Sicherheit den Top-Spezialisten für Entführungen an: Connor Miller (Mark Strong). Und der hält von der Einmischung von Nick und Audrey gar nichts. Dumm für ihn, dass die Entführer nur mit Nick verhandeln wollen und so finden sich er und seine Frau bald im Zentrum eines undurchsichtigen Komplotts wieder …

Kein Glass Onion

Krimis können Spaß machen, das hat zuletzt Rian Johnson mit „Glass Onion“ bewiesen, auch Apple TV+ hat mit „The Afterparty“ einen wirklich lustigen Whodunit-Plot im Angebot. Allerdings ist die Idee von Murder Mystery älter als die beiden – war allerdings auch deutlich schwächer. Zwar konnte der erste Teil mit einer beeindruckenden Schauspielerriege auftrumpfen, wie sich das für einen Agatha Christie-ähnlichen Plot gehört und wurde an wirklich schönen Orten Europas gedreht, die Story selbst war allerdings nicht sonderlich innovativ und auch die Gas zündeten nicht durchgehend. Die Menge an Stars hat zwar im Vergleich zum ersten Tel in Murder Mystery 2 etwas nachgelassen, schöne Orte und einen nicht sonderlich originellen Krimiplot gibt es im neuen Film aber auch.

Einen kleinen Unterschied gibt es allerdings: Murder Mystery 2 ist tatsächlich ein wenig witziger geraten als der Vorgänger. Ein Gag-Feuerwerk sieht zwar anders aus, aber Vanderbilt schrieb immerhin einige wirklich vergnügliche Szenen ins Script. So ist eine Verfolgungsjagd in einem Lieferwagen quer durch Paris zwar nicht wirklich neu, aber durch sehr gutes Timing und gut aufgelebte Stars wirklich komisch. Und der Autor hat noch ein paar weitere gute Einfälle gehabt, die den zweiten Teil der möglichen Reihe (noch gibt es keine Infos zu einem dritten Film) ein kleines Stück über den ersten erheben. Zudem funktioniert das Zusammenspiel zwischen Sandler und Aniston, die beide als als Produzenten fungierten, ebenfalls etwas besser als noch in Teil 1.

Ein wenig über sonstigen Sandler-Filmen

Vor allem gehört James Vanderbilt nicht zur langjährigen Entourage von Adam Sandler, der bis auf wenige Ausnahmen in den vergangenen Jahren einige wirklich schlimme Filme verbrochen hat. Dementsprechend ist der Humor diesmal nicht ganz so dümmlich wie in vielen anderen Werken des Schauspielers, der mit „Uncut Gems“ gezeigt hat, dass er eigentlich mehr kann. Jennifer Aniston bekommt ebenfalls viel Raum zum Atmen, und das Gespann ist einfach lustiger als beide allein. Außerdem gelingen Vanderbilt mit einigen kleinen Nebenrollen wie dem erneut mitwirkenden französischen Comedy-Star Dany Boon als Inspektor oder Jillian Bell als romantischer Amerikanerin schöne Momente, die Murder Mystery 2 für kurze Momente die Last von Aniston und Sandler nehmen, was dem Gesamteindruck durchaus nicht schadet.

Wer jetzt aber eine erzählerische und inszenatorische Perle wie Glass Onion erwartet, dürfte trotzdem enttäuscht sein. Denn letztlich bleibt auch der zweite Film mit dem Detektiv-Duo, das cleverer ist als es auf den ersten Blick wirkt, ein launiger, aber durchgehend flacher Comedy-Krimi für den schnellen Konsum. Wem das genügt oder bereits den ersten Film mochte, der wird auch diesmal auf seine Kosten kommen. Die Stars liefern ab, wie ihre Fans das erwarten, Sandler ist dabei nicht ganz so nervig wie in Filmen wie „Hubie Halloween“ und lässt neben sich auch andere glänzen. nicht zuletzt Mark Strong als coolen Supercop. Dennoch bleibt Murder Mystery 2 ein Film, dessen Anfang man am Ende bereits fast wieder vergessen hat.

Fazit:

Ein wenig besser als der erste Teil ist Murder Mystery 2 geworden, auch wenn er nicht mehr mit der gleichen Stardichte glänzen kann wie der Vorgänger. Aber Aniston und Sandler fungieren als Ehepaar sehr solide zusammen und spielen sich durchaus gekonnt manchen Ball zu. Dazu sind Autor James Vanderbilt, der zuletzt für „Scream 6“ verantwortlich war, auch ein paar wirklich lustige Szenen eingefallen, die Regisseur Jeremy Garelick auch gekonnt umsetzt. Eine echte Handschrift ist bei der Umsetzung aber ebenso wenig zu sehen wie beim Script. So steht am Ende ein leidlicher unterhaltsamer Comedy-Krimi, der mit einem deutlich weniger nervtötenden Sandler punkten kann und mit gut 80 Minuten auch keinerlei kostbare Lebenszeit verschwendet. Ein netter Film für zwischendurch.

Murder Mystery 2 startet am 31. März 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

John Luther (Idris Elba) sitzt im Gefängnis. Wegen diverser Gesetzesbrüche beim Aufhalten von gefährlichen Killern wurde er vor Gericht gestellt und verurteilt. Doch noch immer ist Luther ein Ermittler. Als ihm der sadistische Serienkiller David Robey (Andy Serkis) eine Nachricht ins Gefängnis sendet, in der er den Detective verspottet und weitere Gräueltaten ankündigt, weiß Luther, was er zu tun hat. Mit einem klugen Plan gelingt es ihm, aus dem Gefängnis zu entkommen und unterzutauchen. Eigentlich will er seiner Nachfolgerin Odette Rain (Cynthia Erivo) helfen. Doch die resolute Polizistin denkt nicht daran, Luthers Unterstützung anzunehmen, kündigt ihm stattdessen an, ihn erbarmungslos zu jagen.

Dennoch verliert der erfahrene Ermittler keine Zeit. Und setzt sich auf die Spur Robeys, der bei seiner Nachricht Spuren hinterlassen hat. Um die Polizei auf Stand zu halten, kontaktiert Luther vorher seinen alten Chef Martin (Dermot Crowley), der zwar seinen Freund nicht schützen kann, ihm aber trotzdem bei den Ermittlungen hilft. Obwohl Luther seinem Ziel immer näher kommt, erweist sich Robey als ernstzunehmender Gegner, der vor keiner Grausamkeit zurückschreckt, um sich und seine Pläne zu retten. Doch Luther gibt nicht auf. Längst hat er die Jagd auf das Monster in Menschengestalt zu einer sehr persönlichen Sache gemacht …

Auch für Einsteiger geeignet

Die erste Frage, die sich viele stellen, lautet: Kann ich den Film auch sehen, wenn ich die Serie nicht kenne? Die Antwort lautet: ja. Zwar gehen dann einige Anspielungen und komplexe Freundschaften zwischen die Figuren verloren, aber für die eigentliche Geschichte sind Vorkenntnisse nicht notwendig. Fans der Serie könnten von Luther The Fallen Sun sogar ein wenig enttäuscht sein. Denn obwohl der bisherige Serienschreiber Neil Cross auch diesmal am Werk war, fühlt sich der Film anders an als die Serie. Das liegt sicher auch an dem ordentlichen Budget, das Regisseur Jamie Payne in starke Bilder umsetzt. Und die mit dem Etat der BBC so vielleicht nicht umsetzbar gewesen wären. Aber auch die Story ist actionlastiger als zuvor und steckt dafür in Sachen Charakterzeichnung und Psycho-Analyse deutlich zurück.

So legt Cross in seinem Drehbuch keinen großen Wert auf die Motive des Killers und lässt ihn im Finale eine eher halbgare Erklärung abgeben. Das hat der Autor in früheren Serienfolgen schon deutlich besser gemacht. Offenbar stand es bei Luther The Fallen Sun mehr im Vordergrund, dem Publikum ein ordentliches Spektakel zu bieten. Das allerdings gelingt dem Film auch auf ganzer Linie. Ob der Ausbruch aus dem Gefängnis während eines Aufstands, die erste Begegnung zwischen Robey und Luther, oder der letzte Akt in eisiger Kälte: Optisch fährt der neueste Fall von John Luther für seine Verhältnisse große Geschütze auf. Der ganz besondere Reiz der Figur, die sich in den Serienepisoden in aller Regel aus den Dialogen mit Zeugen, Opfern und Tätern entwickelt, bleibt dagegen ein wenig auf der Strecke.

Der alte Luther als Light-Version

Allerdings entfernt sich das Drehbuch von Cross nicht so weit von der bekannten Figur, dass Serienfans nun komplett vor den Kopf gestoßen wären. Die Essenz des klugen und melancholischen Cops bleibt auch in Luther The Fallen Sun erhalten. Sie kommt nur etwas weniger zum Tragen als früher. Und schauspielerisch gibt es ohnehin nichts zu mäkeln. Idris Elba kennt diese Rolle so gut wie keine andere in seiner Karriere – und das merkt man. Hier sitzt jeder Blick, jede Geste, jedes Stirnrunzeln. Elba ist Luther, daran kann es auch nach dem Film keinen Zweifel geben. Allerdings ist er mit seiner Leistung keineswegs allein. So bekommt er mit Andy Serkis einen gleichwertigen Kollegen zur Seite gestellt, der beim Publikum innerhalb weniger Sekunden eine heftige Abneigung gegen seine Figur erzeugt, die bis zum Ende bestehen bleibt.

Auch hier sind es oft die kleinen Dinge, die den Charakter besonders abstoßend machen und einen Schurken erschaffen, der auch gut in Serien wie „Sherlock“ gepasst hätte. Zumal er eine gewisse Ähnlichkeit mit Charles Augustus Magnussen aufweist, einem Schurken aus der dritten Sherlock-Staffel. Abgerundet wird der starke Eindruck der Schauspieler durch Cynthia Erivo. Die vom knallharten Cop zur verletzlichen Frau und wieder zurück agieren darf und das problemlos umsetzt. Und mit leisem Humor darf Luthers langjähriger Vorgesetzter Martin Schenk eine Version des Colonel Trautmann-Charakters aus dem ersten „Rambo“-Film geben, der als einziger einschätzen kann, zu was Luther in der Lage ist, wenn er sich erst einmal an einem Gegner festgebissen hat. Und das mit kurzen, treffenden Sätzen auch kundtut.

So ist Luther The Fallen Sun vor allem für Freunde von harten Krimis mit genial-kranken Serienkillern eine absolute Empfehlung, während sich Freunde der eher leiseren Töne diesmal von Luther nicht so recht unterhalten fühlen dürften. Payne inszeniert seinen kaputten Helden deutlich öfter als überlebensgroße Ikonen als die Serie das getan hat. Luther vor der Kulisse des nächtlichen London, Luther, der langsam im Gegenlicht auf seine Gegner zurollt: So wenig realistisch die Story des Films ist, so wenig wirkt Luther in einigen Momenten noch wie ein normaler Mensch. Was seine Nehmerqualitäten einschließt. Wer auf harte, spannende Krimis steht, ist hier aber immer noch an der richtigen Adresse.

Fazit:

Mit Luther The Fallen Sun gehen die Macher der Serie neue Wege. Die liegen allerdings nicht allzu weit entfernt von den bekannten Pfaden, die die Serie so beliebt und erfolgreich machte. Idris Elba spielt seine wohl bekannteste Rolle gewohnt souverän, darf aber im Gegensatz zu vielen Episoden der BBC-Reihe diesmal auch körperlich sehr präsent sein. Autor Neil Cross packt diesmal bedeutend mehr Action in den Plot, was etwas zu Lasten der komplexen Psyche einiger Figuren geht, die Fans sonst von Luther kennen. Dafür dürfte der Film aber auch Neuzugänge unterhalten, die mit der Serie bislang noch wenig oder keinen Kontakt hatten. Und mit Andy Serkis und Cynthia Erivo sind neben Elba gleich zwei weitere Hochkaräter ihres Fachs zu sehen, die das Einschalten lohnen.

Luther The Fallen Sun startet am 10. März 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Winter 1830. Auf der Westpoint-Militärakademie im US-Bundesstaat New York kommt es zu einem Todesfall, dessen Bergleitumstände so ungewöhnlich sind, dass Kommandeur Player (Timothy Spall) den eigentlich im Ruhestand befindlichen, erfahrenen Detektiv Augustus Landor (Christian Bale) hinzuzieht. Der Leiche eines Kadetts, der sich vermutlich in der Nacht selbst tötete, wurde nach der Aufbahrung im Krankenzimmer von einem Unbekannten das Herz entfernt. Player und sein leitender Offizier Hitchcock (Simon McBurney) befürchten einen Skandal, der den guten Ruf zieht. Und so lassen sie dem grantigen Detektiv weitgehend freie Hand in seinen Ermittlungen, solange die nur schnell zum Ziel führen.

Bald fällt dem erfahrenen Ermittler ein junger Kadett auf, der offenbar großes Interesse an dem Fall hegt. Der junge Mann hört auf den Namen Edgar Allan Poe (Harry Melling), bezeichnet sich selbst ungewöhnlicherweise als Poeten und bietet Landor seine Hilfe an. Schnell bemerkt der, dass Poe über einen scharfen Verstand und eine gute Beobachtungsgabe verfügt und ihm tatsächlich nützlich sein könnte. Bald konzentriert Landor seine Ermittlungen auf die Familie des Akademie-Arztes Dr. Daniel Marquis (Toby Jones). Dessen Gattin Julia (Gillian Anderson) scheint merkwürdig nervös, während Sohn Artemus (Harry Lawtey) auffällig um das Wohl seiner Schwester Lea (Lucy Boynton) bemüht ist. Schließlich bringt sein alter Freund Jean-Pepe (Robert Duvall) Landor auf die Spur einer okkulten Sekte …

Thriller ohne Thrill

Die Erwartung an Der denkwürdige Fall des Mr. Poe war groß. Ein optisch interessantes Setting. Spannende Charaktere. Und dazu möglicherweise noch den makabren Einschlag der besten Poe-Kurzgeschichten wie „Das verräterische Herz“, an die Poe-Fans aufgrund der Film-Handlung vermutlich sofort denken müssen. Coopers neuer Film kann davon allerdings nicht alles einlösen. Das Gute zuerst: Optisch legt der Regisseur einen ähnlich furiosen Film hin wie in Hostiles und Antlers. Die Natur des winterlichen New York, die Kälte, die fast durch den Bildschirm auf den Zuschauer übergeht und sich mit den Charakteren der Story deckt, ist beeindruckend eingefangen und lohnt schon fast allein das Ansehen. Abgesehen davon wird die Luft aber schnell dünn.

Denn Cooper gelingt es kaum, aus der Vorlage einen spannenden Thriller zu inszenieren. Zu kühl bleiben viele der Figuren, zu wenige Verdächtige werden dem Zuschauer präsentiert. Und so plätschert die Handlung nach starkem Beginn schnell vor sich hin, ohne wirkliche Höhepunkte setzen zu können. Der Plot ergeht sich in vagen Hinweisen auf geheimnisvolle Kulte und fokussiert sich allzu schnell und auch eigentlich eher grundlos auf die Familie des Arztes. Und hier gelingt Cooper das zweifelhafte Kunststück, sonst vor Energie sprühende Schauspielerinnen wie Gillian Anderson und Lucy Boynton derart farblos und eindimensional in Szene zu setzen, dass man keinerlei Anteil an deren Schicksal nimmt.

Sehenswert: Bale und Melling

Auch weitere Nebenrollen bleiben blass, ob Toby Jones oder Timothy Spall, ohne dass die Schauspieler sonderlich viel dafür könnten. Denn in den wenigen Momenten, in denen sie die Chance haben, zeigen sie ihr Können durchaus. Doch Coopers Script dreht sich so offenkundig nur um Landor und Poe, dass der Rest einfach keinen Platz bekommt um zu glänzen. Für Fans von Christian Bale und dessen mitunter minimalistischen Spiels ist Der denkwürdige Fall des Mr. Poe daher in jedem Fall zu empfehlen. Und auch Harry Potter-Fans, die an den Karrieren sämtlicher Schauspieler der Reihe interessiert sind, können sich hier ansehen, was aus Harrys Cousin Dudley geworden ist. Harry Melling bietet hier eine interessante Interpretation des jungen Dichters, der erst später zu Ruhm kommen sollte.

Die Szenen, in denen die beiden Schauspieler gemeinsam agieren, gehören daher auch zu den Höhepunkten des Films. Leider sind sie zu selten, um dem Film genug Spannung zu verleihen. Was auch darin liegt, dass Cooper schnell eine Richtung der Ermittlungen vorgibt, ohne dass das Publikum dabei mitgenommen wird. Es fehlt die innere Logik, mit der Landor seine Untersuchung betreibt und so wird bald schmerzlich ein roter Faden vermisst, der die verschiedenen Handlungsstränge zusammenhält. Viele Szenen finden keine Verbindung zu vorherigen und nachfolgenden, immer wieder verlieren sich Spuren im Schnee der Landschaft und kommen nicht wieder vor. Erst im Finale des Films wird einiges geklärt, bis dahin ist die Spannungskurve aber im Keller gelandet.

Fazit

Ohne den Vergleich mit dem Roman zu haben, ist Der denkwürdige Fall des Mr. Poe einer der schwächeren Filme von Scott Cooper, der nach dem grandiosen Hostiles und dem guten Antlers hier weitgehend enttäuscht. Lediglich Bale und Melling bekommen die Chance zu glänzen, weitere Stars wie Gillian Anderson oder Robert Duvall haben zu eindimensionale Rollen dafür. Und die Handlung zerfasert nach starken Anfangsminuten bis zum Finale derart deutlich, dass so gut wie keine Spannung aufkommt. Cooper gelingen zwar viele starke Bilder, die im Gedächtnis bleiben. Sein Versuch, den Roman in ein spannendes Script zu übertragen, bleiben aber in Ansätzen stecken. Fans von Christian Bale kommen auf ihre Kosten, wer einen spannenden, düsteren Thriller erwartet, geht hingegen weitgehend leer aus.

Der denkwürdige Fall des Mr. Poe startet am 23. Dezember 2022 limitiert in den deutschen Kinos und ist ab dem 6. Januar 2023 bei Netflix zu sehen. 

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Die Handlung

Seit Sherlock Holmes (Henry Cavill) seine kleine Schwester als Mündel angenommen hat, um ihre Bruder Mycroft vom Hals zu schaffen, sind einige Monate vergangen. Enola (Millie Bobby Brown) möchte sich als Detektivin im London des späten 19. Jahrhunderts etablieren. Doch keiner der potenziellen Klienten nimmt die junge Frau ernst. Und so will Enola eigentlich schon aufgeben, als ein Mädchen namens Bessy (Serrana Su-Ling Bliss) bei ihr auftaucht, und sie um Hilfe bei der Suche nach ihrer verschwundenen Schwester Sarah bittet. Ehrensache, dass Enola die Kleine nicht abweist und so ist sie wenig später bereits auf Spurensuche in der gemeinsamen Wohnung der Schwestern.

Kurze Zeit später inspiziert Enola dann als Arbeiterin verkleidet die Streichholz-Fabrik, in der sowohl Sarah als auch Bessy arbeiten. Und findet dort sowohl erste Indizien als auch Verdächtige, was das Verschwinden der jungen Frau angeht. Währenddessen ist auch ihr Bruder Sherlock nicht untätig, er sucht nach verschwundenem Geld aus der Staatskasse. Natürlich laufen sich die Geschwister bei ihren jeweiligen Ermittlungen schließlich über den Weg. Leider unter unschönen Bedingungen. Denn im Rahmen ihrer Ermittlungen findet sich Enola plötzlich auf der falschen Seite wieder. Statt als Detektivin gilt sie als dringend tatverdächtig in einem Mordfall. Da kann nur noch die Familie helfen …

Fehler nicht wiederholt

Der erste Film war zwar auf Netflix ein Erfolg, hatte aber seine Schwächen. Die Mischung aus feministischer Botschaft und Kriminalfall funktionierte nicht durchgehend. Immer wieder nahmen sich flammende Reden für Frauenrechte und Aufklärung des Verbrechens gegenseitig den Platz weg und bremsten den Film aus. Auch Enolas sehr regelmäßiges Durchbrechen der vierten Wand, um dem Publikum zu erklären, was es gerade gesehen hatte, war mitunter etwas mühsam mit anzusehen. All das macht Enola Holmes 2 deutlich besser als sein Vorgänger. Denn Regie-Rückkehrer Harry Bradbeer, der vorher hauptsächlich Serienfolgen inszenierte, hat aus den Fehlern des ersten Films gelernt. Zudem spart er auch durch die nicht mehr notwendige  Einführung der wichtigen Charaktere eine Menge Zeit.

Und die steckt Bradbeer diesmal hauptsächlich in die Krimihandlung des Films, ohne deshalb den Kampf der Frauen um mehr Rechte, auch diesmal ein zentrales Thema des Films, zu vernachlässigen. Das bringen Bradbeer und Drehbuchautor Jack Thorne (der auch Teil eins schrieb), diesmal aber besser und schneller auf den Punkt, nutzen dabei sogar historische Fakten, um die Handlung stärker in der Realität zu verankern, als das beim Vorgänger gelang. Das hat zwar zur Folge, dass das Publikum weniger von Helena Bonham-Carter als Enolas Mutter zu sehen bekommt, dafür sind ihre wenigen Auftritte allesamt etwas Besonderes und wirken daher spritziger als im Vorgänger.

Der Cast macht Spaß

Im Zentrum steht natürlich auch diesmal wieder Millie Bobby Brown als Enola Holmes. Und nicht nur ihr Charakter im Film ist gereift, auch die 18-jährige ist mittlerweile in den Feinheiten ihres Spiels stärker geworden. So reicht diesmal statt einem minutenlangen Monolog ans Publikum oft schon ein Blick oder ein Lächeln aus, um die Botschaft zu transportieren. Ein Umstand, der das Durchbrechen der vierten Wand deutlich bekömmlicher macht als noch in Teil eins. Bot der auch immer wieder Szenen, in denen die Heldin Zuschauern auf die Nerven ging, so fügt sich der Charakter im zweiten Teil deutlich besser in die Story ein. Und so wirkt Enola Holmes 2 sehr viel mehr aus einem Guss als das erste Abenteuer der jungen Detektivin mit der familiären Vorbelastung in Sachen Verbrechensaufklärung.

Henry Cavill, der hier mehr Zeit vor der Kamera bekommt, bleibt hingegen für Holmes-Puristen ein Grauen. Viel zu muskulös, nicht distinguiert genug und deutlich zu emotional für den Sherlock Holmes der literarischen Vorlage dürfte er allerdings bei der Kernzielgruppe des Films umso besser ankommen. Sam Claflins Mycroft Holmes hingegen kommt im zweiten Teil gar nicht vor – und wird als Charakter auch nicht vermisst. Weitere Versuche seinerseits, seine kleine Schwester in ein Internat zu stecken, hätte die Story wirklich nicht benötigt. Louis Partridge hingegen, der erneut Enolas Love-Interest Tewkesbury spielt, überzeugt erneut mit seiner Mischung aus verantwortungsvollem Adligen und leicht trotteligem Kavalier.

Mit David Thewlis hat sich Bradbeer einen überzeugenden Schurken geholt. Der hat vielleicht ein wenig zu viel Spaß am Grimassen schneiden entwickelt. Aber seinen Part als undurchsichtiger Polizist füllt er dennoch gut aus. Natürlich ist auch Enola Holmes 2 ein reiner Unterhaltungsfilm, dem es in erster Linie auf leichte Unterhaltung ankommt. Und der auch mit der Story der Buchvorlage nur wenig am Hut hat. Wer den ersten Film gar nicht mochte, wird auch hier sicher nicht glücklich. Dennoch stellt Enola Holmes 2 in fast jeder Hinsicht eine Verbesserung zum ersten Teil dar und übertrumpft ihn in Sachen Humor und Action. Für einen schönen Familienabend vor dem Fernseher eine gute Wahl!

Fazit:

Enola Holmes 2 ist seinem Vorgänger auf allen Ebenen überlegen. Die Story ist besser, sie kommt deutlich schneller in Tritt. Und sie ist sehr viel fokussierter als die Geschichte des ersten Films. Zudem fühlt sich Millie Bobby Brown in der Titelrolle im zweiten Versuch offensichtlich deutlich heimischer und wohler – und das strahlt auf das Publikum aus. Und so ist der Film eine gelungene Abenteuer-Detektiv-Story mit historisch korrektem Kern, ordentlichen Schurken und einem gut eingefangenen, wenn auch nicht immer realistischen Zeitkolorit. Mit gut zwei Stunden ist auch Teil 2 ein wenig zu lang. Er unterhält aber über weite Strecken ebenso amüsant wie leichtfüßig. Auf diesem Niveau darf gern noch ein dritter Teil folgen.

Enola Holmes startet am 4. November 2022 bei Netflix.

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Die Handlung

Im Jahr 1953 läuft Christies Stück Die Mausefalle bereits ein Jahr erfolgreich in einem Londoner Theater und Hollywood hat angeklopft, um das Werk zu verfilmen. Dazu hat der Produzent neben dem Drehbuchautor Mervyn (David Oyelowo) auch den umstrittenen Regisseur Leo Köpernick (Adrien Brody) eingestellt. Doch der ist mehr hinter Frauen und Drogen her als hinter einem guten Film und macht nicht nur dem Autoren das Leben zur Hölle. Als er dann auf der Bühne entdeckt wird, die Zunge wurde ihm posthum entfernt, wird die Londoner Polizei aktiv – in Form von Inspector Stoppard (Sam Rockwell) und der Streifenpolizistin Stalker (Saoirse Ronan).

Während Stoppard sich mehr für seinen nächsten Drink als den Mörder interessiert, ist Constable Stalker Feuer und Flamme für den Job und bemüht sich, sämtliche Spuren und Aussagen in ihrem Notizbuch festzuhalten. Gemeinsam dringt das Duo schließlich tiefer in die Gemengelage von Cast und Machern ein und stellt schnell fest, wie erstaunlich viele Mitwirkende an Die Mausefalle ein starkes Motiv aufweisen. Denn wie sich herausstellt, war Köpernick sogar ein noch schlimmerer Mensch als die meisten seiner Kollegen dachten. Und so wird der Fall für Stoppard und Stalker belad ein echter Dschungel aus Hinweisen und Gerüchten, in den sogar Agatha Christie persönlich noch involviert wird …

Sanfte Comedy mit Krimi-Kern

Was genau wollten Regisseur Tom George und Drehbuchautor Mark Chappell mit See How They Run eigentlich erzählen? Eine echte, spannende Mörderjagd? Eine Komödie über die Suche nach einem Killer? Oder doch eine Parodie auf das Krimi-Genre an sich? So ganz klar wird das auch beim Ansehen des Films nicht. Denn die meisten Figuren sind für einen ernsthaften Krimi deutlich zu überzeichnet, allerdings auch nicht so albern, dass man von einer Parodie ausgehen müsste. So kommt das Publikum vermutlich zu dem Urteil, hier einer komödiantischen Mörderjagd beizuwohnen. Und dagegen ist bei einer Qualität wie hier auch gar nichts einzuwenden. Denn die Schauspieler hatten offensichtlich großen Spaß an ihren Rollen.

Schon Mordopfer Adrien Brody überzeugt in seinem wenigen Szenen bis zum Tod mit wundervoll übersteigertem Ego und grandios schlechten Manieren. Den Vogel schießt aber das Ermittlerpaar Rockwell und Ronan ab. Während er als desillusioniertes und abgewracktes Scheidungsopfer ohne Antrieb durch den Tag mäandert, ist Ronan als Kollegin das Gegenteil. In einer exakt durchgeplanten und anvisierten Karriereplanung ist dieser Fall für sie das perfekte Sprungbrett für höhere Aufgaben. Leider hat Stalker neben großer Gewissenhaftigkeit und aufopfernder Pflichterfüllung auch einen fatalen Hang zu voreiligen Schlussfolgerungen. Aus diesen Figuren machen Rockwell und Ronan im Zusammenspiel ein Feuerwerk wundervoller kleine Momente und Gags.

Aus der Mitte entspringt ein wenig Langeweile

Das gilt für die Filmhandlung leider nur bedingt. Denn nach starkem Auftakt versinkt die Mordermittlung ein wenig im Mittelmaß. Das Abklappern eines Verdächtigen nach dem anderen ist wenig elegant erzählt und sorgt dafür, dass See How They Run in der Mitte seiner 100 Minuten Laufzeit ein wenig durchhängt. Erst im Finale findet der Film zur Anfangsstärke zurück, dazwischen sind es hauptsächlich die Schauspieler, die für Spaß sorgen und die mitunter wenig interessante Handlung ausgleichen können. Zudem sind manche Rollen auch derart klein, dass selbst Könner wie Ruth Wilson oder Harris Dickinson, der den großen Richard Attenborough in jungen Jahren spielt, nicht wirklich glänzen können.

Allerdings muss man dem Plot zugute halten, dass er trotz aller humoristischen Einlagen eine klassische Mördersuche zum Mitmachen anbietet. Die Ermittler wissen nie mehr als das Publikum, daher begegnen sich beide auf Augenhöhe. Ob man das Motiv des Killers am Ende überzeugend findet, das ist sicher Geschmackssache. Das Finale im haus der berühmten Autorin bietet jedenfalls beste Unterhaltung mit leicht morbidem britischen Humor und versöhnt mit der kreativen Pause im Mittelteil. Dazu kommt die jederzeit überzeugende Ausstattung des Films, die das Ambiente des Londons der 50er Jahre lebendig macht. Wer sich mit der Kombination aus Humor und Krimi anfreunden kann, ist in See How They Run jedenfalls gut aufgehoben, auch wenn es nicht der ganz große Wurf geworden ist.

Und noch ein interessanter Fakt zum Schluss. Obwohl Die Mausefalle das am längsten laufende Theaterstück der Welt ist, gab es, bis auf eine deutsche TV-Produktion in den 50er Jahren, tatsächlich nie eine Filmumsetzung des Stoffes. Ob das daran liegt, dass Hollywood warten muss, bis das Stück nicht mehr aufgeführt wird – so war es in den 40er Jahren bei „Arsen und Spitzenhäubchen“ – oder kein Interesse am Stoff besteht, ist allerdings nicht bekannt.

Fazit:

See How They Run bietet einen netten, wenn auch nicht übertragenden Krimiplot, glänzt aber durch seine Darsteller. Sowohl Sam Rockwell als auch Saoirse Ronan spielen wundervoll komische Polizeibeamte, die mit ihrem kauzigen Charme so manch Länge im Plot überspielen können, wenn auch nicht vollständig. Aber einen tollen Auftakt und ein gelungenes Finale halten den Film dann doch ordentlich zusammen. Das dürfte vor allem Zuschauern Spaß machen, die sich Hercule Poirot manchmal ein wenig humorvoller wünschen. Und mit einem klassischen Whodunit-Plot etwas anfangen können. Mitraten ist hier erlaubt, Spaß macht der Film aber auch ohne detektivische Anstrengungen. Dass man in 50 Jahren noch über den Film spricht, ist aber zweifelhaft.

See How They Run startet am 27. Oktober 2022 in den deutschen Kinos.

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