Die Handlung

Einige Jahre sind seit den Vorfällen mit dem Megalodon aus der Tiefsee vergangen. Jonas Taylor (Jason Statham) arbeitet noch immer mit seinem Kumpel Mac (Cliff Curtis) für das Wohl der Meere, verfolgt Umweltsünder und versucht, seine mittlerweile 14-jährige Stieftochter Meiying (Shuya Sophia Cai) im Zaum zu halten. Denn die will wie ihre Mutter eine große Wissenschaftlerin werden und am liebsten sofort damit anfangen. Ihr Onkel Jiuming (Wu Jing), der den Familienbetrieb übernommen hat und die Forschungen finanziert, hat sogar ein verletztes Megalodon-Jungtier aufgezogen und versucht, es zu trainieren – sehr zu Jonas‘ Missfallen.

Als eine Expedition routinemäßig den Graben untersucht, in dem der Megalodon gefunden wurde und von dem man inzwischen weiß, dass weitere Exemplare dort zuhause sind, kommt es zu einem folgenschweren Unglück. Bei einer Explosion reißt nicht nur die trennende Schutzschicht zwischen dem Graben und dem offenen Meer auf, die beiden U-Boote werden auch schwer beschädigt. Die letzte Hoffnung für beide Crews liegt in einer geheimnisvollen Meeresstation, die Jonas kurz vor der Explosion entdeckt hat. Doch dazu müssten sie in Spezialanzügen mehrere Kilometer über den Meeresgrund laufen und wären den Megs schutzlos ausgeliefert. Jonas merkt bald, dass ihnen dennoch keine andere Wahl bleibt …

Alles wie in Teil 1?

Um Meg 2 richtig einzuordnen, muss man einige Dinge wissen. Teil 1 wurde mit chinesischem Geld produziert, hatte jede Menge chinesischer Schauspieler dabei und wurde in China auch ein Erfolg. Für Meg 2 wurde daran auch nichts geändert. Diesmal ist neben Statham Chinas neuer Superstar Wu Jing zu sehen. Teil 1 war unblutig, sollte die wichtige Gruppe der jungen Teenager nicht ausschließen. Das hat der neue Film ebenso gemacht. Und natürlich wollte das Publikum im ersten Teil den Hai sehen. Da legt Meg 2 sogar noch eine Schippe drauf. Denn im neuen Film gibt es, wie der Trailer bereits zeigt, auch ein wenig  mehr zu sehen als nur Riesenhaie.

Daher sind beide Filme im Ergebnis auch dicht beieinander – teurer produzierter Edeltrash, der dem Publikum zeigt, wie Asylum-Filme aussehen würden, wenn man Geld für gute Effekte hineinsteckt. Aber ein paar Unterschiede gibt es dann doch. Das Drehbuch braucht zwar auch diesmal eine Weile, bis die Geschichte ins Rollen kommt, umarmt aber den Trash-Gedanken viel mehr als zu versuchen, sich davon zu lösen. Wenn der Held von einem Schlamassel ins nächste rutscht, dann hat das zwar nicht die Qualität, aber zumindest die Absurdität von Indiana Jones-Filmen. Der Film verbeugt sich sogar in einer Prügelszene vor einem ikonischen Moment aus dem zweiten Teil der Indiana Jones-Saga.

Furchtloser Fischkiller

Statham spielt seine Rolle so cool wie immer, hat aber eine ordentliche Portion Selbstironie im Gepäck, ohne die der Film deutlich schlechter wäre. Gegen Jonas Taylor sieht sogar Stathams Charakter aus The Tansporter wie ein nervöser Anfänger aus. Aber auch Statham umarmt seine trashige Figur und spielt sie so, dass sie gut zum absurden Rest passt. Nachdem sich die erste Hälfte des Films noch auf halbwegs normalem Terrain bleibt und beispielsweise eine schöne Hommage an den unterschützen „Underwater“ einbaut und auch ganz leichte Aliens-Vibes schafft, wird es in der zweiten Hälfte mit jeder Minute abgedrehter und trashiger.

Und was macht Indie-Filmer Ben Wheatley? Auch der hat seine vermutlich deutlich bessere Gage genossen und den Film so gemacht, wie er ihn machen sollte. Seine Handschrift findet man hier in keinem Moment, dafür liefert er am Stück ansehnliche Set-Pieces und Cliffhanger-Spannung in der Familienpackung ab. Denn vermutlich weiß er, dass die Trash-Attitüde des Films ohnehin so gut wie jeden Kritikpunkt ad absurdum führt. Die Bösewichte im Film bleiben blass und sind völlig übertrieben? Ja, Trash eben. Die Logik geht schnell baden? Physik und Realität spielen keine Rolle? Muss es auch nicht, ist ja Trash. Bei aller Kritik ist es aber eben launiger Trash, weil alle mitmachen und ins gleiche Horn stoßen. Keiner der Schauspieler glaubt sich in einem Shakespeare-Film, die wissen, was sie da machen.

Das macht Meg 2 – die Tiefe natürlich nicht zu einem guten Film. Aber das Creature-Design ist gelungen, ein paar gute Gags liefert der Film ebenfalls und die absurden Ideen, mit denen der coole Jonas Riesenhaie zerlegt, muss man ja auch erst einmal haben. Teil 1 war ein Erfolg und es gibt keinerlei Hinweise darauf, dass es Meg 2 schlechter ergehen wird. Denn fairerweise muss man auch sagen, dass der zweite Teil ein wenig besser ist als der erste. Und für Teil 3 ist auch schon alles vorbereitet. Mit welchen Monstern auch immer.

Fazit:

Wer immer schon wissen wollte, wie wohl Asylum-Filme aussehen würden, wenn die Firma Geld hätte, der muss sich Meg 2 ansehen. Superheld Jason Statham kämpft hier gegen Riesenhaie, Naturgesetze, Logik, Glaubwürdigkeit und Handlung. Der Brite bringt aber seine körperliche Präsenz gut ein und weiß, wie der ganze Cast, was er da spielt. Wäre der Anfang nicht noch halbwegs ernsthaft ausgefallen, Meg 2 wäre ein idealer Film für einen feucht-fröhlichen Filmeabend, bei dem der Spaßfaktor das Wichtigste ist. Und ja, wer solchen Edeltrash mag, dem wird auch Meg 2 wieder gefallen.  Denn die Fortsetzung ist noch deutlich absurder als der erste, verbeugt sich in kurzen Szenen vor einigen Klassikern und präsentiert mehr von allem, was Teil 1 zu einem Hit machte.

Meg 2 – die Tiefe startet am 3. August in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Drogendealer Tyrone (John Boyega) hat keinen sonderlich guten Tag. Erst macht ihm ein anderer Gangster das Revier streitig, dann bringt ihm sein Kurier viel weniger Geld als erwartet. Und als Tyrone selbst zu Zuhälter Slim Charles (Jamie Foxx) und dessen bestem Pferd im Stall, Yo-Yo (Teyonah Parris), fährt, um seine Kohle einzutreiben, wird er beim Verlassen des Zimmer auch noch über den Haufen geschossen. Dennoch wacht er am nächsten Morgen in seinem Bett auf, als wäre nichts gewesen. Hat  er das alles nur geträumt? Oder ist gestern doch etwas passiert, das sich mit gesundem Menschenverstand nicht erklären lässt?

Slim Charles bestätigt ihm jedenfalls bei seinem zweiten Besuch in zwei Tagen, dass er von jemandem niedergeschossen wurde. Und so macht sich Tyrone mit Charles im Schlepptau auf den Weg, um Yo-Yo zu finden. Die kann die Story bestätigen, worauf sich Tyrone auf die Suche nach Spuren macht, die erklären könnten, was in seinem Viertel und mit ihm gerade passiert. Tatsächlich findet er eine Leiche, die ihm bis aufs Haar gleicht. Aber damit fangen die seltsamen Ereignisse erst an. Denn offenbar ist nicht nur Tyrone von merkwürdigen Dingen umgeben. Das ganze Viertel The Glen scheint langsam verrückt zu spielen. Haben die Insassen der schwarzen SUVs damit zu tun, die scheinbar an jeder Ecke stehen?

Wilder Mix, der Spaß macht

Regisseur und Co-Autor Juel Taylor hat mit They cloned Tyrone wahrhaftig einen merkwürdigen Film abgeliefert. Denn das Ganze scheint in der Jetztzeit zu spielen. Allerdings stammt der Plot aus den 50er oder frühen 60er Jahren, der großen Zeit der Sci-Fi-Verschwörungsthriller. Musik, Look des Films und die Garderobe passen perfekt zum Blaxploitation-Kino der frühen und mittleren 70er Jahre. Und die Schauspieler sind von heute. Warum Taylor seine Story so und nicht anders umgesetzt hat, bleibt dabei sein Geheimnis. Gut möglich, dass er der großen Zeit des schwarzen Kinos in den USA seinen Respekt zollen wollte. Oder der Look für seinen Geschmack gut zur Handlung passte. Für Cineasten hebt das in jedem Fall They cloned Tyrone über das typische Niveau des Netflix-Unterhaltungsfilm.

Denn die Ausstattung des Films, liebevoll und detailreich den 70ern nachempfunden, machen alleine schon viel Spaß. Besonders die Frisuren heben die Stimmung nur vom Zusehen schon garantiert. Aucg bei der Besetzung bewies Taylor ein gutes Händchen. Der minimalistische John Boyega als harter Kerl überzeugt ebenso wie die sich ständig streitenden Foxx und Parris, die mit sichtlichem Spaß Overacting betreiben und sich Dialoge um die Ohren hauen, bis die Ohren bluten. Und Freunde von Soul und Funk-Music sowie angejazzten Klängen dürften mit dem Soundttrack ebenfalls eine gute Zeit haben. Dennoch kann They cloned Tyrone nicht auf ganzer Linie überzeugen.

Zu lang für die Story-Idee

Dazu ist der Film mit knapp zwei Stunden viel zu lang geraten. Während er zu Beginn noch mit gutem Tempo und flotter Inszenierung überzeugt und trotzdem Zeit für ruhige Momente findet, hängt das Werk in der Mitte doch ziemlich durch und verliert unnötig an Tempo und Biss. Zwar hat es hin und wieder fast etwas Hitchcockhaftes, wie die Protagonisten von einer Gefahr in die nächste stolpern, bis Taylor langsam beginnt, den Schleier des Geheimnisses zu lüften – in einer der stärksten Szenen des Films, in dem auch noch ein illustrer Stargast auftritt. Auch eine Kirchenszene ist sehr gelungen, in der David Alan Grier als schräger Reverend ein klein wenig dem unvergessenen James Brown aus „Blues Brothers“ huldigen darf.

Aber unter dem Strich passiert in der mittleren Stunde zu wenig, um die Laufzeit zu rechtfertigen. Zudem verliert They cloned Tyrone trotz einiger pfiffiger Drehbuch-Einfälle im letzten Drittel fast komplett die Spannung und kann erst in den leicht absurd anmutenden finalen Minuten wieder punkten. Immerhin verliert Taylor die herrlich schräge Grundidee nie aus den Augen und baut dazu immer wieder starke Szenen ein. Doch aus den einzelnen guten Momenten wird kein starkes Ganzes. Dazu ist der Film als Thriller nicht spannend genug, als Sci-Fi-Story nicht originell genug, als Komödie nicht durchgehend witzig und für eine mögliche Gesellschaftskritik schlicht zu flach. So bleibt als einzig wirklich gelungener Teil die Hommage an das Blaxploitation-Kino. Wem das genügt, hat aber eine richtig gute Zeit.

Fazit:

Auch wenn die einzelnen Teile seines wilden Genre-Mix-Film They cloned Tyrone nicht durchgehend überzeugen, gelingt Regisseur und Mitautor Juel Taylor doch ein ansehnlicher Film, der vor allem durch die Verehrung des großen schwarzen Kinos der 70er punkten kann. Die drei Hauptdarsteller liefern alle gut ab, die Musik passt ebenfalls – und schön schräg ist das Ganze auch noch. Aber Taylors Werk bleibt ein Film, auf den sich das Publikum schon sehr einlassen muss, um Spaß zu haben. Denn letztlich ist die wilde Mischung vielleicht einen Hauch zu abgedreht, um zu einer homogenen Erzählung zu verschmelzen. Ob man da wirklich eine zumindest angedeutete Fortsetzung braucht?

They cloned Tyrone startet am 21. Juli 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Maddie (Jennifer Lawrence“ ist schon über 30 und hält sich noch immer mit Gelegenheitsjobs über Wasser. Männer wechselt sie oft schneller als Unterwäsche und wenn es doch mal einer länger mit ihr aushält, bereut er das schnell. Auch Gary (Ebon Moss-Bachrach) geht es so, als er Maddies Auto beschlagnahmen muss, weil sie die Grundteuer auf ihr Haus nicht bezahlt hat. Denn der gut gebaute Adonis, den Maddie als ihren Cousin ausgibt, entpuppt sich schnell als neuer Lover, so dass Gary keine Gnade zeigt. Weil Maddie eigentlich als Uber-Fahrerin das meiste Geld verdient, muss dringend ein neues Auto her. Da kommt eine sehr schräge Kleinanzeige gerade recht.

Ein reiches Paar sucht eine Frau, die ihren Sohn Percy (Andrew Barth Feldman) aus seinem Schneckenhaus herausholt und ihm erste sexuelle Erfahrungen ermöglicht. Als Preis loben die Eltern ein gebrauchtes Auto aus. Maddie fackelt nicht lange und bewirbt sich auf den Job. Erst sind Percys Eltern von ihrem Alter abgeschreckt, doch Maddie hat überzeugende Argumente. Und so wirft sich Maddie bald mit Feuereifer in die neue Aufgabe, Percy von seiner Jungfräulichkeit zu befreien. Allerdings muss sie bald feststellen, dass der sensible und leicht schräge Junge ihren Reizen auf die Holzhammermethode nicht so leicht verfällt. Tatsächlich möchte er Maddie besser kennenlernen, bevor er mit ihr Sex will. Doch Maddie rennt die Zeit weg, denn die Steuern werden fällig …

Trailer zeigt nur die halbe Wahrheit

No Hard Feelings ist einer dieser Filme, bei dem man nach Ansicht des Trailers nur die halbe Wahrheit kennt. Denn die Szenen dort stammen alle aus der ersten Hälfte des Films. Der erfüllt den Anspruch zotigen, schlüpfrigen Humors durchaus und sorgt auch für einige Lacher, selbst wenn nicht jeder Gag sitzt. Die erste Stunde erinnert dennoch sehr stark an dir frühen Filme der Farrelly-Brüder wie etwa „Verrückt nach Mary“. Mit übertriebenem Drang, dahin zu gehen, wo es so richtig peinlich wird, arbeitet auch Stupnitzky in den frühen Szenen, schließlich gilt es zunächst, Jennifer Lawrences Charakter Maddie als wenig liebenswerte und durchtriebene Egoistin darzustellen.

Das fällt dem Publikum aber bereits zu Anfang recht schwer. Denn Lawrence ist einfach liebenswert, selbst wenn sie einige fiese Dinge tut. Und das Drehbuch lässt auch bald durchblicken, dass Maddie für ihr Verhalten wohl ihre Gründe hat. Natürlich wird das nicht tiefgehend thematisiert, schließlich ist Nor Hard Feelings eine Komödie und kein Psychogramm. Aber es wird doch deutlich, dass die junge Frau ihre Gründe hat, warum sie ist, wie sie ist und tut, was sie tut. Und dafür nimmt Lawrcence so einiges auf sich. Ob eine skurrile Nacktszene oder anzügliche Bewegungen und Witze, man glaubt der Schauspielerin alles. Was daran liegen mag, dass sie sich seit Beginn ihrer Karriere in Interviews und Talkshows als unfassbar lustige Frau präsentiert hat. Dass sie viel für eine gute Pointe tut, ist also keine Überraschung.

Von Sex-Zoten zu Gefühl

Überraschender dürfte für manche hingegen sein, dass trotz der Farrelly-Attitüde, die Protagonisten möglichst häufig bis ins Schmerzhafte lächerlich zu machen, Stupnitzkys Film nach einer Stunde langsam in einer andere Richtung abbiegt. Und sich von der derben Zotenkomödie in eine deutlich warmherzigere Dramedy verwandelt. Das kommt nicht gänzlich unerwartet, denn dass Maddie keine so schlechte Person ist wie zu Beginn suggeriert, deutet sich an und ihre Entwicklung ist daher auch nachvollziehbar. Jenifer Lawrence bleibt trotz starker Konkurrenz das Rückgrat des Films, hält No Hard Feelings mit ihrem untrüglichen Gespür für das richtige Gesicht, den richtigen Blick und der richtigen Geste im perfekten Moment am Laufen.

Aber auch Andrew Barth Feldman gebührt Respekt dafür, dass er den durchaus spannenden Charakter des Percy mit so viel Leben erfüllt, dass sein Schicksal den meisten Zuschauern nicht egal bleibt. Und die Figur trotz einiger Peinlichkeiten nie die Würde verliert. Als eigentlicher moralischer Kompass der Story fungiert Feldman souverän und lässt das Publikum durchaus die eine oder andere Szene hinterfragen, statt nur für Lacher zu sorgen. Matthew Broderick und Laura Benanti als Helikopter-Eltern haben zwar nur wenige Szenen, die nutzen sie allerdings ebenfalls, um überzeugende Momente zu schaffen. Und so wird No Hard Feelings nach krudem STart doc h noch so etwas wie eine Rom-Com, die allerdings den Mut hat, manche Dinge nicht geschehen zu lassen.

Fazit:

Ein Meilenstein ist No Hard Feelings sicher nicht geworden. Aber Jennifer Lawrence darf hier eindrucksvoll ihr komödiantisches Talent zeigen. Und auch mal dahingehen, wo es wehtut. Regisseur und Mit-Autor Gene Stupnitzky wandelt sichtbar in den Spuren alter Farrelly-Filme, findet zum Ende hin aber immer mehr eine eigene Stimme. Und die erzählt offenkundig lieber anrührende, schöne Geschichten als derbe Zoten. So zerfällt der Film etwas in zwei Hälften. Die erste ist die lustigere, die zweite ist die bessere. Denn auch, wenn die Pointendichte in der zweiten Hälfte sinkt, steigt dafür der emotionale Impact der Figuren. Und damit auch die Qualität und Hintersinnigkeit des Humors.

No Hard Feelings startet am 22. Juni 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Die Zukunft. Der Mond ist mittlerweile besiedelt, dort werden in Minen wichtige Rohstoffe gewonnen. Außerdem geht von dort der Flug über 75 Jahre zur neuen Kolonie in den Tiefen des Alls, den die Kolonisten im Tiefschlaf verbringen. Auch der junge Caleb (Isaiah Russell-Bailey) wird auf dem nächsten Flug dabei sein, weil er nicht nur vor Jahren seine Mutter, sondern auch vor einigen Tagen seinen Vater bei einem Unfall verloren hat und damit einen Neustart bekommen soll. Doch vorher muss der Junge unbedingt noch etwas erledigen. Sein Vater hatte ihm immer wieder vom Lieblingsplatz der Mutter erzählt und ihm versprochen, diesen Ort mit ihm auszusuchen, bevor er den Mond verlassen würde.

Caleb will unbedingt diesen Krater besuchen, bevor er das heimatliche Sonnensystem für immer verlässt. Und dazu braucht er die Hilfe seiner Freunde, denn allein darf er natürlich nicht hinaus auf die Mond0berfläche, um einen ganzen Tag lang mit einem Mond-Rover zu einem weit entfernten Mondkrater zu fahren. Und so bezirzt Dylan (Billy Barratt) die frisch von der Erde eingetroffene Addison (McKenna Grace), um an einen Code zu kommen, der die Tore der Mondbasis lange genug öffnet, um mit dem Fahrzeug aufbrechen zu können. Die besteht im Gegenzug allerdings darauf, die Jungs zu begleiten. Und so machen sich kurze Zeit später fünf Jugendliche auf den Weg zu einem weit entfernten Ort, der für Calebs Eltern so wichtig war …

Gutes Script – guter Film?

Das Drehbuch zu Crater hatte Autor John Griffin bereits 2015 verfasst. Seitdem stand es auf der so genannten Black List in Hollywood, was schlimmer klingt, als es ist. Denn diese Black List ist nichts Schlechtes, sondern sammelt die besten bislang unverfilmten Scripts der Traumfabrik. Ordentliche Vorschusslorbeeren also für das Projekt, das schlussendlich bei Disney+ landete. Den Regiejob übernahm Kyle Patrick Alvarez, der zuletzt vor allem als Serien-Regisseur aktiv war, unter anderem für „13 Reasons Why“. Hat er mit dem starken Drehbuch etwas anfangen können? Absolut! Auch wenn die Trauben im Vergleich zu Stand By Me definitiv zu hoch hängen, so gelang Alvarez dennoch ein ansehnliches Coming of Age-Drama, das für Disney-Verhältnisse recht melancholisch ausfällt.

Das liegt aber nur zum Teil an der Story, die eher in Details und den Dialogen überzeugt als in der Erzählung. Denn hier ist die Ähnlichkeit zum großen Vorbild am deutlichsten und der Film hat trotz starker Optik der Mondlandschaft am wenigsten Neues zu bieten. Besser macht es Griffin bei der Charakterzeichnung seiner jungen Helden. Der kämpferische Waisenjunge Caleb, die zur Zickigkeit neigende Addison und der lebenslustige, aber auch höchste empathische Dylan erweckt Griffin durch solide und und teilweise richtig starke Szene zum Leben. Allerdings bleiben die beiden restlichen Mitglieder der Gruppe dafür eher Stichwortgeber und sorgen für den typischen Sidekick-Humor, als dass sie viel zur Handlung beitragen würden. Im Fokus steht das Trio.

Junge Stars, die überzeugen

Und dieses Trio wird von den jungen Darstellern stark verkörpert. Isaiah Russell-Bailey ist als trauernder Anführer der kleinen Gruppe eine perfekte Besetzung, weil er das Publikum in der ersten Szene bereits von sich einnimmt – und nicht mehr loslässt. Die erfahrene McKenna Grace („Ghostbusters Legacy„, „Spuk in Hill House„) ist so gut wie immer und spielt sich als einzige weibliche Figur fast spielend in die Herzen junger Zuschauer. Aber Billy Barratt, der bereits in der Apple-Serie „Invasion“ sehr überzeugend war, ist der heimliche Star des Films. Er steht am ehesten für die Rolle, die River Phoenix in Stand By Me innehatte und spielt sie großartig. Die meisten Szenen, in denen er ein wenig Text hat, gehen an ihn.

Dass Crater nicht ganz an Stand By Me herankommt, liegt sicher nicht an seinen Darstellern. Vielmehr bleibt der Film im Kern ein Disney-Projekt für ein jüngeres Publikum – und das war Rob Reiners Film eben nicht. Zwar geht es auch hier einmal spannend zu, aber die Tiefe, die Kings Geschichte über das Ende der Kindheit birgt, erreicht Crater nicht. Denn die dazu nötigen dunkleren Aspekte sind hier schlicht nicht zu finden. Allerdings schwingt auch hier von Beginn an eine leichte Schwermut mit, die der Film bis zum Ende halten kann, was neben der Handlung der Hauptgrund für die Vergleiche mit Stand By Me sein dürften. Dass Crater hier auf Zuckerguss verzichtet, ist dem Film hoch anzurechnen. Und die letzten Minuten werden nah am Wasser gebaute Zuschauer garantiert erwischen.

Fazit:

Nein, mit dem großartigen Stand By Me kann es die neue Disney-Produktion Crater nicht ganz aufnehmen, aber in manchen Momenten kommt er der großen Vorlage doch relativ nah. Die Geschichte vom Waisen, der mithilfe seiner Freunde den letzten Wunsch seines Verstorbenen Vaters umsetzt, ist manchmal unerwartet witzig, um kurze Zeit später wieder in andere Emotionen zu kippen. Dank seiner guten Darsteller gelingt ihm das auch glaubwürdig. Und so ist die Odyssey fünf Jugendlicher auf dem Mond eine durchgehend unterhaltsame und manchmal sogar packende Reise geworden, auch wenn hier eine deutlich jüngere Zielgruppe im Fokus steht als es bei der King-Verfilmung der Fall war. Und gut getrickst ist das Ganze auch noch. Als Familienfilm am Sonntag definitiv eine Empfehlung!

Crater startet am 12. Mai 2023 bei Disney+.

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Die Handlung

Gleich nach ihrem mörderischen Urlaub vor vier Jahren haben sich Audrey (Jennifer Aniston) und Nick Spitz (Adam Sandler) als Detektive selbständig gemacht – doch der große Erfolg blieb aus. Kleine Gaunereien und untreue Ehemänner, das liegt den beiden nicht sonderlich gut. Und so freuen sie sich, als ihr alter Freund, der Maharadscha Vikram (Adeel Akhtar) sie zu seiner Hochzeit nach Indien einlädt – auf seine Kosten, versteht sich. Ein paar Tage Urlaub machen und feiern, das ist genau das, was das Ehepaar nun braucht. Und zuerst sieht die Sache auch nach einer wundervollen Erholungsreise aus. Vikrams Braut Claudette (Melanie Laurent) erweist sich als charmante Französin, auch Vics Schwester Saira (Kuhoo Verma) macht einen überaus netten Eindruck.

Doch der Abend vor der Hochzeit verläuft nicht so, wie sich fast alle Anwesenden das gedacht hatten. Auf dem Höhepunkt einer klassischen Bollywood-Tanznummer sollte Vic eigentlich auf einem Elefanten ins Festzelt reiten. Doch auf dem Tier findet sich nur Vics ermordeter Leibwächter. Der Maharadscha wurde entführt! Zwar vertraut Colonal Ulenga (John Kani), Sicherheitschef des Clans, den Spitzes, da er sie von früher kennt, aber die Familie heuert zur Sicherheit den Top-Spezialisten für Entführungen an: Connor Miller (Mark Strong). Und der hält von der Einmischung von Nick und Audrey gar nichts. Dumm für ihn, dass die Entführer nur mit Nick verhandeln wollen und so finden sich er und seine Frau bald im Zentrum eines undurchsichtigen Komplotts wieder …

Kein Glass Onion

Krimis können Spaß machen, das hat zuletzt Rian Johnson mit „Glass Onion“ bewiesen, auch Apple TV+ hat mit „The Afterparty“ einen wirklich lustigen Whodunit-Plot im Angebot. Allerdings ist die Idee von Murder Mystery älter als die beiden – war allerdings auch deutlich schwächer. Zwar konnte der erste Teil mit einer beeindruckenden Schauspielerriege auftrumpfen, wie sich das für einen Agatha Christie-ähnlichen Plot gehört und wurde an wirklich schönen Orten Europas gedreht, die Story selbst war allerdings nicht sonderlich innovativ und auch die Gas zündeten nicht durchgehend. Die Menge an Stars hat zwar im Vergleich zum ersten Tel in Murder Mystery 2 etwas nachgelassen, schöne Orte und einen nicht sonderlich originellen Krimiplot gibt es im neuen Film aber auch.

Einen kleinen Unterschied gibt es allerdings: Murder Mystery 2 ist tatsächlich ein wenig witziger geraten als der Vorgänger. Ein Gag-Feuerwerk sieht zwar anders aus, aber Vanderbilt schrieb immerhin einige wirklich vergnügliche Szenen ins Script. So ist eine Verfolgungsjagd in einem Lieferwagen quer durch Paris zwar nicht wirklich neu, aber durch sehr gutes Timing und gut aufgelebte Stars wirklich komisch. Und der Autor hat noch ein paar weitere gute Einfälle gehabt, die den zweiten Teil der möglichen Reihe (noch gibt es keine Infos zu einem dritten Film) ein kleines Stück über den ersten erheben. Zudem funktioniert das Zusammenspiel zwischen Sandler und Aniston, die beide als als Produzenten fungierten, ebenfalls etwas besser als noch in Teil 1.

Ein wenig über sonstigen Sandler-Filmen

Vor allem gehört James Vanderbilt nicht zur langjährigen Entourage von Adam Sandler, der bis auf wenige Ausnahmen in den vergangenen Jahren einige wirklich schlimme Filme verbrochen hat. Dementsprechend ist der Humor diesmal nicht ganz so dümmlich wie in vielen anderen Werken des Schauspielers, der mit „Uncut Gems“ gezeigt hat, dass er eigentlich mehr kann. Jennifer Aniston bekommt ebenfalls viel Raum zum Atmen, und das Gespann ist einfach lustiger als beide allein. Außerdem gelingen Vanderbilt mit einigen kleinen Nebenrollen wie dem erneut mitwirkenden französischen Comedy-Star Dany Boon als Inspektor oder Jillian Bell als romantischer Amerikanerin schöne Momente, die Murder Mystery 2 für kurze Momente die Last von Aniston und Sandler nehmen, was dem Gesamteindruck durchaus nicht schadet.

Wer jetzt aber eine erzählerische und inszenatorische Perle wie Glass Onion erwartet, dürfte trotzdem enttäuscht sein. Denn letztlich bleibt auch der zweite Film mit dem Detektiv-Duo, das cleverer ist als es auf den ersten Blick wirkt, ein launiger, aber durchgehend flacher Comedy-Krimi für den schnellen Konsum. Wem das genügt oder bereits den ersten Film mochte, der wird auch diesmal auf seine Kosten kommen. Die Stars liefern ab, wie ihre Fans das erwarten, Sandler ist dabei nicht ganz so nervig wie in Filmen wie „Hubie Halloween“ und lässt neben sich auch andere glänzen. nicht zuletzt Mark Strong als coolen Supercop. Dennoch bleibt Murder Mystery 2 ein Film, dessen Anfang man am Ende bereits fast wieder vergessen hat.

Fazit:

Ein wenig besser als der erste Teil ist Murder Mystery 2 geworden, auch wenn er nicht mehr mit der gleichen Stardichte glänzen kann wie der Vorgänger. Aber Aniston und Sandler fungieren als Ehepaar sehr solide zusammen und spielen sich durchaus gekonnt manchen Ball zu. Dazu sind Autor James Vanderbilt, der zuletzt für „Scream 6“ verantwortlich war, auch ein paar wirklich lustige Szenen eingefallen, die Regisseur Jeremy Garelick auch gekonnt umsetzt. Eine echte Handschrift ist bei der Umsetzung aber ebenso wenig zu sehen wie beim Script. So steht am Ende ein leidlicher unterhaltsamer Comedy-Krimi, der mit einem deutlich weniger nervtötenden Sandler punkten kann und mit gut 80 Minuten auch keinerlei kostbare Lebenszeit verschwendet. Ein netter Film für zwischendurch.

Murder Mystery 2 startet am 31. März 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Viele Jahre sind vergangen, seit die Helden um Willow (Warwick Davis), Madmartigan und Sorsha (Joanne Whalley) die böse Königin Bavmorda besiegten und die künftige Herrscherin Elora, damals noch ein Baby, vor dem Tod retten konnten. Inzwischen ist Sorsha Königin und hat zwei Kinder mit dem seit Jahren verschollenen Madmartigan: die tapfere Kit (Ruby Cruz) und den Weiberhelden Airk (Dempsey Bryk). Als Kit um des Staates willen Graydon (Tony Revolori) heiraten soll, den Prinzen des Nachbarreiches, will sie fliehen. Denn sie vertreibt sich die Zeit viel lieber mit ihrer besten Freundin Jade (Erin Kellyman, „The Falcon and the Winter Solider“), die als erste Frau Ritter des Reiches werden will.

Doch die Nacht, in der Kit eigentlich fliehen will, verändert alles. Denn die Burg führt von dunklen magischen Kreaturen attackiert. Und Airk vor den Augen von Mutter und Schwester entführt. Um ihren Bruder zu retten, stellt Kit eine Gruppe zusammen, zu der sich der Krieger Boorman (Amar Chadha-Patel), Jade und Graydon gesellen. Sorsha besteht darauf, dass sich Kit auch die Hilfe von Willow holt, dem größten noch lebenden Magier, so dass ihr erstes Reiseziel feststeht. Was keiner weiß: Auch die Küchenmagd Dove (Ellie Bamber), die sich unsterblich in Airk verliebt hat, schließt sich heimlich der Gruppe an. Und verfolgt die kleine Schar, um den Prinzen zu retten. Als die Helden endlich auf Willow treffen, erleben sie jedoch eine faustdicke Überraschung …

Empfehlung: Vorher den Film sehen!

Gleich vorweg: Ja, man sollte den Originalfilm kennen, um die Serie zu verstehen. Zwar erklärt sich die Handlung weitgehend von selbst. Aber viele Details, Anspielungen und Wiedersehen entfalten ihre Wirkung nur dann so richtig, wenn der Anfang der Story bekannt ist. Und dann fallen auch die großen Unterschiede zwischen den beiden gleichnamigen Stoffen auf. Der Film war ein klassischer Fantasyfilm mit ein wenig Humor und aus heutiger Sicht mäßigen Effekten. Die Serie erzählt im Prinzip die Geschichte nach vielen Jahren weiter, entwickelt sich aber zügig vom reinen Fantasy-Stoff hin zur für die Zeit so typischen Teenager-Coming-of-Age-Herzschmerz-Dramedy. Das wird garantiert nicht jedem gefallen, der sich als Fan des Films nun die Serie ansieht.

Obwohl die Serie sicher ein größeres Budget hatte, erinnert Willow ein wenig an die vor einigen Jahren gestartete Serie „The Shannara Chronicles„, die inhaltlich natürlich Parallelen aufweist, immerhin ist auch sie klassische High-Fantasy, aber eben auch ein Liebesdreieck und viel Teenie-Gezicke einbaute. Zudem erzählen beide Serien die Reise von Station zu Station recht ähnlich. Und lassen zum Ausklang einer Folge gern einen Cliffhanger da. Willow kann hier eindeutig mit dem höheren Produktionsaufwand punkten, ist in Sachen Drehbücher aber nicht wirklich besser. Weil auch die Figuren, bei allen durchaus spürbaren Bemühungen der Autoren, trotzdem weitgehend Klischees bleiben und kaum aus ihren vorgefertigten Rollen ausbrechen können.

Klischees, die sich nicht zu ernst nehmen

Da ist die rebellische Prinzessin, die junge Kriegerin, der gar nicht so fähige Magier, der Bandit mit dem goldenen Herzen und vieles mehr, was man in solchen Serien eben schon häufig gesehen hat. Das Rad erfindet Willow wahrlich nicht neu. Dass die Serie aber trotz der angesprochenen Kritikpunkte Spaß macht, liegt an Details. So stimmt die Chemie in der Gruppe, hier spielen die Schauspieler wirklich mit- und nicht gegeneinander. Dazu bauten die Autoren immer wieder nette Anspielungen auf den Kinofilm ein. Und sie brechen unerwartet immer wieder vorher aufgebaute Klischees, wenn auch nicht bei den Hauptfiguren, und verbreiten auch regelmäßig einen schönen Humor, der die Serie auflockert, bevor es zu ernst oder getragen werden kann.

So bringt Willow für Fantasy-Fans viele Ähnlichkeiten mit Dungeons & Dragons mit und erinnert auch ein wenig an die großartige Trickfilm-Serie „Ex Machina“, wenngleich sie Disney-typisch stets oberhalb der Gürtellinie bleibt. Aber das Gefühl, wenn man als Teil einer Heldengruppe ein dunkles Verlies betritt und mit allem rechnen muss, das haben die Macher um Showrunner Jonathan Kasdan, Sohn von Lawrence Kasdan („Das Imperium schlägt zurück“), sehr gut eingefangen. Und das bringt auch den meisten Spaß in einer inhaltlich eher konservativen Serie. Die zwar durchaus im Details hübsche Ideen mitbringt, aber letztlich in sehr ausgetretenen Pfaden wandelt.

Vergleiche mit anderen großen Fantasy-Serien wie „Die Ringe der Macht“ oder „Game of Thrones“ verbieten sich, denn beides will Willow gar nicht sein. Und wer solche K0st erwartet, dürfte von dem locker-leichten Ton auch nicht abgeholt werden. Die acht Folgen der ersten Staffel, von denen Disney sieben vorab zur Verfügung stellte, wollen vor allem eins: eine junge, vorwiegend weibliche Zielgruppe ansprechen und die gut unterhalten. Ältere Fans des Films freuen sich über das eine oder andere Wiedersehen. Auch wenn Val Kilmer aufgrund seiner Erkrankung nicht dabei sein konnte. Und wer Fantasy mag, kann sich zumindest auf eine überdurchschnittliche Serie freuen, die ordentlich getrickst und gespielt ist.

Fazit:

Der ganz große Wurf ist Willow 34 Jahre nach dem gleichnamigen Kinofilm leider nicht geworden. Dafür stellen die Autoren die jugendlichen neuen Helden zu sehr in den Vordergrund. Und bauen Liebesdramen ein, die es so sicher nicht gebraucht hätte – schon gar nicht in der klassischen High-Fantasy-Serie. Aber der mitunter unerwartet bissige Humor entschädigt ebenso wie das tolle Zusammenspiel der Schauspieler, die wirken wie eine verschworene Dungeons & Dragons-Gruppe. Obwohl sich die Serie klar an ein junges Publikum richtet, kommen die älteren Fans des Films durch kluge Platzierungen von bekannten Orten und Figuren auf ihre Kosten. Für lange Winterabende ist Willow jedenfalls gut geeignet, solange man die Ansprüche nicht zu hoch hängt.

Willow startet am 30. November 2022 bei Disney+ mit zwei Folgen, danach folgt wöchentlich eine weitere.

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Die Handlung

Kraglin (Sean Gunn) erzählt den anderen Mitgliedern des Teams, wie Peter Quill (Chris Pratt) als Junge versucht hat, auf Yondus Schiff den Erd-Brauch von Weihnachten einzuführen. Und wie furios Yondu (Michael Rooker) diesen Plan zurückwies und von solchen Feierlichkeiten auf seinem Ravager-Schiff nichts wissen wollte. Er zertrat den kleinen Weihnachtsbaum und war die Geschenke weg. Die anderen Guardians sind entsetzt ob solcher Grausamkeit und überlegen sich einen Plan, um den wegen Gamoras Tod noch immer untröstlichen Peter ein wenig aufzumuntern. Mantis (Pom Klementieff) und Drax (Dave Bautista) beschließen, einen Trip auf die Erde zu unternehmen, um Peter ein ganz besonderes Geschenk für Weihnachten zu besorgen.

Allerdings verläuft der Ausflug auf Peters Heimatwelt für die beiden Guardians ganz anders, als sie sich das vorgestellt hatten. Denn das Geschenk, das sie sich für ihren Anführer ausgesucht haben, möchte auf keinen Fall verschenkt werden und wehrt sich mit Händen und Füßen gegen die Verschleppung ins Weltall …

Weihnachten im All?

Was bitte ist ein Special? Wer bislang noch nichts davon gehört hat, hat bereits eins verpasst: Werewolf By Night, das im Oktober erschien. Unter einem Special versteht Disney+ eine etwa 45 Minuten lange Geschichte, also einen längeren Kurzfilm oder einen sehr kurzen Spielfilm, wie man will. Dieses den Guardians gewidmete Special beschäftigt sich darüber hinaus noch thematisch mit Weihnachten. Dieses ungewöhnliche Format wurde von James Gunn geschrieben und inszeniert, der auch schon beide Guardians-Filme umsetzte.

Gunn hat in seiner Karriere schon vieles gemacht. Dafür bekannt, großartig Kompromisse einzugehen, ist der mittlerweile 56-jährige aber nicht. In der Regel setzte der Regisseur seine Vision eines Films um, mal mit Erfolg, mal ohne. Und so muss man nach Ansicht von The Guardians of the Galaxy Holiday Special auf die Idee kommen, dass Gunn ein großer Fan eines traditionellen Weihnachtsfestes ist. Denn bei aller Komik, die wie immer bei Gunn mitunter dicht am Albernen vorbeischrammt – oder mit voller Wucht über die Grenze schießt – vermittelt das Special die Botschaft des Fests der Liebe und der Familie mit allem, was dazugehört.

Schön schräg, schön rührselig

Natürlich ist ein Weihnachtsfest bei den Guardians aber vor allem eins: ziemlich witzig. Denn was Drax und Mantis bei ihrem Besuch auf der Erde erleben, wie sie versuchen, sich ans dortige Leben anzupassen und ihr Geschenk für Peter zu finden, bietet etliche großartige Szenen. Allerdings nutzt Gunn hier die bereits etablierten Figuren so, wie Fans sie kennen. Drax ist der grobe Klotz, Mantis das leicht überdrehte Gegenstück. Und das spielen beide mittlerweile im Schlaf. Eigentlicher Star des Specials ist aber Kevin Bacon. Warum er mitspielt und in welcher Rolle er zu sehen ist, soll hier nicht verraten werden. Aber der Hollywood-Veteran darf hier so richtig zeigen, was alles in ihm steckt. Denn Bacon kann nicht nur ausgezeichnet Comedy, sondern ist auch ein passabler Sänger.

Auch wenn sich Gunn immer wieder durch seine Helden ein wenig über Weihnachten lustig macht, so ist The Guardians of the Galaxy Holiday Special im Kern dennoch ein Kurzfilm, der die Feiertage feuert – mit allem, was dazu gehört. Natürlich liegt es in der Natur der Sache, dass Gunn dabei alles an Weihnachtsbeleuchtung, Schnee, Geschenken und Kitsch in sein Special packt, das er finden konnte. Trotzdem findet er einen erstaunlich rührenden Weg, zwischen den Gags und Songs auch viel Emotion in seine 45 Minuten zu bringen. Neben viel guter Laune ist das Special so auch ein idealer Start als emotionale Vorbereitung für die Adventszeit.

Warum Gunn allerdings ankündigte, dass The Guardians of the Galaxy Holiday Special auch schon einiges über den dritten Film verraten würde, bleibt sein Geheimnis. Denn die aktuelle Besetzung des Teams ist ebenso wenig eine Überraschung wie der Ort, an dem das Special spielt – und Teil drei möglicherweise beginnt. Wer also nur einschaltet, weil er sich wichtige Hinweise auf künftige Ereignisse im MCU erhofft, wird möglicherweise enttäuscht.

Fazit:

Mit The Guardians of the Galaxy Holiday Special erzählt Regisseur und Autor James Gunn kein neues Abenteuer aus unendlichen Weiten. Sondern er lässt seine gebeutelten Helden auch ein wenig zur Ruhe kommen. Dennoch setzt er wieder auf viel Humor, was gerade dem in manchen Momenten fast rührseligen Plot deutlich zugute kommt. Zudem sorgen auch seine perfekt aufeinander eingespielten Schauspieler dafür, dass Weihnachten im All nicht zu sentimental ausfällt. Schließlich kann man sich auf eine unpassende Bemerkung von Rocket immer verlassen. Nur wer auf tiefe Einblicke auf den nächsten Film im Mai gehofft hat, dürfte vielleicht enttäuscht sein. Fans der bunten Superhelden-Truppe bekommen hier aber sowohl ganz viel Guardians als auch eine ordentliche Portion Weihnachtseinstimmung.

The Guardians of the Galaxy Holiday Special startet am 25. November 2022 bei Disney+.

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Die Handlung

Weil Mitschüler ihren Bruder Pugsley (Isaac Ordonez) ärgern, greift Wednesday Addams (Jenna Ortega) zu einem rabiaten Mittel der Rache. Daher wird sie von der Schule verwiesen und braucht eine neue Möglichkeit u lernen. Ihre Eltern Morticia (Catherina Zeta-Jones) und Gomez (Luis Guzman) beschließen, Wednesday auf die gleiche Schule zu schicken, auf der sie beide sich kennen- und lieben lernten: das Internat Nevermore. Wednesday ist von diesem Plan wenig begeistert, fühlt sich die junge Frau doch von ihren Eltern abgeschoben. Und so plant sie, es der Schulleiterin Larissa Weems (Gwendoline Christie) und ihrem Lehrkörper so schwer wie nur möglich zu machen und möglichst bald aufs dem Internat zu fliehen.

Doch mit den Lehrern ist das Problem noch nicht beendet. Die Schülerin, mit der sie ein Zimmer teilt, hört auf den Namen Enid (Emma Myers), ist ein Werwolf und steht auf bunte Farben – für Wednesday ein Alptraum! Spannender ist da schon Xavier (Percy Hynes White, „The Gifted„), der als begabter Künstler in düsteren Farben Monster malt. Dazu kommt die Sirene Bianca (Joy Sunday), mit der sich Wednesday messen kann – ein Kampf, der der jungen Addams durchaus Spaß macht. Doch der beste Grund zu bleiben ist eine Mordserie, die ein Monster in den nahen Wäldern verübt. Wednesday möchte diese Kreatur finden und von weiteren Morden abhalten. Aber kann der brillante Spross der Addams-Familie das wirklich schaffen?

Spektakulär: Jenna Ortega

Neben Tim Burton sind noch weitere bekannte Namen hinter den Kulissen von Wednesday in das Projekt involviert: Alfred Gough und Miles Millar. Das Produzenten- und Autorenpaar arbeitet seit vielen Jahren zusammen und machten sich im TV vor allem mit „Smallville“ einen Namen. Doch seit einigen Jahren haben die beiden keinen Erfolg mehr landen können. Serien wie „Charlies Angels“ und „The Shannara Chronicles“ floppten. Nun sollten die beiden mit Tim Burton als Regisseur von vier der acht Folgen Wednesday für Netflix in die Erfolgsspur bringen. Doch das gelingt nur bedingt. Denn Gough und Millar versuchen, das momentane Lieblingsgenre von Netflix, Dark Fantasy für junge Zuschauer, mit dem morbiden Witz der Addams Family zu mischen – und das passt nicht immer wirklich zusammen.

Aber zuerst zum Positiven. Jenna Ortega, die zuletzt bereits in „X“ und „Scream“ Horrorluft schnupperte, spielt die eiskalte Tochter der eigenwilligen Sippe großartig. Das Publikum sah zuletzt eine grandiose Christina Ricci in der Rolle, die in der Serie deshalb wohl auch eine wichtige Nebenrolle bekam. Doch Ortega kann sich in ihrer Darstellung der brillanten Wednesday mit Ricci durchaus messen. Ihre Szenen, vor allem gemeinsam mit dem Eiskalten Händchen, das Vater Gomez zu ihrem Schutz in Nevermore ließ, strotzen vor gutem schwarzen Humor und verfügen über ein wundervolles Timing. Aber auch die anderen Schauspieler agieren mit Ortega glänzend und helfen ihr, sich als absolute Hauptfigur der Serie zu etablieren. Der Rest der Sippe bringt es hingegen nur auf Gastrollen.

Zu viel Teenie-Herz-Schmerz, zu wenig Addams

Und das ist schon eines der Probleme der Serie. Denn wer sich auf skurrilen Humor in der Art der Spielfilme von Barry Sonnenfeld freut, wird enttäuscht. Wednesday wirkt eher wie eine Mischung aus Harry Potter und der CW-Serie „Legacies“, einem Spin-Off von „The Originals“. Die Schule voller Vampire, Werwölfe und anderer Kreaturen passt eigentlich nicht zur Addams Family. Stattdessen schien Netflix erneut das Publikum ansprechen zu wollen, das auch Eigenproduktionen wie „Shadow and Bone“, „The Order“ oder „Locke and Key“ schon mochte. Und bei diesen ganzen Vorgaben braucht die neue Serie viel Zeit, um endlich einen eigenen Ton zu entwickeln. Was leider auch daran liegt, dass Tim Burtons visueller Einfluss auf die Serie nur mit viel gutem Willen zu erkennen ist.

Auf den ersten Blick ist die Idee, Burton mit der Addams Family zusammenzubringen, einfach grandios. Denn der große Fan von abseitigen und schrägen Geschichten und Figuren könnte wenn man ehrlich ist, durchaus ein Mitglied dieser Familie sein. Und so schien Wednesday visuell ein Selbstgänger zu werden. Hin und wieder ist Burtons Handschrift auch zu erkennen, etwa im gemeinsamen Zimmer von Wednesday und Enid. Aber unter dem Strich ist die Serie optisch nicht so spektakulär, dass dem Publikum der typische Burton-Look regelmäßig begegnen würde. Die Serie also nur wegen des Regisseurs zu sehen, wäre vermutlich eine Enttäuschung für seine Fans. Auch wenn sie sich, wie viele gute Serien, im Lauf der Staffel deutlich steigert. Und einige wirklich gelungene Verbeugungen vor großen Horrorfilmen hinlegt.

So gibt es in Episode 4 eine Ballszene, die sowohl „Carrie“-Vibes transportiert, als auch an die starke Eröffnungsszene des ersten „Blade“-Films erinnert. Dazu haben die Autoren, neben Gough und Millar waren noch fünf weitere am Werk, immer wieder sehr feine One-Liner und kurze Vorträge für Jenna Ortega geschrieben, die sie als Wednesday wirklich schön umsetzt. Und mit dem stets gleichgültigen Gesicht (bis auf wenige Ausnahmen) einige Lacher produziert. Burtons Haus- und Hofkomponist Danny Elfman liefert ebenfalls einige passende Melodien ab, die der Stimmung der Serie hörbar gut tun. Dennoch ist hier einfach zu wenig Addams-Family und zu viel Young Adult-Dark-Fantasy drin, um auch ältere Zuschauer dauerhaft abzuholen.

Fazit:

Nicht nur viele Köche, auch viele Zutaten können den Brei verderben. Denn was die Chefautoren Alfred Gough und Miles Millar hier alles zu einem neuen Teig verrühren wollen, ist einfach etwas zu viel. Warum eine Schule mit Vampiren und Werwölfen, wenn deren Besonderheiten dann gar keine Rolle spielen? Immerhin werden die zu Beginn holprigen Drehbücher im Lauf der Staffel besser, wenn sich die Macher auf ihren größten Trumpf besinnen: die wunderbare Jenna Ortega und den ebenso wunderbaren schwarzen und höchst skurrilen Humor der Addams-Family, wie ihn ihr Schöpfer Charles Addams bereits 1938 entwickelte – und dessen Zeitlosigkeit auch in dieser Serie beweist. Dass Tim Burton die ersten vier Episoden in Szene setzte, das sieht man hingegen leider viel zu selten. Und so geht Wednesday als gute, aber nicht als tolle Serie durch.

Wednesday startet am 23. November 2022 bei Netflix – natürlich an einem Mittwoch.

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Die Handlung

Seit Sherlock Holmes (Henry Cavill) seine kleine Schwester als Mündel angenommen hat, um ihre Bruder Mycroft vom Hals zu schaffen, sind einige Monate vergangen. Enola (Millie Bobby Brown) möchte sich als Detektivin im London des späten 19. Jahrhunderts etablieren. Doch keiner der potenziellen Klienten nimmt die junge Frau ernst. Und so will Enola eigentlich schon aufgeben, als ein Mädchen namens Bessy (Serrana Su-Ling Bliss) bei ihr auftaucht, und sie um Hilfe bei der Suche nach ihrer verschwundenen Schwester Sarah bittet. Ehrensache, dass Enola die Kleine nicht abweist und so ist sie wenig später bereits auf Spurensuche in der gemeinsamen Wohnung der Schwestern.

Kurze Zeit später inspiziert Enola dann als Arbeiterin verkleidet die Streichholz-Fabrik, in der sowohl Sarah als auch Bessy arbeiten. Und findet dort sowohl erste Indizien als auch Verdächtige, was das Verschwinden der jungen Frau angeht. Währenddessen ist auch ihr Bruder Sherlock nicht untätig, er sucht nach verschwundenem Geld aus der Staatskasse. Natürlich laufen sich die Geschwister bei ihren jeweiligen Ermittlungen schließlich über den Weg. Leider unter unschönen Bedingungen. Denn im Rahmen ihrer Ermittlungen findet sich Enola plötzlich auf der falschen Seite wieder. Statt als Detektivin gilt sie als dringend tatverdächtig in einem Mordfall. Da kann nur noch die Familie helfen …

Fehler nicht wiederholt

Der erste Film war zwar auf Netflix ein Erfolg, hatte aber seine Schwächen. Die Mischung aus feministischer Botschaft und Kriminalfall funktionierte nicht durchgehend. Immer wieder nahmen sich flammende Reden für Frauenrechte und Aufklärung des Verbrechens gegenseitig den Platz weg und bremsten den Film aus. Auch Enolas sehr regelmäßiges Durchbrechen der vierten Wand, um dem Publikum zu erklären, was es gerade gesehen hatte, war mitunter etwas mühsam mit anzusehen. All das macht Enola Holmes 2 deutlich besser als sein Vorgänger. Denn Regie-Rückkehrer Harry Bradbeer, der vorher hauptsächlich Serienfolgen inszenierte, hat aus den Fehlern des ersten Films gelernt. Zudem spart er auch durch die nicht mehr notwendige  Einführung der wichtigen Charaktere eine Menge Zeit.

Und die steckt Bradbeer diesmal hauptsächlich in die Krimihandlung des Films, ohne deshalb den Kampf der Frauen um mehr Rechte, auch diesmal ein zentrales Thema des Films, zu vernachlässigen. Das bringen Bradbeer und Drehbuchautor Jack Thorne (der auch Teil eins schrieb), diesmal aber besser und schneller auf den Punkt, nutzen dabei sogar historische Fakten, um die Handlung stärker in der Realität zu verankern, als das beim Vorgänger gelang. Das hat zwar zur Folge, dass das Publikum weniger von Helena Bonham-Carter als Enolas Mutter zu sehen bekommt, dafür sind ihre wenigen Auftritte allesamt etwas Besonderes und wirken daher spritziger als im Vorgänger.

Der Cast macht Spaß

Im Zentrum steht natürlich auch diesmal wieder Millie Bobby Brown als Enola Holmes. Und nicht nur ihr Charakter im Film ist gereift, auch die 18-jährige ist mittlerweile in den Feinheiten ihres Spiels stärker geworden. So reicht diesmal statt einem minutenlangen Monolog ans Publikum oft schon ein Blick oder ein Lächeln aus, um die Botschaft zu transportieren. Ein Umstand, der das Durchbrechen der vierten Wand deutlich bekömmlicher macht als noch in Teil eins. Bot der auch immer wieder Szenen, in denen die Heldin Zuschauern auf die Nerven ging, so fügt sich der Charakter im zweiten Teil deutlich besser in die Story ein. Und so wirkt Enola Holmes 2 sehr viel mehr aus einem Guss als das erste Abenteuer der jungen Detektivin mit der familiären Vorbelastung in Sachen Verbrechensaufklärung.

Henry Cavill, der hier mehr Zeit vor der Kamera bekommt, bleibt hingegen für Holmes-Puristen ein Grauen. Viel zu muskulös, nicht distinguiert genug und deutlich zu emotional für den Sherlock Holmes der literarischen Vorlage dürfte er allerdings bei der Kernzielgruppe des Films umso besser ankommen. Sam Claflins Mycroft Holmes hingegen kommt im zweiten Teil gar nicht vor – und wird als Charakter auch nicht vermisst. Weitere Versuche seinerseits, seine kleine Schwester in ein Internat zu stecken, hätte die Story wirklich nicht benötigt. Louis Partridge hingegen, der erneut Enolas Love-Interest Tewkesbury spielt, überzeugt erneut mit seiner Mischung aus verantwortungsvollem Adligen und leicht trotteligem Kavalier.

Mit David Thewlis hat sich Bradbeer einen überzeugenden Schurken geholt. Der hat vielleicht ein wenig zu viel Spaß am Grimassen schneiden entwickelt. Aber seinen Part als undurchsichtiger Polizist füllt er dennoch gut aus. Natürlich ist auch Enola Holmes 2 ein reiner Unterhaltungsfilm, dem es in erster Linie auf leichte Unterhaltung ankommt. Und der auch mit der Story der Buchvorlage nur wenig am Hut hat. Wer den ersten Film gar nicht mochte, wird auch hier sicher nicht glücklich. Dennoch stellt Enola Holmes 2 in fast jeder Hinsicht eine Verbesserung zum ersten Teil dar und übertrumpft ihn in Sachen Humor und Action. Für einen schönen Familienabend vor dem Fernseher eine gute Wahl!

Fazit:

Enola Holmes 2 ist seinem Vorgänger auf allen Ebenen überlegen. Die Story ist besser, sie kommt deutlich schneller in Tritt. Und sie ist sehr viel fokussierter als die Geschichte des ersten Films. Zudem fühlt sich Millie Bobby Brown in der Titelrolle im zweiten Versuch offensichtlich deutlich heimischer und wohler – und das strahlt auf das Publikum aus. Und so ist der Film eine gelungene Abenteuer-Detektiv-Story mit historisch korrektem Kern, ordentlichen Schurken und einem gut eingefangenen, wenn auch nicht immer realistischen Zeitkolorit. Mit gut zwei Stunden ist auch Teil 2 ein wenig zu lang. Er unterhält aber über weite Strecken ebenso amüsant wie leichtfüßig. Auf diesem Niveau darf gern noch ein dritter Teil folgen.

Enola Holmes startet am 4. November 2022 bei Netflix.

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Die Handlung

Im Jahr 1953 läuft Christies Stück Die Mausefalle bereits ein Jahr erfolgreich in einem Londoner Theater und Hollywood hat angeklopft, um das Werk zu verfilmen. Dazu hat der Produzent neben dem Drehbuchautor Mervyn (David Oyelowo) auch den umstrittenen Regisseur Leo Köpernick (Adrien Brody) eingestellt. Doch der ist mehr hinter Frauen und Drogen her als hinter einem guten Film und macht nicht nur dem Autoren das Leben zur Hölle. Als er dann auf der Bühne entdeckt wird, die Zunge wurde ihm posthum entfernt, wird die Londoner Polizei aktiv – in Form von Inspector Stoppard (Sam Rockwell) und der Streifenpolizistin Stalker (Saoirse Ronan).

Während Stoppard sich mehr für seinen nächsten Drink als den Mörder interessiert, ist Constable Stalker Feuer und Flamme für den Job und bemüht sich, sämtliche Spuren und Aussagen in ihrem Notizbuch festzuhalten. Gemeinsam dringt das Duo schließlich tiefer in die Gemengelage von Cast und Machern ein und stellt schnell fest, wie erstaunlich viele Mitwirkende an Die Mausefalle ein starkes Motiv aufweisen. Denn wie sich herausstellt, war Köpernick sogar ein noch schlimmerer Mensch als die meisten seiner Kollegen dachten. Und so wird der Fall für Stoppard und Stalker belad ein echter Dschungel aus Hinweisen und Gerüchten, in den sogar Agatha Christie persönlich noch involviert wird …

Sanfte Comedy mit Krimi-Kern

Was genau wollten Regisseur Tom George und Drehbuchautor Mark Chappell mit See How They Run eigentlich erzählen? Eine echte, spannende Mörderjagd? Eine Komödie über die Suche nach einem Killer? Oder doch eine Parodie auf das Krimi-Genre an sich? So ganz klar wird das auch beim Ansehen des Films nicht. Denn die meisten Figuren sind für einen ernsthaften Krimi deutlich zu überzeichnet, allerdings auch nicht so albern, dass man von einer Parodie ausgehen müsste. So kommt das Publikum vermutlich zu dem Urteil, hier einer komödiantischen Mörderjagd beizuwohnen. Und dagegen ist bei einer Qualität wie hier auch gar nichts einzuwenden. Denn die Schauspieler hatten offensichtlich großen Spaß an ihren Rollen.

Schon Mordopfer Adrien Brody überzeugt in seinem wenigen Szenen bis zum Tod mit wundervoll übersteigertem Ego und grandios schlechten Manieren. Den Vogel schießt aber das Ermittlerpaar Rockwell und Ronan ab. Während er als desillusioniertes und abgewracktes Scheidungsopfer ohne Antrieb durch den Tag mäandert, ist Ronan als Kollegin das Gegenteil. In einer exakt durchgeplanten und anvisierten Karriereplanung ist dieser Fall für sie das perfekte Sprungbrett für höhere Aufgaben. Leider hat Stalker neben großer Gewissenhaftigkeit und aufopfernder Pflichterfüllung auch einen fatalen Hang zu voreiligen Schlussfolgerungen. Aus diesen Figuren machen Rockwell und Ronan im Zusammenspiel ein Feuerwerk wundervoller kleine Momente und Gags.

Aus der Mitte entspringt ein wenig Langeweile

Das gilt für die Filmhandlung leider nur bedingt. Denn nach starkem Auftakt versinkt die Mordermittlung ein wenig im Mittelmaß. Das Abklappern eines Verdächtigen nach dem anderen ist wenig elegant erzählt und sorgt dafür, dass See How They Run in der Mitte seiner 100 Minuten Laufzeit ein wenig durchhängt. Erst im Finale findet der Film zur Anfangsstärke zurück, dazwischen sind es hauptsächlich die Schauspieler, die für Spaß sorgen und die mitunter wenig interessante Handlung ausgleichen können. Zudem sind manche Rollen auch derart klein, dass selbst Könner wie Ruth Wilson oder Harris Dickinson, der den großen Richard Attenborough in jungen Jahren spielt, nicht wirklich glänzen können.

Allerdings muss man dem Plot zugute halten, dass er trotz aller humoristischen Einlagen eine klassische Mördersuche zum Mitmachen anbietet. Die Ermittler wissen nie mehr als das Publikum, daher begegnen sich beide auf Augenhöhe. Ob man das Motiv des Killers am Ende überzeugend findet, das ist sicher Geschmackssache. Das Finale im haus der berühmten Autorin bietet jedenfalls beste Unterhaltung mit leicht morbidem britischen Humor und versöhnt mit der kreativen Pause im Mittelteil. Dazu kommt die jederzeit überzeugende Ausstattung des Films, die das Ambiente des Londons der 50er Jahre lebendig macht. Wer sich mit der Kombination aus Humor und Krimi anfreunden kann, ist in See How They Run jedenfalls gut aufgehoben, auch wenn es nicht der ganz große Wurf geworden ist.

Und noch ein interessanter Fakt zum Schluss. Obwohl Die Mausefalle das am längsten laufende Theaterstück der Welt ist, gab es, bis auf eine deutsche TV-Produktion in den 50er Jahren, tatsächlich nie eine Filmumsetzung des Stoffes. Ob das daran liegt, dass Hollywood warten muss, bis das Stück nicht mehr aufgeführt wird – so war es in den 40er Jahren bei „Arsen und Spitzenhäubchen“ – oder kein Interesse am Stoff besteht, ist allerdings nicht bekannt.

Fazit:

See How They Run bietet einen netten, wenn auch nicht übertragenden Krimiplot, glänzt aber durch seine Darsteller. Sowohl Sam Rockwell als auch Saoirse Ronan spielen wundervoll komische Polizeibeamte, die mit ihrem kauzigen Charme so manch Länge im Plot überspielen können, wenn auch nicht vollständig. Aber einen tollen Auftakt und ein gelungenes Finale halten den Film dann doch ordentlich zusammen. Das dürfte vor allem Zuschauern Spaß machen, die sich Hercule Poirot manchmal ein wenig humorvoller wünschen. Und mit einem klassischen Whodunit-Plot etwas anfangen können. Mitraten ist hier erlaubt, Spaß macht der Film aber auch ohne detektivische Anstrengungen. Dass man in 50 Jahren noch über den Film spricht, ist aber zweifelhaft.

See How They Run startet am 27. Oktober 2022 in den deutschen Kinos.

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