Die Handlung

Maddie (Jennifer Lawrence“ ist schon über 30 und hält sich noch immer mit Gelegenheitsjobs über Wasser. Männer wechselt sie oft schneller als Unterwäsche und wenn es doch mal einer länger mit ihr aushält, bereut er das schnell. Auch Gary (Ebon Moss-Bachrach) geht es so, als er Maddies Auto beschlagnahmen muss, weil sie die Grundteuer auf ihr Haus nicht bezahlt hat. Denn der gut gebaute Adonis, den Maddie als ihren Cousin ausgibt, entpuppt sich schnell als neuer Lover, so dass Gary keine Gnade zeigt. Weil Maddie eigentlich als Uber-Fahrerin das meiste Geld verdient, muss dringend ein neues Auto her. Da kommt eine sehr schräge Kleinanzeige gerade recht.

Ein reiches Paar sucht eine Frau, die ihren Sohn Percy (Andrew Barth Feldman) aus seinem Schneckenhaus herausholt und ihm erste sexuelle Erfahrungen ermöglicht. Als Preis loben die Eltern ein gebrauchtes Auto aus. Maddie fackelt nicht lange und bewirbt sich auf den Job. Erst sind Percys Eltern von ihrem Alter abgeschreckt, doch Maddie hat überzeugende Argumente. Und so wirft sich Maddie bald mit Feuereifer in die neue Aufgabe, Percy von seiner Jungfräulichkeit zu befreien. Allerdings muss sie bald feststellen, dass der sensible und leicht schräge Junge ihren Reizen auf die Holzhammermethode nicht so leicht verfällt. Tatsächlich möchte er Maddie besser kennenlernen, bevor er mit ihr Sex will. Doch Maddie rennt die Zeit weg, denn die Steuern werden fällig …

Trailer zeigt nur die halbe Wahrheit

No Hard Feelings ist einer dieser Filme, bei dem man nach Ansicht des Trailers nur die halbe Wahrheit kennt. Denn die Szenen dort stammen alle aus der ersten Hälfte des Films. Der erfüllt den Anspruch zotigen, schlüpfrigen Humors durchaus und sorgt auch für einige Lacher, selbst wenn nicht jeder Gag sitzt. Die erste Stunde erinnert dennoch sehr stark an dir frühen Filme der Farrelly-Brüder wie etwa „Verrückt nach Mary“. Mit übertriebenem Drang, dahin zu gehen, wo es so richtig peinlich wird, arbeitet auch Stupnitzky in den frühen Szenen, schließlich gilt es zunächst, Jennifer Lawrences Charakter Maddie als wenig liebenswerte und durchtriebene Egoistin darzustellen.

Das fällt dem Publikum aber bereits zu Anfang recht schwer. Denn Lawrence ist einfach liebenswert, selbst wenn sie einige fiese Dinge tut. Und das Drehbuch lässt auch bald durchblicken, dass Maddie für ihr Verhalten wohl ihre Gründe hat. Natürlich wird das nicht tiefgehend thematisiert, schließlich ist Nor Hard Feelings eine Komödie und kein Psychogramm. Aber es wird doch deutlich, dass die junge Frau ihre Gründe hat, warum sie ist, wie sie ist und tut, was sie tut. Und dafür nimmt Lawrcence so einiges auf sich. Ob eine skurrile Nacktszene oder anzügliche Bewegungen und Witze, man glaubt der Schauspielerin alles. Was daran liegen mag, dass sie sich seit Beginn ihrer Karriere in Interviews und Talkshows als unfassbar lustige Frau präsentiert hat. Dass sie viel für eine gute Pointe tut, ist also keine Überraschung.

Von Sex-Zoten zu Gefühl

Überraschender dürfte für manche hingegen sein, dass trotz der Farrelly-Attitüde, die Protagonisten möglichst häufig bis ins Schmerzhafte lächerlich zu machen, Stupnitzkys Film nach einer Stunde langsam in einer andere Richtung abbiegt. Und sich von der derben Zotenkomödie in eine deutlich warmherzigere Dramedy verwandelt. Das kommt nicht gänzlich unerwartet, denn dass Maddie keine so schlechte Person ist wie zu Beginn suggeriert, deutet sich an und ihre Entwicklung ist daher auch nachvollziehbar. Jenifer Lawrence bleibt trotz starker Konkurrenz das Rückgrat des Films, hält No Hard Feelings mit ihrem untrüglichen Gespür für das richtige Gesicht, den richtigen Blick und der richtigen Geste im perfekten Moment am Laufen.

Aber auch Andrew Barth Feldman gebührt Respekt dafür, dass er den durchaus spannenden Charakter des Percy mit so viel Leben erfüllt, dass sein Schicksal den meisten Zuschauern nicht egal bleibt. Und die Figur trotz einiger Peinlichkeiten nie die Würde verliert. Als eigentlicher moralischer Kompass der Story fungiert Feldman souverän und lässt das Publikum durchaus die eine oder andere Szene hinterfragen, statt nur für Lacher zu sorgen. Matthew Broderick und Laura Benanti als Helikopter-Eltern haben zwar nur wenige Szenen, die nutzen sie allerdings ebenfalls, um überzeugende Momente zu schaffen. Und so wird No Hard Feelings nach krudem STart doc h noch so etwas wie eine Rom-Com, die allerdings den Mut hat, manche Dinge nicht geschehen zu lassen.

Fazit:

Ein Meilenstein ist No Hard Feelings sicher nicht geworden. Aber Jennifer Lawrence darf hier eindrucksvoll ihr komödiantisches Talent zeigen. Und auch mal dahingehen, wo es wehtut. Regisseur und Mit-Autor Gene Stupnitzky wandelt sichtbar in den Spuren alter Farrelly-Filme, findet zum Ende hin aber immer mehr eine eigene Stimme. Und die erzählt offenkundig lieber anrührende, schöne Geschichten als derbe Zoten. So zerfällt der Film etwas in zwei Hälften. Die erste ist die lustigere, die zweite ist die bessere. Denn auch, wenn die Pointendichte in der zweiten Hälfte sinkt, steigt dafür der emotionale Impact der Figuren. Und damit auch die Qualität und Hintersinnigkeit des Humors.

No Hard Feelings startet am 22. Juni 2023 in den deutschen Kinos.

Der Beitrag Filmkritik: No Hard Feelings erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Die Zukunft. Der Mond ist mittlerweile besiedelt, dort werden in Minen wichtige Rohstoffe gewonnen. Außerdem geht von dort der Flug über 75 Jahre zur neuen Kolonie in den Tiefen des Alls, den die Kolonisten im Tiefschlaf verbringen. Auch der junge Caleb (Isaiah Russell-Bailey) wird auf dem nächsten Flug dabei sein, weil er nicht nur vor Jahren seine Mutter, sondern auch vor einigen Tagen seinen Vater bei einem Unfall verloren hat und damit einen Neustart bekommen soll. Doch vorher muss der Junge unbedingt noch etwas erledigen. Sein Vater hatte ihm immer wieder vom Lieblingsplatz der Mutter erzählt und ihm versprochen, diesen Ort mit ihm auszusuchen, bevor er den Mond verlassen würde.

Caleb will unbedingt diesen Krater besuchen, bevor er das heimatliche Sonnensystem für immer verlässt. Und dazu braucht er die Hilfe seiner Freunde, denn allein darf er natürlich nicht hinaus auf die Mond0berfläche, um einen ganzen Tag lang mit einem Mond-Rover zu einem weit entfernten Mondkrater zu fahren. Und so bezirzt Dylan (Billy Barratt) die frisch von der Erde eingetroffene Addison (McKenna Grace), um an einen Code zu kommen, der die Tore der Mondbasis lange genug öffnet, um mit dem Fahrzeug aufbrechen zu können. Die besteht im Gegenzug allerdings darauf, die Jungs zu begleiten. Und so machen sich kurze Zeit später fünf Jugendliche auf den Weg zu einem weit entfernten Ort, der für Calebs Eltern so wichtig war …

Gutes Script – guter Film?

Das Drehbuch zu Crater hatte Autor John Griffin bereits 2015 verfasst. Seitdem stand es auf der so genannten Black List in Hollywood, was schlimmer klingt, als es ist. Denn diese Black List ist nichts Schlechtes, sondern sammelt die besten bislang unverfilmten Scripts der Traumfabrik. Ordentliche Vorschusslorbeeren also für das Projekt, das schlussendlich bei Disney+ landete. Den Regiejob übernahm Kyle Patrick Alvarez, der zuletzt vor allem als Serien-Regisseur aktiv war, unter anderem für „13 Reasons Why“. Hat er mit dem starken Drehbuch etwas anfangen können? Absolut! Auch wenn die Trauben im Vergleich zu Stand By Me definitiv zu hoch hängen, so gelang Alvarez dennoch ein ansehnliches Coming of Age-Drama, das für Disney-Verhältnisse recht melancholisch ausfällt.

Das liegt aber nur zum Teil an der Story, die eher in Details und den Dialogen überzeugt als in der Erzählung. Denn hier ist die Ähnlichkeit zum großen Vorbild am deutlichsten und der Film hat trotz starker Optik der Mondlandschaft am wenigsten Neues zu bieten. Besser macht es Griffin bei der Charakterzeichnung seiner jungen Helden. Der kämpferische Waisenjunge Caleb, die zur Zickigkeit neigende Addison und der lebenslustige, aber auch höchste empathische Dylan erweckt Griffin durch solide und und teilweise richtig starke Szene zum Leben. Allerdings bleiben die beiden restlichen Mitglieder der Gruppe dafür eher Stichwortgeber und sorgen für den typischen Sidekick-Humor, als dass sie viel zur Handlung beitragen würden. Im Fokus steht das Trio.

Junge Stars, die überzeugen

Und dieses Trio wird von den jungen Darstellern stark verkörpert. Isaiah Russell-Bailey ist als trauernder Anführer der kleinen Gruppe eine perfekte Besetzung, weil er das Publikum in der ersten Szene bereits von sich einnimmt – und nicht mehr loslässt. Die erfahrene McKenna Grace („Ghostbusters Legacy„, „Spuk in Hill House„) ist so gut wie immer und spielt sich als einzige weibliche Figur fast spielend in die Herzen junger Zuschauer. Aber Billy Barratt, der bereits in der Apple-Serie „Invasion“ sehr überzeugend war, ist der heimliche Star des Films. Er steht am ehesten für die Rolle, die River Phoenix in Stand By Me innehatte und spielt sie großartig. Die meisten Szenen, in denen er ein wenig Text hat, gehen an ihn.

Dass Crater nicht ganz an Stand By Me herankommt, liegt sicher nicht an seinen Darstellern. Vielmehr bleibt der Film im Kern ein Disney-Projekt für ein jüngeres Publikum – und das war Rob Reiners Film eben nicht. Zwar geht es auch hier einmal spannend zu, aber die Tiefe, die Kings Geschichte über das Ende der Kindheit birgt, erreicht Crater nicht. Denn die dazu nötigen dunkleren Aspekte sind hier schlicht nicht zu finden. Allerdings schwingt auch hier von Beginn an eine leichte Schwermut mit, die der Film bis zum Ende halten kann, was neben der Handlung der Hauptgrund für die Vergleiche mit Stand By Me sein dürften. Dass Crater hier auf Zuckerguss verzichtet, ist dem Film hoch anzurechnen. Und die letzten Minuten werden nah am Wasser gebaute Zuschauer garantiert erwischen.

Fazit:

Nein, mit dem großartigen Stand By Me kann es die neue Disney-Produktion Crater nicht ganz aufnehmen, aber in manchen Momenten kommt er der großen Vorlage doch relativ nah. Die Geschichte vom Waisen, der mithilfe seiner Freunde den letzten Wunsch seines Verstorbenen Vaters umsetzt, ist manchmal unerwartet witzig, um kurze Zeit später wieder in andere Emotionen zu kippen. Dank seiner guten Darsteller gelingt ihm das auch glaubwürdig. Und so ist die Odyssey fünf Jugendlicher auf dem Mond eine durchgehend unterhaltsame und manchmal sogar packende Reise geworden, auch wenn hier eine deutlich jüngere Zielgruppe im Fokus steht als es bei der King-Verfilmung der Fall war. Und gut getrickst ist das Ganze auch noch. Als Familienfilm am Sonntag definitiv eine Empfehlung!

Crater startet am 12. Mai 2023 bei Disney+.

Der Beitrag Filmkritik: Crater erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Viele Jahre sind vergangen, seit die Helden um Willow (Warwick Davis), Madmartigan und Sorsha (Joanne Whalley) die böse Königin Bavmorda besiegten und die künftige Herrscherin Elora, damals noch ein Baby, vor dem Tod retten konnten. Inzwischen ist Sorsha Königin und hat zwei Kinder mit dem seit Jahren verschollenen Madmartigan: die tapfere Kit (Ruby Cruz) und den Weiberhelden Airk (Dempsey Bryk). Als Kit um des Staates willen Graydon (Tony Revolori) heiraten soll, den Prinzen des Nachbarreiches, will sie fliehen. Denn sie vertreibt sich die Zeit viel lieber mit ihrer besten Freundin Jade (Erin Kellyman, „The Falcon and the Winter Solider“), die als erste Frau Ritter des Reiches werden will.

Doch die Nacht, in der Kit eigentlich fliehen will, verändert alles. Denn die Burg führt von dunklen magischen Kreaturen attackiert. Und Airk vor den Augen von Mutter und Schwester entführt. Um ihren Bruder zu retten, stellt Kit eine Gruppe zusammen, zu der sich der Krieger Boorman (Amar Chadha-Patel), Jade und Graydon gesellen. Sorsha besteht darauf, dass sich Kit auch die Hilfe von Willow holt, dem größten noch lebenden Magier, so dass ihr erstes Reiseziel feststeht. Was keiner weiß: Auch die Küchenmagd Dove (Ellie Bamber), die sich unsterblich in Airk verliebt hat, schließt sich heimlich der Gruppe an. Und verfolgt die kleine Schar, um den Prinzen zu retten. Als die Helden endlich auf Willow treffen, erleben sie jedoch eine faustdicke Überraschung …

Empfehlung: Vorher den Film sehen!

Gleich vorweg: Ja, man sollte den Originalfilm kennen, um die Serie zu verstehen. Zwar erklärt sich die Handlung weitgehend von selbst. Aber viele Details, Anspielungen und Wiedersehen entfalten ihre Wirkung nur dann so richtig, wenn der Anfang der Story bekannt ist. Und dann fallen auch die großen Unterschiede zwischen den beiden gleichnamigen Stoffen auf. Der Film war ein klassischer Fantasyfilm mit ein wenig Humor und aus heutiger Sicht mäßigen Effekten. Die Serie erzählt im Prinzip die Geschichte nach vielen Jahren weiter, entwickelt sich aber zügig vom reinen Fantasy-Stoff hin zur für die Zeit so typischen Teenager-Coming-of-Age-Herzschmerz-Dramedy. Das wird garantiert nicht jedem gefallen, der sich als Fan des Films nun die Serie ansieht.

Obwohl die Serie sicher ein größeres Budget hatte, erinnert Willow ein wenig an die vor einigen Jahren gestartete Serie „The Shannara Chronicles„, die inhaltlich natürlich Parallelen aufweist, immerhin ist auch sie klassische High-Fantasy, aber eben auch ein Liebesdreieck und viel Teenie-Gezicke einbaute. Zudem erzählen beide Serien die Reise von Station zu Station recht ähnlich. Und lassen zum Ausklang einer Folge gern einen Cliffhanger da. Willow kann hier eindeutig mit dem höheren Produktionsaufwand punkten, ist in Sachen Drehbücher aber nicht wirklich besser. Weil auch die Figuren, bei allen durchaus spürbaren Bemühungen der Autoren, trotzdem weitgehend Klischees bleiben und kaum aus ihren vorgefertigten Rollen ausbrechen können.

Klischees, die sich nicht zu ernst nehmen

Da ist die rebellische Prinzessin, die junge Kriegerin, der gar nicht so fähige Magier, der Bandit mit dem goldenen Herzen und vieles mehr, was man in solchen Serien eben schon häufig gesehen hat. Das Rad erfindet Willow wahrlich nicht neu. Dass die Serie aber trotz der angesprochenen Kritikpunkte Spaß macht, liegt an Details. So stimmt die Chemie in der Gruppe, hier spielen die Schauspieler wirklich mit- und nicht gegeneinander. Dazu bauten die Autoren immer wieder nette Anspielungen auf den Kinofilm ein. Und sie brechen unerwartet immer wieder vorher aufgebaute Klischees, wenn auch nicht bei den Hauptfiguren, und verbreiten auch regelmäßig einen schönen Humor, der die Serie auflockert, bevor es zu ernst oder getragen werden kann.

So bringt Willow für Fantasy-Fans viele Ähnlichkeiten mit Dungeons & Dragons mit und erinnert auch ein wenig an die großartige Trickfilm-Serie „Ex Machina“, wenngleich sie Disney-typisch stets oberhalb der Gürtellinie bleibt. Aber das Gefühl, wenn man als Teil einer Heldengruppe ein dunkles Verlies betritt und mit allem rechnen muss, das haben die Macher um Showrunner Jonathan Kasdan, Sohn von Lawrence Kasdan („Das Imperium schlägt zurück“), sehr gut eingefangen. Und das bringt auch den meisten Spaß in einer inhaltlich eher konservativen Serie. Die zwar durchaus im Details hübsche Ideen mitbringt, aber letztlich in sehr ausgetretenen Pfaden wandelt.

Vergleiche mit anderen großen Fantasy-Serien wie „Die Ringe der Macht“ oder „Game of Thrones“ verbieten sich, denn beides will Willow gar nicht sein. Und wer solche K0st erwartet, dürfte von dem locker-leichten Ton auch nicht abgeholt werden. Die acht Folgen der ersten Staffel, von denen Disney sieben vorab zur Verfügung stellte, wollen vor allem eins: eine junge, vorwiegend weibliche Zielgruppe ansprechen und die gut unterhalten. Ältere Fans des Films freuen sich über das eine oder andere Wiedersehen. Auch wenn Val Kilmer aufgrund seiner Erkrankung nicht dabei sein konnte. Und wer Fantasy mag, kann sich zumindest auf eine überdurchschnittliche Serie freuen, die ordentlich getrickst und gespielt ist.

Fazit:

Der ganz große Wurf ist Willow 34 Jahre nach dem gleichnamigen Kinofilm leider nicht geworden. Dafür stellen die Autoren die jugendlichen neuen Helden zu sehr in den Vordergrund. Und bauen Liebesdramen ein, die es so sicher nicht gebraucht hätte – schon gar nicht in der klassischen High-Fantasy-Serie. Aber der mitunter unerwartet bissige Humor entschädigt ebenso wie das tolle Zusammenspiel der Schauspieler, die wirken wie eine verschworene Dungeons & Dragons-Gruppe. Obwohl sich die Serie klar an ein junges Publikum richtet, kommen die älteren Fans des Films durch kluge Platzierungen von bekannten Orten und Figuren auf ihre Kosten. Für lange Winterabende ist Willow jedenfalls gut geeignet, solange man die Ansprüche nicht zu hoch hängt.

Willow startet am 30. November 2022 bei Disney+ mit zwei Folgen, danach folgt wöchentlich eine weitere.

Der Beitrag Serienkritik: Willow erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Seit Sherlock Holmes (Henry Cavill) seine kleine Schwester als Mündel angenommen hat, um ihre Bruder Mycroft vom Hals zu schaffen, sind einige Monate vergangen. Enola (Millie Bobby Brown) möchte sich als Detektivin im London des späten 19. Jahrhunderts etablieren. Doch keiner der potenziellen Klienten nimmt die junge Frau ernst. Und so will Enola eigentlich schon aufgeben, als ein Mädchen namens Bessy (Serrana Su-Ling Bliss) bei ihr auftaucht, und sie um Hilfe bei der Suche nach ihrer verschwundenen Schwester Sarah bittet. Ehrensache, dass Enola die Kleine nicht abweist und so ist sie wenig später bereits auf Spurensuche in der gemeinsamen Wohnung der Schwestern.

Kurze Zeit später inspiziert Enola dann als Arbeiterin verkleidet die Streichholz-Fabrik, in der sowohl Sarah als auch Bessy arbeiten. Und findet dort sowohl erste Indizien als auch Verdächtige, was das Verschwinden der jungen Frau angeht. Währenddessen ist auch ihr Bruder Sherlock nicht untätig, er sucht nach verschwundenem Geld aus der Staatskasse. Natürlich laufen sich die Geschwister bei ihren jeweiligen Ermittlungen schließlich über den Weg. Leider unter unschönen Bedingungen. Denn im Rahmen ihrer Ermittlungen findet sich Enola plötzlich auf der falschen Seite wieder. Statt als Detektivin gilt sie als dringend tatverdächtig in einem Mordfall. Da kann nur noch die Familie helfen …

Fehler nicht wiederholt

Der erste Film war zwar auf Netflix ein Erfolg, hatte aber seine Schwächen. Die Mischung aus feministischer Botschaft und Kriminalfall funktionierte nicht durchgehend. Immer wieder nahmen sich flammende Reden für Frauenrechte und Aufklärung des Verbrechens gegenseitig den Platz weg und bremsten den Film aus. Auch Enolas sehr regelmäßiges Durchbrechen der vierten Wand, um dem Publikum zu erklären, was es gerade gesehen hatte, war mitunter etwas mühsam mit anzusehen. All das macht Enola Holmes 2 deutlich besser als sein Vorgänger. Denn Regie-Rückkehrer Harry Bradbeer, der vorher hauptsächlich Serienfolgen inszenierte, hat aus den Fehlern des ersten Films gelernt. Zudem spart er auch durch die nicht mehr notwendige  Einführung der wichtigen Charaktere eine Menge Zeit.

Und die steckt Bradbeer diesmal hauptsächlich in die Krimihandlung des Films, ohne deshalb den Kampf der Frauen um mehr Rechte, auch diesmal ein zentrales Thema des Films, zu vernachlässigen. Das bringen Bradbeer und Drehbuchautor Jack Thorne (der auch Teil eins schrieb), diesmal aber besser und schneller auf den Punkt, nutzen dabei sogar historische Fakten, um die Handlung stärker in der Realität zu verankern, als das beim Vorgänger gelang. Das hat zwar zur Folge, dass das Publikum weniger von Helena Bonham-Carter als Enolas Mutter zu sehen bekommt, dafür sind ihre wenigen Auftritte allesamt etwas Besonderes und wirken daher spritziger als im Vorgänger.

Der Cast macht Spaß

Im Zentrum steht natürlich auch diesmal wieder Millie Bobby Brown als Enola Holmes. Und nicht nur ihr Charakter im Film ist gereift, auch die 18-jährige ist mittlerweile in den Feinheiten ihres Spiels stärker geworden. So reicht diesmal statt einem minutenlangen Monolog ans Publikum oft schon ein Blick oder ein Lächeln aus, um die Botschaft zu transportieren. Ein Umstand, der das Durchbrechen der vierten Wand deutlich bekömmlicher macht als noch in Teil eins. Bot der auch immer wieder Szenen, in denen die Heldin Zuschauern auf die Nerven ging, so fügt sich der Charakter im zweiten Teil deutlich besser in die Story ein. Und so wirkt Enola Holmes 2 sehr viel mehr aus einem Guss als das erste Abenteuer der jungen Detektivin mit der familiären Vorbelastung in Sachen Verbrechensaufklärung.

Henry Cavill, der hier mehr Zeit vor der Kamera bekommt, bleibt hingegen für Holmes-Puristen ein Grauen. Viel zu muskulös, nicht distinguiert genug und deutlich zu emotional für den Sherlock Holmes der literarischen Vorlage dürfte er allerdings bei der Kernzielgruppe des Films umso besser ankommen. Sam Claflins Mycroft Holmes hingegen kommt im zweiten Teil gar nicht vor – und wird als Charakter auch nicht vermisst. Weitere Versuche seinerseits, seine kleine Schwester in ein Internat zu stecken, hätte die Story wirklich nicht benötigt. Louis Partridge hingegen, der erneut Enolas Love-Interest Tewkesbury spielt, überzeugt erneut mit seiner Mischung aus verantwortungsvollem Adligen und leicht trotteligem Kavalier.

Mit David Thewlis hat sich Bradbeer einen überzeugenden Schurken geholt. Der hat vielleicht ein wenig zu viel Spaß am Grimassen schneiden entwickelt. Aber seinen Part als undurchsichtiger Polizist füllt er dennoch gut aus. Natürlich ist auch Enola Holmes 2 ein reiner Unterhaltungsfilm, dem es in erster Linie auf leichte Unterhaltung ankommt. Und der auch mit der Story der Buchvorlage nur wenig am Hut hat. Wer den ersten Film gar nicht mochte, wird auch hier sicher nicht glücklich. Dennoch stellt Enola Holmes 2 in fast jeder Hinsicht eine Verbesserung zum ersten Teil dar und übertrumpft ihn in Sachen Humor und Action. Für einen schönen Familienabend vor dem Fernseher eine gute Wahl!

Fazit:

Enola Holmes 2 ist seinem Vorgänger auf allen Ebenen überlegen. Die Story ist besser, sie kommt deutlich schneller in Tritt. Und sie ist sehr viel fokussierter als die Geschichte des ersten Films. Zudem fühlt sich Millie Bobby Brown in der Titelrolle im zweiten Versuch offensichtlich deutlich heimischer und wohler – und das strahlt auf das Publikum aus. Und so ist der Film eine gelungene Abenteuer-Detektiv-Story mit historisch korrektem Kern, ordentlichen Schurken und einem gut eingefangenen, wenn auch nicht immer realistischen Zeitkolorit. Mit gut zwei Stunden ist auch Teil 2 ein wenig zu lang. Er unterhält aber über weite Strecken ebenso amüsant wie leichtfüßig. Auf diesem Niveau darf gern noch ein dritter Teil folgen.

Enola Holmes startet am 4. November 2022 bei Netflix.

Der Beitrag Filmkritik: Enola Holmes 2 erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

2003 in einer Kleinstadt in Neu England. Der junge Craig, der früh seine Mutter verlor und allein mit seinem Vater lebt, fällt beim Vorlesen in der Kirche dem Milliardär Johan Harrigan (Donald Sutherland) auf. Denn der sucht jemanden, der ihm Werke der Weltliteratur vorliest, die Harrigan aufgrund seiner schlechten Augen nicht mehre allein lesen will oder kann. Der Junge willigt ein und besucht nun Mr. Harrigan dreimal in der Woche, um ihm Bücher vorzulesen. Das geht viele Jahre so, mittlerweile ist Craig (Jaden Martell) in die Highschool. Neben seinem Lohn bekommt er auch viermal im Jahr zu besonderen Feiertagen einen Brief von Mr. Harrigan, in dem immer ein Los enthalten ist. Und zu Weihnachten gewinnt eines dieser Lose tatsächlich 3000 Dollar.

Weil Craigs größter Wunsch, ein iPhone, bereits von seinem Vater erfüllt wurde, beschließt Craig, Mr. Harrigan auch eines zu kaufen. Zuerst ist der alte Mann sehr abwehrend. Doch als Craig ihm zeigt, dass der Dinge wie Börsenkurse und Wirtschaftsnachrichten in Echtzeit lesen kann, entwickelt Mr. Harrigan bald reges Interesse an dem kleinen Smartphone. Als der Milliardär schließlich nach einem langen Leben stirbt, ändert sich auf für Craig vieles. Denn durch eine spontane Idee am Grab seines Freundes hat der Schüler plötzlich einen ganz besonderen Draht zu einer dunklen Macht, mit der er nicht gerechnet hatte. Doch was fängt er nun damit an?

Nicht die stärkste Vorlage

Stephen King hat in seiner langen Karriere einen Wandel vollzogen. Waren es zu Beginn hauptsächlich die Story-Ideen, die sich von anderen Autoren abhoben und ihn zum „König des Horrors“ machten, so hat sich im Lauf der zeit sein Stil so weiterentwickelt, dass er von manchen Kritikern inzwischen als großer Erzähler und Chronist des US-Kleinstadtlebens anerkannt wird. Viele seiner jüngeren Romane und Erzählungen leben mehr von seiner brillanten Schreibe als von den hochoriginellen Ideen. Zudem verabschiedete sich King auch immer mehr von reinen Horror-Storys und schreibt mittlerweile auch Krimis, Fantasy-Sagas und immer wieder auch Coming-of-Age-Geschichten. Das begann bereits mit „Carrie“ und hat den 75-jährigen bis heute als Thema nie ganz verlassen.

Mr. Harrigans Phone ist so eine Coming-of Age-Geschichte. Denn als Horror-Story, von Netflix selbst mit frei ab 12 Jahren versehen, wird der Film wohl kaum jemandem den Schlaf rauben. Allzu harmlos ist die Story, allzu wenig passiert in den 105 Minuten. Denn die lange Kurzgeschichte ist erst 2020 erschienen und lebt von der Art, wie King sie erzählt und nicht von dramatischen Ereignissen oder gar Schockmomenten. Und so dürften sich reine Horrorfans schon in den ersten 30 Minuten von dieser Verfilmung verabschieden. Beinharte King-Fans und Zuschauer, die mehr für Dramen als für Horror übrig haben, könnten mit Mr. Harrigans Phone aber ganz zufrieden sein.

Grund zum Einschalten: Sutherland

Das liegt auch am starken Cast. Donald Sutherland, inzwischen 87 Jahre alt, spielt den ebenso enigmatischen wie mitunter sogar leicht furchteinflößenden John Harrigan mit all seiner Erfahrung. Und hält das Publikum lange im Unklaren darüber, was von diesem alten Mann wirklich zu halten ist. Und Jaden Martell, der mit „ES“ bereits Erfahrungen mit Stephen King-Stoffen gesammelt hat, spielt den heranwachsenden Craig mit all seinen Gewissensbissen und Gefühlswallungen so glaubhaft und grundsympathisch, dass ihm schnell die Herzen zufliegen. Martell macht den Konflikt greifbar, in dem er sich befindet. Ein wenig wie bei Peter Parker muss er einsehen, dass mit großer Macht auch große Verantwortung kommt.

Regie und Drehbuch übernahm der erfahrene Regisseur und Autor John Lee Hancock und diese Erfahrung merkt man dem Film positiv wie negativ an. Mit großer Routine baut Hancock die Situation spannend auf und beweist auch beim Drehbuch gutes Gespür für Timing und den richtigen Moment, das Publikum zu verunsichern. Aber mehr als routiniert wird es eben auch nie. Hancock erzählt die Geschichte sehr genau nach der Vorlage. Und die wurde in einem Format geschrieben – der sehr langen Kurzgeschichte – aus der bereits ein paar großartige King-Verfilmungen hervorgingen. Ob „Die Verurteilten“, „Stand By Me“ oder „Der Nebel“, alles waren genau diese um die 100 Seiten langen Storys. Aber: Mr. Harrigans Phone ist einfach nicht sonderlich originell oder packend. Und weil sich Hancock so eng daran hält, ist es der Film auch nicht.

Hier fehlen eindeutig filmische Impulse, die der recht harmlosen Geschichte vielleicht noch neue Wendungen oder Aspekte hätten geben können. Doch hier war offenbar die Ehrfurcht vor King zu groß, denn die neueste Verfilmung ist eine ordentlich erzählte, aber insgesamt weitgehend zahme Umsetzung, die den dramatischen Aspekt der Story deutlich über den unheimlichen stellt und die Entwicklung Craigs in den Fokus nimmt. Und das gelingt Hancock auch sehr ordentlich. Ein wenig mehr Thrill hätte es, gerade für King-Fans, aber ruhig sein dürfen.

Fazit:

Mit Mr. Harrigans Phone kommt eine weitere Umsetzung einer Stephen King-Story zu Netflix, von denen bisher keine wirklich Eindruck hinterlassen konnte. Das gilt auch für diesen Film, denn in seiner Konzentration auf den jugendlichen Protagonisten bleiben die ohnehin spärlich gesäten Momente des Horrors in der Vorlage im Film fast komplett auf der Strecke. Einschalten sollten daher eher harte King-Fans, die sich ohnehin jede Adaption des Meisters ansehen. Außerdem Zuschauer, die sich an gutem Schauspiel erfreuen können denn die lebende Legende Donald Sutherland spielt den ambivalenten Namensgeber des Films sehr sehenswert. Insgesamt ist diese Umsetzung aber leider nur ein durchschnittlicher Film geworden.

Mr. Harrigans Phone startet am 5. Oktober 2022 bei Netflix.

Der Beitrag Filmkritik: Mr. Harrigans Phone erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Kamala Khan (Iman Vellani) lebt schon seit ihrer Geburt in Jersey Coty in der Nähe von New York. Aber ihre Familie stammt aus Pakistan und hält mithilfe der muslimischen Gemeinde in der Stadt die alten Traditionen am Leben. Und so darf auch Kamala als 16-jähriges Mädchen lange nicht alles, was ihre gleichaltrigen Schulkameradinnen dürfen. Allerdings liegt das nicht an ihrem Vater Yusuf (Mohan Kapur), der recht entspannt bleibt, sondern an ihrer strengen Mutter Muneeba (Zenobia Shroff). Die trägt noch dunkle Erinnerungen an ihre zeit in der alten Heimat mit sich herum und erlaubt Kamala kein normales US-Teenager-Leben. Für das Mädchen ist das besonders hart, weil sie der größte Fan von Captain Marvel ist und auch die Avengers sehr verehrt.

Doch die große Avenger-Con, die bald in New York stattfindet und auf der Kamala unbedingt den Cosplay-Wettbewerb für Captain Marvel gewinnen möchte, scheint in unerreichbarer Ferne. Denn ihre Mutter hält von knappen Superhelden-Outfits gar nichts. Kamalas bester Kumpel Bruno (Matt Lintz), ein fähiger Bastler und findiger Elektronik-Experte, will Kamala dennoch helfen, ihren Traum zu leben. Zudem empfiehlt er ihr, das Kostüm mit einer persönlichen Note auszustatten. Da kommt der alte Armreif, den ihre Großmutter neulich an sie schickte, doch gerade richtig. Allerdings läuft die Veranstaltung komplett aus dem Ruder, weil sich Kamala direkt auf der Bühne zum ersten Mal in ihrem Leben in eine Superheldin verwandelt …

Sehr frei nach dem Comic

Wie schon häufiger in den vergangenen Jahren dürften Comic-Leser von einer Umsetzung ihrer Lieblingsheldin enttäuscht sein. Und das hat gar nichts mit Hauptdarstellerin Iman Vellani zu tun. Denn im MCU bekommt Kamala Kahn völlig andere Kräfte als in ihrer Heftserie. Statt eine Inhuman mit ähnlichen Kräften wie Mr. Fantastic zu sein, kann Khan im MCU kristalline Strukturen erschaffen und kontrollieren – und scheint das einem magischen Armreif zu verdanken. Abgesehen von dieser großen Änderung hält sich Ms. Marvel aber an die Comic-Story und präsentiert dem Zuschauer die erste muslimische Heldin des MCU. Die hat allerdings mehr mit der ersten Liebe, strengen Eltern und anderen Konflikten zu tun als mit Superschurken. Folgerichtig taucht in den zwei vorab gezeigten Folgen auch gar keiner auf.

Der Bösewicht mit dem Namen Red Dagger wird also wohl erst in der zweiten Hälfte der Staffel in Erscheinung treten. Aber das passt zur deutlich anderen Ausrichtung der Serie im Vergleich zu den anderen Marvel-Shows bei Disney+. Die Kernzielgruppe sind hier eindeutig Teenager, die sich in die Probleme Kalamas prächtig hineinversetzen können. Und den Schwerpunkt setzt die pakistanische Showrunnerin Bisha K. Ali klar auf die Schwierigkeiten, die mit dem Glauben und der Lebensweise der Familie zu tun haben. Die unterschiedlichen Sichtweisen nutzt die Serie allerdings nie zu plumpen Stimmungsmache, sondern zeigt die Probleme zwar mit durchweg leichter Hand auf, aber immer auch mit dem nötigen Respekt vor der anderen Kultur.

Nicht frei von Klischees

Und so weit entfernt von den Sorgen und Nöten anderer Teenager ist Kamala Khan dann auch gar nicht entfernt. Leider schleichen sich dadurch aber auch ein paar Klischees in die Serie. So ist Bruno natürlich heimlich in Kamala verliebt oder zumindest eifersüchtig auf andere Jungs, die ihr Interesse wecken. In der Schule ist sie selbstverständlich eine Außenseiterin, was allerdings bei Marvel seit Jahrzehnten zum beliebten Background für Helden zählt. Zudem ist Kamala auch ein wenig ungeschickt und zerstreut, was gerade in den beiden ersten Folgen ein wenig zu oft im Drehbuch landet und mitunter etwas gezwungen lustig wirkt. Hier setzen die Autoren ein wenig zu sehr auf den Niedlichkeitsfaktor der Hauptdarstellerin und verpassen es, ihr ein wenig mehr spannendes Profil zu verleihen.

Dafür strahlt Vellani mit den bunten Farben der Serie und den immer wieder eingefügten Zeichnungen um die Wette. Das wirkt ein wenig so, als hätte Marvel aus Sorge um mögliche Beschwerden Kamalas Welt besonders farbenfroh gemalt, um jeden Vorwurf religiöser Diskriminierung auszuschließen. Dass Thema ist da und als Rebellin gegen das System haben die Autoren daher Kamalas beste Freundin Nakia (Yasmeen Fletcher) eingeführt, die an Stelle der Heldin um einen angemessenen Platz in der Gemeinde kämpft.

Ob einem Zuschauer Ms. Marvel gefällt oder nicht, hängt weitgehend davon ab, ob er sich auf die neue Serie einlassen und auf Superhelden-Action verzichten kann oder nicht. Denn Kamalas Kräfte sind nur eines von mehreren Themen der ersten Folgen. Und da steht die Lebenssituation der neuen Heldin zu Beginn eher im Fokus als ihre neuen Kräfte. Zudem ist eine klassische Origin-Story wie diese immer auch ein wenig ausgebremst, da die Entstehung ein wenig Vorlauf braucht. Und der gehört nicht unbedingt zu den spannendsten Momenten der gesamten Story. Die Serie könnte also in den weiteren Folgen durchaus noch an Tempo und Action zulegen.

Fazit:

Mit Ms. Marvel begibt sich Marvel im Seriensektor durchaus auf neues Terrain. Und entsprechend vorsichtig agiert das Studio thematisch. Um sich wenig angreifbar zu machen, ist die Showrunnerin eine pakistanische Autorin, dazu sind die ersten beiden Folgen so farbenfroh und leicht inszeniert, wie es nur geht. Dennoch thematisiert Ms. Marvel durchaus die Lebenssituation einer jungen Muslimin in einem traditionellen Haushalt. Es bleibst allerdings abzuwarten, ob die Macher das auch in letzter Konsequenz beibehalten oder hier noch auf einen windschnittigeren Kurs umschwenken. Uneingeschränktes Plus der Serie ist allerdings Hauptdarstellerin Iman Vellani, deren überschäumender Lebensfreude man sich kaum entziehen kann.

Ms. Marvel startet am 8. Juni 2022 mit einer Folge pro Woche bei Disney+.

Der Beitrag Serienkritik: Ms. Marvel erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Kritik zu Staffel 3.

Die Kritik zu Staffel 2.

Die Handlung

Wir schreiben das Jahr 1986. Familie Byers lebt seit einigen Monaten in Kalifornien, wo Elle (Millie Bobby Brown) aber gar nicht zurecht kommt und noch immer weder Freunde noch ihre Kräfte besitzt. Joyce (Winona Ryder) arbeitet als Telefonistin und ist noch nicht über den Tod von Hopper (David Harbour) hinweg. Und in der Fernbeziehung von Jonathan (Charlie Heaton) und Nancy (Natalia Dyer) kriselt es. Wie auch bei Elle und Mike (Finn Wolfhard): Die räumliche Trennung macht beiden zu schaffen, aber Mike weiß gar nicht, wie er damit umgehen soll. Und Lucas (Caleb McLaughlin) ist inzwischen lieber Teil des Basketball-Teams, als mit seinen alten Freunden „Dungeons & Dragons“ zu spielen. Die Kinder sind zu Teenagern  geworden und haben Probleme damit.

Als in Hawkins ein brutaler Mord geschieht, ist das aber bald vergessen. Dustin (Gaten Matarazzo), Max (Sadie Sink) Steve (Joe Keery) und Robin (Maya Hawke) machen sich deshalb auf die Suche nach Eddie (Joseph Quinn), dem D&D-Spielleiter und Metal-Fan, in dessen Wohnwagen die Leiche gefunden wurde. Joyce erhält derweil ein Paket aus der Sowjetunion, dessen Inhalt darauf schließen lässt, dass Hopper noch lebt. Und Elle leidet schwer darunter, dass ihre Kräfte sie verlassen haben und greift zu rabiaten Mitteln, um sich gegen die Schikanen einer Mitschülerin zu wehren – mit erschreckenden Folgen. Gibt es in Hawkins eine neue Bedrohung von der „anderen Seite“? Und wenn ja, können die jungen Helden ohne Elle dagegen bestehen?

So lang wie nie, so gruselig wie nie

Eine Sorge kann den Fans gleich genommen werden. Stranger Things 4 ist nicht so lang, weil die Handlung so komplex wird. Sondern sie braucht die Zeit, weil sie so viele verschiedene Handlungsstränge entwickelt. Streckenweise teilt sich die Story auf sechs verschiedene Gruppen und Orte der Handlung auf und selbst, wenn jede davon nur zehn Minuten pro Folge bekäme, wäre schon eine Stunde voll. Tatsächlich sind einzelne Teile der Story in den Episoden aber deutlich länger zu sehen. So erklärt sich die lange Laufzeit im Vergleich zu den früheren Staffeln. Die sind aber kein Problem, ganz im Gegenteil. Dann alle Storys sind für sich genommen absolut sehenswert und spannend. Allerdings ist Stranger Things 4 tatsächlich gruseliger und blutiger als seine Vorgänger.

Und das liegt an Versatzstücken, die sich die Duffer-Brüder diesmal von großen Ikonen des Horrors entliehen haben. So spielt diesmal nicht nur Legende Robert Englund eine kleine, aber wichtige Rolle. Auch der Grund, warum er eine solche Legende ist, findet sich in der Serie wieder. Denn der Bösewicht der vierten Staffel erinnert schon mehr als nur ein wenig an den Traumkiller Freddy Krueger. Damit sind die Parallelen aber noch nicht beendet. So hat Stranger Things 4 in der Haupthandlung in Hawkins deutliche Überschneidungen zu vielen Werken von Stephen King. Elle ist ohnehin schon immer eine Variation von „Carrie“ gewesen, diesmal hat die Staffel aber vor allem starke Ähnlichkeiten zu Kings Meisterwerk „ES“. Denn der Kampf einer zusammengewürfelten Gruppe vermeintlicher Looser gegen einen scheinbar übermächtigen und intelligenten Gegner dürfte vielen Horrorfans bekannt vorkommen.

Überlebenskampf zwischen Akne und erster Liebe

Dennoch ist Stranger Things 4 weit davon entfernt, ein plattes Plagiat der großen Vorbilder zu sein. Denn den Duffer-Brüdern fallen genug frische und eigene Ideen ein, um aus der vierten und damit vorletzten Staffel der Serie erneut einen gelungenen Mix aus Coming of Age-Themen, feinem Humor und spannender bis unheimlicher Horrorstory zu machen. Zwar zeigen sich bei der einen oder anderen Figur erste Ermüdungserscheinungen, so verliert Elle doch langsam an Faszination. Aber mit anderen Handlungssträngen machen die Autoren das mehr als wett. So ist die skurrile Rettungsaktion für Hopper, dessen Überleben bereits seit mehr als einem Jahr angeteasert wurde, auch ein komödiantisches Highlight der vierten Staffel, obwohl es hier durchaus hart zur Sache geht.

Das gilt auch für Maya Hawke, deren Charakter Robin wohl die meisten Lacher in den ersten sieben Folgen für sich verbuchen kann. Heimlicher Star der Serie wird aber immer mehr Joe Keery als Steve, der nicht nur für lustige, sondern auch für einige sehr unheimliche und heroische Momente zuständig ist. Und wie bei Stranger Things üblich, baut auch die neue Staffel nach gefälligem, aber nicht übermäßig packenden Start schnell einen Sog aufbaut, dem man sich beim Zusehen kaum zu entziehen vermag. Glaubhaft und geschickt bringen die Duffers beispielsweise liebgewonnene Hauptfiguren der Serie in Lebensgefahr, ohne dass gleich in der nächsten Folge wieder in Wohlgefallen aufzulösen. Und die Cliffhanger zum Ende der meisten Episoden sind ebenfalls nicht von schlechten Eltern.

Eine Frage wird gelöst

Zwar haben die Duffers – oder Netflix – insofern Mitleid mit den Zuschauern, dass sie eine der großen Fragen der Staffel am Ende der siebten und vorerst letzten Episode auflösen, die Spannung ist damit aber noch lange nicht raus – ganz im Gegenteil. Wieder wird Stranger Things zum echten Nägelkauer und die Staffel ist derart düster, dass man den Machern durchaus den Tod einer Hauptfigur zutraut. Gerade weil die klugen Anleihen bei „Nightmare on Elm Street“ andeuten, dass die Teenager sich in ihrem Gefühls-Chaos manchmal selbst ihr größter Feind sind. Und inszenatorisch sind vor allem die wundervollen Überblendungen von Szene zu Szene ein absoluter Genuss. Ob Stranger Things 4 nun die beste oder schwächste Staffel bisher ist, dürfte vor allem Geschmackssache sein. Es ist in jedem Fall die mit den meisten Horrorelementen bisher. Die Wartezeit bis zum 1. Juli und den Folgen 8 und 9 wird jedenfalls sehr hart.

Fazit:

Anleihen bei Nightmare on Elm Street, etwas Body-Horror und viel Coming of Age und Teenage Angst wie die besten Romane von Stephen King, so präsentiert sich Stranger Things 4. In ausladender Laufzeit von fast 800 Minuten bauen die Duffer-Brüder in der vorletzten Staffel der Hit-Serie schnell eine unheimliche und bedrohliche Atmosphäre auf, die sie dann und wann gekonnt mit feinem Humor brechen. Nur um im nächsten Moment die Schrauben wieder fest anzuziehen. Viele abwechslungsreiche Handlungsstränge und eine intelligente Story, die sich gut ins Gesamtbild der Serie einführt und sie glaubhaft weitererzählt, runden den starken Eindruck ab. Stranger Things bleibt zurecht eines der absoluten Zugpferde für Netflix, die dafür angeblich 30 Millionen Dollar pro Folge lockermachten. Eine gute Investition!

Stranger Things 4 startet am 26. Mai 2022 bei Netflix, die beiden abschließenden Folgen sind ab dem 1. Juli zu sehen.

Der Beitrag Serienkritik: Stranger Things 4 erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

JR (Daniel Ranieri) ist noch jung, als seine Mutter Dorothy (Lily Rabe) mit ihm zurück in ihr Elternhaus zieht, weil sie pleite ist. JRs Vater, nur „die Stimme“ genannt, weil er Radio-DJ ist, hat die Familie sitzen lassen und zahlt keinen Unterhalt. Während es für seine Mutter eine persönliche Niederlage darstellt, zurück zu ihrem alten Vater (Christopher Lloyd) ziehen zu müssen, findet JR es toll. Denn neben vielen Cousins und Cousinen lebt auch sein Lieblingsonkel Charlie (Ben Affleck) im Haus. Und der arbeitet nicht nur in einer Bar namens „The Dickens“ nach dem englischen Schriftsteller. Sondern dient JR auch als moralischer Kompass fürs Leben. Onkel Charlie hat stets den richtigen Rat für ihn und erklärt ihm anhand von Regeln und No-Gos seinen Platz in der Welt.

Als junger Mann schafft es JR (jetzt Tye Sheridan) tatsächlich, trotz seiner Herkunft aus einer armen Familie, auf der Eliteuniversität von Yale angenommen zu werden. Dort findet er nicht nur neue freunde und lässt sich sein Herz brechen, er muss auch entscheiden, was er nun mit seinem Leben anfangen will. Soll er auf seine Mutter hören und Anwalt werden? Oder doch lieber auf seinen Onkel Charlie und seine eigene, innere Stimme, die ihm beide sagen, dass er zum Schriftsteller geboren ist? JRs Kampf um diese Frage hat er zwar schnell beantwortet, mit der Umsetzung ist das aber so eine Sache: Wer sagt einem, wann man Schriftsteller ist?

Dicht an der Handlung, weit weg vom Gefühl

Es gibt verschiedene Arten von Literaturverfilmungen. Manche versuchen, sich dicht an der Vorlage zu halten und die Geschichte des Romans oder der Kurzgeschichte möglichst genau wiederzugeben. Andere wiederum entfernen sich inhaltlich von der Handlung und bemühen sich mehr darum, die Essenz des Werkes auf die Leinwand oder den Bildschirm zu transportieren, um die Emotion einzufangen, die der Autor zwischen die Buchdeckel presste. Und ganz wenigen Filme gelingt beides. Um die Spannung nicht über Gebühr steigen zu lassen: George Clooneys Adaption von Tender Bar zählt in die erste Kategorie, hat den wichtigen Teil der zweiten Variante aber nicht geschafft. Wer das Buch geliebt hat, wird die Gründe dafür im Film kaum wiederfinden.

Denn hier geht es nicht nur um eine etwas merkwürdige Art des Erwachsenwerdens in einer Familie, die aus einem John Irving-Roman stammen könnte. Sondern auch um all die kleinen Weisheiten und wundervollen Formulierungen, mit denen Moehringer sein jüngeres Ich die Welt entdecken lässt. Und die kommen im Drehbuch des eigentlich erfahrenen Autoren William Monahan („The Departed“) nicht ausreichend zur Geltung. Ebenso wenig wie die titelgebende Bar, die im Film bestenfalls eine Nebenrolle spielt, während sie im Buch JRs zentrale Anlaufstelle ist. Auch Charlies Stammgäste, die im Roman zu einem nicht unerheblichen Teil von JRs Bildung beteiligt sind, finden im Film im Vergleich dazu kaum statt. Hier setzt Monahan die Schwerpunkte deutlich anders als in der Vorlage, trifft aber nur selten dabei wen richtigen Ton.

Verschenkte Stars

Das betrifft auch die Schauspieler. Denn viele der Rollen sind im Vergleich zum Buch einfach zu klein, um ihre Wirkung zu entfalten. In den wenigen Szenen, die er bekommt, kann Christopher Lloyd den spleenigen Großvater nicht wirklich zum Leben erwecken. Auch Lily Rabe bleibt blass, weil sie einfach nicht viel zu tun bekommt. Und Tye Sheridan verleiht der Rolle des JR zu wenig Ecken und Kanten, um wirklich emotional beim Publikum anzukommen. Leidglich Ben Affleck als unerschütterliche Brandmauer gegen jeglichen schlechten Stil und Verteidiger von Coolness und Wahrhaftigkeit, trifft genau den lakonischen Ton, den die Figur auch im Roman vor sich herträgt wie eine Fackel. Und das ist zu wenig, um aus einem tollen Buch auch einen guten Film zu machen.

Clooney agiert als Regisseur gewohnt zurückhaltend und macht so nicht viel falsch, kreiert aber auch keine wirklich emotionalen Momente mit dieser Herangehensweise. Und wenn man ihm unterstellt, den Roman vorher gelesen zu haben, dann hätte er erkennen müssen, dass das Drehbuch diesem großartigen Buch schlicht nicht gerecht wird. Weil Tender Bar als Film eigentlich keine nennenswerten Höhepunkte aufweist und stattdessen wie ein langer ruhiger Fluss vor sich hin mäandert. Zudem hebt Clooney die 70er und 80er, in denen die Story spielt, unnötigerweise auf eine Art Podest. Obwohl die Zeit für die Handlung selbst gar nicht so wichtig ist. Moehringer erlebte das zwar in diesem Zeitraum. Aber der Film vermittelt den Eindruck, dass dieser Fakt essentiell sei – und das ist er sicher nicht.

Tender Bar ist deshalb noch kein schlechter Film. Kein Schauspieler ist wirklich schlecht, keine Szene wirklich mies. Aber wenn die Essenz eines Romans in einer Adaption nicht wenigstens hin und wieder aufleuchtet, dann bleibt der Film dunkler, als er sein dürfte. Und genau das muss man Clooneys Adaption bescheinigen.

Fazit:

Mit Tender Bar liefert Regisseur und Produzent George Clooney eine leider nur mittelmäßige Adaption eines großartigen Buches ab. Zwar liegt ein Teil des Charmes in der Sprache von Autor JR Moehringer, aber das Drehbuch des Films schafft es viel zu selten, den emotionalen Kern der Vorlage zu treffen und den Zuschauer wirklich ins Leben des jungen JR mitzunehmen. Während der Leser zum Komplizen und Freund des Protagonisten wird, bleibt der Zuschauer nur Zuschauer. Wer das Buch nicht kennt, wird möglicherweise dennoch einen netten Abend haben, denn richtig schlecht ist hier nichts. Kenner des Romans dürften an Tender Bar aber in dieser Form nur wenig Freude empfinden,

Tender Bar startet am 7. Januar 2022 bei Amazon Prime Video.

Der Beitrag Filmkritik: Tender Bar erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Ruby (Emilia Jones, „Locke and Key„) ist 17 Jahre alt und hat schon jede Menge Verantwortung. Weil sowohl ihr Vater Frank (Troy Kotzur), ihre Mutter Jackie (Marlee Matlin) und ihr großer Bruder Leo (Daniel Durant) gehörlos sind, muss sie als diejenige, die hören kann, viele Dinge für die Familie regeln. Zum Beispiel frühmorgens vor der Schule mit Vater und Bruder raus aufs Meer vor Gloucester, Massachusetts, fahren, um Fisch zu fangen, das Familiengeschäft seit Generationen. In der High School ist Ruby daher eine krasse Außenseiterin und hat lediglich eine Freundin, die freundliche Gertie (Amy Forsyth). Von normalen Aktivitäten wie andere Teenager kann Ruby hingegen meist nur träumen. Aber weil sie ihren Mitschüler Miles (Ferdia Walsh-Peelo, „Sing Street“) ziemlich süß findet und Singen ihr Hobby ist, meldet sie sich wie er zum Chor an.

Nach Startschwierigkeiten mit dem strengen Lehrer Bernardo Villalobos (Eugenio Derbez) wird bald klar, dass Ruby ein außergewöhnliches Talent fürs Singen besitzt. Leider etwas, das ihre Eltern und ihr Bruder nie verstehen können. Und so versucht die 17-jährige, sich zwischen ihrem Hobby, dem langsam an ihr interessierten Miles und ihren Verpflichtungen für die Familie, die sich nicht nur finanziell gerade in schwerem Fahrwasser befindet, zu zerreißen. Natürlich geht das nicht lange gut …

Nicht originell, aber sehr authentisch

So richtig originell und frisch ist die Story von CODA nicht, das lässt sich bereits daran ablesen, dass der Film ein Remake ist. Aber manchmal geht es eben nicht nur um die Geschichte, sondern auch darum, wie sie erzählt und gespielt ist. Und hier leisten die Regisseurin Sian Heder, die auch das Drehbuch schrieb, und ihr Cast Erstaunliches. Denn CODA schlägt den Zuschauer ab der ersten Minute in seinen Bann. Und entlässt ihn daraus die folgende 110 Minuten auch nicht mehr.  Das gelingt Heder durch den hohen Grad an Glaubwürdigkeit und Authentizität, die sie in den Film packt. Das beginnt bei Rubys Familie, deren Darsteller alle tatsächlich taub sind und deshalb so glaubhaft eine Familie von Gehörlosen spielen können. Und die Marlee Matlin gegen den Willen der Produzenten durchdrücken musste.

Obwohl Ruby im Mittelpunkt des Geschehens steht, gibt Heders Drehbuch auch den anderen Familienmitgliedern interessante Nebenhandlungen, sodass sie nie zu Stichwortgebern verkommen, sondern eigene Charaktere werden können. So sind die Eltern nach vielen Jahren noch immer scharf aufeinander und bringen Ruby deshalb manchmal in peinliche Situationen. Leo hingegen leidet darunter, dass seine Eltern immer alles Wichtige Ruby überlassen. Und ihm nicht zutrauen, mit Problemen fertig zu werden. Ruby hingegen, die ohnehin nie eine normale Kindheit hatte, droht unter der Last der Verantwortung für die Familie und ihr eigenes leben und ihre Träume zu zerbrechen. Gerade diese kleinen Dramen, die so alltäglich sind, dass sie fast jeder kennt, fängt Heder fast schmerzhaft dicht ein und berührt deshalb so sehr.

Ein neuer Star in Sicht

Das liegt zum großen Teil an Emilia Jones. Die mittlerweile 19-jährige spielt die Rolle der Ruby so leicht und dabei doch so intensiv, dass der Zuschauer in jeder Szene mit ihr fühlen kann. Sie hält mühelos den Film zusammen. Und ist sowohl im Zusammenspiel mit ihren Kollegen als auch allein vor der Kamera absolut sehenswert. Gerade weil sie in vielen Szenen so uneitel agiert, bleibt ihre Performance im Gedächtnis. Und im großen Finale, bei dem Joni Mitchells Klassiker „Both Sides Now“ eine wichtige Rolle spielt, dürfte sie manch einen Zuschauer zu Tränen rühren. Keine Frage, Emilia Jones dürfte zu den kommenden Stars in Hollywood zählen, wenn sie weiterhin solche Leistungen abliefert. Ein nettes Wiedersehen gibt es auch mit Ferdia Walsh-Peelo, der seit Sing Street im Kino abgetaucht und nur in „Vikings“ dabei war. 

Heder mischt in ihrem Script gekonnt eine ungewöhnliche Coming-of-Age-Geschichte mit interessanten Figuren, eingebettet in einen glaubwürdigen Mikrokosmos der amerikanischen Küsten-Kleinstadt. Mit dem Gesangslehrer Bernardo oder den Eltern von Ruby erschafft Heder auch echte Typen, die aber stets so zurückgenommen agieren, dass sie den Zuschauern nie auf die Nerven gehen. Ganz im Gegenteil: Zwischen Vater und Tochter spielen sich ein paar der schönsten Szenen des gesamten Films ab. Dass Heder ganz nebenbei einen Blick auf den Alltag von Gehörlosen wirft und aufzeigt, wie wichtig wenigstens ein funktionierendes Paar Ohren für eine Familie sein kann, ist ein weiterer Aspekt, der CODA so sehenswert macht.

Fazit:

CODA ist ein echter Glücksfall. Ein Film, den man nicht nur sieht, sondern auch fühlt. Stark geschrieben und inszeniert, grandios gespielt und immer nah an der Realität, erzählt Regisseurin Sian Heder die Geschichte einer 17-jährigen, die zwischen Pflichtgefühl und eigenen Träumen fast zerrissen wird. Das ist nie peinlich, immer anrührend und ganz schon oft auch witzig. Würden alle Remakes so aussehen wie dieses, Hollywood dürfte gern häufiger auf bereits verfilmt Stoffe zurückgreifen. Leider bildet CODA die überaus gelungene Ausnahme.

CODA startet am 13. August 2021 bei Apple TV+.

Der Beitrag Filmkritik: CODA erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Die texanische Kleinstadt Skylin im Jahr 1993: Jeanette Turner (Chiara Aurelia) feiert Geburtstag. Wie jedes Jahr weckt sich ihr Vater Greg (Michael Landes), später trifft sie sich mit ihren Freunden Mallory (Harley Quinn Smith) und Vince (Allius Barnes), um zu feiern. Im der Mall fällt ihr Kate Wallis (Olivia Holt) auf, die mit ihrem Freund Jamie (Froy Gutierrez) unterwegs ist und als eines der schönsten Mädchen der Stadt gilt. Die beiden jungen Frauen, die sich nur flüchtig kennen, tauchen ein paar Nettigkeiten aus …

Der gleiche Tag im Jahr 1994: Jeanette wird von ihrem Freund Jamie geweckt. Mittlerweile gehört sie zu den beliebtesten Kids in der Schule und freut sich auf ihre Geburtstagsfeier. Mallory und sie reden allerdings nach einigen Vorfällen kein freundliches Wort mehr miteinander. Nach dem Verschwinden von Kate Wallis vor knapp einem Jahr hat sich Jeanettes Leben komplett geändert …

Der gleiche Tag im Jahr 1995: Jeanette ist eine der verhasstesten Personen des ganzen Landes. Ihre Familie hat die Krise nicht unbeschadet überstanden, die junge Frau erst recht nicht. Immer wieder sieht sie sich ein Video an, in dem sie mit eines ungeheuren Verbrechens angeklagt wird. Doch ihre Anwältin macht ihr Mut, sie dürfe auf keinen Fall aufgeben. Das ist aber für Jeanette, die alles verloren hat, alles andere als einfach …

Komplexer Plot, top erzählt

Bei einem Thriller, erst recht bei einer Serie (Staffel 1 ist zehn Episoden lang), kommt es neben der Handlung auch sehr stark auf die Art des Erzählens an, um Spannung zu erzeugen. Oft ist entscheidend, wann das Publikum welche Informationen erhält, um aus einer Story das Maximum herauszuholen. Die Grundidee von Cruel Summer, die Geschichte über drei Jahre zu dritteln und alle Drittel tageweise zu erzählen, sorgt genau für die interessante Herangehensweise, die die Serie so gut macht. Das liegt zu einem guten Teil auch an der großartigen Arbeit des Cutter-Teams, das mit tollen Schnitten die Wechsel zwischen den drei Zeitebenen extrem dynamisch in Szene setzt. So fließende Übergänge muss ein Kreativ-Team erst einmal hinbekommen.

Allerdings schaffen die Autoren hier erst die Möglichkeiten für die gute Arbeit der Cutter. Die Hauptidee, die Geschichte zweiter junger Frauen unheilvoll zu vermengen, ist dabei nicht unbedingt neu. Auch der Mikrokosmos einer Kleinstadt, deren Geheimnisse meist früher oder später ans Tageslicht kommen, haben Thriller-Fans schon häufiger gesehen. Aber die Story in drei Teilen zu erzählen und dabei sowohl in den drei Zeitebenen als auch in den Erzählperspektiven hin und her zu springen, das haben die Zuschauer noch nicht so oft erlebt. Und ist bei Cruel Summer auch ein wichtiger Grund für die gute Qualität der Serie. Denn neben dem Schnitt sorgen auch die unterschiedliche Optik der Hauptfiguren in drei verschiedenen Jahren und die gute Inszenierung dafür, dass der Zuschauer immer weiß, in welchem Jahr er sich gerade befindet.

Spannung über Realismus

Allerdings ist die Serie mit zehn Episoden etwas zu lang geraten. Denn sie vermag die Spannung nicht über die gesamte Zeit aufrechtzuerhalten. Nicht jede Nebenhandlung ist wirklich interessant und manche wichtige Figur erscheint erst relativ spät prominent in der Handlung, um wichtige Hinweise auf das tatsächliche Geschehen nicht zu früh wegzugeben. Hin und wieder wirkt das, als würden die Autoren die Story absichtlich so hinbiegen, dass bestimmte Fakten erst spät offenbart werden – und das geht manchmal auf Kosten der Glaubwürdigkeit. Spannung ist in Cruel Summer deutlich wichtiger als Realismus. Und so muss das Publikum mit der einen oder anderen wenig plausiblen Wendung leben.

Schauspielerisch hingegen gibt sich Cruel Summer keine Blöße. Olivia Holt, bislang hauptsächlich aus der Marvel-Serie „Cloak and Dagger“ bekannt, spielt die behütete und beliebte Kate als Engel mit dunklen Momenten sehr stark. Und die noch recht unbekannte Chiara Aurelia meistert die zweite Hautfigur der naiven Jeanette ebenso gut wie ihre Kollegin. Vor allem die Entwicklung dieser beiden Figuren über drei Zeitebenen spielen Holt und Aurelia sehenswert. Und einen wirklichen Ausfall gibt es auch bei allen anderen Rollen nicht. Ein guter Thriller braucht einen starken Cast – und den hat Cruel Summer ohne Zweifel.

Nicht nur für Teenager

Eine reine Teenager-Serie ist die erste Staffel allerdings nicht, denn auch die Eltern der Hauptfiguren haben eigene Storys. Dennoch ist die Zielgruppe der Serie klar: Wer Serien wie „Pretty Little Liars“, „Panic“ oder „Big Sky“ mochte, der wird auch hier sicher zufrieden sein. Zwar ist die Kleinstadt Skylin alles andere als ein Twin Peaks, dafür ist die Handlung aber deutlich einfacher zu verstehen. Der Erfolg gibt den Serienmachern Recht: Eine zweite Staffel ist bereits bestellt und wird die Story um Jeanette und Kate weitererzählen. Nötig wäre das nicht gewesen, die Story endet rund.

Fazit:

In Dickicht der Thriller-Serien muss man schon etwas Besonderes bieten, um noch aufzufallen. Im Fall von Cruel Summer ist das die ungewöhnliche Erzählweise. Die Story spielt innerhalb der gleichen zehn Tage im Jahr 1993, 94 und 95 und baut die Story so geschickt auf, dass die Serie über weite Teile der zehn Episoden wirklich spannend ist. Auch wenn wirklich unerwartete Wendungen innerhalb der Geschichte ausbleiben. Dazu ist das Ganze von Olivia Holt und Chiara Aurelia stark gespielt, so dass die Schicksale der beiden jungen Frauen wohl kaum jemanden kalt lassen dürften. Eine eher konventionelle Handlung, stark gespielt und originell erzählt – das können sich Thrillerfans gut ansehen. Warum Disney+ verzichtete, bleibt ein Rätsel.

Cruel Summer startet am 6. August 2021 bei Amazon Prime.

Der Beitrag Serienkritik: Cruel Summer erschien zuerst auf lauterfilme.de.