Die Handlung

Die junge Samidha, genannt Sam (Megan Suri) lebt mit ihren Eltern in einer US-Kleinstadt und möchte einfach nur dazugehören. Daher hat sie sich auch von ihrer einst besten Freundin Tamira (Mohana Krishnan) losgesagt und versucht, sich mit ihren weißen Mitschülern gutzustellen – besonders mit Russ (Gage Marsh). Als Tamira plötzlich völlig verschreckt mit einem schwarzen Einmachglas durch die Schule läuft, bestärkt das Sam nur, den Kontakt nicht wieder aufzunehmen. Doch auch Sams Mutter Poorna (Neru Bajwa) ist enttäuscht, dass Sam die indischen Sitten und Gebräuche zunehmend ignoriert und sich lieber mit Freunden auf Partys trifft. Sams Vater Inesh (Vik Sahay) sieht das hingegen weniger eng als seine Frau.

Als sich Tamira eines Tages voller Panik mit der Bitte um Hilfe an Sam wendet, reagiert die junge Frau nicht sehr entgegenkommend. Sie zerstört das Glas, das Tamira so wichtig ist und hält ihre ehemalige Freundin für leicht verrückt, als sie ihr etwas über eine dunkle Macht erzählt, die in dem Glas lebt und ständig gefüttert werden muss. Weil Tamira aber kurze Zeit später spurlos verschwindet, macht sich Sam doch Vorwürfe und stellt Nachforschungen zu den unglaublichen Behauptungen Tamiras an. Schon bald beginnt sie, sich beobachtet zu fühlen. Immer häufiger scheint eine unsichtbare böse Kraft in ihrer Nähe zu agieren. Lange ist sich Sam nicht sicher, ob sie sich das alles nur einbildet, doch dann gibt es den ersten Toten …

Fremde Kultur = mehr Horror?

In den vergangenen Jahren sind einige Horrorfilme entstanden, die sich mit anderen Kulturen, Religionen oder Mythologien beschäftigt haben. In „The Vigil“ geht es beispielsweise um eine jüdische Totenwache. „His House“ zeigt, wie eine afrikanische Familie von einem Wesen aus ihrer Sagenwelt bis nach London verfolgt wird. Und „Antlers“ beschäftige sich mit einem Monster, das im Glauben der amerikanischen Ureinwohner zuhause ist. Zwar geht keiner dieser Filme als Meisterwerk durch, interessante Ansätze gab es aber allemal. Auch It Lives Inside zeigt diese Ansätze. Allerdings setzt Dutta in seinem Debüt als Autor und Regisseur in Personalunion zu sehr auf Sicherheit und Gewohntes, um Fans des Genres mit etwas wirklichem Frischem zu begeistern.

So kopiert Dutta in einigen Momenten Szenen aus anderen Horrorfilmen sehr deutlich. Einmal ist er verdächtig nah am „Ring“-Klassiker, ein anderes Mal fällt dem Horrorfan schnell „Lights Out“ ein, auch „Nightmare on Elm Street“ kommt zu Ehren. Sogar mit Simon Verhoevens „Unfriend“ zeigt der Film Parallelen. Das ist alles handwerklich ordentlich gemacht, erst recht für einen Debütfilm. Aber es fehlt (noch) eine klare, eigene Handschrift, die den Horror von It Lives Inside über den meist generischen Eindruck erheben würde. Denn vieles, was der Film zu bieten und zu zeigen hat, hat man so oder ähnlich schon Dutzende Male gesehen. Und Dutta gelingt es nicht, für seine ähnliche Story neue Bilder oder Stilmittel zu finden, um frische Akzente zu setzen.

Solide Spannung

Das heißt aber nicht, dass It Lives Inside keine Qualitäten mitbringt. So machen die Schauspieler, allen voran Megan Suri, einen durchweg guten Eindruck und transportieren sowohl die psychische wie auch die physische Belastung glaubhaft auf die Leinwand. Und auch sonst zeigt Duttas Erstling viele gute Ansätze, die ihn zu einem ernstzunehmenden Kandidaten für zukünftige, weitere Horrorfilme küren. So hat er definitiv ein gutes Händchen für Atmosphäre. Auch wenn manche Szene geborgt wirkt, man muss sie dennoch erst einmal so inszenieren, dass sie auch eine ähnliche Wirkung zeigt wie das Original. Und das gelingt Dutta in den meisten Fällen recht gut. Zwar hätte es sicher nicht geschadet, der Film wäre nicht auf die Freigabe PG-13, sondern auf ein R gegangen, aber auch ohne viel Blut verbreitet It Lives Inside durchaus Spannung.

Dazu kommt der immerhin gute Ansatz, auch gesellschaftliche Faktoren in die Story einzubinden. Das erdet den Film nicht nur, sondern steigert auch die Spannung. Denn durch Sams Herkunft und ihre Freundschaft zu Tamira ist die junge Frau gleich doppelt belastet, was Kontakte und Freundschaften angeht. Und ihre schnelle Isolierung daher auch glaubhaft. Auch Sams Gespräche mit ihrer Mutter, die an einem traditionell indischen Weltbild festhält, gehören zu den besseren Momenten in Duttas Drehbuch. Hier zeigt sich, dass er als Autor bereits sehr gut ist, als Regisseur jedoch nach Luft nach oben hat. Denn so ordentlich der Film handwerklich ist, so konventionell ist er auch erzählt. Hier fehlte offenkundig entweder ein wenig Mut, um neue Wege zu gehen. Oder die kreativen Ideen dazu.

Fazit:

Inhaltlich und optisch hat It Lives Inside leider zu wenig Eigenes, um als origineller neuer Horrorfilm durchzugehen. Denn den Hintergrund der indischen Mythologie nutzt Regisseur und Autor Bishal Dutta nicht konsequent genug, um sich vom durchschnittlichen US-Horror der vergangenen Jahre wirklich abzuheben. Auf der Haben-Seite stehen gute Schauspieler, eine Story ohne Längen und für ein Regie-Debüt eine erstaunliche Sicherheit in der Erzählung, auch wenn sie etwas zu konventionell ausfällt. Zudem ist die Kreatur gut gelungen und der Film baut durchaus Spannung und Atmosphäre auf, ohne dafür besonders derbe Effekte zu benötigen. Kein echtes Highlight, aber ein Film, der für Horrorfans doch einiges zu bieten hat.

It Lives Inside startet am 2. November 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Eine kleine schwedische Gemeinde hat es geschafft, genug Interessenten für ein Einkaufszentrum zu finden, um es zu bauen. Morgen soll der erste Spatenstich sein und der Gemeindeangestellte Jonas (Adam Lundgreen), der das Projekt mit aller Macht durchgedrückt hat, soll dabei Hand anlegen. Vorher will die kleine Gruppe der Gemeindeangestellten aber noch auf einem Seminar ihren Zusammenhalt stärken. Zwar ist nicht jeder davon begeistert, aber die Chefin Ingela (Maria Sid) hat sich mit der Idee durchgesetzt. Wieder mit dabei ist nach längerer Krankheit wegen Überarbeitung auch Lina (Katia Winter), die mit Jonas nicht das beste Verhältnis hat.

Bei der Besprechung des kommenden Tages bemerkt Lina tatsächlich Ungereimtheiten in den Unterlagen. Es finden sich Verträge darunter, die ihre Unterschrift tragen, die sie aber nicht unterschrieben hat. Oder doch? Immerhin hatte sie ja nervliche Probleme. Während also die Team-Building-Maßnahmen weitergehen, kommt die kleine Crew des Veranstaltungsorts mitten im Wald langsam in Schwierigkeiten. Denn Koch Karl (Jimmy Lindström) ist seit einiger Zeit verschwunden, weil er eine neue Gasflasche zum Kochen besorgen will. und auch ein weiterer Mitarbeiter ist nicht aufzufinden. Was noch niemand vor Ort weiß: Ein geheimnisvoller Killer ist in der Nähe und scheint vorzuhaben, niemanden am Leben zu lassen …

Im Norden nichts Neues

Mats Strandbergs Story hat weniger mit Jason und Michael zu tun als man meint. Stattdessen standen eher Filme wie Hitchcocks „Psycho“ oder der erste „Freitag, der 13.“ Pate für Konferensen. Denn übernatürliche Phänomene wie Unverwundbarkeit sucht man hier vergeblich. Hier ist ein sehr irdischer Killer unterwegs, dessen Identität lange ein Geheimnis bleibt. Denn die klassische Maske darf natürlich nicht fehlen. Ebenso wenig wie eine ordentliche Portion Blut. Zwar ist Konferensen sicher kein zweiter „Terrifier“, aber komplett harmlos ist die Darstellung von Gewalt auch nicht. Netflix vergab eine Freigabe ab 18. Dennoch ist der Film kein reines Blutbad, in dem wahllos Teenager abgeschlachtet werden. Strandberg will um die Morde eine Geschichte erzählen.

Und das tut auch der Film. Allerdings sollte man hier keine tiefgründigen Gedanken wie in „Das Schweigen der Lämmer“ oder ähnliches erwarten. Strandberg streut mehrere Motive aus, um eine möglichst große Zahl an Verdächtigen zu haben. Regisseur Eklund kassiert allerdings schon in den ersten 20 Minuten die meisten davon wieder ein, sodass eine wirklich große Spannung um das Gesicht unter der Maske gar nicht erst aufkommt. Es läuft schnell auf zwei mögliche Täter hinaus. Und obwohl der Film den Mörder nicht wirklich genau zeigt, ahnt das Publikum doch recht genau, um wen es sich dabei handelt. In Sachen Slasher ist Konferensen letztlich ein Genre-typischer Film von der Stange.

Immerhin: Archetypen mit Herz

Ein wenig mehr Mühe gibt sich das Drehbuch hingegen bei den Protagonisten. Zwar sind auch die Konstellationen innerhalb der Gruppe nichts Neues und erinnern nicht nur einmal an „Severance“ von Christopher Smith, aber zumindest sind die Archetypen mit guten Dialogen bestückt und auch ansprechend gespielt. Ob die feige Eva, der alte Torbjörn, der eigentlich nur an Alkohol und Essen interessiert ist oder die umweltbewusste Anette, die wegen ihrer Sorge um den Planeten immer wieder zum Ziel von Spott wird. Die Charaktere geben tatsächlich, mal mehr, mal weniger flach, dem Publikum einen Grund, über ihren Tod entweder erfreut oder traurig zu sein. Mehr, als viele andere Slasher der letzten Jahre geschafft haben.

Dennoch bleibt Konferensen ein typischer Vertreter seiner Zunft, der in keinen Moment auch nur versucht, etwas wirklich Neues zu erzählen oder auch nur eine interessante Variante des mordenden Maskenträgers zu etablieren. Eine neue Maske, dazu die betont menschliche Charakterisierung des Killers on Form von Ausrutschern oder der Fähigkeit zu bluten, wie etwa in „Scream„. Und ein Dutzend potenzieller Opfer, von denen dem Publikum vor allem die frühen abtretenden relativ egal sind – mangels Zeit zur Charakterisierung. Möglicherweise ist das Slasher-Genre inzwischen dort angekommen, wie sich Exorzismus-Filme schon länger befinden: Neue Ideen gibt es nicht mehr. Wem es aber genügt, wenn Menschen möglichst blutig mit diversen Klingen und anderen Werkzeugen ermordet werden, wird hier fündig.

Fazit:

Strandberg mag ein aufstrebender Horrorautor sein, die Verfilmung seines neuesten Werks beweist das nicht. Denn Konferensen ist ein Slasher von der Stange. Durchaus blutig, wenn auch nicht in der Oberliga der Brutalitäten angesiedelt. Ordentliche Schauspieler, aber keine sonderlich stark ausgearbeiteten Figuren, stattdessen Archetypen. Und ein Story, die zwar zunächst eine große Anzahl möglicher Killer anbietet, aber auch schnell wieder die meisten Angebote zurückzieht und sich auf lediglich zwei Optionen fokussiert. Das ist handwerklich in Ordnung, leidlich spannend und dürfte alle unterhalten, denen die gefühlte 25. Version eines Maskenkillers genügt, um Spaß zu haben. Wer nach frischen Ideen sucht, wird hier allerdings nichts finden.

Konferensen startet am 13. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Emily (Phoebe Dynevor) und Luke (Alden Ehrenreich) sind schwer verliebt. Das müssen sie in der Finanzfirma, in der sie beide arbeiten, allerdings streng geheim halten, da es dort nicht erlaubt ist und zu Kündigung führen kann. Dennoch macht Luke seiner Traumfrau einen Heiratsantrag, den sie glücklich annimmt. In ihrem Job als Analysten bei einem Hedgefonds tun sie allerdings weiter so, als seien sie nur flüchtig bekannte Kollegen. Die „Hire and Fire“-Mentalität des Fondsbosses Campbell (Eddie Marsan) führt immer wieder zu freien Stellen über dem Paar. Und als eines Tages ein Portfoliomanager gehen muss – und dabei sein Büro komplett zertrümmert – hört Emily das Gerücht, Luke solle sein Nachfolger werden.

Freudestrahlend erzählt sie ihm abends von der guten Nachricht. Doch noch in der gleichen Nacht erhält sie einen Anruf von einem Kollegen, der sie bittet, in eine Bar zu kommen – es sei wichtig. Dort wartet Campbell auf sie, der ihr verkündet, dass sie die neue Managerin wird. Wieder zuhause gratuliert Luke ihr scheinbar von Herzen. Doch Emily wird den Verdacht nicht los, dass er mit dieser Beförderung deutlich schlechter umgehen kann, als er es vorgibt. Bald zeigt sich, dass sie mit ihrem Verdacht Recht hatte. Luke nimmt ihre Beförderung als eigene Zurückweisung und reagiert zunehmend toxisch auf sie. Findet das Paar wieder zusammen?

Mehr Drama als Erotik

Chloe Domont gab in einem Interview zu Protokoll, dass dieser Film auf ihren eigenen, persönlichen Erfahrungen beruht. Und das merkt man. Denn Fair Play ist ein wütender Film, der sehr viel mehr Fokus auf diese Wut und die toxische Beziehung legt, als auf den Erotik-Teil. Gleich zu Beginn setzt Domont mit einer Sex-Szene, in der Menstruationsblut eine Rolle spielt, einen geplanten und etwas konstruiert wirkenden Schock-Moment, um danach das Thema Sex immer mehr in den Hintergrund treiben zu lassen. Denn in dem Maße, wie sich die Beziehung zwischen Emily und Luke abkühlt, werden auch die Sex-Szenen zurückgefahren. Von einem Erotik-Thriller zu sprechen, wirkt angesichts der wenigen Szenen schon ein wenig übertrieben. Beziehungsdrama gibt den Inhalt von Fair Play eigentlich genauer wieder.

Und dieses Drama wird konsequent aus Emilys Sicht erzählt. Domont wählt dabei geschickt Stilmittel, um das Auseinanderdriften des Paares zu verdeutlichen. Sind die beiden am Anfang des Films nur zusammen zu sehen, bricht das bald auf und bleibt für den Rest des Films auch gleich. Das Publikum sieht Luke kaum einmal allein. Und wenn, wird Lukes Figur dadurch nicht klarer. Ganz im Gegensatz zu Emily. Hier wird in fast jeder Szene, in der sie ohne Luke agiert, ein Detail ihres Charakters oder ihrer Hintergrundgeschichte hinzugefügt. Emily wächst, Luke tut das nicht. Zumindest nicht für das Publikum sichtbar. Und auch seine Reaktionen auf die Situation kommen deshalb aus heiterem Himmel – für Emily wie für die Zuschauer.

Starke Darsteller

Gespielt ist das alles stark. Alden Ehrenreich ist überaus glaubhaft in der Rolle des gekränkten Mannes, der eine Zurücksetzung, selbst zugunsten der Frau, die er angeblich liebt, nicht ertragen kann. Denn es gelingt ihm, trotz seines Verhaltens auch immer wieder Momente zu erzeugen, in denen er so geläutert und verständnisvoll wirkt, dass man Emily Zweifel, ob er wirklich die alleinige Schuld an der Situation trägt, gut nachvollziehen kann. Und Phoebe Dynevor zeigt nicht nur, dass sie durch „Bridgerton“ viel Erfahrung bei Sex-Szenen gesammelt hat, sondern auch, dass sie die emotional fordernde Rolle der Emily ohne Probleme meistern kann. Und Regisseurin Domont setzt ihre besonderen Vorzüge dabei so in Szene, dass sie die beabsichtigte Wirkung des Films maximal verstärkt.

Die schlanke und zierlich, fast verletzlich wirkende Dynevor wird immer wieder im starken Kontrast zu einer unruhigen, manchmal bedrohlichen Umwelt gefilmt. Ob leicht eingeschüchtert wirkend in der U-Bahn oder auch im Büro, wo sie als einzige Frau sich schon optisch deutlich von allen anderen abhebt. Die optische Isolation ihrer Figur geht dabei Hand in Hand mit der emotionalen. Den auch andere Männer gehen mit ihr letztlich nicht besser um. Als sie einen Fehler macht, bezeichnet sie ihr Chef als „dumme Schlampe“ und entschuldigt so nur halbherzig, als sie diese Scharte wieder auswetzt. Stattdessen erhält sie als Bonus mehr, als die meisten Menschen in fünf Jahren verdienen. Was direkt zu einem weiteren Kritikpunkt an Fair Play führt.

Die Story spielt in der Hochfinanz ist ist derart mit Klischees vollgestopft, dass man manchmal fast lächeln muss, so plump werden Stereotype verbraten. Stripclubs, weinende Kerle in teuren Anzügen, nachdem sie gefeuert wurden, ständige Telefonate, um an Insiderwissen zu gelangen. All das wirkt genau so, wie sich jemand die Hochfinanz vorstellt, der nie etwas Dokumentarisches darüber gesehen hat. Und das zieht die durchaus packende und emotional ansprechende Geschichte einer Beziehungskrise eben auch manchmal in die Nähe von Klischees. Obwohl sie wesentlich glaubhafter ist. Dennoch: Als Regiedebüt kann sich Fair Play durchaus sehen lassen, wenn auch eine ausgeglichene Sicht auf das Geschehen fehlt. Die Schuldfrage stellt sich dennoch nicht. Die Antwort ist klar.

Fazit:

Mit Fair Play betreibt Netflix ein wenig Etikettenschwindel, denn von der angekündigten Erotik eines Erotikthrillers bleibt unterm Strich nicht viel. Stattdessen bietet der Film eine interessantes Psychogramm einer jungen Liebensbeziehungen unter dem Druck der Umwelt und der eigenen Erwartungen. Und die ist, komplett aus weiblicher Sicht erzählt, durchaus sehenswert. Denn Phobe Dynevor erfüllt die weibliche Hauptrolle mit Leben, sowohl körperlich wie auch emotional. Und Alden Ehrenreich bildet als zunehmend toxisch werdender Lover einen ansprechenden Gegenpart. Leider nutzt Debüt-Regisseurin Chloe Domont zu viele Klischees für ihre Handlung, um sie wirklich real wirken zu lassen, als kühler Beziehungs-Thriller liefert der Film aber durchaus ab.

Fair Play startet am 6. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Eigentlich müsste Tyler Rake (Chris Hemsworth) tot sein. Von Kugeln durchsiebt siukt sein Körper auf den Grund des Flusses. Doch wie durch ein Wunder wird er nicht nur angespült und von seiner Auftraggeberin Nik (Golshifteh Faharani) gefunden, sondern kann auch in aufwendigen Operationen vor dem Tod bewahrt werden. Allerdings ist sein Körper nach monatelangem Liegen kaum noch in der Lage zu gehen, geschweige denn, mit der Waffe in der Hand Menschen zu retten. In einer Hütte in der österreichischen Natur soll Tyler wieder zu Kräften und in Form kommen – und eigentlich seine Frührente genießen. Doch es kommt ganz anders. Denn eines Tages sitzt ein geheimnisvoller Fremder (Idris Elba) auf der Bank vor seinem Haus und erteilt ihm einen Auftrag, den er nicht ablehnen kann.

In Georgien haben zwei Brüder jahrelang unter ihrem tyrannischen Vater gelitten, doch als Erwachsene selbst den falschen Weg eingeschlagen. Als Köpfe eines verschworenen Verbrecher-Clans beherrschen sie die Unterwelt, obwohl einer von beiden eine lange Haftstrafe absitzen muss. Weil die Familie so mächtig ist, darf – oder vielmehr muss- dessen  Frau (Tinatin Dalakishvili) und die beiden Kinder mit ihm im Knast leben. Rake soll die drei aus dem Gefängnis befreien und in Sicherheit bringen. Doch der Arm der Brüder reicht deutlich weiter, als sich die Befreier das gedacht hatten. Es kommt zum gnadenlosen Kampf im georgischen Winter …

Handwerklich überzeugend

Zweite Teile sind ihren Vorgängern häufig in Sachen Story und Spannung unterlegen. Das Drehbuch ist oft ein Schnellschuss und variiert lediglich die Ideen des ersten Teils. Und die Action ist meist ebenfalls ein Abklatsch der ersten Variation. Zumindest eines von beiden stimmt bei Extraction 2 nicht. Denn die Action ist nicht nur handwerklich bestechend, sondern sogar noch einen Hauch stärker als im ersten Film. Prunkstück des handwerklichen Könnens von Regisseur Hargrave und Kameramann Greg Baldi ist eine gefühlt 20 Minuten lange Plansequenz ohne sichtbaren Schnitt, in der Rake und seine Mitstreiter ins Gefängnis eindringen und anschließend ihre Flucht durchziehen. Das sieht man auch im internationalen Actionkino auf der Leinwand nicht beeindruckender als hier.

Denn Hargrave und sein Team erzählen diesen Teil des Films nicht nur mit perfektem Spannungsaufbau, sondern auch mit dem nötigen Schuss brutaler Authentizität. Auch das zweite lange Setpiece, eine Art Belagerung eines Hochhauses, hält geschickt die Spannung noch und bleibt bei aller Übertreibung zugunsten von Adrenalinkicks noch halbwegs realistisch. Erst im Finale gehen den Drehbuchautoren die Pferde ein wenig durch und sie lassen ausgerechnet den Gaul mit Namen Logik ausbüchsen. Zu diesem Zeitpunkt spielt das ohnehin keine großer Rolle mehr, denn das Publikum ist längst auf den großen Showdown eingestimmt, auf den es sich seit einer Stunde schon freut. Und Tyler Rake Extraction 2 liefert.

Hemsworth glänzt als schweigsamer Kämpfer

Ein weiteres Mal lebt der Film vor allem von der physischen Präsenz das Hauptdarstellers. Der muskelbepackte Hüne Chris Hemsworth bewegt sich in seiner Rolle als Tyler Rake so glaubwürdig, dass es im Film niemals Szenen gibt, die man dem Australier nicht abnimmt. Wohltuend selten tischt Drehbuchautor Joe Russo dem Publikum lange Dialoge auf, denn die sind meist nicht sonderlich überzeugend. Die emotionalen Knackpunkte der Handlung sind schnell gesetzt und schnell abgearbeitet, die Motive klargestellt. Und dann regiert die Action. Hemsworth nimmt man den emotional verkrüppelten Kämpfer auch deshalb ab, weil er erfreulich wenig darüber reden muss. Sein Gesicht beim Anblick von Kindern genügt auch.

Das gilt leider nicht für alle Charaktere. Bei einigen der Figuren kleben die Autoren bereits in deren erster Szene einen Totenkopf auf die Stirn, so sicher ist der Zuschauer sofort, dass dieser Charakter die Handlung nicht überleben wird. Das trägt nicht unbedingt zu einer originellen Handlung bei, und auch hier sorgt das eher für Schulterzucken als echte emotionale Anteilnehme, wenn es denn soweit ist. Auch der Schurke des Plots bleibt blass, was man allerdings dem georgischen Darsteller Tornike Gogrichiani kaum anlasten kann. Es gibt schlicht keine Szene, in der sich Gogrichiani als etwas anderes als ein Monster etablieren darf. Auch Graustufen bei der Charakterzeichnung legt Tyler Rake Extraction 2 schlicht keinerlei Wert. Und das unterscheidet ihn letztlich in Nuancen von Actionbrettern wie der John Wick-Reihe, die die interessanteren Schurken zu bieten hat.

Am Samstag startet Netflix seinen großen Tudum-Event, bei dem auch Chris Hemsworth als Stargast angekündigt ist. Es wäre wenig verwunderlich, würde er dort Extraction 3 als weiteren Teil bestätigen.

Fazit:

Mit der Story wird Tyler Rake Extraction 2 sicher keine Preise gewinnen. Mit der furios und hart inszenierten Action dürfte er hingegen die Fans des ersten Films der Reihe weitgehend abholen. Denn eine großartige Plansequenz zur Mitte des Films ist zwar das Highlight, aber längst nicht die einzige stark gemachte Actionsequenz. Chris Hemsworth pflügt sich erneut mit einer ungeheuren körperlichen Präsenz durch Gegnermassen und wirkt in jedem Moment glaubhaft – wenn man das Finale einmal ausspart. Bei Netflix dürfte der FIlm zum Abräumer der kommenden Wochen werden. Da ist die Verkündung eines dritten Teils in der Filmreihe eigentlich nur noch Formsache.

Tyler Rake Extraction 2 startet am 16. Juni 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Sie (Jennifer Lopez) bleibt namenlos. Eine Elitesoldatin, die sich mit den falschen Leuten eingelassen und die nun an die Behörden verraten hat – weil sie schwanger ist und die Angst um ihr Baby sie dazu treibt. Doch die Idee erweist sich als nur mäßig gelungen. Der FBI-Unterschlupf, in dem sie befragt wird, wird von den Gangstern überfallen und bis auf den Agenten Cruise (Omari Hardwick), dem sie das leben rettet, sterben alle Agenten dort im Kugelhagel. Sie selbst entkommt knapp mit schweren Verletzungen. ALs sie im Krankenhaus erwacht, erfährt sie, dass es ihrer inzwischen geborenen Tochter gut geht. Doch die Mutter muss eine Entscheidung treffen, denn die Gangster sind noch immer hinter ihr her.

Und so erklärt sie sich bereit für den härtesten Verlust ihres Lebens – sie gibt ihre neugeborene Tochter auf, damit nichts auf eine Verbindung zwischen ihr und dem Kind hinweist und sie so sicher ist. Dann zieht sich die Mutter nach Alaska zurück und wartet dort in einer völligen Einöde darauf, ob die Killer sie aufspüren oder nicht. Und nur Agent Cruise weiß, wo sie ist und teilt ihr einmal im Jahr mit, dass es ihrer Tochter gutgeht. Nach zwölf Jahren schlägt Cruise aber Alarm. Offenbar haben die Killer herausgefunden, dass die Tochter existiert und planen möglicherweise eine Entführung. Und so muss die Mutter aus ihrem selbsterwählten Exil zurück in die Zivilisation. Das geht nicht ohne Leichen ab …

Wenig Charakter

Ob einem The Mother gefällt oder nicht, steht und fällt mit Jennifer Lopez. Wer der 53-jährigen die Rolle als Eiltesoldatin und Killerin abnimmt, der kann durchaus auf seine Kosten kommen. Wer sich hingegen schwer tut, die Tänzerin und Sängerin als knallharte Kämpferin zu sehen, der dürfte mit The Mother wohl nicht warm werden. Dabei sind das längst nicht die einzigen Probleme des Films. Gute Helden brachen meistens gute Schurken, damit der Zuschauer die Geschichte spannend findet. Und da geizt das Script nicht nur mit Charakteren, sondern auch mit Möglichkeiten. Gael Garcia Bernal („Werewolf By Night„) bekommt lediglich eine Szene, um sich sich als Widerling zu profilieren, was wirklich nicht viel ist. Und Joseph Fiennes als finalem Gegner ergeht es nicht wesentlich besser.

Beide bleiben halbgare Figuren, deren wirkliche Motivation das Drehbuch nie herausarbeitet. Das ist umso schlimmer, weil beide der Vater des Kindes sein könnten, wegen dem die Lopez-Figur das alles auf sich nimmt. Da wäre es schön gewesen, das Publikum hätte erkennen können, aus welchem Grund beide interessant genug fand, um mit ihnen im Bett zu landen. Die mäßige Charakterzeichnung ist vielleicht da schwächste Seite des Films, der aber auch gute Anlagen aufweist. So ist Omari Hardwicks Charakter Cruise eine grundsolide Sidekick-Figur, der der Zuschauer schnell ins Herz schließt. Und auch Lopez darf in einigen Szenen durchaus zeigen, dass sie schauspielern kann und ihrer Figur damit ein paar interessante Ecken und Kanten verleiht.

Action oder Drama?

Und auch die Actionsequenzern gelingen ordentlich, wenn man The Mother nicht mit Krachern wie John Wick oder Mission Impossible vergleicht. Eine schönes Set-Piece auf Kuba gehört ebenso dazu wie einige ordentlichen zusammengefügten Szenen einer Hausstürmung. Im Vergleich zur Spitze der Actionwelt ist das dennoch alles ein wenig bieder. Immerhin erinnert das Finale stark an Willi Bogner-Sequenzen aus alten Bond-Filmen und sorgt so für ein wenig Retro-Feeling im Schnee. Aber die Zuschauer wirklich vom Hocker fegen, das gelingt The Mother leider zu keinem Zeitpunkt. Dazu ist die Inszenierung zu behäbig, Regisseurin Niki Caro hat bislang hauptsächlich Dramen gedreht – und das merkt man.

Und auch die Dramaturgie ist aufgrund der fehlenden Motive der Schurken etwas holprig. Stark wie The Mother eigentlich immer nur dann, wenn sich die Mutter mit ihrer Tochter Zoe auseinandersetzen muss und von knallharten Killer zum völlig verschüchterten, schuldbeladenen Eisschrank wird, der die Nähe zwar will, aber keine Ahnung hat, wie sie herzustellen wäre. In diesen Momenten ist auch Jennifer Lopez am besten in ihrer Rolle. Leider kommt dieser Aspekt der Geschichte trotz zweistündiger Laufzeit deutlich zu kurz und hätte breiteren Raum verdient. Auch weil die junge Lucy Paez als Zoe einen richtig guten Job macht und dem Zuschauer Emotionen entlocken kann.

So zeigt The Mother immer wieder durchaus interessante Ansätze, die aber in dem Willen, einen Actionthriller zu drehen, zu oft auf der Strecke bleiben. Und die Thriller-Anteile sind zwar solide, aber eben auch nicht mehr. Für die abendliche Berieselung, während man nebenbei am Smartphone beschäftigt ist, bietet der Film aber ausreichend gute Unterhaltung und auch eine Handlung, die selbst mit zehn Minuten geistiger Pause nicht zu Verwirrungen führt. Wem das genügt, der hat hier seinen Spaß.

Fazit:

Schade, dass sich The Mother nie entscheiden kann, ob nun der Thriller-Teil oder der Drama-Aspekt im Vordergrund stehen soll. So nehmen sich beide Genres ein wenig die Luft zum Atmen und machen aus einem möglicherweise sonst guten Film nur einen ganz soliden. Die Action ist in Ordnung, aber nicht weltbewegend. Jennifer Lopez hat ein paar starke Szenen als Schauspielerin, die aber die nächste Actionszene kaum überdauern. Als Actionthriller mit einigen schönen Kulissen, Bond-Anleihen und genug Verfolgungsjagden und Schusswechseln dürfte der Film aber zumindest bei Fans des Genres Pluspunkte sammeln. Mit einem besseren Script und mehr Finesse hätte es aber ein deutlich besserer Film werden können.

The Mother startet am 12. Mai 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Bei Beth (Lily Sullivan) läuft es gerade nicht so rund. Auf einer dreckigen Club-Toilette sieht sie sich mit der Tatsache konfrontiert, dass sie schwanger ist, der Test ist eindeutig. In Panik zieht es sie zurück zu ihrer Schwester Ellie (Alyssa Sutherland), die vor einer Weile von ihrem Mann verlassen wurde und nun allein für ihre drei Kinder Danny (Morgan Davis), Bridget (Gabrielle Echols) und Cassie (Nell Fisher) sorgen muss. Beth wusste noch nichts davon, da sie die Anrufe ihrer Schwester in den vergangenen Wochen ignoriert hatte. Dementsprechend aufgeladen mit Schuldgefühlen und Wut ist die Atmosphäre, als Beth in Los Angeles ankommt, wo die Familie im oberen Stockwerk eines heruntergekommenen Mietshauses lebt.

Als Ellie ihren Sohn Danny losschickt, um für das Abendessen Pizza zu holen, nimmt das Unheil seinen Lauf. Der Teenager entdeckt nach einem leichten Erdbeben in der Tiefgarage einen Riss im Boden, der einen alten Saferaum freigelegt hat. Und dort entdeckt Danny ein seltsames und unheimlich wirkendes Buch sowie einige alte Schallplatten, die offenbar eine Verbindung zu dem alten Folianten aufweisen. Neugierig schleicht sich Danny zurück in sein Zimmer, um sich diese Platten anzuhören. Und setzt damit ein nicht zu stoppendes Szenario in Gang, für das seine Mutter einen hohen Preis bezahlen muss. Eine Nacht voller blutigem Horror beginnt …

Deadites as usual

Ob Evil Dead Rise nun eine Granate oder eine Enttäuschung ist, liegt vor allem an einem Punkt. Will ich als Horrorfan immer wieder den gleichen Film sehen oder nicht? Nun kann man sicher bei jeder Franchise über die Fortsetzungen diskutieren, aber nirgendwo sind Fans mit derart wenig Änderungen zufrieden wie im Horror-Genre. Ob „Halloween“, „Freitag, der 13.“ oder andere lang laufende Reihen – Innovation wird eher skeptisch gesehen. Daher lautet die gute Nachricht: Wer einen typischen Evil Dead-Film sehen will, in dem Dämonen Leute möglichst derb um die Ecke bringen, dann ist Evil Dead Rise ein guter Film. Denn er drückt die richtigen Knöpfe.

Natürlich gibt es eine Kettensäge. Natürlich gibt es fiese Kills der Deadites. Natürlich ist das Ende, wie ein Evil Dead-Ende eben ist. Und ordentlich blutig ist das Ganze natürlich auch. Aber wer sich hier auch nur ein wenig Neues erhofft hat, wie es immerhin der dritte teil von Sam Raimi geschafft hat, der geht hier weitgehend leer aus. Evil Dead Rise ist eine typische Fortsetzung mit wenig Mut zum Risiko. Das fängt bei der großen Ankündigung an, der neue Film würde erstmals in einer Großstadt spielen. Das stimmt zwar, hat aber noch weniger Auswirkung auf die Handlung als bei Scream 6, wo es wenigstens eine U-Bahn-Szene gab, die für die Story wichtig war und wirklich das Setting Großstadt nutzte. Rise hat die Story nach 30 Minuten soweit, dass sie auch wieder in der Waldhütte hätte spielen können.

Gut, aber mit Luft nach oben

Zudem ist Evil Dead Rise bei aller Brutalität ein gutes Stück harmloser als das Remake von Fede Alvarez von 2013. Dessen gallig-fiese Atmosphäre erreicht Lee Cronins Film nie, auch wenn einem Horror-Neuling bei Evil Dead Rise ebenfalls die Kinnlade herunterfallen dürfte. Aber genug Kritik, der Film hat auch vieles, was man einfach loben muss. So sind die Schauspieler allesamt wirklich sehenswert. Alyssa Sutherland spielt die besessene Mutter nicht nur mit vollem Körpereinsatz, sondern auch herrlich fies und manchmal sogar unheimlich. Auch Lily Sullivan als Dämonenjägerin wider Willen schlägt sich sehr achtbar durch ihre Tortur. Selbst wenn sich die meisten Zuschauer vom Einsatz der Käsereibe wohl mehr erhofft hatten, als sie letztlich bekommen.

Auch die Darsteller der Kinder erledigen ihre Aufgabe sehr ordentlich und sorgen für die meisten Schreckmomente im Film, denn Gewalt gegen Kinder oder sehr junge Teenager funktioniert im Horrorfilm eigentlich immer. So auch hier. Das Mitfiebern besonders um die kleine Cassie sorgt daher für einige der stärksten, weil spannendsten Szenen im Film. Und auch die Verbeugung vor „Das Ding aus einer anderen Welt“ (genauer wollen wir das hier nicht ausführen) ist sehr gelungen. Dennoch bleibt auf hohem Niveau eine gewisse Ernüchterung, weil man sich ausmalt, wie gut Evil Dead Rise hätte werden können, hätten die Macher tatsächlich ein wenig mehr Mut bei Plot und Drehbuch bewiesen und nicht eine weitere Kopie der bestehenden Filme gedreht.

Fazit:

Mit Evil Dead Rise kommt eine grundsolide Fortsetzung der Reihe in die Kinos. Blutig, böse, mit Anflügen von Humor. Und mit allem versehen, was die Reihe so erfolgreich gemacht hat. Eine kleine Enttäuschung dürfte es aber für Horror-Fans sein, die sich mehr davon erhofft hatten als eine weitere Variation des bekannten Plots. Die Anlagen dazu waren durchaus vorhanden, aber der Mut fehlte wohl letztlich den Machern oder dem Studio, wirklich eine neue Geschichte zu erzählen. Daher wirkt auch der Umzug in die Stadt wie eine Mogelpackung. Aus der Menge belangloser Horrorfilme ragt Evil Dead Rise mit seiner Kompromisslosigkeit, guten Schauspielern und dem satten Gewaltgrad deutlich hervor. Auch wenn mehr gegangen wäre.

Evil Dead Rise startet am 27. April 2023 in den deutschen Kinos.

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Von den Rebels zum Kinofilm

Der zweite Film wird von Dave Filoni inszeniert, der bereits die vielfach gelobte Animationsserie Star Wars Rebels produzierte und auch für The Mandalorian und The Book of Boba Fett schrieb. Er soll einen Film drehen, der in der Zeit dieser Serien spielt, also kurz nach dem Ende des Imperiums und dem Beginn der neuen, noch jungen Republik. Es wird gemunkelt, dass dieser Film alle TV-Serien zusammenführen und eventuell zu einem krönenden Abschluss bringen könnte. Der dritte Film schließlich wird in der Zeit der New Jedi Order spielen, dem bislang am weitesten in der Zukunft spielenden Kapitel der Saga. Darin soll Rey erneut eine Hauptrolle spielen. Die Jedi-Meisterin baut etwa 15 Jahre nach dem Ende von „Der Aufstieg der Skywalker“ einen neuen Jedi-Orden auf, der wieder Frieden in die Galaxis bringen soll.

Termine oder eine Reihenfolge, in der die Filme kommen sollen, gibt es noch nicht, vor 2026 wird es aber wohl keinen der drei zu sehen geben. Die neue Zeitlinie verspricht aber, das weitere Kinoabenteuer folgen werden. Und so sieht sie aus:

• Dawn of the Jedi

  die ersten Jedi tauchen auf, etwa 25000 Jahre vor der ersten Filmtrilogie

• The Old Republic

  die könnte einen Zeitraum von mehreren tausend Jahren umspannen

• The High Republic

  Diese Ära dürfte etwa 200 Jahre vor Star Wars: Die dunkle Bedrohung angesiedelt sein

• Fall of the Jedi

  hier dürfte klar sein, wann das spielt

• Rise of the Empire/Age of Rebellion

  die bislang am häufigsten genutzte Phase der Saga

• The New Republic

  die Zeit nach dem Sturz des Imperiums, hier spielen unter anderem The Mandalorian, The Book of Boba Fett und Ahsoka

• Rise of the First Order

  Der Beginn der neuen Macht in der Galaxis, die in den Teilen 7-9 herrscht

• New Jedi Order

  Der Wiederaufbau des Jedi-Ordens durch Rey

In den kommenden Wochen und Monaten dürften zu diesen umfassenden Ankündigungen noch genauere Infos bekannt werden. Grundsätzlich dürften sich aber alle neue Projekte in eine dieser neun Phasen einordnen.

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Die Handlung

Gleich nach ihrem mörderischen Urlaub vor vier Jahren haben sich Audrey (Jennifer Aniston) und Nick Spitz (Adam Sandler) als Detektive selbständig gemacht – doch der große Erfolg blieb aus. Kleine Gaunereien und untreue Ehemänner, das liegt den beiden nicht sonderlich gut. Und so freuen sie sich, als ihr alter Freund, der Maharadscha Vikram (Adeel Akhtar) sie zu seiner Hochzeit nach Indien einlädt – auf seine Kosten, versteht sich. Ein paar Tage Urlaub machen und feiern, das ist genau das, was das Ehepaar nun braucht. Und zuerst sieht die Sache auch nach einer wundervollen Erholungsreise aus. Vikrams Braut Claudette (Melanie Laurent) erweist sich als charmante Französin, auch Vics Schwester Saira (Kuhoo Verma) macht einen überaus netten Eindruck.

Doch der Abend vor der Hochzeit verläuft nicht so, wie sich fast alle Anwesenden das gedacht hatten. Auf dem Höhepunkt einer klassischen Bollywood-Tanznummer sollte Vic eigentlich auf einem Elefanten ins Festzelt reiten. Doch auf dem Tier findet sich nur Vics ermordeter Leibwächter. Der Maharadscha wurde entführt! Zwar vertraut Colonal Ulenga (John Kani), Sicherheitschef des Clans, den Spitzes, da er sie von früher kennt, aber die Familie heuert zur Sicherheit den Top-Spezialisten für Entführungen an: Connor Miller (Mark Strong). Und der hält von der Einmischung von Nick und Audrey gar nichts. Dumm für ihn, dass die Entführer nur mit Nick verhandeln wollen und so finden sich er und seine Frau bald im Zentrum eines undurchsichtigen Komplotts wieder …

Kein Glass Onion

Krimis können Spaß machen, das hat zuletzt Rian Johnson mit „Glass Onion“ bewiesen, auch Apple TV+ hat mit „The Afterparty“ einen wirklich lustigen Whodunit-Plot im Angebot. Allerdings ist die Idee von Murder Mystery älter als die beiden – war allerdings auch deutlich schwächer. Zwar konnte der erste Teil mit einer beeindruckenden Schauspielerriege auftrumpfen, wie sich das für einen Agatha Christie-ähnlichen Plot gehört und wurde an wirklich schönen Orten Europas gedreht, die Story selbst war allerdings nicht sonderlich innovativ und auch die Gas zündeten nicht durchgehend. Die Menge an Stars hat zwar im Vergleich zum ersten Tel in Murder Mystery 2 etwas nachgelassen, schöne Orte und einen nicht sonderlich originellen Krimiplot gibt es im neuen Film aber auch.

Einen kleinen Unterschied gibt es allerdings: Murder Mystery 2 ist tatsächlich ein wenig witziger geraten als der Vorgänger. Ein Gag-Feuerwerk sieht zwar anders aus, aber Vanderbilt schrieb immerhin einige wirklich vergnügliche Szenen ins Script. So ist eine Verfolgungsjagd in einem Lieferwagen quer durch Paris zwar nicht wirklich neu, aber durch sehr gutes Timing und gut aufgelebte Stars wirklich komisch. Und der Autor hat noch ein paar weitere gute Einfälle gehabt, die den zweiten Teil der möglichen Reihe (noch gibt es keine Infos zu einem dritten Film) ein kleines Stück über den ersten erheben. Zudem funktioniert das Zusammenspiel zwischen Sandler und Aniston, die beide als als Produzenten fungierten, ebenfalls etwas besser als noch in Teil 1.

Ein wenig über sonstigen Sandler-Filmen

Vor allem gehört James Vanderbilt nicht zur langjährigen Entourage von Adam Sandler, der bis auf wenige Ausnahmen in den vergangenen Jahren einige wirklich schlimme Filme verbrochen hat. Dementsprechend ist der Humor diesmal nicht ganz so dümmlich wie in vielen anderen Werken des Schauspielers, der mit „Uncut Gems“ gezeigt hat, dass er eigentlich mehr kann. Jennifer Aniston bekommt ebenfalls viel Raum zum Atmen, und das Gespann ist einfach lustiger als beide allein. Außerdem gelingen Vanderbilt mit einigen kleinen Nebenrollen wie dem erneut mitwirkenden französischen Comedy-Star Dany Boon als Inspektor oder Jillian Bell als romantischer Amerikanerin schöne Momente, die Murder Mystery 2 für kurze Momente die Last von Aniston und Sandler nehmen, was dem Gesamteindruck durchaus nicht schadet.

Wer jetzt aber eine erzählerische und inszenatorische Perle wie Glass Onion erwartet, dürfte trotzdem enttäuscht sein. Denn letztlich bleibt auch der zweite Film mit dem Detektiv-Duo, das cleverer ist als es auf den ersten Blick wirkt, ein launiger, aber durchgehend flacher Comedy-Krimi für den schnellen Konsum. Wem das genügt oder bereits den ersten Film mochte, der wird auch diesmal auf seine Kosten kommen. Die Stars liefern ab, wie ihre Fans das erwarten, Sandler ist dabei nicht ganz so nervig wie in Filmen wie „Hubie Halloween“ und lässt neben sich auch andere glänzen. nicht zuletzt Mark Strong als coolen Supercop. Dennoch bleibt Murder Mystery 2 ein Film, dessen Anfang man am Ende bereits fast wieder vergessen hat.

Fazit:

Ein wenig besser als der erste Teil ist Murder Mystery 2 geworden, auch wenn er nicht mehr mit der gleichen Stardichte glänzen kann wie der Vorgänger. Aber Aniston und Sandler fungieren als Ehepaar sehr solide zusammen und spielen sich durchaus gekonnt manchen Ball zu. Dazu sind Autor James Vanderbilt, der zuletzt für „Scream 6“ verantwortlich war, auch ein paar wirklich lustige Szenen eingefallen, die Regisseur Jeremy Garelick auch gekonnt umsetzt. Eine echte Handschrift ist bei der Umsetzung aber ebenso wenig zu sehen wie beim Script. So steht am Ende ein leidlicher unterhaltsamer Comedy-Krimi, der mit einem deutlich weniger nervtötenden Sandler punkten kann und mit gut 80 Minuten auch keinerlei kostbare Lebenszeit verschwendet. Ein netter Film für zwischendurch.

Murder Mystery 2 startet am 31. März 2023 bei Netflix.

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Das nächste Projekt der Macher von Fall: The Bayou.

Die Handlung

Die Freunde Becky (Grace Caroline Currey), Gatte Dan (Mason Gooding) und Hunter (Virginia Gardner, „Halloween„) sind Adrenalinjunkies und gehen gerne Klettern. Doch bei einer dieser Touren stürzt Dan in den Tod. Becky kommt über diesen Verlust nicht hinweg und ist ein Jahr später ein alkoholabhängiges Wrack ohne großen Lebenswillen. Auch ihr Vater (Jeffrey Dean Morgan) kommt nicht mehr an sie heran. Doch dann meldet sich nach langer Pause Hunter wieder bei ihr und will sie dazu überreden, mit ihr eine gefährliche Klettertour zu machen: auf die Spitze eines stillgelegten, 600 Meter hohen Fernsehturms. Dort soll Becky dann Dans Asche verstreuen, die noch immer in ihrer Wohnung steht, um endlich Abschied von ihm nehmen zu können.

Hunter will dort drehen und bei Youtube mit diesem Video so richtig durchstarten. Erst hält Becky wenig von der Idee, doch um der alten Zeiten willen – und weil ihr Lebensfunke langsam wieder erwacht – willigt sie schließlich doch ein. So machen sich die beiden jungen Frauen auf die sechs Stunden lange Fahrt bis zum Turm und beginnen ihr Abenteuer. Tatsächlich erreichen sie nach einer langwierigen Klettertour das kleine Podest an der Spitze des Turms. Doch beim Abstieg macht ihnen der baufällige und verrostete Turm einen Strich durch die Rechnung: Die Leiter, die auf den letzten 60 Metern außen angebracht wurde, bricht komplett weg. Nun sitzen Becky und Hunter ohne Wasser, Nahrung und Handy-Empfang auf der Spitze des Turms fest …

Nichts für Akrophobiker

Eine Warnung gleich vorweg: Leute mit Höhenangst werden mit Fall nur dann ihren Spaß haben, falls man davon reden kann, wenn sie den Film aus therapeutischen Gründen ansehen. Denn Regisseur Scott Mann und sein Kameramann Miguel Olaso setzen die Höhe hier äußerst effektiv in Szene und dürften mit manchen Perspektiven sogar Zuschauer einschüchtern, die eigentlich gar keine Probleme damit haben. In der vielleicht stärksten Szene des Films, wenn Hunter einen etwa 20 Meter tiefer liegenden Rucksack holen will, ohne dessen Inhalt eine Rettung nicht möglich scheint, baut Fall mittels der Bilder einen Spannungspegel auf, der sich Minuten lang nicht entlädt und das Publikum wirklich in Atem hält.

Allerdings hält Mann die Spannung nicht über den gesamten Film, immer wieder nimmt sich das Drehbuch, an dem Mann mitschrieb, kleine Auszeiten, in denen wenig bis gar nichts passiert oder in denen bereits bekannte Informationen nochmals durchgekaut werden. Die größte Enttäuschung für Kenner von 47 Meters Down dürfte allerdings die Tatsache sein, dass Fall nicht nur Plottwists kopiert, sondern ganze Szenen trotz 647 Metern Höhenunterschied sich ganz ähnlich anfühlen. Zwar gehören diese Momente durchaus zu den besseren des Films, aber sie sind für einen Teil des Publikums eben nicht mehr neu. Daher dürfte hier die Prognose stimmen: Wer 47 Meters Down nicht kennt, wird mit Fall mehr Spaß haben als ein Zuschauer, der den Hai-Reißer gesehen hat.

Emotionaler Trip

Schauspielerisch gibt es bei Fall wenig zu beanstanden. Der wohl bekannteste Name, Jeffrey Dean Morgan, dürfte bei seiner kleinen Rolle wohl mit einem oder zwei Drehtagen ausgekommen sein. Und macht in seinen kurzen Auftritten nichts falsch. Virginia Garner und Grace Caroline Currey, die beiden Hauptrollen, spielen die Angst angesichts der fast hoffnungslosen Situation, aber auch den Willen zum Überleben beide sehr glaubhaft. Und schaffen es früh im Film, das Publikum auf ihren Horrortrip mitzunehmen und emotional einzubinden. Da ist es kein Wunder, dass Fall die meisten Zuschauer trotz der übersichtlichen Optik und der dialoglastigen Szenen nicht kalt lassen dürfte. Das Schicksal der beiden jungen Frauen, die clever mit ihren wenigen Möglichkeiten jonglieren, ist dafür einfach zu tragisch.

Natürlich darf man nicht allzu sehr über die Story nachdenken, denn was hier an Zufällen und nicht sonderlich klugem Verhalten zusammenkommen muss, damit die beiden Frauen in exakt diese Situation geraten, hält einem Glaubwürdigkeits-Check kaum stand. Doch es ist erstaunlich, wie schnell das in den Hintergrund gerät, sobald Mann seine beiden Protagonistinnen der Gefahr aussetzt. Zwar schlägt das Script hier und da definitiv einen Haken zu viel (Geier!), aber es verfehlt seine Wirkung nicht. Mann, der bislang eher im Actionbereich inszenierte, zeigt hier, dass er auch einen Slowburner beherrscht, der seine Spannung langsamer aufbaut, dann aber weitgehend halten kann.

Fazit:

Mit Fall erfindet Regisseur und Mitautor Scott Mann das Genre des Survival-Thrillers nicht neu. Dazu bedient er sich zu schamlos bei 47 Meter Down, dessen wichtigsten Twist man hier wiederfindet. Aber er verfügt über zwei starke Hauptdarstellerinnen und eine wirkliche gruselige Location, die Leuten mit Höhenangst den Schweiß auf die Stirn treiben dürfte. Dazu findet Kameramann Miguel Olaso einige furchterregende Blickwinkel, die den Turm nochmals schlimmer machen, als er eigentlich ist. Wer sich nicht zu tief in die am Ende leicht ins Absurde abdriftende Story hineindenkt und die Hauptfiguren mag, bekommt mit Fall aber einen soliden Film, der in seinen besten Momenten erstaunlich effektiv funktioniert.

Fall startet am 1. Dezember 2022 als VoD und kommt am 15. Dezember 2022 als Blu-Ray in den Handel.

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Die Handlung

Seit Sherlock Holmes (Henry Cavill) seine kleine Schwester als Mündel angenommen hat, um ihre Bruder Mycroft vom Hals zu schaffen, sind einige Monate vergangen. Enola (Millie Bobby Brown) möchte sich als Detektivin im London des späten 19. Jahrhunderts etablieren. Doch keiner der potenziellen Klienten nimmt die junge Frau ernst. Und so will Enola eigentlich schon aufgeben, als ein Mädchen namens Bessy (Serrana Su-Ling Bliss) bei ihr auftaucht, und sie um Hilfe bei der Suche nach ihrer verschwundenen Schwester Sarah bittet. Ehrensache, dass Enola die Kleine nicht abweist und so ist sie wenig später bereits auf Spurensuche in der gemeinsamen Wohnung der Schwestern.

Kurze Zeit später inspiziert Enola dann als Arbeiterin verkleidet die Streichholz-Fabrik, in der sowohl Sarah als auch Bessy arbeiten. Und findet dort sowohl erste Indizien als auch Verdächtige, was das Verschwinden der jungen Frau angeht. Währenddessen ist auch ihr Bruder Sherlock nicht untätig, er sucht nach verschwundenem Geld aus der Staatskasse. Natürlich laufen sich die Geschwister bei ihren jeweiligen Ermittlungen schließlich über den Weg. Leider unter unschönen Bedingungen. Denn im Rahmen ihrer Ermittlungen findet sich Enola plötzlich auf der falschen Seite wieder. Statt als Detektivin gilt sie als dringend tatverdächtig in einem Mordfall. Da kann nur noch die Familie helfen …

Fehler nicht wiederholt

Der erste Film war zwar auf Netflix ein Erfolg, hatte aber seine Schwächen. Die Mischung aus feministischer Botschaft und Kriminalfall funktionierte nicht durchgehend. Immer wieder nahmen sich flammende Reden für Frauenrechte und Aufklärung des Verbrechens gegenseitig den Platz weg und bremsten den Film aus. Auch Enolas sehr regelmäßiges Durchbrechen der vierten Wand, um dem Publikum zu erklären, was es gerade gesehen hatte, war mitunter etwas mühsam mit anzusehen. All das macht Enola Holmes 2 deutlich besser als sein Vorgänger. Denn Regie-Rückkehrer Harry Bradbeer, der vorher hauptsächlich Serienfolgen inszenierte, hat aus den Fehlern des ersten Films gelernt. Zudem spart er auch durch die nicht mehr notwendige  Einführung der wichtigen Charaktere eine Menge Zeit.

Und die steckt Bradbeer diesmal hauptsächlich in die Krimihandlung des Films, ohne deshalb den Kampf der Frauen um mehr Rechte, auch diesmal ein zentrales Thema des Films, zu vernachlässigen. Das bringen Bradbeer und Drehbuchautor Jack Thorne (der auch Teil eins schrieb), diesmal aber besser und schneller auf den Punkt, nutzen dabei sogar historische Fakten, um die Handlung stärker in der Realität zu verankern, als das beim Vorgänger gelang. Das hat zwar zur Folge, dass das Publikum weniger von Helena Bonham-Carter als Enolas Mutter zu sehen bekommt, dafür sind ihre wenigen Auftritte allesamt etwas Besonderes und wirken daher spritziger als im Vorgänger.

Der Cast macht Spaß

Im Zentrum steht natürlich auch diesmal wieder Millie Bobby Brown als Enola Holmes. Und nicht nur ihr Charakter im Film ist gereift, auch die 18-jährige ist mittlerweile in den Feinheiten ihres Spiels stärker geworden. So reicht diesmal statt einem minutenlangen Monolog ans Publikum oft schon ein Blick oder ein Lächeln aus, um die Botschaft zu transportieren. Ein Umstand, der das Durchbrechen der vierten Wand deutlich bekömmlicher macht als noch in Teil eins. Bot der auch immer wieder Szenen, in denen die Heldin Zuschauern auf die Nerven ging, so fügt sich der Charakter im zweiten Teil deutlich besser in die Story ein. Und so wirkt Enola Holmes 2 sehr viel mehr aus einem Guss als das erste Abenteuer der jungen Detektivin mit der familiären Vorbelastung in Sachen Verbrechensaufklärung.

Henry Cavill, der hier mehr Zeit vor der Kamera bekommt, bleibt hingegen für Holmes-Puristen ein Grauen. Viel zu muskulös, nicht distinguiert genug und deutlich zu emotional für den Sherlock Holmes der literarischen Vorlage dürfte er allerdings bei der Kernzielgruppe des Films umso besser ankommen. Sam Claflins Mycroft Holmes hingegen kommt im zweiten Teil gar nicht vor – und wird als Charakter auch nicht vermisst. Weitere Versuche seinerseits, seine kleine Schwester in ein Internat zu stecken, hätte die Story wirklich nicht benötigt. Louis Partridge hingegen, der erneut Enolas Love-Interest Tewkesbury spielt, überzeugt erneut mit seiner Mischung aus verantwortungsvollem Adligen und leicht trotteligem Kavalier.

Mit David Thewlis hat sich Bradbeer einen überzeugenden Schurken geholt. Der hat vielleicht ein wenig zu viel Spaß am Grimassen schneiden entwickelt. Aber seinen Part als undurchsichtiger Polizist füllt er dennoch gut aus. Natürlich ist auch Enola Holmes 2 ein reiner Unterhaltungsfilm, dem es in erster Linie auf leichte Unterhaltung ankommt. Und der auch mit der Story der Buchvorlage nur wenig am Hut hat. Wer den ersten Film gar nicht mochte, wird auch hier sicher nicht glücklich. Dennoch stellt Enola Holmes 2 in fast jeder Hinsicht eine Verbesserung zum ersten Teil dar und übertrumpft ihn in Sachen Humor und Action. Für einen schönen Familienabend vor dem Fernseher eine gute Wahl!

Fazit:

Enola Holmes 2 ist seinem Vorgänger auf allen Ebenen überlegen. Die Story ist besser, sie kommt deutlich schneller in Tritt. Und sie ist sehr viel fokussierter als die Geschichte des ersten Films. Zudem fühlt sich Millie Bobby Brown in der Titelrolle im zweiten Versuch offensichtlich deutlich heimischer und wohler – und das strahlt auf das Publikum aus. Und so ist der Film eine gelungene Abenteuer-Detektiv-Story mit historisch korrektem Kern, ordentlichen Schurken und einem gut eingefangenen, wenn auch nicht immer realistischen Zeitkolorit. Mit gut zwei Stunden ist auch Teil 2 ein wenig zu lang. Er unterhält aber über weite Strecken ebenso amüsant wie leichtfüßig. Auf diesem Niveau darf gern noch ein dritter Teil folgen.

Enola Holmes startet am 4. November 2022 bei Netflix.

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