Die Handlung

The Broken Circle

Während Captain Pike (Anson Mount) einem Crewmitglied zur Seite stehen muss, erwartet Interims-Captain Spock (Ethan Peck) ein riskantes Abenteuer. Die Enterprise muss sich dabei auf diplomatisches Glatteis begeben …

Ad Astra per Aspera

Una Chin-Riley (Rebecca Romijn) muss sich für eine Tat vor Gericht verantworten, die bereits einige Jahrzehnte zurückliegt. Captain Pike hat alle Hände voll zu tun, um für seinen Ersten Offizier die richtige Verteidigung zu finden …

Tomorrow and tomorrow and tomorrow

Die Sicherheitschefin La’an Noonien Singh (Christina Chong) gerät durch einen skurrilen Unfall in eine andere Zeitebene – und nimmt aus Versehen eine sehr bekannte Figur mit …

Among the Lotus Eaters

Offenbar gibt es auf einer Welt, die Pike vor Jahren besuchte, nun ein Problem mit der Ersten Directive. Der Check auf dem Planeten erweist sich aber  als weit gefährlicher als gedacht …

Charades

Nach einem bizarren Shuttle-Unfall ist Spock nicht mehr derselbe. Doch ausgerechnet jetzt besteht die Familie seiner Verlobten auf der Durchführung traditioneller Hochzeits-Rituale …

Lost in Translation

Beim Bau einer Station in einem Nebel hat Fähnrich Uhura (Celia Rose Gooding) plötzlich unerklärliche Sinnesstörungen. Sie leidet unter grausamen Visionen, die immer schlimmer werden …

Der Höhenflug geht weiter

Sechs der zehn neuen Folgen von Strange New Worlds Staffel 2 stellte Paramount+ vorab zur Sichtung zur Verfügung. Und nach denen lässt sich sagen: Die Serie hält ihr hohes Niveau aus der ersten Staffel. Auch diesmal erfinden die Autoren das Rad nicht neu und nutzen Ideen, die bereits so oder ähnlich in der Original-Serie oder in TNG vorkamen. Aber sie tun das so clever und kompetent, dass selbst Zuschauer, die so gut wie alle jemals gedrehten Star Trek-Folgen präsent haben, vermutlich nicht sofort sagen können, woher ihnen die Geschichte bekannt vorkommt. Das schließt ausdrücklich Gastauftritte bekannter Figuren mit ein. So wiederholt Paul Wesley seine Rolle als junger James T. Kirk, die er bereits im ersten Staffelfinale gespielt hat. Und auch von Star Trek: Lower Decks schauen zwei Charaktere vorbei.

Denn was das Star Trek-Universum schon immer meisterlich beherrschte, war die emotionale Klaviatur in ihrer Gänze. Ein gruselige Folge folgt auf eine philosophische Episode, danach gibt es eine witzige Story, bevor es unerwartet romantisch wird. All das brachten die Autoren in der besten Zeit des Franchise großartig zu Papier – und auch Strange New Worlds Staffel 2 hat keine Probleme, diese ganz besondere Tugend zu kultivieren. Und weil es nur einige Nebenhandlungen gibt, die gelegentlich fortgesetzt werden und sonst in jeder Folge eine komplett neue Story erzählt wird, ist diese Abwechslung so hoch wie lange nicht im Star Trek-Universum. Ob es die beste Serie ist, die es je gab, wie manch überschwänglicher Fan bereits behauptete, ist wohl Geschmackssache. Eine sehr gute ist es in jedem Fall.

Reichlich Fanservice

Und das liegt tatsächlich zu einem guten Teil an den Drehbüchern, die nicht nur handwerklich stark sind, sondern auch von Leuten mit genug Lore-Wissen geschrieben wurden. Strange New Worlds Staffel 2 spielt im herkömmlichen Star Trek-Universum – und das bringt eine mittlerweile mehr als 50 Jahre alte Historie mit sich. Da gilt es, viel zu beachten und zu wissen. Die Autoren haben hier definitiv ihre Hausaufgaben gemacht. Und sorgen so für Szenen, die langjährigen Trekkies die Freudentränen in die Augen treiben dürften. Schließlich sind bereits drei Charaktere dabei, die später zur Besatzung der klassischen Enterprise gehören werden. Epische Momente sind damit natürlich vorprogrammiert – und Strange New Worlds Staffel 2 liefert.

Der Erfolg der Serie wäre allerdings undenkbar ohne die Schauspieler. Das Casting erweist sich erneut als perfekt. Allein Ethan Pecks Leistung als Spock ist derart gut, dass man Folgen ohne ihn kaum sehen möchte. Anson Mount überzeugt ein weiteres Mal als Captain Christopher Pike, der sich als Vorgänger von Kirk auf dem Kommandostuhl der Enterprise so ganz anders zeigt als sein Nachfolger – und dessen allen Fans bekanntes Schicksal in vielen Momenten wie ein Damoklesschwert über ihm hängt. Die Tragik seiner Existenz und die Tapferkeit, mit der er damit umgeht, ist immer wieder ein Grund, emotional tief in einzelne Folgen hineingezogen zu werden. Aber auch zwei zarte Love-Storys, die ebenso stark geschrieben sind wie der Rest der Folgen, passen perfekt in die bittersüße Stimmung der Serie.

Und so präsentiert sich Strange New Worlds Staffel 2 wie die erste auch als eine Art „Best of“ einer früheren TNG-Staffel, aus der sämtliche Episoden, die nicht wirklich großartig sind, herausgestrichen wurden. Denn – und so ehrlich sollte man sich machen – hätten TNG oder DS9 nur zehn Episoden pro Staffel erzählen müssen und dabei ein ähnliches Budget gehabt wie jetzt Strange New Worlds, die Staffeln wären keinen Deut schlechter gewesen. Das Niveau der Autoren ist heute nicht höher als damals. Sie haben nur mehr Zeit, sich auf wirklich ausgefeilte Plots zu konzentrieren. Und nutzen diesen Fokus für mindestens sechs weitere großartige Folgen Star Trek. Die Chancen stehen gut, dass die nächsten 14 – noch vier aus Staffel 2 und zehn weitere der bestellten dritten Staffel – ähnlich hochwertig ausfallen.

Fazit:

Keine Frage, die weitgehend für sich stehenden Einzelfolgen von Strange New Worlds Staffel 2 stehen den großartigen Episoden der ersten Staffel in nichts nach. In Sachen Produktionswertigkeit erneut auf Kinoniveau ist jede einzelne Story absolut sehenswert. Füller-Episoden, wie es sich früher bei den weit über 20 Folgen pro Staffel gab, sind hier nicht zu sehen. Die Crew hat sich, soweit nötig, in den neuen Storys noch mehr aufeinander eingespielt als in Staffel 1, sodass die Gags zünden, aber auch die emotionalen Momente zu Herzen gehen. Dabei halten sich Humor und Tragik in den ersten sechs Folgen der neue Season geschickt die Waage. Die Abenteuer der Enterprise unter Captain Christopher Pike bleiben also absolut großartig für Fans des Star Trek Universums.

ST: Strange New Worlds startet am 15. Juni 2023 bei Paramount+.

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Die Handlung

Julie (Renate Reinsve) ist fast 30 und hat bereits mehrere abgebrochene Studiengänge hinter sich. Nun jobbt sie als Verkäuferin in einem Buchladen und lernt eines Abends Aksel (Anders Danielsen Lie) kennen, einen bekannten Comiczeichner. Der ist allerdings knapp 15 Jahre älter als sie und hat andere Erwartungen ans Leben als Julie. Weil er sich genau deshalb von ihr trennen will, bevor die Sache zu ernst wird, verliebt sich Julie in ihn und bleibt. Doch bei einem Wochenende mit Aksels Freunden, die zum großen Teil bereits Kinder haben, kocht das Thema der Zukunftsplanung zwischen beiden wieder hoch, ein echtes Gespräch darüber führen sie aber nicht.

Monate später feiert Aksel eine große Party anlässlich eines neuen Comic-Releases. Julie langweilt sich dort irgendwann und sagt Aksel, dass sie nach Hause geht. Stattdessen lässt sie sich ziellos durch Oslo treiben und landet schließlich auf einer Hochzeitsfeier, auf der sie niemanden kennt. Dort trifft sie auf Eivind (Herbert Nordrum), zu dem sie sich sofort hingezogen fühlt. Zwar sind beide in einer Beziehung und beschließen daher, ihre Partner nicht zu betrügen, doch sie loten sehr genau aus, wie weit sie gehen können, ohne ihr Tun als Betrug zu empfinden. Als sie sich im Morgengrauen schließlich voneinander lösen, hinterlassen sie Spuren beim jeweils anderen …

Ein Film wie ein Roman

Oft schreibt eine Kritik davon, wie ein Film zu lesen sei. Und selten passt dieses Wort besser als bei Der schlimmste Mensch der Welt. Denn Trier und Vogt erzählen die Geschichte in zwölf Kapiteln plus Prolog und Epilog – wie einen Roman. Zudem verpassen sie ihrer Story auch noch eine Erzählerin, die aus dem Off regelmäßig Dinge kommentiert und klarstellt, manchmal aber auch einfach nur wiederholt, was die Charaktere im Film auch gerade sagen oder gesagt haben. Dieses Stilmittel führt dazu, dass die beiden Autoren literarisch durchaus hochwertige Dialoge unterbringen, die sich im Kontext der Erzählung ganz natürlich und gar nicht künstlich überhöht anhören.

So wirft Julie Aksel in einem Streit vor: „Alles, was wir fühlen, müssen wir in Worte fassen. Können wir nicht einfach nur fühlen?“ Und meint damit die Ohnmacht, die man erreicht, wenn einem angesichts der emotionalen Situation die Worte ausgehen. „Die Summe westlicher Schuldgefühle saß neben ihm auf der Couch.“ Das sagt die Erzählerin über Eivinds Freundin, die so nachhaltig lebt, wie es eben geht. Und beschreibt mit einem einzigen Satz eine gesamte Lebenssituation. Immer wieder gelingen Trier und Voigt solche Momente, die in aller Kürze eine komplexe Situation perfekt beschreiben. Was den Film für Leser gehobener Literatur zu einem Fest macht. Doch nicht nur für die.

Mut zum erzählerischen Risiko

Wenn für Julie angesichts der Erkenntnis einer neuen Liebe wortwörtlich die Zeit stehenbleibt, dann passt das eigentlich nicht zum Rest des Films. Doch Trier pfeift darauf, weil er die Idee offenbar genug mag, um das Risiko einzugehen. Und schafft so eine der schönsten Szenen des ganzen Films. Auch wenn Julie und Eivind sich auf der Hochzeit kennenlernen, lässt Trier durch einfache Gesten und Blicke die Luft flirren und so die körperliche Anziehung spürbar werden, ohne sie explizit benennen zu müssen. Und versprüht ganz nebenbei eine Erotik, die auch ohne nackte Haut auskommt und dennoch völlig unmissverständlich ist. Was nicht heißt, dass Trier nicht auch Sex deutlich zeigt, wenn es in seinen Kontext passt. Denn Julies Suche nach etwas, das sie nicht benennen kann, führt sie auch in viele Betten.

Es würde wohl zu weit führen, Trier und Vogt hier eine Aussage über eine ganze Generation unterstellen zu wollen, denn so wie Julie ist sicher nicht jeder. Aber sie ist auch nicht allein auf der Suche nach einem Platz, der ihrer ist und an dem sie bleiben möchte. Und so wirkt das mitunter seltsam anmutende Verhalten der jungen Frau bei genauerem Hinsehen eher konsequent als verwirrt. Denn immerhin hat Julie ein gutes Gespür dafür, was sie nicht will – oder nicht mehr will. Die noch relativ unbekannte Renate Reinsve spielt diese Figur mit einem kühlen Feuer und ganz viel Charme und fasziniert deshalb nach 120 Minuten noch immer genauso wie in den ersten Szenen. Dabei gibt sie dem Zuschauer keine Antworten, weil sie selbst keine hat.

Weil Trier und Vogt auch über ein ausgezeichnetes Gefühl für Tragik verfügen, wird Der schlimmste Mensch der Welt im letzten Drittel auch noch richtig traurig. Und so deckt der Film nicht nur eine gute Bandbreite an Gefühlen ab, in die er das Publikum stürzt. Er sinniert auch mit einer erstaunlichen Leichtigkeit über die großen Fragen des Lebens. Denn die oft bleierne Schwere solcher Filme zeigt Der schlimmste Mensch der Welt in keiner einzigen Szene. Und dann gelingt es Trier und Vogt auch noch, ihrem filmischen Roman auf einer absolut glaubwürdigen und konsequenten Note enden zu lassen. Da ist es wirklich kein Wunder, dass der Film unter den Oscar-Nominierungen für den besten fremdsprachigen Film war.

Fazit:

In Der schlimmste Mensch der Welt kommen einige Punkte zusammen, die als Ganzes einen großartigen Film ausmachen. Da ist das starke Drehbuch von Joachim Trier und Eskil Vogt, das spielerisch in Ton, Geschwindigkeit und Emotion variiert. Und dessen Sprache manchmal ebenso spannend ist wie die Handlung. Da ist die herausragende Leistung von Renate Reinsve, die die komplexe Figur der Julie vor den Augen des Zuschauers in einer atemberaubenden Geschwindigkeit zum Leben erweckt und lebendig hält. Und da ist der Mut der Macher, sich von großen Themen nicht abschrecken zu lassen und dennoch einen federleichten Film darüber zu machen. Großes, packendes Kino, das die Deutungshoheit jedem einzelnen Zuschauer überlässt.

Der schlimmste Mensch  der Welt startet am 2. Juni 2022 in den deutschen Kinos.

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Die Kritik zu The Kissing Booth finden Sie hier.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen gibt es hier.

Harmlos, aber irgendwie süß! Netflix hat ein Händchen für Komödien, die sich um die erste Liebe und das Ende der Schule drehen. Das haben die Programmgestalter gleich mit einem ganzen Schwung Filmen bewiesen. Ob „The Perfekt Date“, „Wie Jodi über sich hinauswuchs“ oder auch die beiden „To All the Boys“-Filme. Kann auch die Fortsetzung um Noah und Elle die Zuschauer wieder begeistern? Oder legt Netflix mit diesem Film einen Flop hin? Das klärt die Kritik.

The Kissing Booth 2: Die Handlung

Es gab turbulente Verwicklungen, bis Elle (Joey King) Noah (Jacob Elordi), den großen Bruder ihres besten Freundes Lee (Joel Courtney) endlich in die Arme schließen konnte. Doch nun beginnt Noah sein Studium in Harvard, 5000 Kilometer weg von Elle. Der unsicheren Oberschülerin macht die Distanz zu schaffen – und Noahs neue Freundin Chloe (Maisie Richardson-Sellers), die zwar angeblich nichts von ihm will, aber derart umwerfend aussieht, dass Elle Komplexe bekommt. Zudem wirkt Noah seltsam distanziert.

Aber auch Lee hat mit seiner Beziehung zu Rachel (Meganne Young) so seine Schwierigkeiten. Den eigentlich möchte er Elle trösten und bei ihr sein, andererseits fühlt sich Rachel jedes Mal wie das fünfte Rad am Wagen, wenn sie zu dritt unterwegs sind. Und dann kommt Elle auch noch der neue Schüler Marco (Taylor Perez) in die Quere, die sie offensichtlich ganz interessant findet. Weil er ihr bei einer wichtigen Sache aus der Klemme hilft, kommen die beiden sich schließlich näher. Hat die Liebe von Elle und Noah so tatsächlich eine Chance?

The Kissing Booth 2: Aufbrechen von Schablonen

Es tut sich was beim Film! Das zeigen auch die Teenager-Komödien und Love-Storys von Netflix. Waren früher die weiblichen Stars der Filme meist absolute Model-Typen, so hat sich das zumindest bei Netflix gewandelt. Denn in ihren Filmen sehen meist die Herren aus wie aus einem Mode-Katalog entsprungen, und den weiblichen Figuren gestatten die Drehbücher, Regisseure und Casting-Teams einen anderen Look. Was nicht heißen soll, dass die Schauspielerinnen keinen Charme hätten oder nicht hübsch wären, sie bedienen aber keine klassischen Klischees mehr.

Das ist auch bei Joey King zu sehen, die extrem niedlich ihre Rolle spielt, aber eher nicht auf dem Titelblatt der Vogue landen dürfte. Dass dem nicht nur so ist, sondern der Film genau diese Tatsache auch noch thematisiert, ist eine der Stärken von The Kissing Booth 2. Auch wenn ihre Nase vielleicht zu groß ist, ihre Körpergröße zu gering oder ihre Oberweite nicht dem entspricht, was früher als wichtig galt, so streiten sich doch zwei extrem gut aussehende Typen um sie. Eine schöne Botschaft, die Regisseur Vince Marcello da übermittelt.

The Kissing Booth 2: Keine Überraschungen

Deshalb von einer Innovation zu sprechen, fällt angesichts der sehr generischen Handlung allerdings schwer. Denn der Film läuft zu 95 Prozent exakt so ab, wie man das erwartet.  Da Marcello allerdings auch schon Teil 1 inszenierte und auch sonst vor und hinter der Kamera weitgehend die gleichen Leute standen, durften die Fans des ersten Films erwarten, eine Fortsetzung zu bekommen, die sich in möglichst wenigen Dingen vom Vorgänger unterscheidet. Und das ist Marcello zweifelsfrei gelungen. Das hat Vor- und Nachteile.

Wer den ersten Film schon mochte, wird auch diesen genießen können. Denn der Charme der durchgehend sympathischen Charaktere hat nicht nachgelassen, die zuckersüße Inszenierung mit ein wenig Herz-Schmerz-Garnitur schmeckt auch noch im zweiten Gang. Wer hingegen schon den ersten als deutlich zu realitätsfern ablehnte, wird auch mit der Fortsetzung nicht glücklich. Denn die Welt, in der Elle, Noah, Lee und die anderen leben, hat mit dem Durchschnitts-Dasein der meisten Zuschauer sicher wenig zu tun. Hier gibt es ein Märchen zu sehen.

Das ist aber solide inszeniert und gefilmt, hat eine sehr niedliche Nebenhandlung um ein Coming-Out und ist auch sonst derart politisch korrekt, dass man sich als Zuschauer selbst dann noch wohl fühlt, wenn es die Protagonisten gerade nicht tun. Innerhalb dieser Scheinwelt ist die Handlung dann immerhin so stimmig, dass man die Probleme der Teenager gut nachvollziehen kann. Hier zielt Netflix klar auf das nicht nur in den USA große Disney-Publikum ab. Keimfrei und harmlos, dafür aber vor allem dank Joey King und Joel Courtney sehr charmant.  

Fazit:

Mit The Kissing Booth 2 liefert Netflix den Fans des ersten Teils exakt das, was sie erwarten. In nahtloser Fortsetzung muss sich das junge Glück mit neuen Problemen auseinandersetzen, die zur Belastung für ihre Liebe werden. Das verpackt Regisseur Vince Marcello aber in so viel zuckrige wie auch lustige Momente, dass es einfach Spaß macht, sich das Ganze anzusehen – wenn man denn auf solche Filme steht. Für die Kernzielgruppe Mädchen und junge Frauen gibt es jedenfalls viel zu sehen und mitzufühlen. Harmlos, aber liebenswert.

The Kissing Booth 2 startet am 24. Juli 2020 bei Netflix.

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Ryan Murphy ist vor allem für TV-Produktionen ein echter Megastar. Bereits mit „Nip/Tuck“, seinem ersten großen Serienhit, ließ er aufhorchen, mit „Glee“ schaffte Murphy dann den endgültigen Durchbruch. Und schuf seitdem mit „American Horror Story“ und „9-1-1“ weitere Mega-Erfolge fürs Fernsehen. Doch nicht alles, was Murphy anfasst, wird zu Gold. So musste er mit „Scream Queens“ einen derben Flop hinnehmen. Wird Hollywood wieder ein Triumph für den fleißigen Hit-Entwickler oder legt er eine seiner seltenen Bauchlandungen hin?

Hollywood: Die Handlung

Jack Costello (David Corenswet) ist mit seiner schwangeren Frau nach Hollywood gekommen, um Karriere als Schauspieler zu machen. Tag für Tag steht er vor den Toren der ACE-Studios, um als Statist eine Chance zu bekommen – ohne Erfolg. Bis er in einer Bar Eddie (Dylan McDermott) kennenlernt. Der bietet ihm einen Job an seiner Tankstelle an, bei der manche Kunden mehr als nur Benzin wollen. Und so lernt Jack neben Avis (Patti LuPone), der Frau des Studiobosses, auch jemandem aus dem Castingbüro kennen.

Der aufstrebende Regisseur Raymond (Darren Criss) soll für ACE das Drehbuch des begabten Autoren Archie Coleman (Jeremy Pope) verfilmen. Doch Coleman ist schwarz und schwul, hat also eigentlich keine Chance, jemals Karriere zu machen. Dazu verliebt er sich noch in den jungen Schauspieler Roy Fitzgerald (Jake Picking), dem sein skrupelloser Star-Agent Henry Willson (Jim Parsons) bald den Künstlernamen Rock Hudson verpasst. Raymonds Freundin Camille (Laura Harrier) hätte gern die Hauptrolle in seinem Film – doch auch sie ist schwarz …

Hollywood: Murphys Laws

Bei Produktionen von Ryan Murphy wiederholen sich einige Dinge immer wieder. So arbeitet er offenbar gern mit ihm bekannten Gesichtern, denn auch in Hollywood sind mit David Corenswet („The Politician“), Darrin Criss („Glee“, „American Crime Story“) und Patti LuPone („American Horror Story“) Schauspieler dabei, die Murphy schon besetzt hat. Dazu holte sich Murphy diesmal aber auch einige Darsteller, die sich bislang vor allem auf Theaterbühnen hervorgetan haben – wie den großartigen Joe Mantello als ACE-Studioleiter Dick Samuels oder Jeremy Pope als Archie.

Ein weiteres Gesetz von Murphy besagt, dass seine Serien und Filme die Diversität des Menschen widerspiegeln. Selbst seit Jahren mit einem Fotografen verheiratet, gibt Murphy auch in seinen Arbeiten nicht-heterosexuellen Formen der Liebe breiten Raum. Ob die Figur der Ava Moore in Nip/Tuck oder diverse schwule, lesbische oder andere Figuren in Glee. Auch in Hollywood spart Murphy das Thema nicht aus, die Folgen zwei und drei der neuen Serie handeln nur von wenigen anderen Themen als Sex. Das muss man als Zuschauer wissen – und mögen.

Murphys Stärken

Murphy bevorzugt in seinen Arbeiten häufig einen „Larger than Life“-Look. Das gilt ganz besonders für Hollywood. Der Showrunner und sein Team tauchen die Serie in eine Art Postkarten-Optik: perfekt gestylte Menschen, großartiges Wetter, edles Ambiente. Hollywood wirkt so künstlich und unecht, wie es letztlich auch ist. Hier verschwimmen die Grenzen zwischen Person und Rolle, zwischen echtem Gefühl und vorgeschriebenen Texten. Bewusst lässt Murphy seine Figuren in Klischees aufgehen, aus denen sie aber immer wieder auch ausbrechen dürfen.

Besonders bei den Schauspieler-Figuren darf sich der Zuschauer bald nicht mehr sicher sein, wann die Charaktere sie selbst sind und wann sie in eine Rolle schlüpfen, um ihr Ziel zu erreichen. Ob Camille, die ihren eigenen Freund benutzt, um Karriere zu machen oder Jack, dessen Versuche, ein guter Mensch zu sein, immer wieder von seinem Drang, berühmt zu werden, torpediert werden. Murphy, der auch viele der Episoden selbst geschrieben oder mitgeschrieben hat, und seinem Autoren-Team, gelingen dabei ein paar grandiose Dialoge.

Murphys Schwächen

Obwohl Ryan Murphy mit den meisten seiner Projekte Erfolg hat, ist er nicht unumstritten. Denn er neigt bei seinem Arbeiten manchmal dazu, über das Ziel hinaus zu schießen. So auch in Hollywood: Einige der Charaktere sind derart klischeebeladen, dass sie nur noch mit viel gutem Willen als reale Menschen durchgehen. Und das beißt sich durchaus mit einigen der starken und glaubwürdigen Momente, die manchen der Figuren echte Tiefe und Charakter verleihen. So ist der Studioboss als Zigarre rauchender Fettsack so eine ärgerliche Figur.

Und auch Jim Parsons spielt Henry Willson zwar nach realem Vorbild, Murphy schießt aber auch mit dieser zutiefst hassenswerten Figur etwas übers Ziel hinaus. So ist sich der Zuschauer in manchen Momenten nicht mehr sicher, ob Murphy das wirklich noch ernst meint oder schon längst in eine Parodie auf alte Hollywood-Klischees gewechselt ist. Diesen Hang zur Übertreibung gibt es aber auch in seinen Erfolgsserien und viele seiner Fans werden es mögen oder sich zumindest nicht daran stören. Für den Ausflug nach Hollywood ist es daher empfehlenswert, Fan zu sein oder zumindest einige der Serien Murphys zu mögen.

Fazit:

An Ryan Murphys Hollywood dürften sich die Geister scheiden. Fans des erfolgreichen Serienschöpfers werden wohl auch diese wundervoll ausgestattete und sehr stark gespielte, aber in Teilen doch arg klischeebehaftete Geschichte lieben. Wer mit Murphys Art, Storys zu erzählen hingegen noch nie viel anfangen konnte, wird durch diese Serie wahrscheinlich auch kein Freund davon. Über jeden Zweifel erhaben sind die tollen Bilder und starken Dialoge, der Rest ist so geschmacksabhängig und angreifbar wie fast immer bei Murphy.

Hollywood startet am 1. Mai 2020 bei Netflix.

Gesehen: Sieben von sieben Episoden.

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Das Leben nach dem Tod – oder das Vermeiden des Todes – sind in der Science-Fiction schon lange ein beliebtes Thema. Auch Netflix hat mit „Altered Carbon“ bereits eine harte Sci-Fi-Serie im Programm, die sich im Kern mit der Frage beschäftigt, wie eine Gesellschaft aussieht, in der der Tod keine große Rolle mehr spielt. Greg Daniels‘ Idee ist allerdings viel näher an unserer Realität und verändert in uns bekannten Alltag nur wenig. Wie überzeugend ist die Satire über das Leben als Bewusstsein ausgefallen?

Upload: Die Handlung

Nathan (Robbie Amell) hat alles, was ein junger Mann sich nur wünschen kann. Als Programmierer arbeitet er mit seinem besten Freund an einer App, die das Leben aller Menschen zum Positiven verändern könnte. Und seine Freundin Ingrid (Allegra Edwards) ist zwar ein wenig bestimmend, liebt ihn aber sehr und unterstützt ihn mit dem Geld ihrer reichen Familie, wo sie nur kann. Das alles ändert sich, als Nathan mit den angeblich zu hundert Prozent sicheren selbstfahrenden Autos einen schweren Unfall hat.

Obwohl seine Vitalwerte noch nicht besorgniserregend sind, überredet ihn Ingrid, seinen Körper aufzugeben und sein Bewusstsein in die virtuelle Residenz Lake View übertragen zu lassen, wo ihre Familie mehrere Zimmer besitzt. Von nun an altert Nathan nicht mehr und er lebt in einem Luxushotel mit anderen Gästen zusammen, die es sich ebenfalls leisten können, im Tode extrem feudal zu leben. Dass dieses Leben dennoch so seine Tücken hat, merkt Nathan schnell. Zum Glück steht ihm die entzückende Nora (Andy Allo) als Ratgeber zur Verfügung …

Upload: Instagram-Nippel

Greg Daniels‘ Blick auf das ewige Leben, dass aus ständigen Wiederholungen, immer den gleichen Gesichtern und der einen oder anderen Paywall besteht, beweist einmal mehr sein Können. Denn Upload ist tatsächlich sehr witzig, wenn der Zuschauer einen eher dunklen Humor aufweist. In bitterbösen Szenen macht sich Daniels über die Technikgläubigkeit der Menschen ebenso lustig wie über Eigenheiten des Kapitalismus, die auch nach dem Tod noch ihre volle Gültigkeit behalten. Dabei baut er auch Seitenhiebe ein, die sich erst später erschließen.

So gibt es in der Pilotfolge eine Sexszene zwischen Nathan und Ingrid, in der vieles zu sehen ist – nur keine Nippel. Die Kamera bietet dem Zuschauer dabei sogar skurrile Perspektiven, nur um Ingrids Brustwarzen zu verdecken. Einige Folgen später bekommt das Publikum dann aber doch eine Nacktszene zu sehen – mit Nippeln. Verboten war es also von Seiten der Produktion nicht. Was nur den Schluss zulässt, dass Daniels damit einen Kommentar zu Instagram abgeben wollte. Nicht die letzte, kleine Attacken auf momentane Merkwürdigkeiten.

Upload: Mehr als nur Satire

Anspielungen auf bestehende Systeme und Geschäftsgebaren, die jeder Nutzer kennt, sind in Upload ebenso zuhause wie mehrere Storys und Genres. Denn Nathans Erlebnisse in der virtuellen Welt sind zwar auch witzig, bekommen aber immer wieder Gesellschaft von ernsten Szenen oder Momenten, die ans Herz gehen. Daniels gelingt es, Upload zu einer Love-Story, einer Detektivgeschichte, einer Medien-Satire und einem klugen Kommentar zum modernen Leben zu machen. Das ist ist auch deshalb beeindruckend, weil alles nebeneinander gut funktioniert.

Zwar ist der Krimi-Part um Nathans merkwürdigen Tod letztlich wenig originell und auch etwas kurz- Dafür gelingt den Autoren die wundervolle Liebesgeschichte zwischen Nathan und seiner Betreuerin Nora ausgezeichnet. Ein paar der schönsten Szenen der Serie brauchen nicht mehr als diese beiden. Robbie Amell und Andy Allo beweisen in Upload nicht nur, dass sie gute Schauspieler sind. Die Chemie zwischen den beiden stimmt einfach. Vieles zwischen den beiden funktioniert ganz wunderbar mit nur wenig oder gar keinem Text.

Selbst Zuschauer, die weder sonderlich am Krimi-Teil noch an der Love-Story interessiert sind, kommen bei Upload aber auf ihre Kosten. Denn die Autoren verstehen es ausgezeichnet, die aktuelle Gesellschaft mit Likes, Online-Dating und anderen mehr oder minder skurrilen Auswüchsen der Vernetzung gallig aufs Korn zu nehmen und sich über diese Merkwürdigkeiten lustig zu machen. Zudem beschert die Serie dem Zuschauer ein Finale, das geradezu nach einer weiteren Staffel schreit. 

Fazit:

Greg Daniels kann es einfach! Upload ist toll geschrieben, gut gespielt und bietet als Comedy mit Dramedy-Anflügen eine emotionale Bandbreite, die man bei Ansicht des Trailers noch nicht vermuten würde. Aber hier existieren Love-Story, Medien-Satire und auch düstere Momente in friedlicher Harmonie. Lange hat eine Comedy-Serie ihren Protagonisten nicht mehr so übel mitgespielt. Doch Upload ist so gut gemacht, dass das Publikum dennoch seinen Spaß daran hat – auch wenn mitunter Mitleid aufkommt. Hier lohnt sich das Einschalten!

Upload startet am 1. Mai 2020 bei Amazon Prime.

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Konfliktscheu scheint Netflix nicht zu sein. Denn obwohl dem Streamingdienst nach der Serie „Tote Mädchen lügen nicht“ mächtig Gegenwind wegen des Themas Selbstmord bei Jugendlichen bekommen hat, setzte Netflix die Serie fort. Und nimmt sich nun mit All die verdammt perfekten Tage einer weiteren Geschichte an, die sich unmittelbar mit psychischen Problemen und Selbstmord beschäftigt. Hat Netflix auch mit diesem Film wieder Schwierigkeiten zu erwarten? Wie geht All die verdammt perfekten Tage mit dem Thema um?

All die verdammt perfekten Tage: Die Handlung

Während Theo Finch (Justice Smith, „Detektiv Pikachu“) läuft, sieht er auf dem Geländer einer Brücke Mitschülerin Violet (Elle Fanníng) stehen, die offenbar überlegt zu springen. Ohne zu zögern, stellt er sich neben sie und holt sie schließlich herunter. Weil er immer wieder versucht, ihr näherzukommen, erfährt er bald ihr Geheimnis. Vor einem Jahr saß sie mit ihrer älteren Schwester im Auto. Und es gab bei dieser Brücke einen Unfall, bei dem ihre Schwester starb. Seitdem lebt Violet in einem Schneckenhaus, geht nicht aus und vermeidet Kontakt, wo sie nur kann.

Doch Theo möchte helfen und kann sie schließlich zu einem Gemeinschaftsprojekt für die Schule überreden. Gemeinsam fahren sie zu Sehenswürdigkeiten des Bundesstaates Indiana, um später einen Aufsatz darüber zu schreiben. Und Theo gelingt es, Violet wieder zum Lachen zu bringen, ihr neuen Lebensmut zu geben. Die beiden verlieben sich ineinander. Violet geht es immer besser. Doch sie übersieht, dass auch Theo Narben auf seiner Seele trägt, die sehr viel tiefer gehen als ihre eigenen. Und so fangen bald neue Probleme an …

All die verdammt perfekten Tage: Viele passende Zutaten

Eine Teenagerliebe, die stets am Rand des Dramas entlangläuft, was kann da alles schiefgehen? Die Balance zwischen schönen und traurigen Momenten zu halten und die Sache nicht in hemmungslosen Kitsch abgleiten zu lassen, das erfordert eine Menge Fingerspitzengefühl und ein gutes Script. Beides hat Regisseur Brett Haley gehabt, als er sich an die Umsetzung des Romans machte. Dazu braucht es aber natürlich auch noch gute Schauspieler, die sowohl witzige als auch tragische Momente glaubhaft spielen können. Und auch da hatte Haley Glück.

Denn Elle Fanning, schon seit Jahren eine sichere Bank bei ihren Rollen, meistert auch die schüchterne und tief verletzte Violet ohne Probleme. Erstaunlicher ist da schon, dass auch Justice Smith, bislang eher in ausschließlich unterhaltsamen Rollen zu sehen, seinen Part ebenso gut stemmt. Als Theo, der Violet so gerne helfen möchte, obwohl er eigentlich selbst genug Probleme hat, gewinnt Smith schnell die Herzen der Zuschauer. Seine phantasievollen Versuche, Violet aus ihrer Isolation zu holen, sind allerdings auch stark geschrieben.

All die verdammt perfekten Tage: Sensibel und gut erzählt

Haley überzeugt mit seiner Geschichte auch erzählerisch so gut, weil er konsequent die Probleme der einen Figur aus der Sicht der anderen erzählt. In Hälfte eins, in der sich Theo um Violet kümmert, erlebt das Publikum fast alles aus seiner Sicht. Wenn es später um Theos Schwierigkeiten geht, wechselt die Perspektive zu Violet. Zwar gibt es immer wieder einzelne Szenen, in der eine Figur auch mal alleine ist, aber die meiste Zeit hält Haley dieses Stilmittel gut durch. So bleiben die Figuren geheimnisvoller – und emotional wesentlich ansprechender.

Dabei hält Haley jederzeit einen gesunden Abstand zu jedweder Glorifizierung eines Selbstmordes. Und zeigt stattdessen auch immer wieder mögliche Auswege aus der Situation. Dennoch verharmlost All die verdammt perfekten Tage das Thema in keiner Sekunde. Bei diesem Film dürfte daher der Medien-Aufschrei im Vergleich zu Tote Mädchen lügen nicht auch wesentlich geringer ausfallen. Die FSK griff trotzdem durch und verpasste dem Film, der keinerlei gewalttätigen oder gruseligen Szenen enthält, eine Freigabe ab 16 Jahren, was wohl allein der Thematik geschuldet sein dürfte.

Es gibt zwar ein paar Änderungen in der Story vergleichen zum Roman, aber da Autorin Niven auch am Script schrieb, darf man die wohl als von höchster Stelle abgesegnet ansehen. Regisseur Haley gelingt es dadurch aber, die tragischen Momente der Story weitgehend ansatzlos auf das Publikum einstürzen zu lassen und so maximale Wirkung zu erzielen. Denn das Violet und Theo ein simples Happy-End bekommen, daran dürfte der Zuschauer ohnehin bald nicht mehr glauben. Stattdessen zeigt sich die harte Realität, was den Film nur besser macht.

Fazit:

Ausnahmen bestätigen die Regel! Nachdem die meisten Eigenproduktionen im Bereich Spielfilm bei Netflix nicht über das Prädikat „geht so“ hinauskommen, präsentiert der Streamingdienst mit All die verdammt perfekten Tage wieder ein Werk, das deutlich über diesem Standard liegt. Zwei gute Schauspieler, eine emotional reichhaltige, aber nie kitschige Story und eine interessante Art, sie zu erzählen, machen den Film zu einem der besten Netflix-Produktionen der vergangenen Monate. Eine Love-Story mitten aus dem Leben, bei der der Tod nie ganz verschwindet.

All die verdammt perfekten Tage startet am 28. Februar 2020 bei Netflix.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

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Die Kritik zum ersten Teil finden Sie hier.

Die erste Liebe, Flirts auf der Schule und das Erkunden von Gefühlen – dazu hat eigentlich jeder Erinnerungen und eine Meinung. Manche ertragen solche Filme kaum, andere können nicht genug davon bekommen. Dennoch gibt es selten wirklich starke Filme in diesem Rom-Com-Sub-Genre wie beispielsweise der wunderbare „Love, Simon“. Die meisten Netflix-Produktionen in diesem Bereich waren ganz nett, mitunter aber auch ziemlich weltfremd oder arg belanglos. Wie reiht sich die Fortsetzung einer ihrer besseren Versuche ein?

To All The Boys PS I Still Love You: Die Handlung

Lara Jean (Lana Condor) ist am Ziel ihrer Träume. Nachdem sie zunächst nur eine Beziehung mit Peter (Noah Centineo) vorgetäuscht hatte, sind die beiden nun ein echtes Paar geworden. Doch noch immer fühlt sich die 16-jährige unsicher, was den richtigen Umgang mit ihrem Freund angeht, der nach wie vor der Schwarm der ganzen Schule ist. Zu allem Überfluss meldet sich auch John Ambrose (Jordan Fisher), der den letzten der fünf Liebesbriefe bekommen hat, die das Chaos in Lara Jeans Leben erst ausgelöst hatten. Sie hatte ihn mit elf geschrieben.

Als der Zufall John und sie auch noch bei einem Praktikum in einem Seniorenheim zusammenführt und ein paar Dinge, die Peter tut, Lara Jean sehr verunsichern, liegt plötzlich eine potenzielle neue Liebe in der Luft. Als die junge Frau nicht mehr so richtig weiter weiß, kann sie aber auf die guten Ratschläge der klugen Seniorin Stormy (Holland Taylor) bauen. Aber wird das reichen, um die richtige Liebes-Entscheidung zu treffen? Oder macht Lara Jean vielleicht den größten Fehler ihres Lebens?

To All The Boys PS I Still Love You: Aufregend ist anders

Klar, eine Rom-Com sieht es nicht als ihre vordringlichste Aufgabe an, eine originelle Story zu erzählen oder irgendeine Art Spannungsbogen aufzubauen. Sie soll unterhalten, vielleicht ein wenig Fremdschämen ermöglichen und in jedem Fall viele romantische Momente beinhalten – daher ja der Name. Aber auch, wenn Handlung nicht im Vordergrund steht – ein wenig mehr davon als hier hätte es ruhig sein dürfen. Warum To All The Boys PS I Stll Love You mehr als 100 Minuten braucht, um ein Nichts an Story zu erzählen, bleibt fraglich.

Denn viel mehr als ein Paar, das Probleme hat und ein potenzieller neuer Lover, der dazwischengrätscht, hat der Film nicht zu bieten. Das ist selbst mit gutem Willen nicht sonderlich abendfüllend. Zwar kann Regisseur Michael Fimognari, im ersten Teil noch Kameramann, mit einigen schön-schrägen Nebenfiguren aufwarten, die eigentliche Story wird davon jedoch kaum berührt. Und so bestehen deutlich zu viele Szenen des Films aus Lana Condor, die sich in oder auf ihrem Bett hin und herwälzt und sich Gedanken über Peter macht. 

To All The Boys PS I Still Love You:  

Bei den Darstellern hatten die Macher ja bereits im ersten Teil ein gutes Händchen. Ob die zuckersüße Lana Condor oder Mädchenschwarm Noah Centineo, der für Netflix bereits in „The Perfect Date“ im Einsatz war, machen ihre Sache erneut gut. Wenn man als Zuschauer tatsächlich mit arg harmlosen Problemen zwischen dem Liebespaar zufrieden ist. Spaß macht hingegen Charlie Sheens ehemalige Mutter aus „Two and a Half Men“ Holland Taylor als rüstige Stormy, die der jungen Lara Jean hin und wieder den Kopf zurechtrückt.

Und Madeleine Arthur, die nicht nur demnächst in „Die Farbe aus dem All“ glänzt, sondern auch hier als einige Jugendliche zumindest ein wenig unangepasst sein darf. Sonst bleibt von den Darstellern trotz gestandener Hollywood-Stars wie John Corbett nur wenig hängen. Dafür überzeuigt das Script immer dann, wenn es einmal nicht um die große Liebe zwischen Lara Jean und Peter geht, sondern um andere Figuren und Lebenslagen. Wie das kurze, aber starke Gespräch zwischen Lara Jean und ihrer ehemals besten Freundin Gen.

Mit mehr solcher Szenen wäre To All The Boys PS I Love You zwar noch immer kein „Breakfast Club“ geworden, hätte aber ein wenig mehr Tiefe und Glaubwürdigkeit bekommen. So plätschert der kaum aufregende Herz-Schmerz 104 lange Minuten vor sich hin, bis er zu einem nicht sonderlich überraschenden Ende kommt. Um hier wirklich Spaß zu haben, muss man die Romanvorlagen und die Charaktere wirklich schon sehr mögen. Der Rest könnte den zweiten Teil der Trilogie durchaus ein wenig langweilig finden. Und Unrecht hätte er nicht.

Fazit:

Lag es am Script oder an der neuen Regie? Mit dem ebenfalls schon zuckrigen, aber durchgehend charmanten ersten Teil hat To All The Boys PS I Still Love You nicht mehr viel gemeinsam, trotz beinahe identischer Darsteller-Riege. Mit derart sparsamer Handlung und lediglich homöopathischer Menge Aufregung bleibt der zweite Teil (der dritte Teil ist ebenfalls schon abgedreht) nicht lange in Erinnerung. Spielte der Vorgänger noch im oberen Bereich der Netflix-Rom-Coms mit, ist der neue Film höchstens Mittelmaß. 

To All The Boys PS I Still Love You startet am 12. Februar 2020 bei Netflix.

Eine Übersicht über alle Netflix-Filmkritiken finden Sie hier.

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Seit „Kramer gegen Kramer“ 1979 die fünf wichtigsten Oscars (bester Film, beide Hauptdarsteller, Regie und Drehbuch) abräumte, gilt das Scheidungsdrama als die hohe Schule der großen Emotionen. Ziemlich beeindruckende Vorbilder also, die sich Regisseur Noah Baumbach als Regisseur und Drehbuch-Autor in Personalunion da ausgesucht hat. Kann der bereits einmal Oscar-nominierte Baumbach mit seinem Projekt mithalten? Oder haben Johansson und Driver gegen Streep und Hoffman keine Chance zu bestehen?

Marriage Story: Die Handlung

Charlie (Adam Driver), erfolgreicher Theater-Regisseur in New York, verliebt sich in die recht unbekannte Filmschauspielerin Nicole (Scarlett Johansson), die eigentlich in L.A. lebt und nur zu Besuch im Big Apple ist. Die beiden heiraten, bekommen Sohn Henry (Azhy Robertson) und werden als Regisseur und Hauptdarstellerin zu Lieblingen der Theater-Avantgarde der Stadt. Doch nach zehn Jahren Ehe bekommt die scheinbar heile Welt des Paares erste Risse. Die sich schnell zu größeren Problemen entwickeln.

Und so beginnt der Film bereits mit einer Mediation, die ihre Ehe retten soll. Von der hält Nicole allerdings wenig und zudem erhält sie das Angebot, als Hauptrolle in einem Serienpiloten in Hollywood mitzuwirken. Kurzentschlossen nimmt sie Henry und fliegt nach L.A., um ihre Karriere neu anzukurbeln. Charlie reagiert nicht nur mit Unverständnis. Sondern wird von der Pendelei zwischen den Städten, um seinen Sohn zu sehen, immer mehr aufgefressen. Und dann geht Nicole auch noch zu einer Anwältin, obwohl beide das eigentlich gütlich regeln wollten …

Marriage Story: Schauspieler-Kino

Obwohl Noah Baumbach seinen Film bis in die Nebenrollen exquisit besetzt hat (unter anderem mit Laura Dern, Ray Liotta, Alan Alda und „Unbelievable“-Star Merrit Wever), so steht doch das Duell zwischen Adam Driver uns Scarlett Johansson im Vordergrund. Und da gehört es auch hin. Was vor allem Driver in Marriage Story abliefert, gehört in einem starken Jahr für männliche Hauptdarsteller dennoch zum Besten, was zu sehen war. Aber auch Johansson spielt so differenziert und mit so zarten Nuancen, dass das Zusehen eine Freude ist.

Obwohl das Thema nicht wirklich dazu angetan ist, Glücksgefühle zu empfinden. Denn hier gibt es keinen Rosenkrieg. Eigentlich bedeuten sich Charlie und Nicole noch immer sehr viel und sind durch ihren Sohn ohnehin untrennbar verbunden. Baumbach gelingt es in seinem Drehbuch sehr gut, die scheinbaren Kleinigkeiten zu entlarven, die sich im Verlauf des Films zu immer größeren Problemen aufbauschen. Und schließlich zu Verletzungen führen, die möglicherweise nie ganz abheilen können.

Marriage Story: Theater auf dem Bildschirm

Baumbach zeigt dabei minutiös, wie die Versuche des Paares, alles möglichst friedlich (und damit auch finanziell günstig) zu regeln, durch Missverständnisse und kleine Spitzen schließlich doch bei knallharten Anwälten landen. Und spätestens dann in einen immer derber geführten Scheidungskrieg mündet, bei dem viel Geschirr zerschlagen wird. Am Ende kann der Zuschauer kaum sagen, wen von beiden mehr Schuld an dem Debakel trifft. Das Baumbach auch noch in einer brutal-offenen Aussprache enden lässt, die nichts besser macht.

Der Regisseur hat dabei Charlies Beruf nicht zufällig gewählt, denn er setzt immer wieder Mittel der Theaterbühne ein, um seine Geschichte zu erzählen. So nutzt er zu Beginn und Finale des Films Monologe aus dem Off für eine wunderbare Klammer. Und lässt zwischendurch den schon bei Shakespeare genutzten Chorus (eine unbestimmte Menge Personen) die Story weitererzählen, indem sich die Mitglieder der Schauspieltruppe über das Paar unterhalten. Baumbach lässt seine Protagonisten sogar singen, wobei Drivers Song tief ins Herz trifft.

Für ein deutsches Publikum ergibt sich allerdings das Problem, vieles an der US-Rechtssprechung bei Scheidungen kaum nachvollziehen zu können, so schräg und unfair sind die Gesetze dort. Daher ist manche Szene nicht so einfach zu verstehen, wie es vermutlich für ein US-Publikum der Fall wäre. Das soll aber den starken Gesamteindruck von Marriage Story nicht schmälern. Handwerklich durch seine Stilmittel beeindruckend und ergreifend gespielt, schlägt sich Baumbachs Film auch im Vergleich zu Kramer gegen Kramer richtig gut.

Fazit:

Es hat sich etwas getan bei Netflix! War es in früheren Jahren schon ein halbes Wunder, mehr als zwei oder drei Eigenproduktionen zu finden, die ansehnlich waren, gibt es 2019 schon einige, die sich lohnen. Dazu gehört an vorderster Front auch Marriage Story. Großartige Schauspieler und eine wundervoll geschriebene Geschichte voller Tragik und enttäuschter Liebe sorgen für ein Filmerlebnis, dem sich Zuschauer mit entsprechendem Geschmack kaum entziehen können. 

Marriage Story startet am 6. Dezember 2019 bei Netflix.

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Hin und wieder merkt der Netflix-Kunde deutlich, dass die Streaming-Plattform ihren Ursprung in den USA hat. Denn wie die berühmt-berüchtige Produktionsstätte Hallmark haut auch Netflix in jedem Jahr ab November die härtesten Schmachtfetzen raus, die sich ein Weihnachtsmuffel nur vorstellen kann. Aber das sind ja auch hierzulande eher wenige. Für die große Zahl der Weihnachtsfan könnte The Knight before Christmas also etwas sein, um in Stimmung zu kommen – oder etwa nicht?

The Knight before Christmas: Die Handlung

England im Jahr 1335. Der junge Ritter Sir Cole (Josh Whitehouse) begegnet bei einer Jagd tief im Wald einer alten Frau, die ihn zu seinen ritterlichen Tugenden befragt. Und ihn auf eine Quest schickt, um seine wahre Bestimmung zu finden. Dass ihn diese Quest allerdings in die USA des Jahres 2019 und direkt vor das Auto der Lehrerin Brooke (Vanessa Hudgens) führen wurde, damit hat Cole nicht gerechnet. Die junge Frau lebt seit dem Ende ihrer letzten Beziehung allein und hat eigentlich mit der Liebe abgeschlossen.

Doch der edle Ritter, der sich zu Beginn doch sehr unbeholfen durch eine ihm fremde Zeit bewegt, rührt ihr Herz. Weil sie zu diesem Zeitpunkt noch davon ausgeht, dass sich sein Rittertick durch den Unfall gebildet hat und wieder verschwinden wird, nimmt sie ihn aus Mitleid bei sich auf. Aber schon sehr bald beweist Cole mit ungeahntem Können, dass möglicherweise an seiner verrückten Geschichte doch etwas dran sein könnte. Und Brookes Mitleid verwandelt sich langsam in ein ganz anderes Gefühl …

The Knight before Christmas: Emotionen mit der groben Kelle

Dieser Film unterscheidet sich nur unwesentlich von anderen Produktionen wie „Weihnachten in der Wildnis“. Hier geht es weder um eine interessante oder gar spannende Handlung, noch um halbwegs glaubhafte Charaktere. Damit dürften aber auch nur die wenigsten Zuschauer rechnen, die sich bei Netflix dafür entscheiden. Denn The Knight before Christmas setzt alles daran, sein Publikum, wenn nötig mit dem Holzhammer, in weihnachtliche Stimmung zu versetzen. Ob das gelingt, ist vor allem eine Geschmackssache.

Das fängt bei Vanessa Hudgens an. Nachdem die damals 18-jährige zum klinisch reinen Sauber-Girl in „High School Musical“ wurde, versuchte die Schauspielerin, sich mit ernsthafteren oder abgründigeren Rollen neu zu positionieren. Diese Gedanken scheint sie nun aufgegeben zu haben, denn The Knight before Christmas sieht die inzwischen 31-jährige erneut als klassische Disney-Prinzessin. Obwohl sie den Film selbst produziertem, darf sie hier nur wenig mehr als permanent in die Kamera lächeln. 

The Knight before Christmas: Schönes Paar, mehr nicht

Auch Josh Whitehouse, international noch ein eher unbeschriebenes Blatt, hat außer nett zu lächeln wenig zu tun. Was allerdings beide Darsteller nicht davon abhält, aus den arg limitierten Anforderungen noch das Beste zu machen. Als Paar funktionieren Whitehouse und Hudgens daher auch recht gut. Leider fällt dem Drehbuch nicht das Geringste ein, um im Publikum auch nur die leisesten Zweifel darüber zu wecken, wie diese Geschichte wohl ausgeht. So ein klein wenig Spannung hätte dem Film aber ganz sicher nicht geschadet.

Ebenso wenig wie ein paar mehr Anpassungsschwierigkeiten des mittelalterlichen Ritters in der Jetztzeit. Aber der tapfere Cole steckt auch die größten Kulturschocks mit einem Schulterzucken weg und kann sogar nach einmal Zusehen schon Autofahren. Hier verschenkt der Film am meisten Potenzial, denn da haben andere Zeitreise-Filme deutlich besser demonstriert, wie lustig ein aus der Zeit gerissener Protagonist mit ihm unbekannten Technologien interagieren kann – oder eben nicht. 

Dazu kann sich der Film auch tricktechnisch nicht mit Ruhm bekleckern und wirkt auch durch die wenigen Schauplätze der Handlung recht billig. Daher ist letztlich die Entscheidung auch einfach, ob man sich The Knight before Christmas ansehen sollte oder nicht. Wem gnadenlos hart verbreitete Weihnachtsstimmung genügt und wem schon beim Anblick eines Weihnachtsbaums die Tränen kommen, der ist hier richtig. wer auch in der Adventszeit höhere Ansprüche an einen Film hat, fährt mit dem wunderbaren „Klaus“ oder dem letztjährigen „The Christmas Chronicles“ deutlich besser.

Fazit:

Obwohl The Knight before Christmas minimal besser ist als Weihnachten in der Wildnis, setzt Regisseurin Monika Mitchell auf das gleiche Pferd: viel Kitsch und Zuckerguss und wenig Handlung. Daran ändern auch die durchaus spielfreudigen Hauptdarsteller Vanessa Hudgens und Josh Whitehouse nichts. Für Zuschauer mit einem Faible für wohlig-harmlosen Weihnachtszauber bringt der Film alles mit, was man sich nur wünschen kann. Wer auch nur ein wenig Spannung und Unvorhersehbarkeit erwartet, wird hier nicht glücklich.

The Knight before Christmas läuft ab 21. November 2019 bei Netflix.

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Wer glaubt, in Deutschland würden die Leute viel Tamtam um Weihnachten machen, der hat sich noch nie angesehen, was das US-TV für die letzte Dezemberwoche so alles auffährt. TV-Filme bis zum Abwinken zelebrieren das Fest der Liebe in den unterschiedlichsten Varianten. Von lustig bis kitschig ist alles dabei, nur gut ist leider selten. Wie sich Weihnachten in der Wildnis, der erste Netflix-Beitrag des Jahres zum Thema, schlägt, erfahren Sie hier.

Weihnachten in der Wildnis: Die Handlung

Es beginnt mit Weihnachtsfotos – im August. Kate (Kristin Davis), Gatte Drew (Colin Moss) und Sohn Luke (John Owen Lowe) posieren für die Motive zum Fest, bevor Luke aufs College geht. Und kaum ist der Sohn aus dem Haus, teilt Drew seiner Gattin mit, dass er sie nicht mehr liebt und die Ehe für beendet hält, bevor er auszieht. Was soll Kate nun mit ihrem gebrochenen Herzen anfangen – und mit der zweiten Flitterwochen-Reise nach Sambia? Für sie steht fest – die Reise wird gemacht, auch alleine!

Dort trifft sie nicht nur den Abenteurer und Piloten Derek (Rob Lowe) sondern im Busch auch bald ein Elefantenjunges, das durch Wilderer zum Waisenkind wurde. Weil Kate vor ihrer Ehe Tierärztin war, kümmert sie sich nur zu gern um das Tier – und landet deshalb mit Derek in der Elefantenaufzuchtstation mitten in der Steppe Sambias. Und dort macht sie nicht nur Bekanntschaft mit weiteren Elefanten und deren Pflegern, sondern entdeckt auch ihre Liebe zur Natur wieder – und zu anderen Menschen …

Weihnachten in der Wildnis: Kleine Mogelpackung

Obwohl der Film offenbar den Auftakt zu Netflix‘ Weihnachtsoffensive 2019 darstellt – so richtig viel Weihnachten ist hier gar nicht drin. Bis auf den Beginn und ein paar Szenen in der Mitte und gegen Ende des Films, spielt das Fest keine Rolle. Stattdessen erzählt der Film eine zutiefst harmlose und zuckrige Love-Story zwischen zwei angehenden Best-Agern, die sich durch Zufall auf dem schwarzen Kontinent über den Weg laufen. Warum diese Story aber überhaupt erzählt wird, bleibt im Dunkeln.

Denn hier könnte problemlos ein 90-jähriger mit schwachem Herzen einschalten, ohne je Gefahr zu laufen, sich auch nur ein einziges Mal aufzuregen. Weihnachten in der Wildnis ist nicht nur komplett überraschungsfrei, sondern weist auch nicht den Anflug von Spannung auf. Hier geht der Puls garantiert nur in die Höhe, wenn man an Diabetes erkrankt ist und den Zuckergehalt der Geschichte nicht verträgt. Immerhin etikettiert Netflix den Film daher korrekt mit der Jahreszeit, in der am meisten Süßigkeiten gegessen werden.

Weihnachten in der Wildnis: Alles gut!

Nach ihrem Erfolg in Sex and the City hat Kristin Davis nie wieder eine ähnlich gute Rolle bekommen. Und so verschlug es die Schauspielerin in die Niederungen des TV-Films für Produktionen von Hallmark, die das Filmpendant zu billigsten Groschenheftchen darstellen. Und auch diese Produktion ist davon nicht allzu weit entfernt. Problemchen, so es sie überhaupt einmal gibt, werden im Minutentakt gelöst, die Love-Story zwischen den beiden Figuren wird kaum je entwickelt und plätschert gemächlich dahin, ohne je interessant zu werden.

Die Drehbuchautoren Neal und Tippi Dobrofsky haben schon viele Scripts geschrieben – und die Hälfte davon trägt das Wort Weihnachten im Titel. Die andere Hälfte nutzt Wedding oder Love für eine schmissige Überschrift. Und auch Regisseur Ernie Barbarash blickt auf eine lange Liste von TV-Movies zurück, die sich mit Weihnachten beschäftigen. Und so ist die Zielgruppe für diesen Film auch klar definiert. Wer sich mit größtmöglicher Harmlosigkeit unterhalten lassen möchte, der ist hier genau richtig.

Den beiden Stars David und Lowe kann man angesichts der fast nicht vorhandenen Handlung und den mauen Dialogen eigentlich keinen Vorwurf machen – die versuchen vermutlich sogar ihr Bestes. Dass Weihnachten in der Wildnis nicht zur kompletten Zeitverschwendung verkommt, hat der Film denn auch nur den vielen schönen Naturaufnahmen von Afrikas Flora und Fauna zu verdanken. Die gibt es aber in tollen Dokumentation auch – und die sind sogar noch spannend und interessant. Beides trifft auf Weihnachten in der Wildnis nicht zu.

Fazit:

Wer sich vor dem Fest gern komplett belanglosen und überzuckerten Wohlfühl-Kitsch antun möchte, ist mit Weihnachten in der Wildnis gut bedient. Die Figuren sind hemmungslos sympathisch, eine Story kaum vorhanden und der Tierschutz in Afrika dient sogar noch als politisch korrektes Feigenblatt für die harmlose Love-Story. Dafür gibt es garantiert auch ein Publikum. Mit einem Film, der eine irgendwie geartete Botschaft vermitteln will oder sich um interessanten Inhalt bemüht, hat das aber nichts zu tun. Das hat eher Daily-Soap-Niveau.

Weihnachten in der Wildnis startet am 1. November 2019 bei Netflix.

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