Die Handlung

Einige Jahre sind seit den Vorfällen mit dem Megalodon aus der Tiefsee vergangen. Jonas Taylor (Jason Statham) arbeitet noch immer mit seinem Kumpel Mac (Cliff Curtis) für das Wohl der Meere, verfolgt Umweltsünder und versucht, seine mittlerweile 14-jährige Stieftochter Meiying (Shuya Sophia Cai) im Zaum zu halten. Denn die will wie ihre Mutter eine große Wissenschaftlerin werden und am liebsten sofort damit anfangen. Ihr Onkel Jiuming (Wu Jing), der den Familienbetrieb übernommen hat und die Forschungen finanziert, hat sogar ein verletztes Megalodon-Jungtier aufgezogen und versucht, es zu trainieren – sehr zu Jonas‘ Missfallen.

Als eine Expedition routinemäßig den Graben untersucht, in dem der Megalodon gefunden wurde und von dem man inzwischen weiß, dass weitere Exemplare dort zuhause sind, kommt es zu einem folgenschweren Unglück. Bei einer Explosion reißt nicht nur die trennende Schutzschicht zwischen dem Graben und dem offenen Meer auf, die beiden U-Boote werden auch schwer beschädigt. Die letzte Hoffnung für beide Crews liegt in einer geheimnisvollen Meeresstation, die Jonas kurz vor der Explosion entdeckt hat. Doch dazu müssten sie in Spezialanzügen mehrere Kilometer über den Meeresgrund laufen und wären den Megs schutzlos ausgeliefert. Jonas merkt bald, dass ihnen dennoch keine andere Wahl bleibt …

Alles wie in Teil 1?

Um Meg 2 richtig einzuordnen, muss man einige Dinge wissen. Teil 1 wurde mit chinesischem Geld produziert, hatte jede Menge chinesischer Schauspieler dabei und wurde in China auch ein Erfolg. Für Meg 2 wurde daran auch nichts geändert. Diesmal ist neben Statham Chinas neuer Superstar Wu Jing zu sehen. Teil 1 war unblutig, sollte die wichtige Gruppe der jungen Teenager nicht ausschließen. Das hat der neue Film ebenso gemacht. Und natürlich wollte das Publikum im ersten Teil den Hai sehen. Da legt Meg 2 sogar noch eine Schippe drauf. Denn im neuen Film gibt es, wie der Trailer bereits zeigt, auch ein wenig  mehr zu sehen als nur Riesenhaie.

Daher sind beide Filme im Ergebnis auch dicht beieinander – teurer produzierter Edeltrash, der dem Publikum zeigt, wie Asylum-Filme aussehen würden, wenn man Geld für gute Effekte hineinsteckt. Aber ein paar Unterschiede gibt es dann doch. Das Drehbuch braucht zwar auch diesmal eine Weile, bis die Geschichte ins Rollen kommt, umarmt aber den Trash-Gedanken viel mehr als zu versuchen, sich davon zu lösen. Wenn der Held von einem Schlamassel ins nächste rutscht, dann hat das zwar nicht die Qualität, aber zumindest die Absurdität von Indiana Jones-Filmen. Der Film verbeugt sich sogar in einer Prügelszene vor einem ikonischen Moment aus dem zweiten Teil der Indiana Jones-Saga.

Furchtloser Fischkiller

Statham spielt seine Rolle so cool wie immer, hat aber eine ordentliche Portion Selbstironie im Gepäck, ohne die der Film deutlich schlechter wäre. Gegen Jonas Taylor sieht sogar Stathams Charakter aus The Tansporter wie ein nervöser Anfänger aus. Aber auch Statham umarmt seine trashige Figur und spielt sie so, dass sie gut zum absurden Rest passt. Nachdem sich die erste Hälfte des Films noch auf halbwegs normalem Terrain bleibt und beispielsweise eine schöne Hommage an den unterschützen „Underwater“ einbaut und auch ganz leichte Aliens-Vibes schafft, wird es in der zweiten Hälfte mit jeder Minute abgedrehter und trashiger.

Und was macht Indie-Filmer Ben Wheatley? Auch der hat seine vermutlich deutlich bessere Gage genossen und den Film so gemacht, wie er ihn machen sollte. Seine Handschrift findet man hier in keinem Moment, dafür liefert er am Stück ansehnliche Set-Pieces und Cliffhanger-Spannung in der Familienpackung ab. Denn vermutlich weiß er, dass die Trash-Attitüde des Films ohnehin so gut wie jeden Kritikpunkt ad absurdum führt. Die Bösewichte im Film bleiben blass und sind völlig übertrieben? Ja, Trash eben. Die Logik geht schnell baden? Physik und Realität spielen keine Rolle? Muss es auch nicht, ist ja Trash. Bei aller Kritik ist es aber eben launiger Trash, weil alle mitmachen und ins gleiche Horn stoßen. Keiner der Schauspieler glaubt sich in einem Shakespeare-Film, die wissen, was sie da machen.

Das macht Meg 2 – die Tiefe natürlich nicht zu einem guten Film. Aber das Creature-Design ist gelungen, ein paar gute Gags liefert der Film ebenfalls und die absurden Ideen, mit denen der coole Jonas Riesenhaie zerlegt, muss man ja auch erst einmal haben. Teil 1 war ein Erfolg und es gibt keinerlei Hinweise darauf, dass es Meg 2 schlechter ergehen wird. Denn fairerweise muss man auch sagen, dass der zweite Teil ein wenig besser ist als der erste. Und für Teil 3 ist auch schon alles vorbereitet. Mit welchen Monstern auch immer.

Fazit:

Wer immer schon wissen wollte, wie wohl Asylum-Filme aussehen würden, wenn die Firma Geld hätte, der muss sich Meg 2 ansehen. Superheld Jason Statham kämpft hier gegen Riesenhaie, Naturgesetze, Logik, Glaubwürdigkeit und Handlung. Der Brite bringt aber seine körperliche Präsenz gut ein und weiß, wie der ganze Cast, was er da spielt. Wäre der Anfang nicht noch halbwegs ernsthaft ausgefallen, Meg 2 wäre ein idealer Film für einen feucht-fröhlichen Filmeabend, bei dem der Spaßfaktor das Wichtigste ist. Und ja, wer solchen Edeltrash mag, dem wird auch Meg 2 wieder gefallen.  Denn die Fortsetzung ist noch deutlich absurder als der erste, verbeugt sich in kurzen Szenen vor einigen Klassikern und präsentiert mehr von allem, was Teil 1 zu einem Hit machte.

Meg 2 – die Tiefe startet am 3. August in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Ein russisches U-Boot testet eine neue Erfindung – eine Tarnkappe, mit der das Schiff für den Gegner unsichtbar wird. Die Technik scheint zu funktionieren, bis sich aus einer merkwürdigen Situation schnell ein Untergangsszenario entwickelt. Kurze Zeit später erhält Ethan Hunt (Tom Cruise) den Auftrag, sich um diese Situation zu kümmern, Offenbar hat eine Weltmacht die ultimative KI entwickelt. Und diese „Entität“ genannte Macht versucht nun, die Welt aufeinander zu hetzen. Hunt und sein Team sollen das verhindern. Dabei spielt sowohl Hunts Freundin Lisa Faust (Rebecca Ferguson) eine Rolle, als auch eine junge Frau, mit der Hunt bislang nie zu tun hatte und die augenscheinlich auch nicht mehr als eine begabte Diebin ist – Grace (Hayley Atwell).

Die soll einen Gegenstand für ihren Auftraggeber stehlen – und dieser Gegenstand entpuppt sich als das, was auch Ethan jagt. Im Verlauf der Jagd auf dieses Ziel, bei dem auch Benji (Simon Pegg) und Luther (Ving Rhames) wieder mit von der Partie sind, begegnet Hunt nicht nur alten Freunden, sondern mit Gabriel (Esai Morales) auch einem alten Feind. Offenbar steht er in Diensten der Entität und will um jeden Preis verhindern, dass Ethan an den Gegenstand gelangt, der der Entität Angst macht. Dafür gehen Gabriel und seine Killerin Paris (Pom Klementieff) brutal über Leichen. Waffenhändlerin Alanna (Vanessa Kirby) wird ebenso in Gabriels Spiel verstrickt wie Hunts Team. Und diesmal steht die gesamte Welt auf dem Spiel …

Düsterer als gewohnt

Obwohl Regisseur Christopher McQuarries Drehbuch sich alle Mühe gibt, sich einen apokalyptischen Anstrich zu geben, fühlt sich MI Dead Reckoning Part 1 nicht viel anders an als die Vorgänger. Es gibt eine Bedrohung und Hunt und sein Team müssen Schlimmeres verhindern. Diesmal allerdings zieht das Script sämtliche Register, um deutlich zu machen, wie gefährlich der neue Gegner tatsächlich ist. Esai Morales spielt diesen nihilistischen Killer in den ruhigen Momenten ebenso bravourös wie in den Actionsequenzen. Und kann so die großen Fußstapfen des vorherigen Bösewichts Henry Cavill durchaus füllen.

Auch McQuarrie geht im möglicherweise vorletzten Auftritt von Cruise als Ethan Hunt neue Wege. So inszeniert er eine Verfolgungsjagd auf einem Flughafen mit vielen Anleihen an Hitchcocks Suspense-Humor-Mischung. Dabei fungiert das Duo Shea Whigham und Greg Tarzan Davis als Militärcops an Hunts Fersen als witzige Auflockerung des mitunter arg düsteren Plots sehr gut. Und auch für Cruise und seine neue Partnerin Hayley Atwell sind McQuarrie einige sehr gelungenen Szenen eingefallen, in denen es mächtig knistert. Angeblich sollen Atwell und Cruise während der Dreharbeiten sogar eine kurze Affäre gehabt haben. Wenn man die beiden gemeinsam vor der Kamera sieht, man würde es auf jeden Fall für möglich halten.

Auf den Spuren von James Bond – mehr denn je

So richtig weit auseinander waren beide Reihen ja nie. Aber Mission Impossible Dead Reckoning Part 1 fühlt sich immer wieder extrem an wie ein Bond-Film. Ob die durchgeknallte Killerin, der Sci-Fi-Plot oder die Action-Sequenzen – hier weht mehr als einmal der Geist von 007 über die Leinwand. Das steht Ethan Hunt allerdings sehr gut. Denn durch die dunkle Story erhält der Film ein wenig mehr Gravitas als das bei den letzten Auftritten Hunts der Fall war. Und ähnelt dadurch den Bondfilmen der Craig-Ära in einigen Momenten sehr stark. Zwar erhält sich McQuarrie mit witzigen Momenten auch immer wieder eine leichtere Stimmung. Doch insgesamt ist der neue Film wohl der morbideste und dunkelste der Reihe.

Das Highlight jedes Films sind die Actionsequenzen und da bildet Dead Reckoning keine Ausnahme. Ob Cruise mit einem Motorrad über eine Klippe fährt und ins Tal fällt, durch einen Sandsturm reitet oder wilde Dinge in einem Auto ohne Türen veranstaltet – die Action lässt dem Publikum immer wieder den Mund offenstehen. Zum einen, weil die Stunts alle sichtbar handgemacht sind und Cruise diese Dinge (scheinbar) wirklich alle tut. Zum anderen, weil McQuarrie mit seiner Erfahrung diese besonderen Momente auch virtuos in Szene setzt. Mehr dann je verabschiedet sich Dead Reckoning allerdings auch von halbwegs glaubwürdigen Szenen. Wenn man sich mit jedem neuen Film selbst übertreffen muss, ist irgendwann der Verlust der Realität eben nicht zu verhindern. Das Publikum wird es kaum stören.

Denn es bekommt erneut einen derart furiosen, niemals langweiligen und mit interessanten Charakteren gefüllten Plot, der sich zwar als besonders komplex aufplustert, eigentlich aber sehr leicht zu verstehen und zu verfolgen ist. Cruise zeigt wieder einmal, dass er entweder der „hardest working man in business“ ist oder zumindest nicht weit davon entfernt. Die Szenen mit Pegg und Rhames haben fast schon etwas Wehmütiges. Ahnt man doch, dass das bald ein Ende haben könnte. Und Hayley Atwell nutzt die Chance, endlich einmal eine große Hauptrolle in einem Blockbuster ergattert zu haben, mit jeder Faser ihres Körpers und ist als eine Art emanzipiertes Bond-Girl in jeder Szene großartig. Keine Frage: Mission Impossible Dead Reckoning Part 1 liefert. Viel besser kann man einen Action-Thriller nicht machen.

Fazit:

Das Duo McQuarrie/Cruise packt mit Mission Impossible Dead Reckoning Part 1 erneut einen Actionthriller aus, der so gut wie allen anderen Filmen des Jahres die Hacken zeigt. Flottes Tempo, trotz 169 Minuten Laufzeit, starke alte und neue Schauspieler, furiose Actionmomente, die mit ihrer Authentizität noch immer beeindrucken. Und ein Plot, der sich mehr denn je wie ein James Bond-Film anfühlt – im besten Sinne. Dazu endet der Film versöhnlich mit einem guten Moment. Und lässt das Publikum nicht mit einem fiesen Cliffhanger in die Wartezeit auf Teil 2 (28. Juni 2024) gehen. Alles richtig gemacht, Mr. Hunt! Wer Actionfilm des Jahres werden will, muss an diesem erst einmal vorbei!

Mission Impossible Dead Reckoning Part 1 startet am 13. Juli 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Eigentlich müsste Tyler Rake (Chris Hemsworth) tot sein. Von Kugeln durchsiebt siukt sein Körper auf den Grund des Flusses. Doch wie durch ein Wunder wird er nicht nur angespült und von seiner Auftraggeberin Nik (Golshifteh Faharani) gefunden, sondern kann auch in aufwendigen Operationen vor dem Tod bewahrt werden. Allerdings ist sein Körper nach monatelangem Liegen kaum noch in der Lage zu gehen, geschweige denn, mit der Waffe in der Hand Menschen zu retten. In einer Hütte in der österreichischen Natur soll Tyler wieder zu Kräften und in Form kommen – und eigentlich seine Frührente genießen. Doch es kommt ganz anders. Denn eines Tages sitzt ein geheimnisvoller Fremder (Idris Elba) auf der Bank vor seinem Haus und erteilt ihm einen Auftrag, den er nicht ablehnen kann.

In Georgien haben zwei Brüder jahrelang unter ihrem tyrannischen Vater gelitten, doch als Erwachsene selbst den falschen Weg eingeschlagen. Als Köpfe eines verschworenen Verbrecher-Clans beherrschen sie die Unterwelt, obwohl einer von beiden eine lange Haftstrafe absitzen muss. Weil die Familie so mächtig ist, darf – oder vielmehr muss- dessen  Frau (Tinatin Dalakishvili) und die beiden Kinder mit ihm im Knast leben. Rake soll die drei aus dem Gefängnis befreien und in Sicherheit bringen. Doch der Arm der Brüder reicht deutlich weiter, als sich die Befreier das gedacht hatten. Es kommt zum gnadenlosen Kampf im georgischen Winter …

Handwerklich überzeugend

Zweite Teile sind ihren Vorgängern häufig in Sachen Story und Spannung unterlegen. Das Drehbuch ist oft ein Schnellschuss und variiert lediglich die Ideen des ersten Teils. Und die Action ist meist ebenfalls ein Abklatsch der ersten Variation. Zumindest eines von beiden stimmt bei Extraction 2 nicht. Denn die Action ist nicht nur handwerklich bestechend, sondern sogar noch einen Hauch stärker als im ersten Film. Prunkstück des handwerklichen Könnens von Regisseur Hargrave und Kameramann Greg Baldi ist eine gefühlt 20 Minuten lange Plansequenz ohne sichtbaren Schnitt, in der Rake und seine Mitstreiter ins Gefängnis eindringen und anschließend ihre Flucht durchziehen. Das sieht man auch im internationalen Actionkino auf der Leinwand nicht beeindruckender als hier.

Denn Hargrave und sein Team erzählen diesen Teil des Films nicht nur mit perfektem Spannungsaufbau, sondern auch mit dem nötigen Schuss brutaler Authentizität. Auch das zweite lange Setpiece, eine Art Belagerung eines Hochhauses, hält geschickt die Spannung noch und bleibt bei aller Übertreibung zugunsten von Adrenalinkicks noch halbwegs realistisch. Erst im Finale gehen den Drehbuchautoren die Pferde ein wenig durch und sie lassen ausgerechnet den Gaul mit Namen Logik ausbüchsen. Zu diesem Zeitpunkt spielt das ohnehin keine großer Rolle mehr, denn das Publikum ist längst auf den großen Showdown eingestimmt, auf den es sich seit einer Stunde schon freut. Und Tyler Rake Extraction 2 liefert.

Hemsworth glänzt als schweigsamer Kämpfer

Ein weiteres Mal lebt der Film vor allem von der physischen Präsenz das Hauptdarstellers. Der muskelbepackte Hüne Chris Hemsworth bewegt sich in seiner Rolle als Tyler Rake so glaubwürdig, dass es im Film niemals Szenen gibt, die man dem Australier nicht abnimmt. Wohltuend selten tischt Drehbuchautor Joe Russo dem Publikum lange Dialoge auf, denn die sind meist nicht sonderlich überzeugend. Die emotionalen Knackpunkte der Handlung sind schnell gesetzt und schnell abgearbeitet, die Motive klargestellt. Und dann regiert die Action. Hemsworth nimmt man den emotional verkrüppelten Kämpfer auch deshalb ab, weil er erfreulich wenig darüber reden muss. Sein Gesicht beim Anblick von Kindern genügt auch.

Das gilt leider nicht für alle Charaktere. Bei einigen der Figuren kleben die Autoren bereits in deren erster Szene einen Totenkopf auf die Stirn, so sicher ist der Zuschauer sofort, dass dieser Charakter die Handlung nicht überleben wird. Das trägt nicht unbedingt zu einer originellen Handlung bei, und auch hier sorgt das eher für Schulterzucken als echte emotionale Anteilnehme, wenn es denn soweit ist. Auch der Schurke des Plots bleibt blass, was man allerdings dem georgischen Darsteller Tornike Gogrichiani kaum anlasten kann. Es gibt schlicht keine Szene, in der sich Gogrichiani als etwas anderes als ein Monster etablieren darf. Auch Graustufen bei der Charakterzeichnung legt Tyler Rake Extraction 2 schlicht keinerlei Wert. Und das unterscheidet ihn letztlich in Nuancen von Actionbrettern wie der John Wick-Reihe, die die interessanteren Schurken zu bieten hat.

Am Samstag startet Netflix seinen großen Tudum-Event, bei dem auch Chris Hemsworth als Stargast angekündigt ist. Es wäre wenig verwunderlich, würde er dort Extraction 3 als weiteren Teil bestätigen.

Fazit:

Mit der Story wird Tyler Rake Extraction 2 sicher keine Preise gewinnen. Mit der furios und hart inszenierten Action dürfte er hingegen die Fans des ersten Films der Reihe weitgehend abholen. Denn eine großartige Plansequenz zur Mitte des Films ist zwar das Highlight, aber längst nicht die einzige stark gemachte Actionsequenz. Chris Hemsworth pflügt sich erneut mit einer ungeheuren körperlichen Präsenz durch Gegnermassen und wirkt in jedem Moment glaubhaft – wenn man das Finale einmal ausspart. Bei Netflix dürfte der FIlm zum Abräumer der kommenden Wochen werden. Da ist die Verkündung eines dritten Teils in der Filmreihe eigentlich nur noch Formsache.

Tyler Rake Extraction 2 startet am 16. Juni 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Das Jahr 1767 im Süden Frankreichs. Der Chevalier Gregoire de Fronsac (Simon Le Bihan) und sein Begleiter, der amerikanische Ureinwohner Mani (Mark Dacascos), reisen ins Gebiet von Gevaudan, um eine Serie von tödlichen Angriffen auf die Bevölkerung zu untersuchen. Vom König selbst geschickt, soll de Fronsac die als „Bestie von Gevaudan“ berüchtigte Kreatur jagen, töten und als Präparat an den königlichen Hof zurückbringen. Bald merkt der weitgereiste Abenteurer, dass in diesem abgelegenen Gebiet Frankreichs noch andere Dinge umgehen als nur eine Bestie. Die Meinung, ein Wolf wäre für die Attacken verantwortlich, kann de Fronsac bald als Legende nachweisen, allerdings hat auch er Mühe, sich der Kreatur zu nähern. Sie scheint ein Gespür dafür zu haben, wann sie sich verstecken muss.

Als Chevalier wird de Fronsac auch in die feine Gesellschaft des Gevaudan eingeführt und lernt dort die Familie de Morangias kennen. Während der Sohn der Familie, der verkrüppelt von einer Afrikareise zurückgekehrte Jean-Francois (Vincent Cassel), dem Freigeist eher mit Verachtung begegnet, findet dessen Schwester Marianne (Emilie Duquenne) trotz ihres kühlen Verhaltens den Abenteurer aus Paris offenbar wesentlich spannender. Dass die Bestie allerdings auch einen politischen Hintergrund aufweist, in den offenbar auch die Edelhure Sylvia (Monica Belucci) verstrickt ist, findet de Fronsac erst spät heraus. Kann der Edelmann die Bestie zur Strecke bringen, bevor ihr grausamer Plan vollends aufgeht?

Genre-Mix vom Feinsten

Vermutlich muss man Genre-Fans und Filmfreunden Christophe Gans‘ Werk nicht mehr vorstellen. Aber wer den Film tatsächlich noch nie gesehen hat, braucht Infos. Pakt der Wölfe ist ein Sammelsurium von einem Film. Er beginnt als historischer Film, fügt schnell Martial-Arts-Elemente hinzu und wird später zum Polit-Thriller, Horrorfilm und Fantasy-Streifen. Was Gans, der auch am Drehbuch mitarbeitete, hier zusammenfügt, gibt es in dieser Menge wohl in keinem anderen Genre-Mix. Und Gans gelingt es dabei noch, eine historisch nachgewiesene Begebenheit als Hintergrund für seinen üppigen Plot zu nutzen – die Bestie von Gevaudan hat es wirklich gegeben, das Rätsel um sie wurde nie gelöst.

Natürlich lassen sich auch hier Punkte zur Kritik finden. Bedingt durch seine fast absurd hohe Menge an verschiedenen Geschichten sind die meisten Charaktere eher Stereotype als echte Menschen. Zeit für ein wenig mehr Tiefe hat Gans nur für seinen Helden de Fronsac gefunden, der sich vom zu Beginn leicht arrogant wirkenden Schöngeist zur furiosen Kampfmaschine entwickelt und dabei auch seinen moralischen Kompass wiederfindet. Alle anderen Figuren ordnen sich hingegen den Storys unter und bekommen nur so viel Aufmerksamkeit wie absolut notwendig ist. Anders wäre die Fülle an Inhalt allerdings wohl auch nicht in 150 Minuten zu erzählen.

Gutes Bild, fantastische Bilder

Gans ist aber nicht nur inhaltlich wild unterwegs. Auch seine damals innovative Inszenierung mit vielen (aber nicht zu vielen) Zeitlupen, schrägen Kamerawinkeln und Perspektiven vor durchgehend grandioser Kulisse, machen Pakt der Wölfe absolut sehenswert für jeden, der ein Auge für ästhetische Filme hat. Denn so manches, was sich hier zeigte, wurde in späteren Jahren zum Standard für gehobene Actionfilme. Dazu lässt Gans auch seine Set-Designer freidrehen und präsentiert nicht nur ein Bordell aus einem surrealen Gemälde, sondern auch gothische Ruinen und Katakomben vom Feinsten. Optisch ist Pakt der Wölfe daher in jeder Hinsicht ein absoluter Leckerbissen, selbst wenn einem Zuschauer die vollgepackte-Genre-Mix-Story nicht zusagen sollte.

Das gilt auch weitgehend für die Bildqualität der neu abgetasteten UHD-Version. Zwar lässt sich nicht komplett verhehlen, dass der Film mehr als 20 Jahre alt ist, denn gerade in dunklen Bereichen des Bildes sind hin und wieder Moiree-Spuren zu sehen, insgesamt glänzt Pakt der Wölfe aber mit knallscharfen und farblich beeindruckenden Bildern. Und zeigen so, wie gut der Film bereits 2001 in den Kinos ausgesehen hat – und mehr. Denn erstmals ist nicht nur der Director’s Cut in UHD zu sehen, sondern der wurde nun auch endlich komplett mir deutschem Ton bestückt. Die bisherige Fassung, bei der neue Szenen im Original mit deutschen Untertiteln enthalten waren, ist damit endlich Geschichte. Und auch fünf Stunden Bonusmaterial können sich mehr als sehen lassen.

Fazit:

Auch mehr als 20 Jahre nach Erscheinen ist Pakt der Wölfe noch immer ein faszinierender Genre-Mix aus Historienfilm, Thriller, Fantasy, Martial Arts und Tier-Horror. Im neuen 4k-Gewand und mit erstmals komplett synchronisierter Director’s Cut-Fassung kann Christophe Gans‘ Meisterstück nun zeigen, wie gut er gealtert ist. Wer den Film bereits kennt und liebt, sollte sich die 4k-Version unbedingt zumindest einmal ansehen, für Sammler dürfte ebenfalls jetzt die Chance gekommen sein, einen der besten europäischen Unterhaltungsfilme des neuen Jahrtausends in den Schrank zu stellen. Angesichts dieser Qualität kann man nur hoffen, dass Regisseur Christophe Gans seinen zweiten Silent Hill-Film bald in Angriff nehmen kann.

Pakt der Wölfe erscheint am 12. Mai 2023 auf Blu-Ray und UHD-Blu-Ray.

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Die Handlung

Sie (Jennifer Lopez) bleibt namenlos. Eine Elitesoldatin, die sich mit den falschen Leuten eingelassen und die nun an die Behörden verraten hat – weil sie schwanger ist und die Angst um ihr Baby sie dazu treibt. Doch die Idee erweist sich als nur mäßig gelungen. Der FBI-Unterschlupf, in dem sie befragt wird, wird von den Gangstern überfallen und bis auf den Agenten Cruise (Omari Hardwick), dem sie das leben rettet, sterben alle Agenten dort im Kugelhagel. Sie selbst entkommt knapp mit schweren Verletzungen. ALs sie im Krankenhaus erwacht, erfährt sie, dass es ihrer inzwischen geborenen Tochter gut geht. Doch die Mutter muss eine Entscheidung treffen, denn die Gangster sind noch immer hinter ihr her.

Und so erklärt sie sich bereit für den härtesten Verlust ihres Lebens – sie gibt ihre neugeborene Tochter auf, damit nichts auf eine Verbindung zwischen ihr und dem Kind hinweist und sie so sicher ist. Dann zieht sich die Mutter nach Alaska zurück und wartet dort in einer völligen Einöde darauf, ob die Killer sie aufspüren oder nicht. Und nur Agent Cruise weiß, wo sie ist und teilt ihr einmal im Jahr mit, dass es ihrer Tochter gutgeht. Nach zwölf Jahren schlägt Cruise aber Alarm. Offenbar haben die Killer herausgefunden, dass die Tochter existiert und planen möglicherweise eine Entführung. Und so muss die Mutter aus ihrem selbsterwählten Exil zurück in die Zivilisation. Das geht nicht ohne Leichen ab …

Wenig Charakter

Ob einem The Mother gefällt oder nicht, steht und fällt mit Jennifer Lopez. Wer der 53-jährigen die Rolle als Eiltesoldatin und Killerin abnimmt, der kann durchaus auf seine Kosten kommen. Wer sich hingegen schwer tut, die Tänzerin und Sängerin als knallharte Kämpferin zu sehen, der dürfte mit The Mother wohl nicht warm werden. Dabei sind das längst nicht die einzigen Probleme des Films. Gute Helden brachen meistens gute Schurken, damit der Zuschauer die Geschichte spannend findet. Und da geizt das Script nicht nur mit Charakteren, sondern auch mit Möglichkeiten. Gael Garcia Bernal („Werewolf By Night„) bekommt lediglich eine Szene, um sich sich als Widerling zu profilieren, was wirklich nicht viel ist. Und Joseph Fiennes als finalem Gegner ergeht es nicht wesentlich besser.

Beide bleiben halbgare Figuren, deren wirkliche Motivation das Drehbuch nie herausarbeitet. Das ist umso schlimmer, weil beide der Vater des Kindes sein könnten, wegen dem die Lopez-Figur das alles auf sich nimmt. Da wäre es schön gewesen, das Publikum hätte erkennen können, aus welchem Grund beide interessant genug fand, um mit ihnen im Bett zu landen. Die mäßige Charakterzeichnung ist vielleicht da schwächste Seite des Films, der aber auch gute Anlagen aufweist. So ist Omari Hardwicks Charakter Cruise eine grundsolide Sidekick-Figur, der der Zuschauer schnell ins Herz schließt. Und auch Lopez darf in einigen Szenen durchaus zeigen, dass sie schauspielern kann und ihrer Figur damit ein paar interessante Ecken und Kanten verleiht.

Action oder Drama?

Und auch die Actionsequenzern gelingen ordentlich, wenn man The Mother nicht mit Krachern wie John Wick oder Mission Impossible vergleicht. Eine schönes Set-Piece auf Kuba gehört ebenso dazu wie einige ordentlichen zusammengefügten Szenen einer Hausstürmung. Im Vergleich zur Spitze der Actionwelt ist das dennoch alles ein wenig bieder. Immerhin erinnert das Finale stark an Willi Bogner-Sequenzen aus alten Bond-Filmen und sorgt so für ein wenig Retro-Feeling im Schnee. Aber die Zuschauer wirklich vom Hocker fegen, das gelingt The Mother leider zu keinem Zeitpunkt. Dazu ist die Inszenierung zu behäbig, Regisseurin Niki Caro hat bislang hauptsächlich Dramen gedreht – und das merkt man.

Und auch die Dramaturgie ist aufgrund der fehlenden Motive der Schurken etwas holprig. Stark wie The Mother eigentlich immer nur dann, wenn sich die Mutter mit ihrer Tochter Zoe auseinandersetzen muss und von knallharten Killer zum völlig verschüchterten, schuldbeladenen Eisschrank wird, der die Nähe zwar will, aber keine Ahnung hat, wie sie herzustellen wäre. In diesen Momenten ist auch Jennifer Lopez am besten in ihrer Rolle. Leider kommt dieser Aspekt der Geschichte trotz zweistündiger Laufzeit deutlich zu kurz und hätte breiteren Raum verdient. Auch weil die junge Lucy Paez als Zoe einen richtig guten Job macht und dem Zuschauer Emotionen entlocken kann.

So zeigt The Mother immer wieder durchaus interessante Ansätze, die aber in dem Willen, einen Actionthriller zu drehen, zu oft auf der Strecke bleiben. Und die Thriller-Anteile sind zwar solide, aber eben auch nicht mehr. Für die abendliche Berieselung, während man nebenbei am Smartphone beschäftigt ist, bietet der Film aber ausreichend gute Unterhaltung und auch eine Handlung, die selbst mit zehn Minuten geistiger Pause nicht zu Verwirrungen führt. Wem das genügt, der hat hier seinen Spaß.

Fazit:

Schade, dass sich The Mother nie entscheiden kann, ob nun der Thriller-Teil oder der Drama-Aspekt im Vordergrund stehen soll. So nehmen sich beide Genres ein wenig die Luft zum Atmen und machen aus einem möglicherweise sonst guten Film nur einen ganz soliden. Die Action ist in Ordnung, aber nicht weltbewegend. Jennifer Lopez hat ein paar starke Szenen als Schauspielerin, die aber die nächste Actionszene kaum überdauern. Als Actionthriller mit einigen schönen Kulissen, Bond-Anleihen und genug Verfolgungsjagden und Schusswechseln dürfte der Film aber zumindest bei Fans des Genres Pluspunkte sammeln. Mit einem besseren Script und mehr Finesse hätte es aber ein deutlich besserer Film werden können.

The Mother startet am 12. Mai 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Mason Kane (Richard Madden) und Nadja Singh (Priyanka Chopra Jonas) sind die Topagenten einer streng geheimen und keinem Land unterstallten Geheimdienst-Agentur namens Citadel. Sie liegen schon lange im internationalen Clinch mit einer ebenso geheimen Verbrecher-Organisation, die sich Manticore nennt. Und ganz offensichtlich  hat Manticore auf verschlungenen Wegen von der Identität aller Citadel-Agenten erfahren, denn mehr oder weniger zeitglich werden alle auf der Erde attackiert. Mason und Nadja, die sich gerade in einem Einsatz in einem Schnellzug in Italien befinden, werden kalt davon erwischt, dass die ganze Operation nur getrickst wurde, um die beiden Agenten hervorzulocken und zu eliminieren. Das klappt auch beinahe.

Denn wenig später wacht Mason in einem Krankenhaus auf – und hat keinerlei Erinnerungen mehr daran, wer er eigentlich ist. Das bessert sich auch nicht. Viele Jahre später hat er eine Frau (Ashleigh Cummings, „NOS4A2„) und eine kleine Tochter und führt ein ruhiges Leben. Doch das ändert sich, als plötzlich ein Mann namens Bernard (Stanley Tucci) in sein Leben tritt und ihm eröffnet, dass er in Wirklichkeit ein Top-Agent ist. Und ihm das auch noch beweisen kann. Mason bleibt keine Wahl, als Bernard zu folgen, denn schon bald bemerkt er, dass Elitekiller sich auf seine und die Spuren seiner Familie gesetzt haben. Für Mason beginnt eine lebensgefährliche Reise zurück in die Erinnerung, bei der er auch auf Nadja trifft …

Wo wollen sie bloß hin?

Wie so oft haben die Briten für eine Serie wie Citadel den am besten passenden Begriff: „all over the place“. Denn die Serie, die von David Weil („Hunters“, „Solos„) geschaffen und von den Russo-Brüdern produziert wurde, kann sich in den ersten drei, vorab gezeigten Folgen überhaupt nicht entscheiden, was sie denn nun genau sein möchte. Der Beginn zeigt eine durchaus gut gemachte Actionsequenz in einem Hochgeschwindigkeitszug und ähnelt nicht nur deshalb der „Mission Impossible“-Reihe. Danach beginnt dann mit dem Gedächtnisverlust die „Jason Bourne“-Phase von Citadel, bevor sie in Episode drei eine wie aus einem Bond-Film gerissene Willi Bogner-gedächtnis-Ski-Verfolgung präsentiert.

Dabei lässt sich aber der übergeordnete Plot so an, als würde Prime Video dem Publikum hier eine etwas gehobenere Version von „G.I. Joe“ präsentieren. Denn in vielen Momenten bleibt offen, ob das Publikum das Ganze noch Ernst nehmen soll oder gerade eine durchaus gelungenen Parodie auf Agentenfilme sieht. Denn manchmal sind die gezeigten Kämpfe so übertrieben, dass es schwierig wird, hier noch an eine düstere Spionage-Serie zu glauben. Der Plot hilft dabei nicht, denn nach der Hälfte der kurzen ersten Staffel (sechs Folgen) ist kaum jemand das, was er zu Beginn der Serie zu sein schien. Eine derart übertriebene Doppel- und Dreifachagenten-Story hat man lange nicht gesehen.

Coole, aber eindimensionale Helden

Gibt es denn gar nichts Gutes? Doch. Richard Madden läuft recht gelungen Probe für eine mögliche Rolle als nächster James Bond, macht sowohl im Smoking als auch blutend im Kampf eine gute Figur. Und taugt auch als mehr oder weniger einziger Fixpunkt des Vertrauens für das Publikum, weil man ihm die Sorge um Frau und Tochter wirklich abnimmt. Stanley Tucci ist gewohnt gut als kühler Citadel-Boss mit unklarer Agenda. Und Priyanka Copra Jonas ist nicht nur hübsch anzusehen, sondern darf auch in Sachen Action und Undurchsichtigkeit zeigen, was sie kann. Ihr Charakter könnte einer der interessanteren werden in einer Serie, die mit arg vielen Klischees operiert und dem Publikum daher bislang wenig Neues zu bieten hat.

Auch die Actionsequenzen, die Citadel seinem Publikum zeigt, können sich mit teuren Filmproduktionen durchaus messen und überzeugen auch mit dynamischen Kamerafahrten und gut choreographierten Prügeleien. Und daher kann die Serie Fans solcher Stoffe schon Spaß machen, wenn man sich dazu durchringen kann, möglichst wenig über die Story nachzudenken. Denn bleibt in den ersten drei Episoden leider verdächtig oft auf der Erzählqualität einer Kinderserie. Langweilig wird es dennoch nie, weil die Episoden zum einen recht kurz sind, einige gerade einmal 30 Minuten, und zum anderen mit Dauerkrawall auch dafür sorgen, dass immer irgendetwas passiert. Zwar sind erklärende Dialoge selten, aber soviel soll der Zuschauer zu Beginn ja auch gar nicht verstehen.

Spin-Offs der Serie dürften von weiteren Citadel-Agenten handeln, die den Angriff von Manticore überlebt haben und möglicherweise irgendwann auch in eine gemeinsame Erzählung überführt werden. Vielleicht kommen aus Indien oder Italien ein paar originellere Figuren als in der Hauptserie. Schaden würde das nicht.

Fazit:

Citadel ist unterhaltsam schnell und actionreich erzählt, kann mit schönen Menschen, ordentlichen Actionsequenzen und guten Darstellern aufwarten und ist daher als leicht zu konsumierender Serienhappen für Zwischendurch auch gut geeignet. Für eine richtig gute Serie fehlt es aber an zu vielen Zutaten. So scheint Citadel alle gängigen  Filme und Serien abzuklappern, in denen Agenten vorkommen und kann sich dabei nicht auf einen eigenen Kurs festlegen. Zudem ist die comichafte Vereinfachung des Konflikts zwischen zwei streng geheimen Agenturen teilweise so platt, dass es fast albern wirkt. Aber vielleicht kann Citadel sich in den verbleibenden drei Folgen von einem netten Appetithappen doch noch zu einer sättigenden Mahlzeit entwickeln. Warten wir es ab.

Citadel startet mit zwei Folgen am 28. April 2023 bei Prime Video, danach immer freitags eine neue.

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Die Handlung

Cole (Chris Evans) ist vor ein paar Jahren wieder zu seinen Eltern gezogen, weil sein Vater gesundheitliche Probleme bekam und hilft seitdem auf der Farm. Auf einem kleinen Markt verkauft er auch die eigenen Erzeugnisse – und trifft dabei eines Tages auf Sadie (Ana De Armas). Obwohl ihr Gespräch schnell in einen kleinen Streit ausartet, garantiert ihm die Frau vom Nachbarstand, das da etwas zwischen den beiden gewesen sei. Kurz entschlossen läuft Cole der Frau nach und kann sie gerade noch auf dem Parkplatz anhalten. Erstaunlicherweise lädt sie ihn nach einer Entschuldigung sogar zum Kaffee ein. Die nächsten Stunden vergehen für Cole wie im Traum. Denn er stellt fest, dass Sadie eine faszinierende Frau ist, die sich für viele Dinge interessiert, die er ebenfalls spannend findet.

Als er sie schließlich nach einem langen Abend in der Morgendämmerung nach Hause bringt, bittet sie ihn nach kurzem Zögern hinein. Cole schwebt wie auf Wolken, allerdings nicht lange. Denn nach ein paar Tagen muss er feststellen, dass seine Textnachrichten unbeantwortet bleiben. Offenbar hat Sadie sich entscheiden, ihn zu „ghosten“, also auf Nachrichten von ihm nicht mehr zu reagieren und zu verschwinden wie ein Geist. Dabei war sich Cole doch so sicher, dass es zwischen Sadie und ihm mehr war als nur Anziehung. Zufällig bemerkt er, dass sie noch ein Medikament von ihm in Besitz hat und er sie darüber orten kann. Verliebt, wie er ist, hält Cole die Reise nach London, wo sie sich gerade aufhält, für eine tolle Idee. Aber irren ist menschlich …

Wenige frische Ideen

Der Plot ist nicht neu, auch wenn das Publikum ihn meist in umgekehrten Rollen zu sehen bekommt. Der Agent lernt eine Frau kennen, die durch ihn in einen Spionagethriller gerät, so gesehen in „Knight and Day“ mit Tom Cruise und Cameron Diaz. Das wird in Ghosted einfach mal gedreht, denn hier ist Ana De Armas die coole Agentin und Chris Evans der leicht verstrahlte Stolpervogel, der durch sie in ein lebensgefährliches Abenteuer gerät. Das ist allerdings auch schon die ganze kreative Kraft, die sich bei Ghosted zeigt. Obwohl die Produzenten mit Paul Wernick und Rhett Reese sowie Chris McKenna und Eric Summers gleich zwei starke Drehbuch-Duos ins Boot holten, ist das Ergebnis alles andere als schillernd. Trotz De Armas und Evans gibt es hier Action mit etwas Humor von der Stange.

Aber zu den positiven Seiten des Films: Ana De Armas und Chris Evans funktionieren auch im dritten Versuch ausgezeichnet gemeinsam vor der Kamera. Dass sich diese beiden zueinander hingezogen fühlen, nimmt man dem Duo jederzeit ab. Und selbst die wenig feurigen Dialoge spielen die beiden noch mit so viel Hingabe, dass man sich als Zuschauer zumindest nicht komplett langweilt. Und dass De Armas im Abendkleid und Evans im Anzug auch optisch einiges hermachen, weiß man auch nicht erst seit gestern, Ana De Armas hat das bereits im letzten Bond-Film mehr als eindrücklich gezeigt. Wer also schöne Menschen in Actionszenen sehen möchte, der ist bei Ghosted zumindest nicht falsch.

Generisches Script ohne Esprit

Damit wird es dann aber auch dünn in Sachen Pluspunkte. Denn was das erfolgreiche Drehbuch-Quartett hier abliefert, ist bestenfalls durchschnittlich. Und hat nur sehr wenig mit den Perlen wie „Zombieland“, „Deadpool“ oder „Spider-Man: No Way Home“ zu tun. In Ghosted ist so gut wie nichts originell, jede einzelne Szene haben Action-affine Zuschauer mit Sicherheit schon mindestens einmal irgendwo anders gesehen. Und in der Regel besser. Und auch der Romanzen-Teil des Films fällt nicht deutlich besser aus. Evans und De Armas geben sich durchaus Mühe, aber mit derart generischen Dialogen und Szenen können auch sie keine Wunder bewirken.

Spaß macht immerhin Adrien Brody als herrlich schmieriger Schurke, der in seiner Überzeichnung ein wenig an einen Cartoon-Bösewicht erinnert. Und auch kleinere Nebenrollen wie Coles Familie sind gut besetzt und zeigen gutes Timing bei den wenigen Pointen, die das Drehbuch zu bieten hat. Auch die Action ist in Ordnung, aber wer Ghosted mit so brachialen Krachern wie John Wick 4 oder „Mission Impossible 6“ vergleicht, dann merkt man schnell, dass der neue Film von Evans und De Armas eben da nur in der zweiten Reihe steht. Allerdings hat Ghosted vermutlich auch deutlich weniger gekostet als die anderen genannten Filme. Unter dem Strich ist Ghosted damit ein Film, der sich problemlos anschauen lässt, weil er nie wirklich stört. Gefällig fürs Auge, ohne große Längen – aber eben auch ohne große Höhepunkte. Und vor allem ohne eine einzige Überraschung.

Fazit:

Mit Ghosted bekommen Fans der beiden Schauspieler Chris Evans und Ana De Armas zum dritten Mal ein Team-Up, das ihnen Freude macht. Denn die beiden tragen den Großteil des Films – und das machen sie gut. Leider ist das Ausgangsmaterial in Form des Drehbuchs alles andere als originell oder elegant, sondern zeigt sich als generisches Action-Agenten-Abenteuer mit ein wenig Liebe und Humor. Und ist damit für den bisher eher ambitionierten Streaminganbieter Apple TV+ eine Ausnahme. Hier gibt ers einen routinierte gemachten und gedrehten, aber zutiefst generischen Film zu sehen, den man nebenbei konsumiert wie Salzstangen oder Chips, der aber auch nur ähnlich kurz satt macht.

Ghosted startet am 21. April 2023 bei Apple TV+.

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Die Handlung

Der Weihnachtsmann (David Harbour) ist müde. In einem englischen Pub lässt er sich volllaufen und bedauert sein Schicksal. Die Kinder heutzutage sind unfreundlich und gierig, der Job als Geschenkebringer macht ihm keinen Spaß mehr. Und in seiner Ehe läuft es auch alles andere als gut. Nachdem er auf dem Weg zu Arbeit noch kurz aus dem fliegenden Schlitten die Pub-Wirtin vollgekotzt hat, beginnt er seine weihnachtliche Tour, die ihn in Millionen Haushalte in aller Welt führt. Allerdings verläuft dieses Jahr Weihnachten für Santa Claus nicht ganz so, wie er es alle die Jahrhunderte vorher gewohnt war.

Denn als er im Haus der Lightstones eintrifft, bietet sich ihm eine besondere Situation. Die junge Trudy (Leah Brady), die fest an den Weihnachtsmann glaubt, ist mitsamt der ganzen Familie als Geisel genommen worden. Ein Mann, der sich Scrooge nennt (John Leguizamo), hat mit einer Bande von Gangstern das Herrenhaus der sagenhaft reichen Familie um das Oberhaupt Gertrude (Beverly D’Angelo) besetzt und will nun den Safe im Keller ausräumen, in dem er sagenhafte Schätze vermutet. Da trifft es sich gut, dass Santa Claus nicht nur Kampfererfahrungen aus einem früheren Leben mitbringt, sondern im Lauf der Jagd auf ungezogene Jungs und Mädchen auch einen mächtigen Vorschlaghammer findet. Und dann ist da ja auch noch die Magie der Weihnacht …

Bekannte Versatzstücke

Bei einem Musikstück würde man die neueste Arbeit von Tommy Wirkola wohl ein Medley nennen. Denn der Regisseur verfilmt hier ein Drehbuch der „Sonic“-Autoren Pat Casey und Josh Miller, das ein paar der großen Weihnachtfilme der letzten 50 Jahre nicht nur erwähnt, sondern sich gleich ganze Szenen und Plottwists bei ihnen ausborgt. Die beiden bekanntesten sind hier „Stirb langsam 2“ und „Kevin allein zu Haus“, aber wer ein wenig sucht, wird noch Einflüsse und Ideen anderer Weihnachtsfilme finden. Seltsamerweise minderst das den Spaß an Wirkolas bluttriefender Vernichtungsorgie in bester John McLane-Tradition kaum. Denn David Harbour ist als versoffener und trauriger, aber auch tapferer und brutaler Weihnachtsmann eine echte Schau.

So blutig haben böse Jungs lange nicht mehr die Rute bekommen und dabei sind vor allem die Kampfszenen auch edel choreographiert. Hier lässt sich der Einfluss von Produzent David Leitch („John Wick“) nicht leugnen, der garantiert einige seiner besten Stunt-Leute mit ans Set gebracht hat. Besonders Santas Gemetzel in einem Gartenschuppen wird Fans von harter Action definitiv gefallen. Hin und wieder leistet sich das Script von Casey und Miller aber auch Längen, die Wirkola nicht auffangen kann. So ist die klischeehaft fiese Familie von Superreichen zwar gleichermaßen doof wie abstoßend, allerdings trägt das über weite Teil des Films, die sich mit ihnen beschäftigen, nicht wirklich zur Unterhaltung bei, sondern wirkt eher ermüdend.

Santa im Rachemodus

Immerhin hat sich Wirkola mit John Leguizamo einen Schauspieler geholt, der den Fiesling mit passender Attitüde derart überzeichnet, dass der comichafte Plot davon sehr profitiert. Uneingeschränkter Star des Films ist aber David Harbour, der neben seiner enormen physischen Präsenz auch die passende Schwermut in den Charakter projiziert, um dem hier als Actionstar agierenden Charakter auch eine Gravitas mitzugeben, die man in einem solchen Film nicht vermuten würde. Im Zusammenspiel mit der entzückenden Leah Brady gelingen Harbour ein paar überraschen gefühlvolle Weihnachtsmomente in dem ansonsten blutigen Action-Comedythriller, der seinen Namen Violent Night nicht nur mit Stolz, sondern auch zurecht trägt.

Und so holt Wirkola mit seinem neuen Film nicht nur die Fans ab, die er sich mit Dead Snow erworben hat, wenngleich es natürlich nicht ganz so derbe zugeht wie dort, macht aber auch Cineasten mit den vielen Anleihen und Verbeugungen vor anderen Filmen Freude. Weil Violent Night sowohl Weihnachtsfans (mit viel rührigem Familienkitsch) als auch Weihnachtshasser (mit genussvoller Zerstörung sämtlicher Weihnachtsutensilien) abholt, ist die potenzielle Zielgruppe jedenfalls groß. Dass der 111 Minuten lange Film sicher 20 Minuten kürzer hätte ausfallen können, ist allerdings auch keine Frage. So fehlt zum richtigen Kultfilm an der einen oder anderen Ecke doch noch ein wenig. Als launiger Spaß, garantiert nicht für die ganze Familie, geht Violent Night aber absolut in Ordnung.

Fazit:

Mit Violent Night bleibt der norwegische Regisseur Tommy Wirkola in seiner Komfortzone. Blutige Action mit Splattereinlagen und rabenschwarzer Humor durchziehen sein neues Werk. Dazu verfügt er mit David Harbour über einen ebenso charismatischen wie konsequenten Santa Claus, der dem Film auch ein paar ruhige Momente gönnt, ohne deshalb langweilig zu werden. Ein wenig zu lang ist der Film zwar dennoch geraten, das gilt jedoch nicht für Szenen, in denen Harbour im Mittelpunkt steht. Weil sich das Drehbuch nicht nur bei vielen Weihnachtsklassikern bedient, sondern ihnen gleichzeitig huldigt und weil Wirkola sowohl vorsichtig als auch respektlos mit dem Fest der Liebe umgeht, ist sein neuer Film einfach ein netter Spaß für Actionfans, die auch mal lachen wollen.

Violent Night startet am 1. Dezember in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Vor 5000 Jahren wurde der Stadtsaat Kahndaq von einem tyrannischen König beherrscht, der seine eigene Bevölkerung versklavte, um sie nach einem seltenen Metall graben zu lassen. Dieses Eternium brauchte der Monarch, um eine dämonische Krone anzufertigen, die ihm die ultimative Macht bescheren sollte. Doch ein Sklave lehnte sich auf, wurde von den Zauberern, wie viel später Shazam, mit gottgleichen Kräften ausgestattet und besiegte den Tyrannen. Doch danach verschwand der Champion, der auf den Namen Teft Adam hörte. 5000 Jahre später ist Kahndaq wieder nicht frei. Diesmal hat sich der Verbrecher-Organisation Intergang dort breitgemacht und hält die Stadt in eisernem Griff. Denn die Legende der Krone wurde nie völlig vergessen.

Die kennt auch die Archäologin Adrianna (Sarah Shahi), die seit Jahren nach Hinweisen sucht, wo die Krone damals versteckt wurde. Als sie endlich fündig wird, muss sie feststellen, dass auch Intergang vor Ort ist, um ihr das mächtige Artefakt abzunehmen. In ihrer Not nutzt sie ein magisches Wort, das sie kennt – und erweckt damit Adam (Dwayne Johnson) aus seinem Schlaf. Sofort macht sich der mächtige Champion daran, die Gangster abzuschlachten und liefert sich schließlich ein Gefecht mit einer ganzen Bataillon schwerbewaffneter Intergang-Mitglieder. Sein Erscheinen wird auch an anderen Orten der Welt bemerkt. Und so schickt der US-Geheimdienst ein Heldenteam, um den Champion zu besiegen und wegzusperren. Doch das ist nicht so einfach …

Typisches DC-Effektgewitter

Black Adam ist eigentlich ein Schurke aus dem DC-Comic-Universum – und Dwayne Johnson möchte diesen Charakter schon lange spielen. Nun ist es ihm endlich gelungen und er hat dafür gleich Jaume Collet-Serra als Regisseur mitgebracht, mit dem der Ex-Wrestler zuvor „Jungle Cruise“ für Disney drehte. Wenn man DC mit Marvel vergleicht, so sind viele Helden wie Superman und Batman nicht nur älter als die bekannten Marvelfiguren, sie haben auch oft eine „Larger Than Life“-Attitüde, die Marvel nur selten nutzt und stattdessen mehr „Human Touch“ anbietet. Auch Black Adam zählt wieder in die Kategorie typischer DC-Verfilmungen. Die Helden sind extrem mächtig und es müssen wieder halbe Städte in Schutt und Asche gelegt werden, um das DC-Feeling aufkommen zu lassen.

Wer das mag, wird in Black Adam also auf seine Kosten kommen, denn der wohl knapp 200 Millionen Dollar teure Film schwelgt in Zerstörung und Tod. Dazu bleibt auch dieser DC-Film mit wenigen Ausnahmen humorfrei und setzt den Weg der eher düsteren und ernsten Superheldenfilme fort. Was schade ist, denn gerade diese zum Teil hanebüchen schlecht erzählte Story hätte ein paar freiwillige Lacher ganz gut vertragen können. Allerdings taugen in Black Adam weder der überraschend ernste Dwayne Johnson noch der als Gaglieferant gedachte Atom Smasher (Noah Centineo) als Stimmungsaufheller. Lediglich Pierce Brosnan als Dr. Fate liefert sich mit Black Adam ein paar Dialoge, die ein wenig Spaß bringen.

Unoriginelle Story

Die Story taugt nicht nur wenig, sie ist auch überraschungsfrei und kommt etwas mühsam in die Gänge. Ist Black Adam aber erst einmal aus seinem Grab befreit, stimmt zumindest die Action. Wer also hauptsächlich deshalb in einen Superheldenfilm geht, um derbe Prügeleien und Explosionen zu sehen, der kommt hier durchaus auf seine Kosten. Johnson nimmt man solche Rollen auch problemlos ab. Mit dem neuen Team der Justice Society haben sich die Macher aber nicht unbedingt einen Gefallen getan. Während Dr. Fate und seine Fähigkeiten noch kurz erklärt werden, bleiben die Helden Cyclone und Atom Smasher schon recht konturlos. Und über Herkunft und Fähigkeiten von Anführer Hawkman verliert der Film kein Wort. Aber wie soll sich das Publikum dann mit dem Helden identifizieren?

Nein, hier soll es schon um Dwayne Johnson alias Black Adam gehen, daran lassen die Autoren keinen Zweifel. Doch auch die Hauptfigur des Films bekommt nicht sonderlich viel Tiefe verpasst, denn das mehrfache grübelnde Anstarren der eigenen Statue ist schon fast alles, was sie dem Champion von Kahndaq an Gefühlsregungen zugestehen. Immerhin präsentiert Collet-Serra sehr regelmäßig alle paar Minuten einen weiteren Actionblock, sodass fehlende Charakterentwicklung und Logiklöcher in der Story zwischen all dem Getöse kaum auffallen. Schade nur, dass ausgerechnet der Endgegner aus dem Computer nur wenig überzeugend ausfällt. Bereits in Jungle Cruise verschreckte Collet-Sera mit einem mäßig animierten Jaguar, in Black Adam ist es der Oberbösewicht, der nicht wirklich gelungen ist. In einem derart teuren Film ist das schon verwunderlich. Der große Neustart des DC-Kino-Universums ist der Film in jedem Fall nicht.

Fazit:

Black Adam ist genau der DC-Film, den wohl auch die meisten Fans erwartet haben. Laut, bunt, actionreich und flach. Weder zieht die übersichtliche Story die Wurst vom Teller, noch sind die neuen Superhelden neben der Titelfigur von besonderer Relevanz, wenn man von Pierce Brosnans Doctor Fate einmal absieht. Zudem sind einige CG-Effekte angesichts des üppigen Budgets erstaunlich schlecht. Wer allerdings genau so einen lauten, zerstörerischen und sich viel zu ernst nehmenden No-Brainer sehen möchte, weil er oder sie Spaß daran, hat, dann passt Black Adam perfekt. Wer die vielleicht wichtigste Szene des Films sehen möchte, sollte übrigens nach Filmende noch sitzenbleiben.

Black Adam startet am 20. Oktober 2022 in den deutschen Kinos.

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Die Kritik zu Barbaren Staffel 1 gibt es hier.

Die Handlung

Ein Jahr ist vergangen, seit Arminius (Laurence Rupp), der sich jetzt Ari nennt und Anführer der Cherusker ist, die Römer vernichtend geschlagen hat. Nur ein stark befestigtes Lager am Fluss ist von der einst so großen römischen Armee noch übrig. Doch weil er in Rom aufwuchs, kennt Ari den Feind gut und weiß, dass das Imperium mit frischen Legionen zurückkehren wird, um Germanien endgültig zu erobern. Frieden mit Rom, das weiß Ari, wird es nicht geben. Doch die Cherusker und ihre verbündeten Stämme haben allein nicht genug Krieger, um das Lager der Römer zu erobern und sie endgültig aus dem Norden zu vertreiben. Sie brauchen die Hilfe der Markomannen, die angeblich mehr als 70000 Mann unter Waffen haben.

Aber deren Anführer Marbod (Murathan Muslu) hat wenig übrig für den Krieg – und für Ari. Marbod hat ebenfalls in Rom gelebt, kennt die Gepflogenheiten des Imperiums und ist sich sicher, mit den Römern deshalb einen Frieden halten zu können. Und so geht er nur zum Schein auf Aris Angebot ein und zerpflückt dessen Ideen beim Thing, auf dem alle Stammesfürsten zusammentreffen. Aris Frau Thusnelda (Jeanne Goursaud) traut dem Anführer der Markomannen nicht und auch ihr alter Freund Folkwin (David Schütter) sieht Aris Bemühungen, Marbod zu einem Bündnis gegen Rom zu bewegen, eher skeptisch. Und die beiden sehen sich in ihren Befürchtungen bald bitter bestätigt …

Alte Stärken

Die gute Nachricht: Wer die erste Staffel mochte, wird auch mit Barbaren Staffel 2 zufrieden sein. Denn viel hat sich im Vergleich nicht verändert. Mit dem erfahrenen Stefan Rudowitzky („Hinterland„) hat Netflix für die zweite Staffel einen neuen Showrunner eingesetzt, der auch bei vier Episoden Regie führt. Und mit Murathan Muslu auch gleich einen seiner Lieblingsschauspieler mitbrachte. Der spielt den historisch verbürgten Marbod und dürfte vor allem den Zuschauern sauer aufstoßen, die überall Beweise für Woke-Kultur sehen. Den Charakter verbindet ein besonderes Schicksal mit Rom und Ari. Und so sorgt er nun für die Art Verwicklungen und Probleme, die bereits in Staffel 1 für viele Fans das Salz in der Suppe waren.

Wenn sich im Vergleich zu den ersten Episoden etwas geändert hat, dann sind es die Soap-Elemente der Serie. Die haben in Barbaren Staffel 2 zugenommen und spielen nun eine etwas prominentere Rolle als zuvor. Was genau passiert, soll hier nicht verraten werden, aber die Autoren haben hier so manchen Charakter in die Handlung geschrieben, der auch in einer Seifenoper eine gute Figur gemacht hätte. Weil das aber meistens gut in den Hauptplot – den Krieg gegen Rom – eingebettet ist, dürften auch Historien-Puristen damit halbwegs leben können. Denn schließlich läuft auch in Staffel 2 wieder alles auf die große Schlacht in der letzten Folge hinaus. Die, anders als noch Staffel 1, mit einem heftigen Cliffhanger endet. Nach dem Willen von Netflix wird es also weitergehen, wenn die Zahlen stimmen.

Alte Schwächen

Die schlechte Nachricht: Wer die erste Staffel der Serie nicht sonderlich mochte, wird auch mit Barbaren Staffel 2 wenig anfangen können. Denn die meisten Kritikpunkte haben sich nicht geändert. Noch immer sprechen die Römer altes Latein und die Stämme Germaniens modernes Deutsch. Noch immer sind nicht alle schauspielerischen Leistungen auf einem Niveau. Und noch immer versuchen die Autoren mit einigen Plots, eine Art Vikings-Stimmung zu erzeugen, die sich so richtig aber nie einstellen will. Zudem sind einige der Handlungsstränge derart unglaubwürdig oder zumindest unwahrscheinlich, dass die historische Glaubwürdigkeit sehr leidet. Am deutlichsten tritt das bei Folkwins Gefährtin Dido (Cynthia Micas) zutage, ihre Story ist wahrhaft hanebüchen.

Überhaupt haben die Autoren der Serie erneut das historische Geschehen um die Kämpfe der germanischen Stämme gegen Rom, über die ohnehin nur römische Aufzeichnungen existieren, wieder an die Zeit angepasst und erzählen Geschichten, die eher ins Heute als ins Gestern passen. So ist die Story um die tapfere Thusnelda und ihre Gefühle zwischen Ari und Folkwin eher modern interpretiert. Ebenso wie ihre Erfolge als Kriegerin. Weil über den Inhalt der zweiten Staffel im Vergleich zum Vorgänger historisch nichts erhalten ist, hat der Writers Room diesmal auch mehr Freiheiten gehabt, was Nebenhandlungen und dramaturgische Kniffe angeht. Und die reichlich genutzt.

Die Actionsequenzen sind wieder sehr ordentlich geraten, ob das Duelle sind oder die Schlacht im Finale. Zwar hält sich der Gewaltgrad im Vergleich zu Serien wie Game of Thrones in Grenzen. Aber unblutig ist Barbaren Staffel 2 definitiv nicht. Allerdings bleibt Barbaren auch in der zweiten Staffel auf einem Produktionslevel, der zwar ansehnlich ist, mit den Multi-Millionen-Serien aber nicht konkurrieren kann. Wer also tausende von Statisten erwartet, die sich gegenseitig abschlachten, sollte lieber nicht einschalten. Denn so etwas gibt das Budget schlicht nicht her. Fans von Historien-Serien können aber auch die Fortsetzung, der hoffentlich mindestens noch eine weitere folgt, bedenkenlos ansehen. Die Serie bleibt, wie sie war.

Fazit:

Mit Barbaren Staffel 2 bleibt Netflix auf bekanntem Terrain, auch wenn die eine oder andere Neuerung vor und hinter der Kamera stattfand. Wer die erste Staffel mochte, wird auch hier auf seine Kosten kommen. Und wem die Serie nicht gefallen hat, bekommt mit der zweiten Runde keine neuen Gründe, sie plötzlich zu mögen. Wenn sich etwas geändert hat, dann sind es mehr Soap-Elemente um Verrat und Familie, die den Plot bestimmen und ein fehlender historischer Bezug auf die konkrete Handlung. Abgesehen vom Cliffhanger, der historisch verbürgt ist. Ein Game of Thrones darf man von dieser Produktion nach wie vor nicht erwarten. Als kurzes und kurzweiliges historisches Abenteuer mit vielen dramaturgischen Freiheiten funktioniert aber auch die neue Staffel recht ordentlich.

Barbaren Staffel 2 startet am 21. Oktober 2022 bei Netflix.

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