Die Kritik zu Staffel 1.

Die Kritik zu Staffel 2.

Hier steht die Kritik zu Staffel 3.

Die Handlung

Endlich sind sie zusammen – und doch auch wieder nicht. Otis (Asa Butterfield) und Maeve (Emma Mackay) haben sich endlich ihre Liebe füreinander eingestanden. Doch Minuten später musste die junge Frau abreisen, um ihr Stipendium in den USA anzutreten. Und seitdem führen Otis und sie eine telefonische Fernbeziehung. Und haben beide mit der sexuellen Spannung zu kämpfen, die sie nicht miteinander ausleben können. Otis hat dazu noch ein weiteres Problem: Seine Mutter Jean (Gillian Anderson) brachte vor ein paar Wochen seine Schwester Joy zur Welt. Doch weil ihr Partner Jakob nicht der Vater des Kindes ist, hat er sie nach ihrem Geständnis verlassen.

Maeve hingegen muss sich in ihrer neuen Umgebung nicht nur mit neuen Schülern auseinandersetzen, sondern auch mit einem alternden Literatur-Jungstar, der als Dozent extrem streng auf Maeves Arbeit schaut. Und die junge Frau mehr als einmal frustriert. Eric wähnt sich hingegen im Paradies. Die neue Schule, auf der die er, Otis, Ruby und all die anderen ihr letztes Schuljahr verbringen, ist dermaßen queer-freundlich, dass Eric sich sofort wie zuhause fühlt. Dennoch quält er sich mit einem anderen Thema herum. Seine Familie wünscht sich, dass er sich taufen lässt, doch die Kirche lehnt ihn als schwulen Mann weiterhin ab. Und Otis muss feststellen, dass es an der neuen Schule mit „O“ (Thaddea Graham, „Die Bande aus der Baker Street“) bereits eine Sex-Therapeutin für Schüler gibt, obwohl das doch seine Idee war …

Gute Geschichten, gut erzählt

In Sex Education Staffel 4 haben die Autoren noch einmal alles hineingelegt, was die Serie bislang so erfolgreich machte. Schließlich galt es, allen Figuren einen würdigen Abschluss zu geben. Das ist tatsächlich beeindruckend gut gelungen. Denn die Drehbuchschreiber beweisen ein ums andere Mal, wie gut und genau sie ihre Charaktere kennen, was sie ausmacht und wohin sie sich entwickeln sollen. Nur selten wirkt eine Entwicklung aufgesetzt und verläuft selbst dann noch in befriedigenden Bahnen. So wirkt beispielsweise der Besuch von Jeans Schwester Joanne, die Otis zur Hilfe gerufen hat, weil er sieht, dass seine Mutter überfordert ist, zu Beginn etwas bemüht. Und entwickelt sich dann zu einer der stärksten Storys der finalen Staffel.

Was die jungen Erwachsenen angeht, da zeigen die Autoren erneut ihr Talent, auch Figuren, die weit außerhalb irgendwelcher Normen agieren, so einfühlsam und lebendig zu gestalten, dass das Publikum kaum anders kann als mit ihnen mitzufiebern, mögen die sexuellen Interessen auch gänzlich andere sein. Und das ist in Sex Education Staffel 4, vielleicht auch durch die Gewissheit des Abschieds, emotionaler denn je. Wer bislang schon beim Zuschauen hin und wieder eine Träne verdrückte, der muss sich auf eine harte Zeit mit den letzten acht Folgen einstellen. Nah am Wasser gebaute Zuschauer dürften einige Taschentücher verbrauchen, bis sie das Ende erreicht haben.

Klare Botschaften

Und ja, die Gründe, die Serie nach Staffel 4 zu beenden, sind nachvollziehbar. Die Schauspieler werden immer älter und unglaubwürdiger als Schüler, Stars wie Emma Mackay starten gerade international durch und möchten sich nicht mehr an eine Serie binden. Und doch lässt es sich nicht anders sagen: Das Ende von Sex Education ist ein herber Verlust für die Serienlandschaft bei Netflix. Denn die Serie ist eben nicht nur ein sehr genaues und sehr liebevoll gezeichnetes Bild einer Generation, sondern erschafft auch die Vision, wie schön es sein könnte, respektvoll und freundlich miteinander umzugehen. Und die Menschen sein zu lassen, wie sie sind, solange niemand darunter leiden muss. Das gelang der Serie nie besser als in Staffel 4.

Dass es den Autoren gelingt, jeder Figur eine starke Story auf den Leib zu schreiben, ist dabei beeindruckend. So berührt die Geschichte um die Familie Groff. Adam will nicht mehr zur Schule gehen und beginnt ein Praktikum auf einem Pferdehof. Sein Vater Michael, nun einfacher Lehrer auf der neuen Schule, bemüht sich weiter, sich von einem Ekel zu einem liebevollen Ehemann und Vater zu werden. Ruby muss lernen, dass sie auf der neuen Schule nicht mehr der uneingeschränkte Star ist. Aber das Herzstück der Serie bleibt die komplizierte Liebe zwischen Otis und Maeve, die wundervoll weitergeht und dem Publikum die Tränen in die Augen treibt (ob vor Rührung oder Mitleid soll hier nicht verraten werden). Mackay und Butterfield sind einfach grandios gut zusammen.

Wie bei jeder außergewöhnlichen Serie hat man am Ende das Gefühl, dass sie zu früh endet. Da wären doch noch so viele Geschichten zu erzählen, so viel ist ungesagt oder verdiente eine Fortsetzung. All das ist richtig. Und doch finden die Autoren einen Moment, der sich als Schlusspunkt eignet. Und das Publikum auf einem rekordverdächtigen emotionalen Niveau verabschiedet. Keine Frage, die Serie wird ein Hit bei Netflix bleiben in den kommenden Jahren. Denn Maeve, Otis, Eric und die anderen wird kaum ein Fan von Sex Education so schnell vergessen. Waren sie doch, wenn nicht sogar Freunde, dann zumindest gute Bekannte, um deren Schicksal man sich eben Gedanken macht. Eine Serie, die das schafft, darf sich zu Recht großartig nennen.

Fazit:

Taschentücher raus, letzte Folge läuft! Mit Sex Education Staffel 4 halten die Macher der Serie das hohe Niveau mühelos. Und präsentieren den Fans acht weitere Folgen mit der unwiderstehlichen Mischung aus Drama und Humor. Erneut erfüllen die großartigen Schauspieler wie Gillian Anderson, Asa Butterfield, Emma Mackay und Ncuti Gatwa mühelos die stark geschriebenen Handlungsstränge mit Leben. Darüber hinaus schafft die Serie aber auch die Vision von einem Zusammenleben, das von gegenseitigem Respekt füreinander geprägt ist. Das ist so schön und wirkt dabei so realistisch, dass die meisten Zuschauer sich wohl sofort an dieser Schule anmelden würden. Ein Edelstein von einer Serie, der auch in Jahren noch funkeln wird.

Sex Education Staffel 4 startet am 21. September 2023 bei Netflix.

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Es gibt nicht viele Filmemacher, die es gewagt haben, den Terror der Nazis zum Thema eines humorvollen Films zu machen. Da gibt es „Sein oder Nichtsein“ von Ernst Lubitsch, „Das Leben ist schön“ von Roberto Benigni – aber dann? Dann wird es schon knapp mit weiteren Beispielen. Nun hat Taka Waititi sich an die Verfilmung des Romans „Caging Skies“ von Christine Leunens gemacht, der sich um einen Jungen in den Fängen der Nazi-Ideologie dreht. Ist das wirklich sehenswert oder hat Waititi mit seiner Adaption dem Buch keinen Gefallen getan?

Jojo Rabbit: Die Handlung

Der 10-jährige Jojo (Roman Griffin Davis) ist eine fanatischer Hitlerjunge. Und führt regelmäßig Gespräche mit seinem imaginären Freund Adolf Hitler (Taiki Waititi). Als er sich bei einer Waffenübung mit Granaten besonders hervortun will, wird er schwer verletzt und liegt lange im Krankenhaus. Narben im Gesicht bleiben ihm für immer. Als er wieder nach Hause kommt, in dem nach der Abkommandierung seines Vaters an die Front und dem Tod seiner Schwester nur noch Mutter Rosie (Scarlett Johansson) lebt, erlebt er eine Überraschung.

Rosie, die heimlich gegen die Nazis arbeitet, hat im oberen Stockwerk hinter einer Holzvertäfelung die 15-jährige Elsa versteckt hält – eine Jüdin. Weil Jojo durch seine Nazi-Kontakt weiß, dass alle Juden Dämonen sind, hat er zunächst Angst und überlegt dann, wie er den unerwünschten Gast loswerden kann. Doch obwohl Adolf immer wieder gute Ideen dafür hat, klappt es nie. Und schließlich beginnt Jojo, sich mit Elsa anzufreunden. Und versteht langsam, dass möglicherweise nicht alles stimmt, was er in der Schule über Juden gelernt hat …

Jojo Rabbit: Kriegshorror aus Kindersicht

Eigentlich kann man mit einer Komödie über Nazideutschland nur falsch liegen. Das Thema ist derart schwierig und heikel umzusetzen, dass wohl nie ein Deutscher und auch kaum ein Europäer auf die Idee kommen würde, darüber eine Tragikomödie zu machen. Und so brauchte es einen Neuseeländer, der sich traute, das Projekt zu stemmen. Und auch gleich noch Drehbuch und Nebenrolle zu übernehmen. Offenbar ist der Abstand zwischen Neuseeland und Deutschland groß genug, um einen Film zu machen, der ohne den typischen Ballast daherkommt.

Aus den Augen eines Kindes erzählt Waititi von den großen Lügen, die zum Ende des Krieges hin nur noch die allertreuesten Hitler-Verehrer für bare Münze nehmen, wie Fräulein Rahm (Rebel Wilson). Aber Hauptmann Klenzendorf (Sam Rockwell) glaubt die Propaganda-Sprüche ebensowenig wie Jojos Mutter und andere Einwohner des Dorfes. In der Spiegelung der Erwachsenen in Jojos Sicht zeigt Waititi die kleinen und großen Helden eines Krieges, der weder zu gewinnen noch für viele zu überleben war. Waititi wird dabei aber nie gallig, sondern arbeitet mit anderen Mitteln.

Jojo Rabbit: Lacher und Tränen

Schon die Entwicklung von Jojo, großartig gespielt von Roman Griffin Davis, zeugt davon. Zu Beginn noch fanatisch hitlertreu, wird der Junge zwar durch tragische Schicksalsschläge gehärtet. Er behält trotz allem seine kindliche Fähigkeit, instinktiv richtig von falsch zu unterscheiden. Und so wandeln sich auch Jojos Gespräche mit dem imaginären Adolf. Der Junge emanzipiert sich Stück für Stück von den Ideen des Führers und fällt schließlich seine eigenen Entscheidungen aufgrund von Fakten. Hitlers Reaktionen drauf sind meist brüllend komisch.

Dennoch lauert bei Waititi die Tragödie hinter jeder Ecke. So lässt er den Zuschauer nie vergessen, in welchem tödlichen Umfeld sich hier alle Protagonisten bewegen, wie schnell es mit der scheinbaren Idylle vorbei sein kann. Und das macht Jojo Rabbit auch zu einem sehr spannenden Film. Und für das Publikum ist das doppelt schwer zu ertragen, weil sich Jojo der Gefahr gar nicht bewusst ist, in der über lange Zeit des Films schwebt, der Zuschauer aber sehr wohl. Das sorgt für Szenen, in denen man den Atem anhält, weil man so sehr um diesen 10-jährigen fürchtet.

Die Virtuosität, mit der Waititi in seiner satirischen Abrechnung mit den Nazis dabei alle Emotionen erzeugt, ist eine neue Qualität des Regisseurs, Autors und Schauspielers, die er in seinen vorherigen Werken so noch nicht zeigte. Humor traute ihm das Publikum jederzeit zu, ergreifende und traurige Momente hingegen nicht. Dass Jojo Rabbit als bester Film und für das beste adaptierte Drehbuch Oscar-nominiert wurde, ist daher nur zu verständlich und verdient. So mutig hat lange kein Film den Nazis ihre Lächerlichkeit vor Augen gehalten.

Fazit:

„Dieser Film wird eine Menge Rassisten anpissen und das macht mich sehr glücklich“, sagte Regisseur Taika Waititi in einem Interview über  Jojo Rabbit. Schon dafür dürfte man den Film mögen. Aber Waititi liefert sehr viel mehr Argumente dafür, sich seine satirische Tragikomödie anzusehen. Neben den Schauspielern, die allesamt großartig agieren, ist das vor allem der Tonfall, der keinen Deut anders sein dürfte, als er ist, um das ganze Ausmaß des Irsinns zu zeigen. Dabei ist Jojo Rabbit blendend unterhaltsam, statt bleischwer.

Jojo Rabbit startet am 23. Januar 2020 in den deutschen Kinos.

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Regisseur und Drehbuch-Autor Paul Downs Colaizzo hat die Story zwar aufgeschrieben, sie seine Handlung aber nicht komplett ausgedacht. Vielmehr beruht Brittany runs a Marathon auf einer wahren Geschichte – der von Colaizzos Mitbewohnerin. Sie inspirierte ihn zur Filmidee, die er mit Hilfe der Amazon Studios umsetzen konnte. Nach einem Kinostart vor wenigen Wochen, der in Deutschland aber weitgehend unbemerkt blieb, ist der Film nun auf Amazon Prime zu sehen. Lohnt sich das Einschalten?

Brittany runs a Marathon: Die Handlung

Die junge Brittany (Jillian Bell) hat in ihrem Leben noch nicht allzu viel erreicht. Sie jobbt in einem Theater als Kassiererin, stopft Unmengen Fast Food in sich hinein und nimmt deutlich zu häufig Amphitamine, um auf die Beine zu kommen. Als sie für ein neues Rezept einen Arzt aufsucht, besteht der auf einer eingehenden Untersuchung – und konfrontiert Brittany mit derart schlechten Voraussagen zu ihrem weiteren Leben, dass sie beschließt sich zu ändern. Doch so pleite wie sie ist, kommt selbst ein günstiger Fitness-Club nicht infrage.

Also beginnt Brittany zu laufen, denn das kostet nichts und lässt sich fast immer und überall machen. Die ersten Versuche sind nicht wirklich ermunternd. Aber bald stellen sich Fortschritte ein. Dazu lernt sie mit Catherine (Michaela Watkins) und Seth (Micah Stock) neue Freunde kennen, die ebenfalls laufen. Und so wird aus Brittany schnell ein echter Langlauf-Junkie, der jede freie Minute durch die Nachbarschaft rennt – und in einem neuen Job sogar den netten Jern (Utkarsh Ambutkar) kennenlernt. Doch dann zeigt ihr Körper ihr Grenzen auf …

Brittany runs a Marathon: One-Woman-Show

Geschichten von inneren Reisen und daraus resultierende entscheidende Änderungen des eigenen Lebens – das sind beliebte Filmstoffe. Und Colaizzo hat den einschlägig bekannten Zutaten dieser Art Film nichts Neues hinzuzufügen. Selbstzweifel, Übertreibungen, übersensible Reaktionen und viele andere Emotionen, die auch hundert andere Filme mit ähnlichem Thema beinhaltet haben, finden sich auch hier. Dass Brittany runs a Marathon dennoch sehenswert ist, liegt zum großen Teil an Hauptdarstellerin Jillian Bell.

Denn die vielseitige Künstlerin, die neben vielen Jobs als Sprecherin auch Comedy macht und eigene Drehbücher schreibt, verlieht der eigentlich eher nervtötenden Brittany so viel liebenswerte Ecken und Kanten, dass der Zuschauer unbedingt wissen möchte, wie es mit der vollschlanken Blondine mit der mitunter fiesen Klappe nun weitergeht. Und auch wenn Colaizzo dem Publikum insgesamt zu viele Klischees zumutet, so bleibt er in der Handlung der Story wohltuend realistisch. Und erzählt dem Zuschauer keine Wunderdinge.

Brittany runs a Marathon: Emotional verbindlich

So kann sich Bell mit ihrem Charakter in einem Bereich bewegen, den das Publikum ihr auch glauben kann. Und sich mit Brittany ebenso über kleine Erfolge freut, wie es bei Rückschlägen schon beim Zusehen schmerzt. Diese emotionale Verbindung gelingt Bell spielerisch leicht. Und deshalb macht es durchgehend Spaß, ihre Verwandlung zu einem besseren Menschen durch den Sport mitanzusehen. Deshalb treten allerdings alle anderen Figuren der Geschichte sehr in den Hintergrund und bekommen kaum die Chance zu glänzen.

  Zu sehr konzentriert sich Colaizzo in seinem Script auf seine Heldin. Der er dafür als Ausgleich allerdings ein paar bemerkenswerte Szenen auf den Leib schreibt. Bell dabei zuzusehen, wie sie redet und gleichzeitig merkt, dass sie die Dinge, die sie gerade gesagt hat, besser nicht ausgesprochen hätte, gehört zu den stärksten Momenten des Films. Genau wie die schräg-originelle Love-Story, die Colaizzo seiner Brittany gönnt – und die wesentlich witziger ist als in vielen Komödien, die dieses Thema ins Zentrum des Films stellt.

Abzüge bekommt Brittany runs a Marathon vor allem in der Regiearbeit Colaizzos. Denn hier gibt es kaum einen Moment, der dem Zuschauer wirklich verrät, warum man sich diesen Film im Kino ansehen sollte. Weder in Brittanys kompliziertem emotionalen Status noch in den vielen Trainingseinheiten auf New Yorks Straßen findet der Regisseur Bilder oder Blickwinkel, die den Film von einer typischen fürs TV gedrehten Arbeit unterscheiden. Daher ist es passend, dass Amazon Prime den Film nun ins Programm genommen hat.

Fazit:

Die gut geschriebene Charakterstudie Brittany runs a Marathon begeistert neben guten Dialogen vor allem durch die äußerst launige Hauptdarstellerin Jillian Bell, die den Zuschauer auf ihr selbst auferlegtes Martyrium mitnimmt und ihn nicht wieder loslässt. Bei der Handlung bleibt der Film zwar angenehm realistisch und macht aus Brittany keine Wunderläuferin, dafür reißt er in Sachen Dramatik aber auch keine Bäume aus. Wohlfühl-Kino mit bitteren Spitzen für einen netten Fernsehabend bietet der film aber allemal.

Brittany runs a Marathon läuft ab dem 15. November 2019 bei Amazon Prime.

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Die Herrschaften haben sich mit ihrem Auftritt Zeit gelassen! Während Stan und Ollie in Großbritannien bereits vergangenen Oktober startete und in den USA noch im Dezember in die Kinos kam, dauert es hierzulande bis zum 9. Mai, bevor das Publikum einen Blick auf das Karriere-Ende der beiden begnadeten Komödianten werfen darf. Warum das so ist, weiß wohl nur der Verleih. Denn an der Qualität des Films kann es nicht liegen – oder doch? Das erfahren Sie hier.

Stan und Ollie: Die Handlung

Hollywood 1937. Stan Laurel (Steve Coogan) und Oliver Hardy (John C. Reilly) befinden sich auf dem Höhepunkt ihrer Karriere. Das Publikum liebt sie und doch sind die beiden nicht zufrieden. Denn Produzenten-Legende Hal Roach (Danny Huston) streicht den Löwenanteil der Gewinn ein und zahlt seinen Stars im Vergleich eher ein bescheidenes Gehalt. Und dass, obwohl Stan die Gags entwickelt und schreibt, durch die das Publikum weltweit Tränen lacht. Stan beschwört Ollie, Roach zu verlassen, doch der notorische Spieler traut sich nicht. So geht Stan allein.

16 Jahre später ist die Karriere der beiden faktisch tot. Aber Stan hat Ollie überredet, einer Tour durch England zuzustimmen, da ein dort ansässiger Filmproduzent Interesse bekundet hat, einen neuen Film mit den beiden Komikern zu drehen. Doch Ollies Gesundheit ist angeschlagen und das Publikum kommt selbst in die kleinen Theater, in denen Stan und Ollie auftreten, nur sehr sparsam. Dazu liegt der Streit der beiden über die damaligen Ereignisse noch immer unausgesprochen über ihren Köpfen. Keine perfekte Ausgangsposition für einen Erfolg …

Stan und Ollie: Traurige Clowns

Manche Filme überzeugen durch die Handlung, andere durch Spannung, dieser punktet fast komplett durch seine grandiosen Darsteller und deren Optik. Steve Coogans Laurel überzeugt optisch, wirkt aber vor allem durch die typischen Gesten und Bewegungen, die alle Welt von Stan kennt. John C. Reillys Ähnlichkeit mit Oliver Hardy ist hingegen geradezu unheimlich. Dazu beherrscht auch er die weltberühmten kleinen Gesten des übergewichtigen Mimen perfekt. Damit sind Coogan und Reilly der beste Grund, sich Stan und Ollie anzusehen.

Denn die Männer, die in der Öffentlichkeit sofort in ihre Rollen schlüpfen können und das auch geradezu reflexartig tun, sobald sich ein potenzielles Publikum zeigt, sind auch von einer Melancholie durchzogen, die sie zu traurigen Clowns macht. Das absehbare Ende des wohl größten Komiker-Duos zeigt der Film zwar ohne drastische Bilder oder Dialoge, aber dennoch weitgehend ungeschönt. Hardy war gesundheitlich stark angeschlagen und Laurel wurde klar, dass es zu keinen weiteren Projekten mit seinem langjährigen Partner kommen würde. 

Stan und Ollie: Nicht mehr zeitgemäß

In diesem Moment lässt das Drehbuch des erfahrenen Produzenten und Autoren Jeff Pope die Grenzen zwischen Freundschaft, Partnerschaft und Ehe verschwimmen und zeigt Laurel und Hardy als altes Paar, das sich besser kennt als die jeweiligen Ehefrauen. Und das trotz schmerzender Wunden, die es sich in der Vergangenheit zugefügt hat, doch von tiefem Respekt und Zuneigung füreinander geprägt ist. Diese fast aus der Mode gekommenen Werte verkauft Regisseur Baird mit einem Film, den er passend altmodisch und manchmal auch etwas altbacken inszeniert.

Denn so arg viel passiert in den gut 90 Minuten an Handlung gar nicht. Meist beobachtet die Kamera die Verwandlung von Laurel und Hardy zu Stan und Ollie in einem Augenblick und zeigt, wie gekonnt und professionell die beiden Schauspielern ihre komischen Rollen beherrschten. Bis die immer stärker wachsende Spannung zwischen beiden sich schließlich im finalen Akt entlädt. Doch selbst dieser Streit ist nach heutigen Maßstäben ruhig und beherrscht und weit weg von Gebrüll oder hässlichen Beleidigungen.

Hin- und her gerissen zwischen den Ansprüchen und Wünschen an sich selbst, die Rücksichtnahme auf ihre Frauen und die stetig schrumpfenden gesundheitlichen Möglichkeiten Hardys kommt es schließlich zum finalen Auftritt zweier Legenden, bei dem mancher Zuschauer sicher nicht nur eine Träne verdrückt. Neben den beiden Hauptdarstellern ist die Balance zwischen grandioser Komik, die dem Publikum zumindest ein sentimentales Lächeln ins Gesicht zaubert, und stillen, schmerzhaften Momenten, die bittersüß nachklingen, denn auch Stan und Ollies größte Leistung.

Fazit:

Wie ihr Humor, der sich stets nur gegen sie selbst richtete und dabei nie die Grenzen des guten Geschmacks verließ, präsentiert sich auch der Film Stan und Ollie über die letzten gemeinsamen Monate von Stan Laurel und Oliver Hardy leise und unaufdringlich. Das macht den Film in der heutigen Zeit mit seiner ruhigen Erzählweise fast zum Anachronismus, gewährt dadurch aber auch einen wehmütigen Einblick in eine vergangene Zeit der Traumfabrik und ihrer Stars. Nicht ohne Längen, ist der Film aber durch seine beiden großartigen Hauptdarsteller für Cineasten und Fans des alten Hollywood dennoch ein Muss.

Stan und Ollie startet am 9. Mai 2019 in den deutschen Kinos.

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Ob es daran liegt, dass Matthew McConaughey zu Beginn seiner Karriere eher als Schönling galt denn als richtiger Schauspieler? Zumindest sucht er sich seit Jahren Rollen aus, die weitab vom Mainstream-Kino liegen. Und dem 49-jährigen die Gelegenheit geben, besonders schräge Figuren zum Leben zu erwecken. Da bildet auch Moondog, die Hauptfigur aus Beach Bum, keine Ausnahme. Ob es Spaß macht, den Lebenskünstler bei seinem nicht immer lustigen Stationen seines Lebens zu begleiten, erfahren Sie hier.

Beach Bum: Die Handlung

Moondog (Matthew McConaughey) ist ein begnadeter Poet, dessen Gedichte vielen Lesern aus der Seele sprechen. Er ist aber auch ein extrem fauler Sack, der seine Tage am liebsten mit Drogen und Alkohol vollgepumpt in den Florida Keys vertrödelt oder sich mit diversen jungen Frauen vergnügt. Dass in Miami seine Ehefrau Minnie (Isla Fisher) wartet, stört ihn dabei wenig. Als die ihn aber bittet, wenigstens zur Hochzeitsfeier der gemeinsamen Tochter Heather (Stefania LaVie Owen) zu kommen, rafft Moondog sich auf und macht sich auf den Weg.

Doch die Feier konfrontiert ihn nicht nur mit einem unerwünschten Schwiegersohn, sondern auch mit ein paar unliebsamen Wahrheiten über seine Frau. Doch wie immer rauft sich das Paar zusammen und verbringt eine gute Zeit miteinander – bis es zu einer Tragödie kommt. Von einem Tag zum anderen muss Moondog daher sein Leben umstellen, wenn er es irgendwann wieder so führen will wie gewohnt. Für den Mittvierziger nach fast 20 Jahren in den Tag hinein leben keine ganz einfache Aufgabe. Doch er stellt sich der Aufgabe, so gut er kann …

Beach Bum: Kein Film von der Stange

Regisseur und Autor Harmony Corine war an typischen Hollywood-Stoffen noch nie interessiert. Als Autor wurde er bereits 1995 berühmt, als er in seinem Drehbuch zu „Kids“ zwölfjährige Kinder 24 Stunden lang begleitete – und mit seinem krassen Inhalt voller Sex und Drogen das Publikum schockte. Zuletzt inszenierte er sein eigenes Drehbuch zu „Spring Breakers“ (2012), in dem er damals eher disneytaugliche Jungschauspielerinnen wie Vanessa Hudgens und Selena Gomez als sexy Spaß-Junkies besetzte. Dagegen ist Beach Bum eher ein mildes Alterswerk.

Denn Moondog, der Mittelpunkt des kompletten Films, hat für Gewalt gar keine Energie. Schon immer haben Drogen in Corines Werk eine Rolle gespielt, hier stellt er sie ins Zentrum des Geschehens. Denn die Hauptfigur ist in kaum einer Szene einmal nüchtern. Doch das sieht Corine in seinem Script offenbar ähnlich entspannt wie sein Held. Denn großartig negative Folgen hat das Leben auf der durch Substanzen und Alkohol entspannten Seite hier nicht. Und Kritik an Moondogs Philosophie sucht man auch vergebens.

Beach Bum: Mehr Stimmung als Story

Ohnehin mäandert Corines Story hier ebenso dahin wie Moondog selbst, einen Spannungsbogen oder echte Schlüsselszenen gibt es in Beach Bum (dt. etwa Strand-Penner) nicht. Wie ein Korken auf dem Wasser lässt sich der Protagonist treiben, landet mal in fremden Betten und mal auf der Schnauze, lässt sich aber nie entmutigen und findet letztlich sein Ziel, ohne je danach gesucht zu haben. Ganz bewusst bürstet Corine seine Geschichte hier gegen den Strich des typischen Hollywood-Kinos – und macht sich auf kaum Mühe, sie durchgehend zu erzählen.

Immer wieder streut er Zeitsprünge ein, die zu Beginn gar nicht so einfach zu identifizieren sind und fordert dadurch die Aufmerksamkeit des Publikums. Und immer wieder wirkt sein Film wie ein Sammelsurium lustiger Szenen, aber kaum wie ein stringent erzählter Film. Dass passt allerdings hervorragend zu seinem Helden, den McConaughey großartig verkörpert. Das breite Dauergrinsen und die stetig hingenuschelten Weisheiten Moondogs scheinen McConaughey von Corine auf den für die Rolle etwas zu durchtrainierten Leib geschrieben worden zu sein.

Und so ist Beach Bum vor allem ein Film, an dem die Geister sich scheiden werden. Die einen dürften ihn als extrem coolen Drogenfilm feiern, der deutlich zeigt, wie viel Spaß es machen kann, die Realität dauerhaft auszublenden. Die anderen werden vermutlich eine zu lange Laufzeit (95 Minuten, die sich deutlich länger anfühlen) angesichts einer eher dürftigen Handlung beklagen. Je nach Sichtweise sind beide Standpunkte nachvollziehbar. Lediglich an McConaugheys Leistung gibt es nichts zu deuteln, die ist großartig und jederzeit unterhaltsam.

Fazit:

Die Qualität eines Films ist immer auch Geschmackssache, allerdings selten so deutlich wie bei Beach Bum. Während Matthew McConaugheys des Drogen-Poeten Moondog unstrittig gelungen ist, wirkt der Film oft ziellos und ergeht sich in den immer gleichen Drogen-Exzessen, die weder sonderlich brillant inszeniert, noch geschrieben sind. Für die Konsequenz, seinen Film komplett aus der Sicht eines permanent zugedröhnten Charakters zu erzählen, gebührt Regisseur und Autor Harmony Corine Respekt. Mögen muss man das Ergebnis nicht – aber man kann.

Beach Bum startet am 28. März 2019 in den deutschen Kinos.

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Seit Ricky Gervais gemeinsam mit Kollege Stephen Merchant 1995 den Welterfolg „The Office“ schuf, gehört er zu den ganz großen Comedians der britischen Inseln. Zwar gab es in England nur zwölf Folgen und zwei Specials, die US-Version lief aber neun Jahre lang und kam dabei auf mehr als 200 Folgen. Und auch „Stromberg“ beruht auf diesem Original. Danach drehte Gervais erfolgreich weiterhin Serien wie „Extras“, die gern an die Schmerzgrenzen des Humors gingen. Was erwartet den Zuschauer nun bei After Life?

After Life: Die Handlung

Tony (Ricky Gervais) ist Journalist bei einer kleinen Zeitung, die kostenlos verteilt wird – und von seinem Schwager Matt (Tom Basden) geleitet wird. Eigentlich ist Tony ein netter Kerl, aber nachdem seine Frau Lisa (Kerry Godliman) an Brustkrebs stirbt, verwandelt sich der Witwer in eine Schreckensgestalt. Nachdem er nicht den Mut aufbrachte, sich das leben zu nehmen, ihm aber dennoch jeder Lebenswille fehlt, beschließt er, von jetzt ab gnadenlos offen und ehrlich zu sein und jedem zu sagen, was er denkt.

Weil Tony auch noch ziemlich clever ist und ihm vieles auffällt, sind seine Mitmenschen bald bis an die Grenzen ihrer Belastbarkeit mit der harten Realität durch Tony konfrontiert. Ob er Kollegin Kath in religiöse Debatten zwingt, bei denen er sie in der Luft zerreißt, oder einen Mitschüler seines Neffen mit dem Tod durch Hammerschläge bedroht: Der immer noch von Wut und Schmerz zerfressene Witwer ist eine Zumutung für seine Umwelt. Doch das entspricht nicht dem letzten Wunsch seiner Frau, die ihn als witzigen, freundlichen Mann leben sehen möchte …

After Life: Da, wo es weh tut

Man muss Ricky Gervais für seine Direktheit und sein Aufgreifen von Tabuthemen nicht unbedingt mögen – aber man kann – doch eines muss man dem 57-jährigen definitiv zugestehen: Angst kennt er nicht. Denn auch in After Life beschäftigt sich Gervais mit Themen, über die noch nicht so häufig Comedy-Serien gedreht wurden – mit gutem Grund. So offen wie Gervais in seinen Monologen und Dialogen mit anderen Schauspielern über Selbstmord und das Sprengen gesellschaftlicher Konventionen spricht, ist das Konzept radikal und frisch.

Was nicht bedeutet, dass es jedem gefallen wird, das war Gervais allerdings auch noch nie wichtig. Denn er geht in After Life mit seiner Figur nicht freundlicher um als mit den anderen. Das führt dazu, dass die erste Folge der neuen Serie den Zuschauer eher sprachlos zurücklässt. Denn lustig ist die kaum, dafür entwickelt der Zuschauer eine deutliche Abneigung gegen Tony und sein rabiates Verhalten. Aber hier sollte man sich noch mindestens eine weitere Folge gönnen, denn schon mit der zweiten Episode läuft After Life zu großer Form auf.

After Life: Comedy über den Tellerrand

Gervais, der neben Hauptrolle auch Buch und Regie übernahm, gelingt das Kunststück, seine Serie ebenso tragisch wie komisch zu erzählen – und das kann innerhalb von Sekunden von der einen zur anderen Seite kippen. Eben noch möchte man die fiesen Witwer für seine Gemeinheiten durchschütteln, im nächsten Moment kümmert er sich liebevoll um seine Hündin, die für ihn der einzige Grund ist, überhaupt noch am Leben zu sein. Und das geht einfach zu Herzen. After Life ist zweifelsohne Gervais‘ bisher reifstes Werk als Autor.

Dazu schafft er es in den kurzen sechs Episoden immer wieder, das Publikum zu überraschen. So nimmt er die Prostituierte, die ihm anbietet, für 50 Pfund alles zu tun was er will, tatsächlich mit nach Hause. Und lässt sie dort abwaschen. Um sich später mit ihr sogar ein wenig anzufreunden. Und wenig später beim Besuch des demenzkranken Vaters (David Bradley) wieder ihn Agonie zu verfallen, weil der ihn ständig nach dem Befinden seiner toten Frau fragt und sich Lisas Tod nicht mehr merken kann. Darüber Comedy zu machen, braucht schon Eier.

Wer nun aber eine beständige Schimpftirade Gervais‘ auf die Welt über sechs Folgen erwartet, liegt falsch. Denn Tony macht in den Episoden durchaus eine Entwicklung durch und hat Bewegung in seiner Trauerarbeit. Und das schreibt und spielt Gervais trotz aller Bösartigkeiten so hoffnungs- und würdevoll, dass After Life einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Dadurch, dass Gervais mit Todesverachtung auch die heikelsten Themen angeht. Und darüber, mit welcher ungeahnten Sensibilität er das macht. Nach „Sex Education“ die nächste großartige britische Serie bei Netflix.

Fazit:

Mit After Life legt Ricky Gervais einen schwachen Start hin, die erste Folge bietet wenig Grund zum Weiterschauen. Was der britische Comedian dann aber in den weiteren fünf Episoden an Humor, Drama, Melancholie, Tod und Wahnsinn auf den Bildschirm zaubert, entschädigt für den lauen Auftakt mehr als genug. Gervais beweist nicht nur Tapferkeit bei seiner Themenauswahl, sondern auch eine Feinfühligkeit, die man dem sonst oft so groben Klotz kaum zutraut. Großartige Unterhaltung mit Tiefgang aus England!

After Life startet am 8. März 2019 bei Netflix.

Gesehen: Sechs von sechs Folgen

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Große Action, opulente Bilder und unvorhersehbare Twists. All das kann Paddleton nicht bieten. Stattdessen sieht der Zuschauer zwei Männern dabei zu, wie sie sich unterhalten, puzzeln, spielen, Fernsehen und schlafen. Und daher dient der Film eher als Gegenentwurf zum modernen Hollywood-Blockbuster-Kino. Sorgt er dennoch für gute Unterhaltung oder sollten sich Netflix-Kunden die Zeit lieber sparen?

Paddleton: Die Handlung

Paddleton ist das wohl exklusivste Sportspiel der Welt, denn nur zwei Menschen kennen und beherrschen die Regeln. Andy (Ray Romano), ein redseliger, grummeliger und meist eher unfreundlicher Mittvierziger. Und sein bester Freund Michael (Mark Duplass), der im gleichen Apartment ein Stockwerk unter Andy wohnt – und sich mit ihm Paddleton ausgedacht hat. Michael ist eher der ruhige Typ, was sich nicht einmal ändert, als er im Beisein von Andy gleich zu Beginn des Films die Diagnose erhält, Krebs im Endstadium zu haben. Ihm bleiben nur noch Monate.

Der Betroffene geht mit dieser Nachricht weit gelassener und kühler um als sein Kumpel Andy, der immer wieder mit dem Thema anfängt und sein eigenes Leben nur noch um Michaels tödliche Krankheit arrangiert. Als Michael ihm erklärt, dass er den Zeitpunkt seines Todes selbst bestimmen möchte und sich deshalb in einiger Entfernung ein legales Medikament zur Selbsttötung kaufen wird, ist es für Andy Ehrensache ihn zu begleiten. Doch der Trip bringt einige unausgesprochene und unerledigte Dinge nach oben …

Paddleton: Unterhalten sich zwei Männer …

Actionfans seien ausdrücklich gewarnt. In Paddleton geht es um zwei Männer, die sich die meiste Zeit unterhalten – und mehr nicht. Selbst hastige Bewegungen sind hier selten. Regisseur und Mitautor Alex Lehmann seziert hier mit Dialogen aus dem Leben eine Situation, die so alltäglich wie außergewöhnlich ist – jemand, der einem nahe steht, stirbt. Nicht plötzlich, wie durch einen Unfall, sondern angekündigt, mit Monaten Laufzeit bis zum endgültigen Abschied. Lehmann macht daraus mithilfe seiner beiden Hauptdarsteller eine ruhige, aber nie langweilige Tragikomödie.

Denn Andy setzt sich durch seine ungehobelte Art und sein ständiges Gerede immer wieder in Fettnäpfchen. Die deshalb so gut wirken, weil Lehmann nie darauf herumreitet. Um sie mitzubekommen, muss man als Zuschauer schon aufpassen. Wie natürlich Roman und Duplass diese Momente spielen, das sind die stärksten Momente des Films. Denn während Michael sein Leben so lange wie möglich so weiterleben will wie bisher, fällt es Andy von Tag zu Tag schwerer, nicht an den Abschied von dem einzigen Menschen zu denken, der ihm etwas bedeutet.

Paddleton: Einfach, aber nicht flach

Auf welche gleichzeitig plumpe und doch anrührende Art Andy seinem Freund das Gehen gleichzeitig erschweren und erleichtern will, geht auch deshalb nahe, weil Lehmann nie auf die Tränendrüse drückt und das Geschehen eher dokumentarisch einfach abfilmt – ohne große Kamerafahrten oder bedeutungsschwangere Musik. Denn der Regisseur verlässt sich völlig zurecht darauf, dass die Geschichte, die er erzählt, ohne das alles eher stärker als schwächer wird. Allerdings muss sein Publikum dafür auch den entsprechenden Geschmack mitbringen.

Denn obwohl besonders Andy viel redet, werden die wichtigsten Dinge im Film doch nicht gesagt, sondern stehen irgendwo zwischen den vielen Zeilen. Nur selten, wenn Andy beispielsweise einen Kindertresor kauft, um Michaels Todes-Medikamente darin zu lagern, wird es deutlich, wie nahe ihm die Sache geht. Meistens redet Andy aber eher fünf Minuten um den heißen Brei herum – und sagt das Wesentliche dann doch nicht. Das ist sicherlich ein Genuss für Cineasten, die beispielsweise auch Woody Allens Spätwerk schätzen.

Es wird aber vermutlich Zuschauer eher langweilen, die sich auf eine Komödie gefreut haben, als die Paddleton bei Netflix angepriesen wird. Schenkelklopfer gibt es hier nicht und die vage Komik ist auch oft mehr ein Fremdschämen als ein befreiter Lacher. Wer aber zurückgenommene Schauspielkunst schätzt, einen Faible für unterschwellige Botschaften hat und mit stark dialoglastigen Filmen etwas anfangen kann, wird mit Paddleton sicher glücklich – denn für genau diese Zielgruppe ist er auch gedacht.

Fazit:

Mehr als  scheinbar belanglose Unterhaltungen zwischen Menschen hat Paddleton nicht zu bieten – und genau daraus besteht sein Reiz. Denn zwischen den Zeilen entstehen hier die Aussagen über Freundschaft, Tod und das Weitermachen. Das ist ohne Pathos und ganz alltäglich erzählt – und das kann man durchaus langweilig finden. Wer aber auf genau diese Art Film steht, wird mit Paddleton viel anfangen können. Statt derbem Humor setzt Regisseur Alex Lehmann auf die ganz feine Klinge – und die erwischt nun einmal nicht jeden.

Paddleton ist ab dem 22. Februar 2019 bei Netflix zu sehen.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

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Im Theater gibt es zuallererst das Drama. Ob das eine Komödie oder Tragödie wird, hängt oft nur von wenigen Entscheidungen ab, wie schon William Shakespeare so brillant bewies. Karoline Herfurth nimmt sich mit dem Drehbuch von Monika Fäßler ebenfalls eine Story vor, die in vielen Szenen in beide Richtungen kippen könnte. Macht das Sweethearts zum sehenswerten Film oder bleibt die Produktion hinter den durchaus hohen Erwartungen an Regie und Schauspieler zurück?

Sweethearts: Die Handlung

Franny (Karoline Herfurth) hatte keine sonderlich schöne Kindheit, nahm diesen Umstand aber auch noch sehr schwer. Heute ist sie eine völlig verhuschte junge Frau mit regelmäßigen Panik-Attacken, die vor so ziemlich allem Angst hat. Ausgerechnet sie wird von der allein erziehenden Mel (Hannah Herzsprung) als Geisel genommen, nachdem deren Raubüberfall bei einem Juwelier aus dem Ruder läuft. Franny stirbt allein in den ersten Minuten tausend Tode. Und nervt die eigentlich toughe Mel mit ihren Marotten und Anfällen fast zu Tode.

Doch statt Franny zu erschießen, lässt sie ihre Geisel am Leben, die sich dafür prompt rächt, indem sie die Beuteübergabe an einen Hehler komplett versaut. Weil nun selbst die harte Mel fast verzweifelt, regt sich in Franny die Hilfsbereitschaft. Und sie versucht, der jungen Frau, die das alles nur für ihr kleine Tochter geplant hat, irgendwie aus der Patsche zu helfen. Doch das ist leichter gesagt als getan. Auch weil das ungleiche Duo mit der SEK-Leiterin Ingrid (Anneke Kim Sarnau) den fiesesten Berliner Cop überhaupt an den Hacken hat …

Sweethearts: Mehr als Comedy

Ganz neu ist die Idee des Films natürlich nicht, ungleiche Paare, die sich irgendwie zusammenraufen, kennt das Kino schon lange. Ob im französischen Klassiker „Die Filzlaus“ von 1973 (bekannter ist das Remake „Budy, Buddy“ von Billy Wilder aus dem Jahr 1981), oder auch der deutsche „Knocking on Heaven’s Door“ mit Til Schweiger und Jan-Josef Liefers. Der Plot allein ist es also nicht, der Sweethearts zum sehr ansehnlichen Film macht. Denn Regisseurin und Hauptdarstellerin Karoline Herfurth macht auch andere Dinge richtig.

So gelingt es ihr regelmäßig, das gute Drehbuch so umzusetzen, dass nicht die handelnden Personen lustig bis lächerlich sind, sondern der Humor durch den Kontext der Szene entsteht. Und das ist meist sehr viel nachhaltiger witzig als kurze, klamaukige Einlagen. Mit denen sich der Film auch wohltuend zurückhält. Dazu hat Herfurth wie schon bei SMS für Dich erneut ein gutes Händchen für ihre Kollegen vor der Kamera bewiesen. Denn die so oft beschworene Chemie zwischen den Darstellern passt hier perfekt – und trägt weite Teile des Films.

Sweethearts: Starke Hauptrollen, witzige Nebenrollen

Herfurth und Herzsprung bieten als Duo wider Willen das Kernstück der Geschichte und spielen ihre Rollen stark. Lediglich Frannys allzu schnelle Heilung ihrer Panik-Attacken ist im Drehbuch nicht wirklich elegant gelöst, die allein erziehende Mel mit derber Sprache und trotzigem Kampfgeist ist dafür umso besser gelungen. Auch Frederick Lau als Streifenpolizist Harry mit Vergangenheit zu Ingrid – und einer Schwäche für Franny – , bekommt ein paar wundervolle Szenen, in der er seine Stärken ausspielen darf. Die komödiantischen Spitzen setzen aber andere.

Da ist zum einen Harrys Kollege, der mit seinem Säugling zum Streifendienst erscheint und ein paar der besten One-Liner im ganzen Film präsentiert. Und Anneke Kim Sarnau als notorisch fiese Ingrid, die jedes lebende Wesen in ihrer unmittelbaren Umgebung schon deshalb beleidigt oder anschnauzt, weil es atmet. Wie Sarnau durch den Film poltert, ist eine Schau, der gut geschriebenen Rolle sei Dank. Dass Sweethearts trotz der eigentlich ausgelaugten Grundidee auch überrascht, liegt aber daran, dass die Stimmung jederzeit kippen könnte.

Denn aus der anfangs eher harmlosen Story entwickelt sich immer mehr ein Szenario, das auf ein mögliches „Thelma und Louise“-Ende zusteuert. Immer wieder ertappt man sich bei dem Gedanken, ob die gefährlicher werdende Odyssee von Franny und Mel wirklich ein gutes Ende nehmen kann. Herfurth gelingt dieser Tanz auf der Klinge zwischen Komödie und Drama ausgezeichnet und macht damit die eine oder andere zu langatmige oder gezwungen lustige Szene im zweiten Akt mehr als wett. 

Fazit:

Diese Sweethearts haben Charme! Trotz nicht allzu origineller Buddy-Movie-Grundidee holen Regisseurin Karoline Herfurth und Autorin Monika Fäßler etliche gute Momente aus ihrer Story. Was sie neben der ausgezeichneten Darsteller-Riege auch ihrem Mut zu spannender Ambivalenz zu verdanken haben. Denn ob die Sache für das Chaos-Duo wirklich gut ausgeht, daran sät Herfurth sehr gelungen immer wieder Zweifel. Was neben einigen Humor-Perlen auch für ordentlich Spannung sorgt. Und Sweethearts zum sehenswerten Film macht.

Sweethearts startet am 14. Februar 2019 in den deutschen Kinos.

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Normalerweise hält sich Netflix mit konkreten Zahlen zu den eigenen Programmen immer sehr zurück und lässt sich so gut wie nie in die Karten sehen. Doch bei Sex Education machte der Streaming-Dienst nun eine Ausnahme. Mehr als 40 Millionen Mal sei die Serie im ersten Monat nach Erscheinen bereits angesehen worden, meldete Netflix zeitgleich mit der Verlängerung der Comedy-Show. Die sich aber traut, auch dunklere Kapitel aus dem Leben von Teenagern zu thematisieren. 

Sex Education Staffel 2: Alle an Bord?

Wie Staffel eins soll auch die zweite Runde aus acht Folgen bestehen. Zudem ist es sehr wahrscheinlich, dass alle wichtigen Figuren aus der ersten Staffel wieder dabei sind. Ob Otis und Maeve in der zweiten Staffel doch noch ein Paar werden? Wird Eric seinen neuen Lover wiedersehen oder bleibt der Sohn des Schuldirektors bei der Armee? Und was ist mit dem Liebesleben von Otis‘ Mutter Jean?

Noch offene Handlungsstränge gibt es in jedem Fall genug, um weitere acht Folgen der Serie zu füllen. Sie könnten noch spät im Jahr 2019 oder Anfang 2020 bei Netflix ins Programm kommen.

Die Kritik zur ersten Staffel gibt es hier.

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Authentischer geht es kaum. Nicht nur, dass der Titel Green Book sich auf das damals wirklich existente „Negro Motorists Green Book“ bezieht, in dem nachzulesen war, welche Hotels und Restaurants schwarze Gäste bedienten. Auch die Geschichte selbst basiert auf einem Drehbuch, an dem Nick Vallelonga, Sohn der von Viggo Mortensen gespielten Tony, maßgeblich mitgeschrieben hat. Er hatte vor dem Tod seines Vaters oft mit ihm über die Ereignisse von damals gesprochen und auch die alten Briefe seiner Mutter bekommen. Ist das vielleicht zu viel Realismus für einen guten Film?

Green Book: Die Handlung

Weil es in dem Nachtclub, in dem Tony Lip (Viggo Mortensen) als Rausschmeißer arbeitet, dicke Luft zwischen zwei verfeindeten Mafia-Familien gibt, macht der Laden kurzerhand eine Weile dicht, bis sich die Gemüter beruhigt haben. Doch Tony hat Familie und braucht Geld. Als das Angebot kommt, als Fahrer für einen Schwarzen zu arbeiten, der mehrere Wochen in die Südstaaten muss, bewirbt sich Tony auf den Job – und begegnet einem in seinen Augen hochgradig eigenartigen Schwarzen. Dr. Don Shirley (Mahershala Ali)  ist Musiker, hochintelligent und gebildet.

Tony bekommt den Job tatsächlich, verabschiedet sich von Gattin Dolores (Linda Cardellini) und verspricht ihr, oft Briefe zu schicken. Dann beginnt die Tournee des Musikers, dessen zwei Bühnenpartner im eigenen Wagen reisen. Zuerst können der Intellektuelle, der auch auf andere Schwarze herabsieht, und der ungebildete, aber smarte Tony nicht viel miteinander anfangen. Aber der italienischstämmige Fahrer redet und fragt so permanent auf Shirley ein, dass dieser schließlich doch private Dinge von sich preisgibt …

Green Book: Ein Rassismus-Feel-Good-Movie?

Rassismus ist in den USA noch immer ein großes Thema und bewegt den kleinen Mann ebenso wie die Kulturschaffenden des Landes. Anders ist eine Oscar-Nominierung für „Black Panther“ auch nicht zu erklären. Aber dabei geht es entweder bitterernst zu, wie in „Moonlight“. Oder die weißen Rassisten werden komödiantisch als hirnlose Trottel gezeigt, wie in „Blackklansmen“. Green Book macht beides nicht, sondern skizziert den Rassismus der 60er Jahre eher nebenbei. Während er in wunderbaren Szenen die Entstehung einer besonderen Freundschaft erzählt.

Wie aus gegenseitiger Abneigung erst Verständnis, dann Respekt und schließlich Freundschaft wird, hat ein Film lange nicht mehr so warmherzig und emotional erzählt, ohne jemals auf die Tränendrüse zu drücken oder übertriebene Momente zu bemühen. Farrelly dirigiert seine beiden Stars dabei traumhaft sicher durch den Film. Und sorgt dafür, dass sie keinen einzigen Moment aus ihrer Glaubwürdigkeit fallen. Deshalb sieht der Zuschauer auch nur Nuancen von Änderungen. Aber das kann schon reichen, um etwas besser zu machen – eine schöne Botschaft des Films.

Green Book: Edel gespielt

So ist Tony zu Beginn des Films im Alltag ein Rassist. Als zwei schwarze Handwerker, die von Dolores angeheuert wurden, um etwas in der Küche zu reparieren, um etwas Wasser bitten, entsorgt Tony die Gläser hinterher heimlich im Müll. Und steht so stellvertretend für die meisten Weißen der 60er, für die der Rassismus völlig normal war – etwas, an das man keinen zweiten Gedanken verschwendet. Viggo Mortensen schaffte es, aus diesem eigentlich sehr unsympathischen Typen im Verlauf des Films jemanden zu machen, den man versteht – und dann auch mag.

Das Gleiche gilt für Mahershala Ali, der seine Figur, die zu niemandem wirklich gehört – und zu Beginn auch nicht gehören möchte – so fein verkörpert, dass sich wie bei einer Zwiebel eine Schale nach der anderen abzieht und der Zuschauer Dinge von ihm erfährt, die zu Anfang kaum vorstellbar schienen. Ali spielt seine zutiefst tragische Figur mit einer Mischung aus Wut und Würde, die ihm seine Oscar-Nominierung zu Recht einbrachte, weil er sie so nachvollziehbar macht. Dabei hilft das ausgezeichnete Drehbuch mit wundervollen Dialogen.

Wenn man sich dann vor Augen hält, dass diese Geschichte mit eventuellen kleinen Änderungen aus dramaturgischen Gründen, tatsächlich so passiert ist, kommt man kaum umhin, davon berührt zu werden. Gerade weil es trotz der eigentlich düsteren Ausgangsposition so viel zu lachen und zu schmunzeln gibt. Denn statt Betroffenheitsreden oder pathetischen Szenen zeigt Green Book, wie man das im Alltag regelt – mit kleinen Gesten und wenigen Worten. Das macht den Film so lebendig und so sehenswert.

Fazit:

Mit Green Book gelingt Peter Farrelly ein Film gänzlich abseits seiner bisherigen Klamauk-Erfolge, aber dennoch streckenweise genauso witzig. Weil er nicht den Rassismus ins Zentrum seiner Erzählung rückt, sondern die Freundschaft zweier Menschen, die unterschiedlicher kaum sein könnten. Und trotzdem einen Weg zueinander finden. Wer Kino als einen Ort ansieht, wo man gute Geschichten erzählt bekommt, für den ist Green Book gemacht. Ein Film, aus dem man vielleicht nicht als besserer Mensch herauskommt – aber als glücklicherer.

Green Book läuft ab dem 31. Januar 2019 in den deutschen Kinos.

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