Die Handlung

Cole (Chris Evans) ist vor ein paar Jahren wieder zu seinen Eltern gezogen, weil sein Vater gesundheitliche Probleme bekam und hilft seitdem auf der Farm. Auf einem kleinen Markt verkauft er auch die eigenen Erzeugnisse – und trifft dabei eines Tages auf Sadie (Ana De Armas). Obwohl ihr Gespräch schnell in einen kleinen Streit ausartet, garantiert ihm die Frau vom Nachbarstand, das da etwas zwischen den beiden gewesen sei. Kurz entschlossen läuft Cole der Frau nach und kann sie gerade noch auf dem Parkplatz anhalten. Erstaunlicherweise lädt sie ihn nach einer Entschuldigung sogar zum Kaffee ein. Die nächsten Stunden vergehen für Cole wie im Traum. Denn er stellt fest, dass Sadie eine faszinierende Frau ist, die sich für viele Dinge interessiert, die er ebenfalls spannend findet.

Als er sie schließlich nach einem langen Abend in der Morgendämmerung nach Hause bringt, bittet sie ihn nach kurzem Zögern hinein. Cole schwebt wie auf Wolken, allerdings nicht lange. Denn nach ein paar Tagen muss er feststellen, dass seine Textnachrichten unbeantwortet bleiben. Offenbar hat Sadie sich entscheiden, ihn zu „ghosten“, also auf Nachrichten von ihm nicht mehr zu reagieren und zu verschwinden wie ein Geist. Dabei war sich Cole doch so sicher, dass es zwischen Sadie und ihm mehr war als nur Anziehung. Zufällig bemerkt er, dass sie noch ein Medikament von ihm in Besitz hat und er sie darüber orten kann. Verliebt, wie er ist, hält Cole die Reise nach London, wo sie sich gerade aufhält, für eine tolle Idee. Aber irren ist menschlich …

Wenige frische Ideen

Der Plot ist nicht neu, auch wenn das Publikum ihn meist in umgekehrten Rollen zu sehen bekommt. Der Agent lernt eine Frau kennen, die durch ihn in einen Spionagethriller gerät, so gesehen in „Knight and Day“ mit Tom Cruise und Cameron Diaz. Das wird in Ghosted einfach mal gedreht, denn hier ist Ana De Armas die coole Agentin und Chris Evans der leicht verstrahlte Stolpervogel, der durch sie in ein lebensgefährliches Abenteuer gerät. Das ist allerdings auch schon die ganze kreative Kraft, die sich bei Ghosted zeigt. Obwohl die Produzenten mit Paul Wernick und Rhett Reese sowie Chris McKenna und Eric Summers gleich zwei starke Drehbuch-Duos ins Boot holten, ist das Ergebnis alles andere als schillernd. Trotz De Armas und Evans gibt es hier Action mit etwas Humor von der Stange.

Aber zu den positiven Seiten des Films: Ana De Armas und Chris Evans funktionieren auch im dritten Versuch ausgezeichnet gemeinsam vor der Kamera. Dass sich diese beiden zueinander hingezogen fühlen, nimmt man dem Duo jederzeit ab. Und selbst die wenig feurigen Dialoge spielen die beiden noch mit so viel Hingabe, dass man sich als Zuschauer zumindest nicht komplett langweilt. Und dass De Armas im Abendkleid und Evans im Anzug auch optisch einiges hermachen, weiß man auch nicht erst seit gestern, Ana De Armas hat das bereits im letzten Bond-Film mehr als eindrücklich gezeigt. Wer also schöne Menschen in Actionszenen sehen möchte, der ist bei Ghosted zumindest nicht falsch.

Generisches Script ohne Esprit

Damit wird es dann aber auch dünn in Sachen Pluspunkte. Denn was das erfolgreiche Drehbuch-Quartett hier abliefert, ist bestenfalls durchschnittlich. Und hat nur sehr wenig mit den Perlen wie „Zombieland“, „Deadpool“ oder „Spider-Man: No Way Home“ zu tun. In Ghosted ist so gut wie nichts originell, jede einzelne Szene haben Action-affine Zuschauer mit Sicherheit schon mindestens einmal irgendwo anders gesehen. Und in der Regel besser. Und auch der Romanzen-Teil des Films fällt nicht deutlich besser aus. Evans und De Armas geben sich durchaus Mühe, aber mit derart generischen Dialogen und Szenen können auch sie keine Wunder bewirken.

Spaß macht immerhin Adrien Brody als herrlich schmieriger Schurke, der in seiner Überzeichnung ein wenig an einen Cartoon-Bösewicht erinnert. Und auch kleinere Nebenrollen wie Coles Familie sind gut besetzt und zeigen gutes Timing bei den wenigen Pointen, die das Drehbuch zu bieten hat. Auch die Action ist in Ordnung, aber wer Ghosted mit so brachialen Krachern wie John Wick 4 oder „Mission Impossible 6“ vergleicht, dann merkt man schnell, dass der neue Film von Evans und De Armas eben da nur in der zweiten Reihe steht. Allerdings hat Ghosted vermutlich auch deutlich weniger gekostet als die anderen genannten Filme. Unter dem Strich ist Ghosted damit ein Film, der sich problemlos anschauen lässt, weil er nie wirklich stört. Gefällig fürs Auge, ohne große Längen – aber eben auch ohne große Höhepunkte. Und vor allem ohne eine einzige Überraschung.

Fazit:

Mit Ghosted bekommen Fans der beiden Schauspieler Chris Evans und Ana De Armas zum dritten Mal ein Team-Up, das ihnen Freude macht. Denn die beiden tragen den Großteil des Films – und das machen sie gut. Leider ist das Ausgangsmaterial in Form des Drehbuchs alles andere als originell oder elegant, sondern zeigt sich als generisches Action-Agenten-Abenteuer mit ein wenig Liebe und Humor. Und ist damit für den bisher eher ambitionierten Streaminganbieter Apple TV+ eine Ausnahme. Hier gibt ers einen routinierte gemachten und gedrehten, aber zutiefst generischen Film zu sehen, den man nebenbei konsumiert wie Salzstangen oder Chips, der aber auch nur ähnlich kurz satt macht.

Ghosted startet am 21. April 2023 bei Apple TV+.

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Die Handlung

Loretta Sage (Sandra Bullock) war einmal eine aufstrebende Archäologin. Doch nach dem Tod ihres Mannes hat sie sich immer mehr zurückgezogen und begonnen, Romane über ein Abenteurer-Paar zu schreiben – und das höchst erfolgreich. Weil sie ihr neuestes Werk aufgrund einer Schreibblockade nicht ordentlich zu Ende bringt, zwingt ihre Agentin Beth (Da’Vine Joy Randolph) Loretta zu einer Promo-Tour. Und verpasst ihr für den Auftakt nicht nur ein schreiendes Outfit aus pinken Pailletten. Sondern hat auch noch Model Alan (Channing Tatum) eingeladen, der für die Roman-Cover von Loretta stets als Held Dash fungiert hat. Und Loretta schon immer gewaltig auf die Nerven fiel.

Nach der Veranstaltung, bei der Loretta dank Alan eher eine Nebenfigur blieb, wird sie auf dem Weg zum Hotel entführt – vom Milliardärs-Sohn  Abigail Fairfax (Daniel Radcliffe), der auf einer Insel nach exakt dem Schatz sucht, den Loretta in ihrem letzten Buch beschreibt. Weil die Autorin als eine der wenigen Menschen auf der Welt besondere Hieroglyphen lesen kann, soll sie für Fairfax einen Hinweis auf den Fundort entschlüsseln. Während die Schriftstellerin sich hartnäckig weigert, bei der Aktion mitzumachen, dämmert es Model Alan, dass Loretta möglicherweise entführt wurde. Und er heuert den ehemaligen Elitesoldaten Jack Trainer (Brad Pitt) an, um Loreta zu befreien. Zur Sicherheit kommt Alan gleich mit …

Parodie oder nicht?

Zugegeben, zu hundert Prozent deckungsgleich ist diese Story verglichen mit Die Jagd auf den Grünen Diamanten nicht. Aber die Parallelen sind schon deutlich vorhanden. Die erfolgreiche Schriftstellerin, die sich vor dem Leben versteckt und durch ungewöhnliche Umstände im Dschungel landet, wo sie mit einem ihr nicht sonderlich sympathischen Kerl um ihr Leben kämpfen muss – das haben Kathleen Turner und Michael Douglas schon 1984 auf die Leinwand gebracht. Allerdings nahm Regisseur Robert Zemeckis die Story durchaus ernst, auch wenn sie mit Humor gespickt war, so ging die Geschichte im Kern doch als Abenteuerfilm durch. Beim Script und der Regie der Gebrüder Adam und Aaron Nee ist man sich als Zuschauer da weniger sicher.

Ist The Lost City ein komödiantischer Abenteuerfilm? Oder doch eher eine Parodie auf Abenteuerfilme? Die Nee-Brüder wollten hier offensichtlich keine abschließende Aussage treffen, denn ihr Film schwankt regelmäßig zwischen diesen beiden, nicht unbedingt weit voneinander entfernten, Genres hin und her. Und von dieser Unsicherheit wirken auch die Schauspieler durchdrungen. So ist Brad Pitts Auftritt nicht nur eines der Highlights im Film, es ist auch beim besten Willen nur noch als Parodie wahrnehmbar. Loretta und Alan hingegen, die deutlich mehr Screentime erhalten, wirken in vielen Szenen wie echte Menschen, die wirklich ein großes Abenteuer erleben. Erfreulicherweise spielt die Antwort auf die Genre-Frage auch nur eine Nebenrolle – denn das Ergebnis zählt. Und das ist gelungen.

Ohne Text witziger

Denn das Duo Bullock und Tatum besticht mit seiner Chemie – vor allem im körperlichen Bereich. Ob die beiden sich mir extremen Verrenkungen eine Hängematte teilen oder sie ihm Blutegel vom Körper sammeln muss – die Szenen, in denen es vor allem physisch zur Sache geht, funktionieren besonders gut. Auf Dialogseite ist The Lost City in Ordnung, aber nicht unbedingt wirklich von der Muse geküsst. Oftmals kommen die kleinen Frotzeleien zwischen dem Paar in spe nicht über den Standard hinaus und drehen sich stets um die erwartbaren Themen. Und auch das zweite Rettungsteam, bestehend aus Lorettas Agentin Beth, produziert ein paar nette Lacher, ist aber viel zu vorhersehbar, um wirklich zu überraschen.

Auch der wie immer spielfreudige Daniel Radcliffe kann aus seiner arg flach geratenen Figur des verzogenen reichen Sohnes nicht viel machen. Und agiert eher als Stichwortgeber denn als Gag-Lieferant. Aber Pitt mit seinem kurzen Auftritt und Tatum und Bullock reißen hier viel raus. Man merkt beiden in jeder Szene an, dass sie erfahrene Comedy-Akteure sind. Denn das untrügliche Gefühl für Timing und der genau richtigen Menge an Übertreibung heben die meisten Szenen der beiden deutlich über den Durchschnitt heraus. Und machen im besten Fall richtig Spaß. Doch auch sie können nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Story keine Bäume ausreißt.

Das muss sie aber auch nicht. Denn bei dieser Art Film rechnet wohl kaum ein Zuschauer mit gelungenen Twists oder anderweitiger Überraschungen in der Handlung. Hier geht es um Star-Appeal und witzige Momente, die zusammengefügt einen unterhaltsamen Film ergeben. Und das ist dem Regie-Duo dank der Stars durchaus gelungen. Ein Sonderlob gebührt auch dem Musik-Department, das allein für einige gute Gags verantwortlich ist.  Und so gehört The Lost City eindeutig zu den besseren Komödien des Filmjahres 2022.

Fazit:

Auch wenn das Drehbuch von The Lost City sicher nicht als Gag-Feuerwerk in die Filmgeschichte eingehen wird und eher durchschnittliche Qualität bietet – die Stars reißen es raus. Sandra Bullock und Channing Tatum agieren großartig zusammen, ganz besonders dann, wenn sie ohne Worte auskommen müssen. Und auch der Gastauftritt von Brad Pitt gehört zu den absoluten Höhepunkten des Films. Diese drei genügen, um aus einem vorhersehbaren Plot ohne jede Überraschung einen höchst unterhaltsamen Film zu machen. Denn viel mehr hat der Film gar nicht zu bieten.

The Lost City startet am 21. April 2022 in den deutschen Kinos.

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Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

Warum dreht Netflix so viele Teenie-Komödien? Die Antwort ist ganz einfach. Filme wie „Feel The Beat“, „The Kissing Booth“ oder „To All the Boys“ kosten nicht viel, meist sind die Storys für ein paar Millionen Dollar produziert. Wenn sie also floppen, ist dem Streamingdienst kein großer Schaden entstanden. Sind sie aber so erfolgreich wie die Kissing Booth-Reihe, deren dritter Teil schon angekündigt ist, binden sie für kleines Geld eine große Menge Kunden an Netflix. Und die Jungdarsteller, die sich mit solchen Produktionen in die Herzen der Kernzielgruppe spielen können, dürften beim Casting auch Schlange stehen. Wie ist die neueste Version des üblichen Stoffes ausgefallen?

Work It: Die Handlung

Quinn (Sabrina Carpenter, „The Hate U Give“) hat einen großen Traum, seit sie ein Kind war. Sie will unbedingt an die „Duke“, die Uni, auf der auch ihr Vater war und der sie oft zu Ehemaligen-Treffen mitnahm, bis er starb. Doch das Vorstellungsgespräch läuft anders als erwartet. Die Verantwortliche ist von Quinns guten schulischen Leistungen ebenso wenig beeindruckt wie von ihren ehrenamtlichen Tätigkeiten im Seniorenheim. Stattdessen will sie wissen, wofür Quinn wirklich brennt. Doch da ist nichts. Deshalb erwähnt Quinn die erfolgreiche Teanzgruppe ihrer Highschool – und die Dame von der Duke ist angetan.

Es gibt nur ein Problem: Quinn kann gar nicht tanzen. Sie war lediglich Beleuchterin des Teams, bis sie nach einem Fehler rausgeworfen wurde – von Superstar und Kotzbrocken Isaiah (Keiynan Lonsdale, „Love-Simon“). Ihre beste Freundin Jasmine (Lisa Koshy) ist zwar eine begnadete Tänzerin, bekommt von Isaiah aber ebenfalls keine Chance. Und so gründen die Freundinnen ihr eigenes Tanzteam – mit reichlich skurrilen Mitgliedern. Dennoch versucht Quinn Jake (Jordan Fisher), den früheren Dauersieger des Work It-Tanzturniers, als Choreograph zu gewinnen …

Story vom Reissbrett

Die Teenie-Film von Netflix stehen nicht unbedingt in dem Ruf, dem Publikum innovative Geschichten zu erzählen. Das Treffen mit alten Freunden kurz vor der großen Lebens-Entscheidung, wo es nach der Schule hingeht. Die erste große Liebe. Der Traum, der sich erfüllen soll. Aus diesen Versatzstücken, oft aus erfolgreichen Young Adult-Liebesromanen, ließ der Streamingdienst schon etliche Filme zusammenbasteln, die alle mehr oder weniger gleich funktionieren. Warum sollte man sich also schon wieder einen davon ansehen?

Natürlich, weil das Publikum jedesmal das bekommt, was es sehen möchte. Sympathische Figuren, die sich beim Tanzen verlieben und als Team zusammenwachsen, um am Ende vielleicht das scheinbar Unmögliche zu erreichen, solche Geschichten gibt es zu Hunderten. Und doch sind einige davon ganz erträglich, andere sogar durchaus sehenswert. Und fast alle aus den gleichen Gründen. Charmante Schauspieler, ein paar richtig gute Gags und jede Menge Feel-Good-Feenstaub, der beim Zusehen seine Wirkung entfaltet, wenn man dafür empfänglich ist.

Wer das Genre mag, mag auch Work It

Genau das bietet auch Work It. Die Schauspieler sind gutaussehend oder niedlich – oder skurril genug, um sympathisch zu sein. Eine Handvoll wirklich witziger Momente gibt es auch zu sehen. Und die keimfreie Love-Storys ist vorhanden, nimmt aber nicht so viel Platz ein, dass die Hauptsache – richtig gute Tanzszenen – davon gestört würde. Darin erinnert die Netflix-Produktion deutlich an den deutschen „Into The Beat“, der vor ein paar Wochen in die Kinos kam. Und im Aufbau fast genauso funktioniert wie Work It.

Hauptdarstellerin Sabrina Carpenter, die bereits in The Hate U Give in einer eher fiesen Rolle glänzte, überzeugt hier als zuckersüße Schülerin mit großen Träumen. Ihr männliches Pendant Jordan Fisher hat schon Erfahrung aus To All The Boys 2 und weiß ebenfalls genau, was er vor der Kamera zu tun hat. Und Keiynan Lonsdale, sonst eher der Gute, darf in Work It die fiese Diva heraushängen lasen – und tut das mit sichtlichem Vergnügen. Natürlich ist nichts davon Oscar-würdig oder filmgeschichtlich in irgendeiner Weise von Relevanz.

Aber das will Work It ja auch gar nicht sein. Dieser Film soll einzig und allein die Kernzielgruppe der 12-25-jährigen Zuschauer abholen und glücklich machen – und das tut er, wenn der Zuschauer dieses Genre mag. Weil Regisseurin Laura Terruso und Autorin Alison Peck („Ugly Dolls“) verstanden haben, dass es bei einem solchen Film auf die Details ankommt, die einen durchschnittlichen Film zu einem ansehnlichen machen. Und wer am Ende mitlächelt, muss sich eben eingestehen, dass die alte Rezeptur, gut zusammengerührt, immer noch Wirkung zeigt. Und wohl auch immer wird.

Fazit:

Eine flache Love-Story, eine sehr oft erzählte Story: Die Kurzbeschreibung von Work It lädt nicht gerade dazu ein, sich den Film anzusehen. Und tatsächlich ist das nicht Shakespeare und hat auch nicht den Unterhaltungswert eines „Dirty Dancing“ oder den sozialkritischen Unterton eines „Fame“. Aber wer Lust hat, sich einen kurzweiligen Film anzusehen, dessen Charme zum Teil darauf beruht, dass man eben genau weiß, was passieren wird, der macht hier nichts falsch. Eine Handvoll Gags, tolle Tanzszenen, sympathische Darsteller – mehr braucht es nicht.

Work It startet am 7. August 2020 bei Netflix.

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Da es bei einer klassischen Rom-Com, in die sich hier sogar noch eine Sport-Team-Thema eingeschlichen hat, nicht um besonders unvorhersehbare Geschichten handelt, hängt beim Aufguss bekannter Handlungselemente besonders viel vom Charme der Darsteller und dem Humor des Scripts ab. Dazu kommen nach Möglichkeit originelle Nebenfiguren und Side-Kicks, die für das gewisse Etwas sorgen, das die Handlung in aller regel nicht bieten kann. Wie Feel the Beat dabei abschneidet, verrät die Kritik.

Feel The Beat: Die Handlung

Profi-Tänzerin April (Sofia Carson) erwischt einen rabenschwarzen Tag. Sie muss im strömenden Regen zu einem Vortanzen, schnappt einer altern Dame deshalb das Taxi weg – und muss feststellen, dass diese alte Dame die Rollen besetzt. nach einem tragischen Unfall scheint Aprils Karriere in New York vorbei, und so fährt sie zurück nach Hause. Dort warten neben ihrem Vater Frank (Enrico Colantoni) auch die ehemalige Tanzlehrerin Barb (Donna Lynne Champlin) auf die junge Frau – und ihr Ex-Freund Nick (Wolfgang Novogratz), den sie damals übel abserviert hat.

Barb wünscht sich nichts sehnlicher, als das ihre beste Schülerin, die es scheinbar in New York geschafft hat, einmal ihre neuen Schülerinnen unterrichtet. Doch weder April, noch die Kinder, unter denen auch Nicks kleine Schwester ist, finden die Idee besonders gut. Bis April erfährt, dass beim nationalen Tanzwettbewerb im Finale ein berühmter Broadway-Produzent in der Jury sitzt. Nun will April unbedingt gewinnen und setzt alles daran, aus den wenig begabten Kids perfekte Tänzer zu machen. Das kann natürlich nicht gut gehen …

Feel the Beat: Schonmal gesehen

Feel the Beat ist das filmische Pendant zu einem Teller Nudeln. So gut wie jeder hat das schonmal gegessen, viele schon sehr oft. Und trotzdem kann ein leckerer Teller Nudeln nicht nur satt machen, sondern regelrecht Spaß. Dass hier inhaltlich nur Nudeln serviert werden, dürfte jedem klar sein, der schon einmal so einen Film gesehen hat. Die Frage ist also, wie würzig ist die Soße, passt der Käse zum Rest oder mit anderen Worten: Wie sehr haben sich alle Beteiligten bemüht, aus einem schon hunderte Male genutzten Plot etwas Ordentliches herauszuholen?

Tatsächlich muss man dem Team zugestehen, dass es hier einen guten Job gemacht hat. Sofia Carson gibt die zickige Bitch mit dem goldenen Herzen überzeugend und bringt auch die glaubhafte Optik für eine Tänzerin mit. Doch nicht nur bei hier hat das Dating einen guten Job gemacht. Donna-Lynne Champlin ist als witziger Side-Kick zwar ein wandelndes Klischee, aber eins mit viel Charme, die aus der Rolle das Beste herausholt. Und Brendan Kyle Goodman spielt Aprils schwulen Kumpel ebenfalls mit viel Spaß an der stereotypen Rolle.

Feel the Beat: Power-Kids

Doch viele Filmfans wissen: Das alles nutzt wenig, wenn die Kinderrollen, von denen es in Feel The Beat einige gibt, dem Publikum schwer auf die Nerven gehen. Und häufig genug sind die vermeintlich witzigen Kleinen leider nur nervtötend und albern. Aber auch hier zieht sich der Film gut aus der Affäre. Zwar darf der Zuschauer nicht viel mehr erwarten als typische Figuren (die Übergewichtige, die Gehandicappte, die Wütende und die, bei der Mama dagegen ist), aber das stört in Feel The Beat erstaunlich wenig. Denn die jungen Damen überzeugen allesamt.

Allerdings klammert der Film männliche Rollen weitgehend aus. Viel mehr als reine Stichwortgeber sind die Herren der Schöpfung hier nicht, die Love-Story ist dünn und nicht sonderlich raumgreifend und die Darsteller haben wenig Chancen, sich in den Vordergrund zu spielen. Da wundert es nicht, dass ausgerechnet der Jüngste von allen die stärksten Szenen hat. Eine etwas interessante männlich Figur hätte der Film schon vertragen können. Das macht Feel The Beat allerdings auch nicht deutlich schwächer, denn Frauenpower steht hier im Vordergrund.

Drehbuch-Autor Michael Armbruster setzt in seiner Story auf erfreulich leisen Humor und versucht nur selten, mit Körperflüssigkeiten zu punkten. Stattdessen beweist er Geschick für Situationskomik und Running Gags. Beides funktioniert in Feel The Beat recht gut. Gemeinsam mit der routinierten Inszenierung der australischen Regisseurin Elissa Down wird aus dem Projekt zwar dennoch nur der bereits versprochene Teller Nudeln, aber die sind bissfest, die Soße hat Würze und auch die fruchtige Note passt. Eine leichte Wohfühl-Komödie, die satt macht.

Fazit:

Wenn dem Publikum die ewig gleichen Geschichten vorgesetzt werden, sollte der Rest überzeugen. Und das klappt bei Feel The Beat ganz gut. In der nicht sonderlich tiefschürfenden Mischung aus Klischees wie Zuhause ist es doch am schönsten und Freude haben ist wichtiger als Gewinnen und Erfolg kommt es auf die Schauspieler und die Gags an, um so eine Story vom Boden zu hieven. Und das gelingt tatsächlich ganz gut. Hier ist exakt das drin, was schon die Verpackung verspricht, wer so etwas mag, hat hier auf jeden Fall seinen Spaß.

Feel The Beat startet am 19. Juni 2020 bei Netflix.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

Der Film liegt in deutscher Synchronisation vor.

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Die Kritik zum ersten Teil finden Sie hier.

Die erste Liebe, Flirts auf der Schule und das Erkunden von Gefühlen – dazu hat eigentlich jeder Erinnerungen und eine Meinung. Manche ertragen solche Filme kaum, andere können nicht genug davon bekommen. Dennoch gibt es selten wirklich starke Filme in diesem Rom-Com-Sub-Genre wie beispielsweise der wunderbare „Love, Simon“. Die meisten Netflix-Produktionen in diesem Bereich waren ganz nett, mitunter aber auch ziemlich weltfremd oder arg belanglos. Wie reiht sich die Fortsetzung einer ihrer besseren Versuche ein?

To All The Boys PS I Still Love You: Die Handlung

Lara Jean (Lana Condor) ist am Ziel ihrer Träume. Nachdem sie zunächst nur eine Beziehung mit Peter (Noah Centineo) vorgetäuscht hatte, sind die beiden nun ein echtes Paar geworden. Doch noch immer fühlt sich die 16-jährige unsicher, was den richtigen Umgang mit ihrem Freund angeht, der nach wie vor der Schwarm der ganzen Schule ist. Zu allem Überfluss meldet sich auch John Ambrose (Jordan Fisher), der den letzten der fünf Liebesbriefe bekommen hat, die das Chaos in Lara Jeans Leben erst ausgelöst hatten. Sie hatte ihn mit elf geschrieben.

Als der Zufall John und sie auch noch bei einem Praktikum in einem Seniorenheim zusammenführt und ein paar Dinge, die Peter tut, Lara Jean sehr verunsichern, liegt plötzlich eine potenzielle neue Liebe in der Luft. Als die junge Frau nicht mehr so richtig weiter weiß, kann sie aber auf die guten Ratschläge der klugen Seniorin Stormy (Holland Taylor) bauen. Aber wird das reichen, um die richtige Liebes-Entscheidung zu treffen? Oder macht Lara Jean vielleicht den größten Fehler ihres Lebens?

To All The Boys PS I Still Love You: Aufregend ist anders

Klar, eine Rom-Com sieht es nicht als ihre vordringlichste Aufgabe an, eine originelle Story zu erzählen oder irgendeine Art Spannungsbogen aufzubauen. Sie soll unterhalten, vielleicht ein wenig Fremdschämen ermöglichen und in jedem Fall viele romantische Momente beinhalten – daher ja der Name. Aber auch, wenn Handlung nicht im Vordergrund steht – ein wenig mehr davon als hier hätte es ruhig sein dürfen. Warum To All The Boys PS I Stll Love You mehr als 100 Minuten braucht, um ein Nichts an Story zu erzählen, bleibt fraglich.

Denn viel mehr als ein Paar, das Probleme hat und ein potenzieller neuer Lover, der dazwischengrätscht, hat der Film nicht zu bieten. Das ist selbst mit gutem Willen nicht sonderlich abendfüllend. Zwar kann Regisseur Michael Fimognari, im ersten Teil noch Kameramann, mit einigen schön-schrägen Nebenfiguren aufwarten, die eigentliche Story wird davon jedoch kaum berührt. Und so bestehen deutlich zu viele Szenen des Films aus Lana Condor, die sich in oder auf ihrem Bett hin und herwälzt und sich Gedanken über Peter macht. 

To All The Boys PS I Still Love You:  

Bei den Darstellern hatten die Macher ja bereits im ersten Teil ein gutes Händchen. Ob die zuckersüße Lana Condor oder Mädchenschwarm Noah Centineo, der für Netflix bereits in „The Perfect Date“ im Einsatz war, machen ihre Sache erneut gut. Wenn man als Zuschauer tatsächlich mit arg harmlosen Problemen zwischen dem Liebespaar zufrieden ist. Spaß macht hingegen Charlie Sheens ehemalige Mutter aus „Two and a Half Men“ Holland Taylor als rüstige Stormy, die der jungen Lara Jean hin und wieder den Kopf zurechtrückt.

Und Madeleine Arthur, die nicht nur demnächst in „Die Farbe aus dem All“ glänzt, sondern auch hier als einige Jugendliche zumindest ein wenig unangepasst sein darf. Sonst bleibt von den Darstellern trotz gestandener Hollywood-Stars wie John Corbett nur wenig hängen. Dafür überzeuigt das Script immer dann, wenn es einmal nicht um die große Liebe zwischen Lara Jean und Peter geht, sondern um andere Figuren und Lebenslagen. Wie das kurze, aber starke Gespräch zwischen Lara Jean und ihrer ehemals besten Freundin Gen.

Mit mehr solcher Szenen wäre To All The Boys PS I Love You zwar noch immer kein „Breakfast Club“ geworden, hätte aber ein wenig mehr Tiefe und Glaubwürdigkeit bekommen. So plätschert der kaum aufregende Herz-Schmerz 104 lange Minuten vor sich hin, bis er zu einem nicht sonderlich überraschenden Ende kommt. Um hier wirklich Spaß zu haben, muss man die Romanvorlagen und die Charaktere wirklich schon sehr mögen. Der Rest könnte den zweiten Teil der Trilogie durchaus ein wenig langweilig finden. Und Unrecht hätte er nicht.

Fazit:

Lag es am Script oder an der neuen Regie? Mit dem ebenfalls schon zuckrigen, aber durchgehend charmanten ersten Teil hat To All The Boys PS I Still Love You nicht mehr viel gemeinsam, trotz beinahe identischer Darsteller-Riege. Mit derart sparsamer Handlung und lediglich homöopathischer Menge Aufregung bleibt der zweite Teil (der dritte Teil ist ebenfalls schon abgedreht) nicht lange in Erinnerung. Spielte der Vorgänger noch im oberen Bereich der Netflix-Rom-Coms mit, ist der neue Film höchstens Mittelmaß. 

To All The Boys PS I Still Love You startet am 12. Februar 2020 bei Netflix.

Eine Übersicht über alle Netflix-Filmkritiken finden Sie hier.

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Man nehme einen erfolgreichen Roman für die junge Zielgruppe, packe angesagte junge Darsteller dazu und verrühre alles mit hippem Sound und ein paar harmlosen Gags – und fertig ist der Hit? Hin und wieder hat Netflix mit diesem Rezept tatsächlich schon schöne Filme ins Programm bekommen, manchmal ging der Plan aber nur bedingt oder gar nicht auf. Zu welche Kategorie Tage wie diese gehört, klärt die Kritik.

Tage wie diese: Die Handlung

Jubilee (Isabela Merced) hat eine schwere Entscheidung für ihr weiteres Leben zu treffen. Und läuft im Zug nach Hause ausgerechnet Sänger-Superstar Stuart (Shameik Moore) in die Arme – mit interessanten Folgen. Tobin (Mitchell Hope) ist schon seit Jahren in seine allerbeste Freundin Angie (Kiernan Shipka, „Chilling Adventures of Sabrina“) verliebt – und traut sich einfach nicht, ihr das auch zu sagen. Addie (Odeya Rush) traut ihrem Freund Jed nicht, weil der auf Instagram nie ihre gemeinsamen Bilder liked.

Deren beste Freundin Dorrie (Liv Hewson, „Santa Clarita Diet“) hat ganz andere Sorgen. Sie kann eine Frau nicht vergessen, mit der sie eine unvergessliche Nacht verbracht hat. Und ausgerechnet die kommt in den Diner, in dem Dorrie arbeitet – und tut so, als würde sie Dorrie nicht kennen. Kollege Keon (Jacob Batalon, „Spider-Man Homecoming“) will ein großer DJ werden und darf das Diner für eine Weihnachts-Party nutzen – doch sein großes Vorbild, das er eingeladen hatte, erscheint nicht …

Tage wie diese: Kein „Tatsächlich Liebe“

Auch wenn die Idee, mehrere Geschichten ineinander zu verschachteln, an den britischen Weihnachts-Klassiker Tatsächlich Liebe erinnert – an diese Qualität kommt Tage wie diese bei weitem nicht heran. Denn die Storys haben weder den Witz noch die emotionale Tiefe des Kultfilms mit Hugh Grant. Stattdessen präsentiert der Film weitgehend generische und wenig aufregende Plots zu den einzelnen Figuren, die man so oder nur unwesentlich anders schon viele Male gesehen hat. Hier liegt also nichts Neues unter dem Baum.

Ein paar Highlights kann der Film trotzdem aufweisen. So spielt Joan Cusack eine überaus ungewöhnliche Pannenhelferin – und damit die einzige halbwegs schräge Rolle in Tage wie diese. Und das macht sie gewohnt gut und holt aus dem sonst eher mäßigen Script zumindest ein paar Lacher. Zudem überzeugt der Soundtrack, der, wie so oft in letzter Zeit, zum Großteil aus Musik der 80er besteht, obwohl der Film in der heutigen Zeit spielt. In einer Szene kommt sogar ein frühes Stück der Rolling Stones zu Ehren.

Tage wie diese: Nicht durchgehend überzeugend

Immerhin gelingt es Regisseur Luke Snellin in seinem ersten abendfüllenden Spielfilm, die Geschichten so flott zu erzählen, dass Tage wie diese in seinen 95 Minuten keinerlei Leerlauf hat – irgendetwas passiert immer. Aber vieles bleibt das Script dem Zuschauer schuldig. So ist beispielsweise vom furchtbaren Schneesturm, der das Dorf eigentlich im Griff haben sollte, nichts zu sehen. Es schneit manchmal ein wenig – das ist es dann aber auch. Warum das eine besondere Situation sein soll, wie die Story suggeriert, erklärt sich nie.

Und auch die einzelnen Paare, um die es geht, sind in ihrer Glaubwürdigkeit sehr unterschiedlich. So strahlt Isabela Merced wie immer Star-Appeal aus, ihr im Script berühmter Partner ist als Superstar aber eher blass. Kiernan Shipka und Mitchell Hope funktionieren als beste Freunde hingegen sehr gut, was in einer wundervollen Gesangsnummer gipfelt, in der sie den textlich passenden Song „The Whole of the Moon“ von den Waterboys singen. Der natürlich auch aus den 80ern stammt. Dennoch fehlt auch diesem Paar, wie allen anderen, ein wenig Aufregung und Tiefgang.

Denn wie es sich nach Ansicht von Netflix offenbar für eine Weihnachts-Rom-Com gehört, darf hier so gar nichts die friedliche Stimmung stören. Und so bleiben die Probleme der unterschiedlichen Paare entweder harmlos oder werden entsprechend einfach aufgelöst. Da hat der Streaming-Anbieter auch im Bereich der Teenager-Rom-Com durchaus schon mehr riskiert. Tage wie diese macht besonders Fans einzelner Schauspieler ein warmes Gefühl im Bauch, ist aber filmisch und inhaltlich sonst kein großer Wurf.

Fazit:

Schade! Die Besetzungsliste und der Plot versprachen mehr, als Tage wie diese letztlich halten kann. Denn die Rom-Com um eine Gruppe Teenager in einer eingeschneiten Kleinstadt hat zwar ein paar schöne Ansätze, ist aber ansonsten viel zu bieder und harmlos, um echtes Interesse an seinen Figuren zu wecken. Da hilft weder der gute Cast noch vereinzelte gelungene Szenen weiter. Tage wie diese ist eine eher durchschnittliche Weihnachts-Ausgabe typischer Coming-of-Age-Geschichten.

Tage wie diese läuft ab dem 8. November 2019 bei Netflix.

Kritiken zu weiteren Netflix-Filmen finden Sie hier.

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Gleich zwei Mal versuchten clevere Produzenten, aus Fleischers Erfolg fürs TV Kapital zu schlagen. Doch zuerst scheiterte der Versuch einer Serie bei CBS. Später fiel ein Pilotfilm bei den Zuschauern von Amazon Prime durch, eine Serie wurde nicht bestellt. Und so dauerte es zehn Jahre, bis erneut ein Kinofilm in die Welt der Untoten und ihrer lässigen Jäger zurückkehrt – in Originalbesetzung von damals. Funktioniert die Chemie zwischen den Kleeblatt immer noch?

Zombieland – Doppelt hält besser: Die Handlung

Zehn Jahre nach den Ereignissen aus Teil eins sind die vier Überlebenden Tallahassee (Woody Harrelson), Columbus (Jesse Eisenberg), Wichita (Emma Stone) und Little Rock (Abigail Breslin) echte Experten im Töten von Zombies geworden. Grund genug für das Quartett, sich zu Beginn der Story im Weißen Haus niederzulassen und die Vorzüge des üppig ausgestatteten Gebäudes zu nutzen. Doch das langjährige Paar Columbus und Wichita hat eine Krise. Während er sie fest an sich binden will, braucht sie Abstand. Und so verschwinden die beiden Frauen bei Nacht und Nebel. 

Wochen später trifft Columbus in einem Einkaufszentrum die Blondine Madison (Zoey Deutch), die sich ihm gleich an den Hals wirft und wenig später eine Beziehung mit ihm beginnt. Das macht die Rückkehr von Wichita für Columbus nicht ganz so erfreulich. Doch die ist gar nicht seinetwegen zurückgekehrt, sondern braucht Hilfe. Little Rock hat einen jungen Mann kennengelernt und ist mit ihm durchgebrannt. Das verbliebene Trio bricht also auf, um ihr viertes Gruppenmitglied vor einer großen Dummheit zu bewahren …

Zombieland – Doppelt hält besser: Wenig Neues im Untotenland

Ein paar neue Ideen hat das Autorenteam – für Teil zwei vom Duo zum Trio erweitert – schon gehabt. Aber das hält sich doch in engen Grenzen. Viel mehr als durch Innovation punktet die Fortsetzung mit dem Wiedersehen von guten alten Freunden. Regisseur Ruben Fleischer hat das erkannt und den Film entsprechend inszeniert. Geschickt knüpft er an Running Gags aus dem ersten Teil an und zelebriert Zombieland – Doppelt hält besser als eine Art Klassentreffen zwischen dem Zombiekiller-Quartett und dem Publikum.

Und dass dieses Anliegen so gut funktioniert, liegt an seinen tollen und gut aufeinander eingespielten Darstellern. Obwohl – auch in der Filmhandlung – viele Jahre zwischen den beiden Abenteuern liegen, spielt sich das Quartett die Bälle so sicher und selbstverständlich zu, dass man meint, sie hätten erst vor Wochen zum letzten Mal miteinander gearbeitet. Was schon den ersten Film zum Erfolg gemacht hat, funktioniert also auch im zweiten Anlauf noch genauso gut. Und ist erneut das Zentrum des ganzen Films.

Zombieland – Doppelt hält besser: Humor passt, Handlung egal

Denn bei der ohnehin dünnen Handlung haben die Autoren nicht gezaubert. Zwar sind ihnen ein paar wirklich lustige neue Figuren eingefallen, darunter Elvis-Fan Nevada (Rosario Dawson), die für Tallahassee zum Love-Interest wird. Und auch ein Männer-Duo, das erstaunlich Ähnlichkeit mit den beiden bekannten Helden aufweist, sorgt für ein paar grandiose Szenen im Film. Der Hauptplot, die Jagd nach Little Rock und die Folgen davon, sind aber bestenfalls durchschnittlich geraten. Den Spaß kann das aber Fans des ersten Films nicht verderben.

Denn schon der bestach nicht unbedingt durch einen einfallsreichen Plot mit vielen Wendungen, sondern diente nur als Gerüst für möglichst viele witzige Szenen. Dieses Erfolgsrezept haben Fleischer und sein Team erneut genutzt. Und treffen damit drei Mal ins Schwarze. Denn Harrelson, Stone und Eisenberg haben sich nicht nur optisch kaum verändert, sondern brillieren auch sofort wieder in ihren Charakteren. Abigail Breslin, die sich als damals 13-jährige naturgemäß am meisten verändert hat, hat hingegen eine undankbar kleine Rolle. Und kommt kaum zur Geltung.

Wäre Zombieland – Doppelt hält besser zwei Jahre nach Teil eins in die Kinos gekommen, der Erfolg wäre möglicherweise ausgeblieben. Dazu ist Teil zwei einfach zu sehr eine Blaupause vom ersten. Nach der langen Wartezeit aber gehen die Fans offenkundiger gnädiger mit dem neuen Film um, trotz seiner offensichtlichen Schwächen. Fleischer hat begriffen, welche beiden Dinge essentiell sind: der gallig-schräge Humor und der ordentliche Blutgehalt, auf den er auch in der Neuauflage nicht verzichtet.

Fazit:

Viel Neues hat Zombieland – Doppelt hält besser nicht zu bieten. Aber die Wiederholung eines erfolgreichen Rezeptes nach ausreichend langer Zeit macht trotzdem fast genauso viel Spaß wie beim ersten Mal. Zumal seine Stars in Spiellaune sind, die Gags mit hinreißendem Timing servieren und nochmal beweisen, wie gut sie zusammenpassen. Es hat einfach nie mehr Spaß gemacht, Leuten beim Untote killen zuzusehen, als in Zombieland – auch im zweiten Anlauf. Wer Teil eins mochte, kommt deshalb auch am zweiten Teil nicht vorbei.

Zombieland – Doppelt hält besser startet am 7. November 2019 in den deutschen Kinos.

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Viele der Netflix-Eigenproduktionen aus den vergangenen Jahren sind im Bereich Rom-Com angesiedelt. In der Produktion nicht allzu teuer, mit vielen Young Adult-Romanen als möglichen Ideengebern, frischen Gesichtern und gelegentlich mal einem Star, lassen sich solche Filme gut umsetzen – und finden bei Netflix sehr regelmäßig ein recht großes Publikum. Passt auch Wie Jodi … über sich hinauswuchs ins Schema oder haben die Macher hier tatsächlich die klassischen Rom-Com-Pfade verlassen und etwas Neues versucht?

Wie Jodi über sich hinauswuchs: Die Handlung

Jodi (Ava Michelle) ist 16 Jahre alt – und mit ihren 1,85 Metern das mit Abstand größte Mädchen der Schule. Oft wird sie deshalb zum Ziel von Spott und auch ihr direktes Umfeld wie Vater Richie (Steve Zahn) reagieren oft unbeholfen auf ihre auffällige Erscheinung. Dabei wünscht sich das Mädchen nichts sehnlicher, als einmal in der Masse untertauchen zu können. Freundin Fareeda (Anjelika Washington) baut Jodi aber regelmäßig auf und auch Kumpel Jack (Griffin Gluck), der schon seit Jahren in Jodi verliebt ist, stet immer an ihrer Seite.

Als eines Tages der schwedische Austausch-Schüler Stig (Luke Eisner) auftaucht, wähnt sich Jodi endlich am Ziel ihrer Träume. Denn Stig ist nicht nur gut aussehend und nett, sondern auch größer als sie! Dazu steht er wie Jodi auf Musicals und Klavier. Allerdings bekommt die hochgewachsene Jodi mächtig Konkurrenz von anderen Mädchen der Schule, allen voran ihrer Erzfeindin Kimmy (Clara Wilsey), die sich in den Kopf gesetzt hat, den blonden Schönling zu erobern. Hat Jodi da wirklich eine Chance auf ihren Traumprinzen?

Wie Jodi über sich hinauswuchs: Alles nur geklaut?

Sympathische Darsteller, ein flottes Tempo und einige skurril-schräge Nebenfiguren. Das kann sich Wie Jodi … auf die Habenseite schreiben. Ansonsten wirkt der Film wie eine Blaupause von großen John Hughes-Hits wie „Pretty in Pink“ oder „Ist sie nicht wunderbar?“. Wer diese Sternstunden der Teenie-High-School-Romanzen mit viel Charme, Witz und Flair kennt, für den ist bei Wie Jodi … wenig Neues zu holen. Zu genau wiederholt Regisseurin Nzingha Stewart das Erfolgsrezept dieser Filme bis zur fast deckungsgleichen Handlung.

Hier ist die weibliche Hauptfigur eben besonders groß, bei Hughes kam sie aus ärmlichen Verhältnissen und wurde deshalb gemobbt. Aber sonst ist Drehbuchautor Sam Wolfson absolut nichts eingefallen, was man so oder sehr ähnlich nicht schon Dutzende Male gesehen hätte. Selbst der Zeitgeist bleibt außen vor. Hat John Hughes in seinen Teenie-Dramen/Rom-Coms genau die Zeit porträtiert, in der seine Geschichten angesiedelt waren, gelingt Stewart kein aktueller Bezug. Wie Jodi … könnte 2000 oder 2019 spielen, von Smartphones mal angesehen.

Wie Jodi über sich hinauswuchs: Märchenhaft statt real

Dazu passt auch, dass der Film eher wie ein modernes Märchen wirkt als zu versuchen, ein reales oder irgendwie glaubwürdiges Bild der Jugend zu zeichnen. Das zieht sich dann aber auch konsequent durch den Film bis zum Finale. Überraschungen gibt es da für Zuschauer, die bereits die eine oder andere Rom-Com gesehen haben, natürlich nicht. Das ist allerdings in diesem Genre auch nicht wirklich zu erwarten. Dennoch: Etwas origineller als hier hätte die Handlung schon sein dürfen. Die Kernzielgruppe dürfte das aber möglicherweise anders sehen.

Denn die Hughes-Filme sind inzwischen längst nicht mehr Teil der allgemein bekannten Filmbibliothek, sodass für viele Gleichaltrige von Jodi ihre Erlebnisse tatsächlich neu und frisch wirken dürften. Dazu findet Wolfson mit Jodis Schwester Harper (Sabrina Carpenter), der bildhübschen Schönheitskönigin der Familie, Papa Richie und Kumpel Jack auch ein paar Figuren, denen er ein paar witzige Szenen schreiben kann. Obwohl die meisten Rollen leider vor Klischees nur so strotzen.

Junge Zuschauer, für die Teenie-Rom-Coms noch weitgehend Neuland sind, werden mit Wie Jodi … wohl trotzdem ihren Spaß haben. Das verdankt der Film hauptsächlich seiner knuffigen Hauptdarstellerin Ava Michelle, die die Sorgen der großen Jodi glaubhaft und sehr charmant vermittelt. unter den Netflix-Rom-Coms für die Zielgruppe nimmt der Film aufgrund der wenigen frischen Momente dennoch nur einen Platz im Mittelfeld ein. Und gegen die großen Vorbilder sieht er gar keine Sonne.

Fazit:

Etwas mehr eigene Ideen als hier hätten es schon sein dürfen! Wie Jodi über sich hinauswuchs schaut sich wie ein mäßiger Abklatsch der 80er Jahre-Klassiker von John Hughes, zudem gelingt es dem Film auch nicht, die Zeit, in der er spielt, einigermaßen relevant einzufangen. So bleiben nur ein paar gute Darsteller und einige wenige, wirklich rührende oder lustige Szenen. Der Rest ist derart beliebig und klischeehaft, dass hier nur Genre-Neulinge uneingeschränkt Spaß haben. Je älter der Zuschauer ist, desto weniger Geschmack wird er daran finden.

Wie Jodi über sich hinauswuchs startet am 13. September 2019 bei Netflix.

Mehr Kritiken zu Netflix-Filmen gibt es hier.

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Über Superlative moderner Megastars können die beiden noch lebenden Mitglieder der Beatles, Paul McCartney und Ringo Starr, nur müde lächeln. Denn nach Aussage ihrer Plattenfirma EMI haben die Beatles weltweit mehr als eine Milliarde Platten verkauft – kein anderer Musiker kommt da auch nur in die Nähe. Ein Fan scheint auch Drehbuch-Autor Richard Curtis zu sein, denn er nutzte die Musik der Band für seine Geschichte über Erfolg, Integrität und Liebe. Wie unterhaltsam ist die Zusammenarbeit mit Danny Boyle?

Yesterday: Die Handlung

Jack Malik (Himesh Patel) ist Musiker mit Leib und Seele – leider ist der Sing-A-Song-Writer mit seinen Eigenkompositionen chronisch erfolglos. Lediglich seine Managerin und beste Freundin Ellie (Lily James) glaubt an ihn, seit er bei einem Talentwettbewerb der Schule „Wonderwall“ von Oasis gesungen hat. Als Jack sich eigentlich entschieden hatte, die Musik endgültig an den Nagel zu hängen, passiert etwas Unglaubliches. Es gibt einen weltweiten Stromausfall – und genau in diesem Moment rammt Radfahrer Jack einen Bus und wird bewusstlos.

Als er im Krankenhaus aufwacht, scheint alles wie immer. Doch dann stellt er fest, dass die Wellt sich verändert hat. So gibt es beispielsweise keine Zigaretten mehr. Für Jack als Musiker aber viel wichtiger: Die Musik der Beatles ist aus dem Gedächtnis der Menschheit gelöscht worden, in der neuen Wirklichkeit hat die Band nie existiert. Zögerlich ergreift Jack die Chance, die sich ihm bietet und gibt Songs wie Yesterday oder Let it be als seine eigenen aus. Sein altes Leben, vor allem Ellie, verliert er durch seinen neuen Ruhm aber bald aus den Augen …

Yesterday: Viel Curtis, wenig Boyle

Wenn sich Filmfans fragen, ob Yesterday eher in der Tradition von Vier Hochzeiten und „Notting Hill“ oder „Slumdog Millionaire“ und „Trainspotting“ steht, ist die Antwort eindeutig. Die Zusammenarbeit von Curtis und Boyle steht klar im Zeichen des Drehbuchschreibers und weist nur wenig typische, inszenatorische Kniffe auf. Boyle, möglicherweise selbst Fan der Beatles, hat sich hier sehr eindeutig zurückgenommen und die Story in den Vordergrund gestellt. Und die ist ursprünglich gar nicht von Curtis, sondern nur von ihm überarbeitet.

Dennoch merkt man Yesterday in vielen Momenten den typischen Wortwitz und die Situationskomik von Curtis an, dessen Handschrift einfach sehr unverkennbar ist. Und das ist auch eins der Probleme des Films, denn Curtis schreibt in aller Regel echte Love-Storys. Die tritt hier aber zugunsten der Musik ein wenig in den Hintergrund. Das macht sie nicht nur ziemlich beliebig und inhaltlich wenig spannend. Sie bekommt auch nicht den Platz, den Curtis den großen Gefühlen normalerweise einräumt.

Yesterday: Mehr Comedy als Love-Story

Die Geschichte eines Mannes, der seine große Liebe ständig um sich und sie erst bemerkt, als es zu spät ist, ist schließlich alles andere als neu oder originell. Und weder Curtis auf inhaltlicher Ebene noch Boyle auf inszenatorischer finden hier neue, frische Ansätze, die diese Konstellation spannender machen würden. Zudem prickelt es zwischen Himesh Patal und Lily James auch nie sonderlich glaubhaft, so dass der Kern des Films nicht richtig überzeugen kann. Das macht Yesterday dafür im Comedy-Bereich deutlich besser.

Denn der stets leicht verplant wirkende Patal funktioniert im Zusammenspiel mit dem erstaunlich witzigen Ed Sheeran, der wunderbar fiesen Kate McKinnon und weiteren Stars wie James Cordon richtig gut. Und bringt das Publikum immer wieder mit kurzen und staubtrockenen Humoreinlagen zum Lachen. Als Komödie ist Yesterday deshalb auch durchaus empfehlenswert. Im Rom-Com-Bereich muss Richard Curtis aber Federn lassen, denn der romantische Teil des Films gehört nicht zu seinen stärksten Arbeiten.

Zudem nutzt Yesterday zwar die Musik der Beatles für die schöne Grundidee des Films, macht aber mit seiner Story vor allem deutlich, dass es Zeit wird, einen echten Beatles-Film zu drehen, der ihre großartige Musik in den richtigen Kontext setzt und die vielen Geschichten hinter den Songs erzählt. Denn was den Zauber der Musik angeht, da bleibt Yesterday seinem Publikum viele Antworten schuldig. Schade, wenn man bedenkt, dass von den 26 Millionen Dollar Filmbudget allein zehn Millionen in die Musikrechte geflossen sind.

Fazit:

Wer die Musik der Beates mag und sich im Kino einfach nur amüsieren will, macht mit einer Eintrittskarte für Yesterday nichts falsch. Neuentdeckung Himesh Patal spielt den leicht weltfremden Jack sehr niedlich und Lily James ist wie eigentlich immer charmant und liebenswert. Dennoch überwiegt der Comedy-Aspekt der Geschichte deutlich und drängt die ohnehin nicht sehr originelle Love-Story noch zusätzlich in den Hintergrund. Wer mit Richard Curtis große Gefühle verbindet und auf selbige hofft, könnte daher leicht enttäuscht werden.

Yesterday startet am 11. Juli 2019 in den deutschen Kinos.

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Steh Rogan, der hier nicht nur die männliche Hauptrolle spielt, sondern den Film auch mitproduzierte, ist nicht unbedingt für feinen Humor bekannt. So hat er als Serienproduzent für eher derberen Stoff wie „Preacher“, „Future Man“ oder die bald startenden „The Boys“ gesorgt und einige der letzten Filmproduktionen wie „Game over, Man!“ waren eher unterirdisch. Kann der kanadische Comedian auch noch Pointen, die nicht mit Drogen oder Blut zu tun haben? Ja! In Long Shot beweist er, dass er immer noch anders kann – und das auch noch richtig gut ist.

Long Shot: Die Handlung

Fred Flarsky (Seth Rogan) ist weder schön noch athletisch, aber ein verdammt guter Journalist. Und weil er nicht nur eine flotte Feder besitzt, sondern auch starke Prinzipien hat, arbeitet er für eine unabhängige Zeitung, die sich nicht vor unangenehmen Wahrheiten drückt. Und deshalb prompt vom Medienmogul Parker Wembley (Andy Serkis) aufgekauft wird. Wutentbrannt kündigt Fred und wird bald danach von einem Freund zu einer Party geschleift, auf der auch die US-Außenministerin Charlotte Field (Charlize Theron) zu Gast ist.

Und die erkennt ihn tatsächlich wieder, weil die beiden eine gemeinsame Vergangenheit haben. Charlotte wohnte in der selben Straße und war hin und wieder Babysitterin für Fred. Weil der gerade arbeitslos ist und Charlotte dringend einen guten Redenschreiber braucht, stellt sie den nicht unbedingt vorzeigbaren Journalisten ein. Sehr zum Bedauern ihrer Stabs-Chefin Maggie (June Diane Raphael), die den dicken, schlecht angezogenen Kerl schnellstens wieder loswerden will. Doch bald werden Fred und Charlotte von ihrer Vergangenheit eingeholt …

Long Shot: Der lustigste Film 2019?

Der Name des Films, Long Shot, hat im Englischen eine Menge Bedeutungen, am ehesten dürfte hier „ein hoffnungsloser Fall“ passen. Obwohl der deutsche Verleih der Meinung war mit dem Zusatz „unwahrscheinlich, aber nicht unmöglich“ mehr Licht ins Dunkel der Bedeutung zu bringen. Der Titel ist aber auch eine der wenigen Dinge, die es hier zu kritisieren gibt. Long Shot ist eine der besten Komödien der vergangenen Jahre und bisher mit Abstand der witzigste Film 2019. Und das liegt zu einem guten Teil an den beiden grandiosen Hauptdarstellern.

Pass-sicher wie Fußballprofis spielen sich Theron und Rogen die Bälle zu und bringen auch die schwierigen Schüsse ins Ziel. Dabei ist nicht nur die Gagdichte hoch, auch der Humor ist erstaunlich unterschiedlich. Selbst Rogens bevorzugte Kifferwitze bringt er unter, ohne dass sie diesmal so nerven wie in früheren Filmen. Denn das hervorragende Drehbuch von Dan Sterling („The Office“) und Liz Hannah („Die Verlegerin“) legt zwar ein flottes Tempo an den Tag und lässt den Stars trotzdem genug Platz zum Glänzen. Und die nutzen das auf verschiedene Arten.

Long Shot: Mehr als nur Trump-Bashing

Das Script schafft es nicht nur, aktuelle Politik mit einem wunderbar doof-eitlen Präsidenten (Bob Odenkirk) auf den Arm zu nehmen, sondern auch auf Notwendigkeit der „#MeToo“-Debatte hinzuweisen, wenn sich Charlotte nicht nur gegen politische Attacken, sondern auch gegen Dauergeflirte zur Wehr setzen muss. Dass dabei dann auch noch die Love-Story zwischen Fred und Charlotte funktioniert ist da fast ein kleines Wunder. Und doch knistert die Leinwand, wenn die beiden sehr unterschiedlichen Typen in Wortgefechten aufeinander prallen.

In bester „Screwball“-Manier umschwirren sich Rogan und Theron, nähern sich gekonnt an und erobern das Herz des jeweils anderen so glaubhaft, dass neben vielen Lachern hier auch echte Rührung aufkommt. Und sich der Zuschauer auch deshalb so dringend ein Happy-End wünscht, weil es hier eben so verdammt unwahrscheinlich ist. Denn Charlotte muss für ihren politischen Erfolg ein Menge Kröten schlucken, mit denen Fred so gar nicht einverstanden ist. Doch die Chance, die erste Präsidentin der USA zu werden, will sich Charlotte nicht entgehen lassen.

Jonathan Levine setzt nicht nur die zahlreichen Pointen des Films gut in Szene, wobei er viel Hilfe durch das traumhafte Timing seiner Stars hat. Er schafft es auch, dass das Publikum beide Protagonisten versteht und die Sympathien daher recht gleich verteilt sind. Und so ist Long Shot eine ganz starke Rom-Com mit vielen politischen Seitenhieben, bei der sowohl der Rom- als auch der Com-Teil ausgezeichnet funktionieren. Ein so lustigen, packenden und anrührenden Film gab es im Kino schon länger nicht mehr. 

Fazit:

Lustig, aber nie albern. Scharf, aber nie zynisch. Und romantisch, aber nie kitschig. Filme mit einer Qualität von Long Shot gibt es heute nicht mehr oft. Mit Seth Rogen und Charlize Theron  spielen zwei Stars, die nicht nur sehr uneitel einiges für eine gute Pointe hinnehmen, sondern auch eine starke Chemie aufweisen. Und denen man deshalb diese eigentlich unglaubliche Love-Story tatsächlich abkauft. Die große Bandbreite des Humors – von derben Drogen-Gags bis feingeistigem Dialog – sorgt zudem dafür, dass fast jeder Zuschauer hier garantiert ein paar Mal lachen muss. Unbedingt ansehen!

Long Shot startet am 20. Juni in den deutschen Kinos.

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