Die Handlung

Das Familien-Imperium von Roderick Usher (Bruce Greenwood) und seiner Schwester Madeline (Mary McDonnell) liegt in Trümmern. Alle sechs Kinder Rodericks sind innerhalb weniger Tage gestorben. Und das mitten in einem Gerichtsprozess, den Rodericks Intimfeind Auguste Dupin (Carl Lumbly) nach jahrelanger Vorbereitung nun endlich auf den Weg gebracht hat. Der Familienanwalt Arthur Gordon Pym (Mark Hamill) versucht zwar alles, um die Verhandlung auszuhebeln. Doch Roderick scheint kein Interesse mehr daran zu haben, aus der Sache als Sieger hervorzugehen. Er bestellt Dupin für den Abend an eine bestimmte Adresse mit dem Versprechen, dem Gesetzesdiener alles zu erzählen, was er wissen will.

Als Dupin später am Abend zur angegebenen Adresse fährt, staunt er nicht schlecht. Es ist das seit Jahren leerstehende Geburtshaus von Roderick und Madeline. Der Gastgeber empfängt ihn mit teurem Cognac und einigen Geschichten, die Dupin kaum glauben kann. Denn obwohl die Todesursache bei allem Kindern Rodericks klar festgestellt wurde, besteht der darauf, dass er seinen Nachwuchs allesamt auf dem Gewissen hat. Die Dinge, die Roderick ihm erzählt, lassen dann schließlich sogar den erfahrenen Staatsanwalt erzittern. In allen spielt eine geheimnisvolle Frau namens Verna (Carla Gugino) eine wichtige Rolle. Und so erfährt Dupin die wahre Geschichte des Untergangs des Hauses Usher …

Großartige Modernisierung von Poes Werk

Mit „Spuk in Hill House“ lieferte Mike Flanagan sein erste Serie für Netflix ab. Der Untergang des Hauses Usher ist nun voraussichtlich seine letzte. Der 45-jährige hat einen langfristigen Vertrag mit Amazon Prime Video abgeschlossen. Ob es daran lag, dass Netflix seine Serie „Midnight Club“ nach einer Staffel absetzte, was Flanagan angeblich sehr geärgert hat, oder ob es andere Gründe gab, bleibt Spekulation. Wichtiger ist auch ,dass er sich auf ebenso hohem Niveau von Netflix verabschiedet, wie er in Sachen Serien dort begann. Denn vor allem für Fans von Edgar Allan Poe ist Flanagans Adaption eine Offenbarung. Denn alles zeugt von Respekt und Liebe an den Autor sowie einer genauen Auseinandersetzung Flanagans mit dem Original-Material.

Jede der acht Folgen, bis auf die erste, trägt den Titel eines berühmten Werkes von Poe wie Morde in der Rue Morgue, die schwarze Katze oder Das Verräterische Herz. Und die Kernthemen dieser Kurzgeschichten spielen in den entsprechenden Episoden dann auch wichtige Rollen. So wird in Das verräterische Herz Schuld und Wahnsinn zum wichtigen Faktor. Auch wenn sie die Episoden letztlich nur wenige Minuten mit der titelgebenden Storyline beschäftigt und in weiten Teilen die Hauptgeschichte weitererzählt. Doch Flanagan nutzt die Vorgaben der Storys klug, um seine eigenen Interpretationen zu schaffen. Und Poes beeindruckendes Werk für eine neue Generation gründlich zu entstauben. Lovecraft ist mittlerweile wieder ein Liebling vieler junger Horrorfans – Poe hätte das Gleiche verdient.

Optisch und schauspielerisch oberste Liga

Es ist also sicher so, dass Poe-Kenner an dieser Serie noch mehr Spaß haben werden als Neulinge in der Welt des dunklen Poeten. Aber auch völlig ohne Vorkenntnisse ist Der Untergang des Hauses Usher ein Genuss. Und das liegt an vielen Faktoren. Da ist das Bild. Was die Serie optisch auf den Bildschirm bringt, ist von einer morbiden Schönheit, die ihresgleichen sucht. Wenn sich Dupin und Usher in den harten Schatten eines Kaminfeuers gegenübersitzen, dann ist das in scharfem 4k einfach grandios anzusehen. Auch die Sets wie die diversen Designer-Wohnungen der Usher-Kinder oder die Party in Episode 2 sind optische Leckerbissen. Doch den Schrecken mit Leben erfüllen, das erledigen die großartigen Schauspieler.

Hier greift Flanagan fast ausschließlich auf Darsteller zurück, mit denen er bereits gearbeitet. Die Hauptrolle geht dabei an Bruce Greenwood („Das Spiel„), der nach dem Rauswurf von Frank Langella die Rolle des Roderick Usher übernahm. Und eine grandiose Darbietung zeigt. Auch Carla Gugino, Stammgast in Flanagans Serien und Filmen, spielt die geheimnisvolle Verna, die mit dem Todesfällen zu tun zu haben schient, mit großer Präsenz und einer derart eiskalten Aura, dass einem beim Zusehen fröstelt. Letztlich lässt sich aber kaum jemand herausheben, so gut sind sie alle. Und doch wird kaum jemand mit einem davon mitfiebern. Denn Flanagan schreibt seine Protagonisten ganz in Poe-Tradition derart fies und abstoßend, dass man wenig Mitleid verspürt. Obwohl einige davon es verdient hätten.

Die acht Folgen greifen nicht nur perfekt ineinander und lüften erst zum Schluss die ganzen Geheimnisse rund um den Tod von Rodericks Kindern. Sie sind auch immer wieder ziemlich unheimlich. Weitgehend ohne Jump-Scares, nur mit der stetig bedrohlicher werdenden Atmosphäre, erwächst so ein ebenso dunkles wie faszinierendes Bild einer Familie, die für Macht über Leichen geht und dafür den Preis zahlt. Mike Flanagan ist mit dieser Serie auf der bisherigen Höhe seines Könnens. Man kann sich wirklich nur auf seine nächsten Projekte, die Verfilmung der Stephen King-Novelle „Life of Chuck“ und danach die Umsetzung von Kings Opus Magnum „The Dark Tower“ freuen. Großes Kino für den Bildschirm!

Fazit:

Der Untergang des Hauses Usher ist nicht nur Flanagans letzte Netflix-Serie, sondern gemeinsam mit seiner ersten auch die beste. Eine großartige Grundidee, tolle Drehbücher, herausragende Schauspieler und eine permanent wachsende Spannung adelt die Serie zum Horror-Glanzlicht 2023 bei Netflix. Die Art, wie Flanagan Edgar Allan Poes berühmte Geschichten in einen neuen Kontext webt und dennoch die wichtigsten Grundzüge der Storys beibehält, ist brillant. Die Serie ist sicher für Poe-Fans noch besser als für andere, weil die die zahlreichen Anspielungen und Verweise erkennen („Das Fass Amontillado“, „Annabelle Lee“ und viele mehr). Aber auch Poe-unkundige Horrorfans sollten hier voll auf ihre Kosten kommen.

Der Untergang des Hauses Usher startet am 12. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Kritik zu Staffel 1 gibt es hier.

Die Handlung

Die Gefährten sind verstreut. Rand (Josha Stradowski) hat seine Begegnung mit dem Dunklen König überlebt. Aber das weiß nur Moiraine (Rosamund Pike), die sein Überleben und seine Flucht mit ihrer Fähigkeit, Magie zu nutzen, bezahlt hat. Voller Verzweiflung über den Verlust ihrer Zauberkraft ist sie bei einer Freundin untergekommen. Und sie versucht, ihren Beschützer Lan (Daniel Henney) loszuwerden, da ihr Band ebenfalls zerschnitten wurde. Rand hingegen ist es gelungen, sich als Pfleger in einem Heim einzuschleichen, wo auch Männer behandelt werden, die durch ihre Magiefähigkeiten wahnsinnig wurden. Denn der dunkle König hat die männliche Magiequelle besudelt und für Menschen unbrauchbar gemacht.

Nynaeve (Zoe Robins) und Egwene (Madelein Madden) sind als Lehrlinge im Weißen Turm, der Heimat des Aes Sedai, angenommen worden. Sie gelten als die stärksten Zauberweberinnen seit Jahrhunderten, besonders Nynaeve, doch beide haben Schwierigkeiten, ihre Macht zu entfalten und zu beherrschen. Was beide nicht wissen: Nach seiner Abhängigkeit von einem dunklen Dolch ist ihr Freund Mat (Donal Finn) nicht etwa tausende Meilen entfernt, sondern wird von der roten Aes Sedai Liandrin (Kate Fleetwood) in den Kellern des Trums gefangen gehalten, um ihn zu überwachen. Und Perrin (Marcus Rutherford) zieht mit einigen Kriegern durch die Lande. Er verfolgt den Schattenfreund Padan Fain, der für den Tod von Perrins Frau verantwortlich ist …

Die Geschichte zerfasert

Wer einen Blick auf die Zusammenfassung der Handlung wirft, hat das größte Problem von Das Rad der Zeit Staffel 2 bereits vor Augen. Die Geschichte zerfasert in viele verschiedene Erzählstränge, die alle ihre Zeit brauchen – und alle nicht gerade zügig erzählt werden. So sind die gezeigten vier Folgen (von acht) der zweiten Staffel zwar durchgehend hübsch anzusehen, kommen aber in einigen der Storys nicht wirklich voran. Tatsächlich ließe sich bei den meisten die gesamte Handlung der ersten vier Episoden in zwei Sätzen zusammenfassen. Und das, ohne wesentliche Gesichtspunkte zu verschweigen. Und das, obwohl die Serie bereits jetzt den Romanen nicht mehr im Detail folgt, sondern viele Teile der ursprünglichen Story ignoriert, stark rafft oder verändert.

Das dürfte vor allem den Fans der Bücher sauer aufstoßen. Aber auch Zuschauer der ersten Staffel werden feststellen, dass sich das Erzähltempo der Handlung durch diese Aufteilung nicht verbessert hat. Zwar bietet jede Folge immer irgendwann einen optisch brillanten Actionteil, über den Rest der Zeit plätschern manche aber so dahin. Und bis auf die vierte Episode sind alle deutlich über 60 Minuten lang. Als Leser fragt man sich beim Ansehen zudem, auf wie viele Staffeln die Autoren der Serie wohl geplant haben. Denn der wilde Mix aus Teilen der Romane zwei und drei wirkt oftmals nicht schlüssig oder lässt einen roten Faden vermissen. Während der Kampf Rands gegen den Dunklen König und seine stärksten Diener spannend ausfällt, lassen andere Handlungsstrände eher kalt.

Starke Pike reißt viel raus

In der Romanserie ist Moiraine eine wichtige Nebenfigur, in der TV-Adaption ist die Figur dank Rosamund Pike der uneingeschränkte Hauptcharakter. Das liegt daran, dass Moiraine als langlebige und erfahrene Aes Sedai viel weiß, aber auch daran, dass Pike die interessant geschriebene Rolle auch komplett ausfüllt. Die emotionale Mischung, Trauer über die verlorene Kraft, der Antrieb dennoch Rand und damit die Welt zu retten, die Wut auf ihren Beschützer, den sie gleichzeitig doch auch liebt – all das spiegelt sich in Pikes Mimik wieder. Daher sind die Szenen mit ihr, obwohl meist gar nicht viel passiert, schauspielerisch sicher die beeindruckendsten der zweiten Staffel.

Mutig und ansehnlich ist auch der Versuch von Das Rad der Zeit Staffel 2, den reinen High-Fantasy-Charakter ein wenig abzustreifen, um die Figuren etwas menschlicher wirken zu lassen. So darf Josha Stradowksi sogar ein paar (harmlose) Sexszenen spielen, um seinen Charakter ein wenig zu erden.  Der Niederländer ist seit der ersten Staffel deutlich besser in seine Rolle als Rand hineingewachsen und trifft den Kern der Buchbeschreibung recht gut. Allerdings ist sein Handlungsstrang in Staffel 2 nicht unbedingt der optisch beeindruckendste. In Sachen Optik bleibt die Serie aber auf dem Niveau der ersten Staffel. Manche Sets und Kreaturen sehen grandios aus, bei anderen schien das Geld gefehlt zu haben. Einen einheitlichen Look bekommt die Serie auch im zweiten Versuch nicht hin.

Immerhin wohltuend sind die Änderungen bei den weiblichen Charakteren. Während die Teenager in den Romanen oftmals schwer genervt haben, halten sich zickige Momente in der Serie deutlich mehr in Grenzen. Zwar sind Egwene, Nynaeve und Co. mit ihrer Sturheit auch für manchen Stoßseufzer gut, gegen die Romanversionen sind sie aber deutlich abgemildert – und daher auch sehr viel besser zu ertragen. Was aber auch Das Rad der Zeit Staffel 2 noch fehlt, ist ein Kompass, der dem Zuschauer den ungefähren Weg weist, wer sich hinter den zahlreichen Machtblöcken verbirgt, die bereits auf dem Spielfeld stehen. Zwar ist diese Unklarheit nicht gänzlich ohne Reiz, auf Dauer aber doch unbefriedigend. Hier darf die bereits bestellte dritte Staffel gerne nachbessern.

Fazit:

Mit Das Rad der Zeit Staffel 2 betritt die Serie Neuland, denn von nun an – und für eine geraume Zeit, ja nachdem, wie lange die Serie läuft – wird die Handlung auf verschiedene Erzählstränge verteilt, die zu Beginn noch nicht alle überzeugen. Rosamund Pike führt noch deutlich als in den ersten Episoden einen guten Cast mit exzellentem Spiel an. Sie darf aber auch die spannendste Figur spielen. Und der dunkle Held Rand wird von Josha Stradowski diesmal bereits sehr viel überzeugender interpretiert als noch vor zwei Jahren. Dennoch fordern die vielen Handlungen ihren Tribut. Die Serie mäandert des Öfteren eine Weile vor sich hin und lässt dann auch Spannung vermissen. Ein optisches und spannendes Highlight pro Episode gibt es aber immer. Für Fantasy-Fans ist Das Rad der Zeit in jedem Fall einen Bick wert.

Das Rad der Zeit Staffel 2 startet am 1. September 2023 bei Amazon Prime Video.

Gesehen: Vier von acht Folgen.

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Die Handlung

Ex-Junkie Trevor (Drew Starkey) überredet seine Freundin Riley (Odessa A’zion) dazu, in einer weitgehend leerstehenden und unbewachten Lagerhalle einzubrechen. Dort soll es etwas zu holen geben. Doch als die beiden einen Safe öffnen, findet sich darin nur eine Holzkiste, die einen seltsamen Würfel enthält. Während Trevor mehr als enttäuscht ist, findet Riley Gefallen an dem Würfel und nimmt ihn mit. Als sie aufgeputscht nach Hause kommt, wird Riley bereits von ihrem Bruder Matt (Brandon Flynn) erwartet, der ihr ansieht, dass sie getrunken hat und sie wütend aus der Wohnung wirft. Wütend auf sich selbst fährt Riley davon und sucht sich in der Nähe eines Parks einen ruhigen Platz, wo sie im Auto schlafen kann.

Da fallen ihr ein paar Pillen in die Hände, die sie noch im Auto versteckt hatte. Mit den Drogen im Körper geht sie auf den Spielplatz im Park und versucht, das Rätsel des Würfels zu lösen. Und tatsächlich gelingt es ihr, das seltsame Artefakt in eine neue Form zu bringen. Dabei schneidet sie sich fast an einer plötzlich ausfahrenden Klinge, kann einer Verletzung aber entgehen. Kurze Zeit später scheint Riley plötzlich Visionen zu bekommen, denn sie sieht schrecklich deformierte Gestalten, die mit ihr reden und sich ihr langsam nähern. Als dann auch noch Matt auftaucht, der seiner Schwester helfen will, kommt es zu einem verhängnisvollen Unfall …

Echter Reboot

Der neue Film von Regisseur David Bruckner erfüllt in jeglicher Hinsicht den Tatbestand eines Reboots. Denn Hellraiser ist nicht einfach nur ein Remake des Films von 1987, sondern erzählt die Saga das Würfels, der Dämonen herbeiruft, in einer neuen Interpretation. Ohne deshalb bestimmt Eckpunkte der Vorlage zu ignorieren. In mancherlei Hinsicht ist er sogar näher an Barkers Kurzroman als dessen eigener Film. So ist mit Jamie Clayton diesmal eine Frau als Pinhead, der im Film nur Priester heißt, besetzt worden, um das androgyne der literarischen Version hervorzuheben. Doug Bradley, Originaldarsteller der Rolle in vielen Filmen, äußerte sich sehr lobend über den neuen Look und die Kollegin, die den Charakter spielte. Und in der Tat ist Pinhead nicht das Problem von Hellraiser. Das Problem ist die Herkunft.

Denn Hellraiser wurde in den USA für ein heimisches Publikum gedreht. Und da hat Sexualität und Lust natürlich keinen Platz. Bruckner und die Drehbuchautoren Ben Collins und Luke Piotrowksi haben daher sämtliche von Barker erdachte Anspielungen auf Sado-Maso-Sex, Lust durch Schmerz und ähnliche Dinge radikal herausgestrichen. Der Originalplot, der sehr deutlich körperliches Verlangen als Motivation vieler seiner Protagonisten zeigte, findet sich hier dementsprechend überhaupt nicht wieder. Bruckner macht einen zwar durchaus blutigen, aber in Sachen Sex klinisch reinen Film. In dem selbst die vorkommenden Sex-Szenen eine Freigabe ab 12 Jahren locker geschafft hätten. Barkers Credo, Lust zu wollen und sich dafür schuldig zu fühlen, in der Neuauflage hat dieses Gedankengut keinen Platz.

Für Neulinge ein guter Film

Das dürfte aber in erster Linie den Teil des Publikums stören, der mit der Hellraiser-Reihe bereits gut vertraut ist. Denn wer mit diesem Film seinen ersten Ausflug in die Welt der Cenobiten unternimmt und nichts über die Vorlage weiß, der bekommt einen blutigen und in weiten Teilen spannenden Horrorfilm. Das neue Design der Dämonen kann sich mehr als sehen lassen. Die Villa, in der die gesamte zweite Hälfte des Films spielt, ist als Kulisse ebenfalls ein Hingucker. Und erinnert ein wenig an „13 Ghosts“. Und blutige Effekte hat der neue Film auch zu bieten. Wer also nach einem durchaus derben und handwerklich gut gemachten Horrorfilm sucht, dürfte mit Hellraiser durchaus glücklich werden. Das ist aber eben nur die halbe Wahrheit.

Denn Clive Barker, der zumindest in den 80ern mit seinen „Büchern des Blutes“ als Erneurer des Horror-Genres galt, packt in seinen Roman und Film viel mehr als typischen Teenie-Horror, wie Bruckner ihn hier in weiten Teilen  inszeniert. Ähnlich wie in Filmen we „Wish Upon“ oder „Countdown“ packt er hier eine Bedrohung, die eine Gruppe von Leuten nach und nach dezimiert. Das hat mit der Original-Idee gar nichts zu tun. Barker ließ in seiner Story das Böse als eine fast gleichgültige Macht auftauchen, die sehr wohl absichtlich von seinen Protagonisten beschworen und für deren Zwecke genutzt werden soll. Zumindest diesen Teil der Geschichte lässt Bruckner mit dem Charakter von Goran Visnic unangetastet, verändert aber seine Motivation.

In Barkers Welt konnte das Publikum manchmal nicht entscheiden, wer eigentlich das größere Monster ist, der Mensch oder der Cenobit. Auch das hat Bruckner in großen Teilen nicht geschafft. Fans der Reihe fehlt daher die Gravitas der Bösartigkeit, die Barker über dem Zuschauer ausgeschüttet hat. Bruckner hat keinen schlechten Film gedreht, aber die Elemente, die Barkers Vision über das Gros thematisch ähnlicher Filme heben, die konnte der neue Regisseur nur zu geringen Teilen in seine Version hinüberretten. Man kann sich Hellraiser als Horrorfan gut ansehen, sollte aber nicht zu viel erwarten. Besser als die meisten Fortsetzungen von Barkers Klassiker ist die neue Fassung aber allemal.

Fazit:

Wer bislang noch nie eine Berührung mit Clive Barkers Hellraiser hatte, dem wird das Reboot der Story möglicherweise ganz gut gefallen. Denn einige Bestandteil der Geschichte haben den Neustart gut überstanden. Die Cenobiten sehen großartig aus, der Gewaltgrad steht dem Original kaum nach – und spannend ist der neue Film auch. Was den Fans der Reihe aber fehlen wird, ist das typische Barker-Element, das Regisseur David Bruckner und seine Drehbuchautoren aus dem Stoff entfernt haben. Die fleischlichen Gelüste, bei Barker stärkste Triebfeder seiner Protagonisten, wurden in der neuen Version komplett gestrichen. Und das macht den neuen Film nur zu einem ordentlichen Teenie-Horror, aber nicht zu einem wirklich würdigen Reboot des Stoffes.

Hellraiser startet am 15. April 2023 bei Paramount+.

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Die Handlung

Frankreich im Jahr 1625. Ludwig XIII. herrscht über ein Land, das sich von außen und innen Bedrohungen gegenüber sieht. Das kümmert allerdings den jungen Gascogner D’Artagnan (Francois Civil) wenig, der wie sein Vater ein Musketier werden möchte und deshalb auf dem Weg nach Paris ist. Doch schon auf der Reise gerät der an einige Banditen. D’Artagnan kann einen kurzen Blick auf eine junge Frau in einer Kutsche werfen, bevor er niedergeschlagen wird. Der Wirt der Schänke, in der der Überfall stattfand, hält ihn für tot und beerdigt ihn im nahen Wald. Doch der junge Mann erwacht rechtzeitig und kann sich aus seinem Grab befreien. In Paris gelingt es ihm innerhalb weniger Minuten, in der Kaserne der Musketiere gleich der drei berühmtesten Kämpfer des Regiments zu beleidigen, sodass sie ihn zum Duell fordern.

Athos (Vincent Cassel), Porthos (Pio Marmai) und Aramis (Romain Duris) finden jedoch Gefallen an dem jungen Mann, als er noch vor dem ersten Duell mit ihnen Seite an Seite gegen die Wache des Kardinals Richelieu kämpft, der faktisch das Land regiert und daher ein unangenehmer Feind ist. Tatsächlich wird Athos wenig später des Mordes an einer jungen Frau angeklagt, die D’Artagnan als die Dame aus der Kutsche wiedererkennt. Um seine Unschuld zu beweisen, müssen die drei Freunde Nachforschungen anstellen. Unterdessen wird D’Artagnan von seiner Vermieterin Constance (Lyna Khoudri) gebeten, für Frankreichs Königin Anna (Vicky Krieps) eine delikate Reise zu unternehmen, sodass er seine neuen Freunde nicht unterstützen kann …

Mit viel Respekt vor der Vorlage

Klassisch ist das Wort, das einem Zuschauer in den Sinn kommen dürfte, wenn er sich Die drei Musketiere – Dartagnan ansieht. Denn tatsächlich haben Regisseur Bourboulon und das Drehbuch-Autorenduo hier großen Wert auf eine recht authentische Verfilmung des berühmtem Buches gesetzt. Die Epoche mit ihren komplizierten politischen Verhältnissen wird ebenso genau getroffen wie die Optik der Kleidung und der Gebäude. Der Film ist ein Ausflug ins frühe 17. Jahrhundert, was den Inhalt betrifft. Folgerichtig hält sich Bourboulon auch mit Humor zurück und zeigt seine Story als ernsthaften, fast grimmig erzählten Film. Inszenatorisch hingegen setzt Bourboulon auf die Mittel des modernen Films.

So nutzt er die extrem beweglichen Kameras der heutigen Zeit, um einige fast minutenlange Plansequenzen zu inszenieren, die so dynamisch und mitreißend sind, dass man aktuelles Actionstrends wie in „John Wick“ oder „Mission Impossible“ gar nicht vermisst. Hier wird weitgehend gefochten und geprügelt- und das ist auch schon alles. Ohnehin liegt bei Bourboulons Version der Schwerpunkt nicht auf der Action, auch wenn die Momente, in denen es zur Sache geht, allesamt stark erzählt sind. Aber Bourboulon lässt seine Protagonisten deutlich mehr reden als kämpfen und zeichnet so nicht nur ein präzises Bild seiner Helden und Schurken, sondern belebt auch die Zeit wieder, in der Frankreich an vielen Fronten zu kämpfen hatte.

Das Highlight: Athos und Milady

Die absolute Macht des Königs, das gottgegebene Recht der Kirche in Form von Kardinal Richelieu, Volk und König nach Belieben zu betrügen und zu belügen, um eigene Interessen durchzusetzen – all das fügt Bourboulon gekonnt zu einem Ganzen zusammen. Dazu verfügt er mit Eva Green über eine Schauspielerin, die schon so oft als Femme Fatale zu sehen war, dass sie auch die berühmte Mylady problemlos zum Leben erweckt. Vincent Cassel als melancholisch-gebrochener Athos ist ebenso sehenswert. Seine Zerrissenheit zwischen Todessehnsucht, Königstreue und dem noch immer anhaltenden Schmerz eines gebrochenen Herzens verkörpert Cassel so gut, dass er in jeder Szene, in der er zu sehen ist, sofort sämtliche Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Auch die Darsteller von Porthos und Aramis liefern komplett ab. Ausgerechnet die Titelfigur D’Artagnan lässt im direkten Vergleich ein wenig Federn. Francois Civil beherrscht zwar jederzeit die körperliche Anforderung an die Rolle, aber gegen Cassel und Co. bleibt er doch ein wenig blass. Auch Lyna Khoudri als Constance überzeugt noch nicht völlig, was allerdings auch an ihrem in Teil eins recht sparsamen Auftritten liegen könnte. Gut möglich, dass sie im kommenden Duell mit Eva Green ihr Können besser unter Beweis stellen kann. Einen wirklichen Ausfall in der Darstellerriege gibt es allerdings nicht, das Niveau ist durchgehend gut. Und die Stimmung des Films erinnert trotz nur weniger Gemeinsamkeiten der Handlung oft an Christophe Gans‘ Meisterwerk „Pakt der Wölfe“.

So dürften alle Fans von Mantel- und Degenfilmen hier ebenso auf ihre Kosten kommen wie Literaturliebhaber und Freunde von Historienfilmen, denn all diese Aspekte bedient Die drei Musketiere – Dartagnan gekonnt. Richtige Spannung dürfte zwar nur bei Zuschauern aufkommen, die die Story zum ersten Mal erleben. Aber das üppige Budget sorgt für einen Bilderrausch, den man sich auch gern noch ein zweites Mal ansehen würde. Disney+ hat bereits zugeschlagen und mit „Milady Origins“ und „The Black Musketeer“ zwei Nachfolge-Projekte geordert. Und zwei Romanfortsetzungen gäbe es ja auch noch.

Fazit:

Die drei Musketiere – Dartagnan ist einerseits klassisches Abenteuerfilm-Kino, andererseits aber so modern inszeniert, dass die Mischung sowohl Fans der alten als auch ein jüngeres Publikum ansprechen dürfte. Regisseur Martin Borboulon und die Autoren nehmen die Story ernst und machen kein Fantasy-Gemurkse wie Paul Anderson 2011 daraus. Historische Korrektheit spielt eine ebenso große Rolle wie der Unterhaltungswert und die Schauspieler, allen voran Vincent Cassel und Eva Green, sorgen für eine satte Portion Emotion, die sich im zweiten Teil noch verstärken dürfte. Ein wundervoller Historienfilm mit nur wenigen Schwächen und mit viel Liebe zu Details und prächtiger Kulissen in Szene gesetzt. Wer die Story um die drei Musketiere mag, wird diesen Film zu schätzen wissen.

Die drei Musketiere – Dartagnan startet am 13. April 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Es beginnt klein. Die junge Meeresbiologin Charlie (Leonie Benesch) entdeckt auf den Shetlandinseln nicht nur den netten Fischer Douglas (Jack Greenlees), sondern auch seltsame Vorgänge im Atlantic. So steigen Brocken gefrorenes Methan an die Wasseroberfläche, die eigentlich Kilometer tiefer auf den Grund gehören würden. Charlie gibt ihre Beobachtungen weiter. Doch ihre Vorgesetzte, Dr. Katharina Lehmann (Barbara Sukowa), misst ihrem Fund zunächst keine große Bedeutung bei. Der kanadische Wissenschaftler Leon Anawak muss mit ansehen, wie eine Freundin mitsamt ihrem Boot voller Touristen auf See von einer Grippe Wale angegriffen und getötet wird. Die Wale verhalten sich dabei völlig atypisch und Anawak hat zunächst keinerlei Erklärung für den Vorfall, forscht aber weiter.

Bei einigen Bohrinseln in der Nordsee gibt es ebenfalls ungewöhnliche Funde. Und so holt die für den Öl-Konzern arbeitende Wissenschaftlerin Tina Lund (Krista Kosonen) ihren Ex-Freund Sigur Johanson (Alexander Karim) dazu, der Experte für Meeresbiologie ist. Gemeinsam entdecken sie auf dem Meeresgrund eine neue Spezies von Eiswürmen, die offenbar gezielt Methaneis anfressen und große Brocken lockern. Schließlich wird in Frankreich durch einen scheinbar verdorbenen Hummer eine Epidemie ausgelöst, die der Ärztin Cecile Roche (Cecile de France) ein völliges Rätsel ist – und die niemand in den Griff bekommt. Es scheint, als habe sich die Meeresflora und Faun gegen die Menschheit verschworen …

Langeweile statt Spannung

Wer ein solches Mammutprojekt wie die Verfilmung eines Monsters von einem Roman gut umsetzen will, muss viele Dinge im Kopf haben. Worum geht es im Buch? Was sind die wichtigsten Aspekte? Welche Inhalte haben die Leser besonders begeistert? Und wie setzte ich sie filmisch um? All diese Fragen dürfte sich auch Frank Doelger gestellt haben, als er vom ZDF, die etwa ein Drittel des Budgets von 40 Millionen Euro beisteuerten, angeheuert wurde, um Der Schwarm als TV-Serie zu verwirklichen. Erstaunlicherweise hat Doelger mit seinem Team aus Autoren und Regisseuren fast nur Antworten auf diese Fragen gefunden, die gänzlich daneben liegen. Nach sechs von acht Folgen muss man leider sagen: Der Schwarm ist eine größtenteils langweilige Veranstaltung.

Das hat viele Gründe. So klingt 40 Millionen erst einmal viel, aber die Szenen, die den Lesern das Buches im Gedächtnis bleiben, die verwüsteten Landstriche Nordeuropas nach einer gigantischen Tsunami beispielsweise oder der heftige Angriff der Wale auf die Touristen – all das zeigt auch die Serie kaum oder gar nicht, weil dafür des Geld eben nicht reichte. Zwar gelingt Doelger mit dem Tsunami einer der wenigen emotionalen Höhepunkte der Serie. Aber das Ausmaß der Zerstörung, die unfassbare Bedrohung allen menschlichen Lebens an den Küsten der Welt, die bleibt Doelger den Zuschauern schuldig. Einzelne Szenen wie eine Attacke von Millionen Krabben auf den Strand in Südafrika oder eine Quallenplage in Venedig sind ordentlich in Szene gesetzt. Sie bleiben aber die Ausnahme.

Schauspieler auf verlorenem Posten

Dazu langweilt die Serie mit uninspirierten und halbherzigen Love-Storys – was Schätzing wohl zu der Pilcher-Aussage brachte – die zur Handlung wenig beitragen und selten einmal emotional zünden. Ebenso wenig wie die Action-Einlagen, denen die im Roman durchaus vorkommende Brutalität völlig abgeht. Statt hier dem Thema angemessen auf eine FSK 16 zu gehen, ließ Boelger eine FSK 12-Serie drehen. Die in keinem Moment die Wucht des Buches entfesselt, weil sie viel zu harmlos inszeniert ist. Dass Frank Schätzings Buch ein vielleicht etwas zu langer, aber im Kern dennoch spannender Thriller ist, merkt man der Serienumsetzung kaum an. In gemütlichem Tempo, größtenteils ohne echte Höhepunkte schippern die ersten Folgen über den Bildschirm. Packend ist dabei nichts.

Das liegt ausdrücklich nicht an den Schauspielern. Die holen aus ihren wenig spannend geschriebenen Figuren noch  heraus, was ihnen möglich ist, allen voran Leonie Benesch. Sie hat mit der jungen Charlie nicht nur eine der emotionalsten Rollen. Ihr gelingt es auch, die Zuschauer wirklich zu erreichen. Ihre Ohnmacht angesichts der Ereignisse sorgt für ein paar der gelungenen Momente in Der Schwarm. Aber auch der restliche Cast versucht redlich, dem müden Script Leben einzuhauchen. Das klappt in den ersten sechs Folgen selten genug. Was zum Großteil am Drehbuch liegt. Viele der Themen, die Schätzing in seinem Roman recht ausführlich behandelt, finden in der Serie kaum statt. Die Dramaturgie erinnert eher an eine Vorabendserie, die den Puls tunlichst nicht über 100 treiben soll.

Ob man aber Doelger wirklich die ganze Schuld in die Schuhe schieben kann, oder ob man sich ehrlich machen muss, ist eine andere Frage. Denn Serien wie „The Last Of Us“ oder „Game of Thrones“ haben deutlich mehr gekostet als Der Schwarm. Da man wohl davon ausgehen kann, dass auch diese Showrunner das Geld nicht mit beiden Händen aus dem Fenster geworfen haben, sondern soviel bekamen, um die Illusion perfekt zu machen, sind 40 Millionen Euro vielleicht einfach zu wenig, um Der Schwarm überzeugend umzusetzen. Die nötigen Schauwerte waren wohl schlicht zu teuer. Dass dem Publikum die meisten Charaktere egal bleiben und selten wirklich Spannung aufkommt, das geht allerdings uneingeschränkt auf Doelgers Deckel.

Fazit:

Leider hat Frank Schätzing mit seiner Kritik an der Serienumsetzung seines Romans Der Schwarm völlig Recht. Der Showrunner Frank Doelger hat aus einem spannenden, wenn auch mitunter zu langen Roman eine Serie gemacht, die die stärksten Momente der Geschichte nicht ansatzweise auf den Bildschirm übertragen kann. Stattdessen langweilt der Plot mit unwichtigen Romanzen und vielen Nebenkriegsschauplätzen. Dafür verliert er die Grundidee der globalen Bedrohung aus den Meeren schnell aus den Augen. Die Handlung plätschert in den ersten sechs Folgen derart vor sich hin, dass es kaum wahrscheinlich scheint, die beiden finalen Episoden könnten am schwachen Gesamteindruck noch etwas ändern.

Der Schwarm startet am 22 Februar mit drei Folgen in der Mediathek, ab dem 6. März im ZDF in Doppelfolgen.

Gesehen: Sechs von acht Episoden

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Die Handlung

Winter 1830. Auf der Westpoint-Militärakademie im US-Bundesstaat New York kommt es zu einem Todesfall, dessen Bergleitumstände so ungewöhnlich sind, dass Kommandeur Player (Timothy Spall) den eigentlich im Ruhestand befindlichen, erfahrenen Detektiv Augustus Landor (Christian Bale) hinzuzieht. Der Leiche eines Kadetts, der sich vermutlich in der Nacht selbst tötete, wurde nach der Aufbahrung im Krankenzimmer von einem Unbekannten das Herz entfernt. Player und sein leitender Offizier Hitchcock (Simon McBurney) befürchten einen Skandal, der den guten Ruf zieht. Und so lassen sie dem grantigen Detektiv weitgehend freie Hand in seinen Ermittlungen, solange die nur schnell zum Ziel führen.

Bald fällt dem erfahrenen Ermittler ein junger Kadett auf, der offenbar großes Interesse an dem Fall hegt. Der junge Mann hört auf den Namen Edgar Allan Poe (Harry Melling), bezeichnet sich selbst ungewöhnlicherweise als Poeten und bietet Landor seine Hilfe an. Schnell bemerkt der, dass Poe über einen scharfen Verstand und eine gute Beobachtungsgabe verfügt und ihm tatsächlich nützlich sein könnte. Bald konzentriert Landor seine Ermittlungen auf die Familie des Akademie-Arztes Dr. Daniel Marquis (Toby Jones). Dessen Gattin Julia (Gillian Anderson) scheint merkwürdig nervös, während Sohn Artemus (Harry Lawtey) auffällig um das Wohl seiner Schwester Lea (Lucy Boynton) bemüht ist. Schließlich bringt sein alter Freund Jean-Pepe (Robert Duvall) Landor auf die Spur einer okkulten Sekte …

Thriller ohne Thrill

Die Erwartung an Der denkwürdige Fall des Mr. Poe war groß. Ein optisch interessantes Setting. Spannende Charaktere. Und dazu möglicherweise noch den makabren Einschlag der besten Poe-Kurzgeschichten wie „Das verräterische Herz“, an die Poe-Fans aufgrund der Film-Handlung vermutlich sofort denken müssen. Coopers neuer Film kann davon allerdings nicht alles einlösen. Das Gute zuerst: Optisch legt der Regisseur einen ähnlich furiosen Film hin wie in Hostiles und Antlers. Die Natur des winterlichen New York, die Kälte, die fast durch den Bildschirm auf den Zuschauer übergeht und sich mit den Charakteren der Story deckt, ist beeindruckend eingefangen und lohnt schon fast allein das Ansehen. Abgesehen davon wird die Luft aber schnell dünn.

Denn Cooper gelingt es kaum, aus der Vorlage einen spannenden Thriller zu inszenieren. Zu kühl bleiben viele der Figuren, zu wenige Verdächtige werden dem Zuschauer präsentiert. Und so plätschert die Handlung nach starkem Beginn schnell vor sich hin, ohne wirkliche Höhepunkte setzen zu können. Der Plot ergeht sich in vagen Hinweisen auf geheimnisvolle Kulte und fokussiert sich allzu schnell und auch eigentlich eher grundlos auf die Familie des Arztes. Und hier gelingt Cooper das zweifelhafte Kunststück, sonst vor Energie sprühende Schauspielerinnen wie Gillian Anderson und Lucy Boynton derart farblos und eindimensional in Szene zu setzen, dass man keinerlei Anteil an deren Schicksal nimmt.

Sehenswert: Bale und Melling

Auch weitere Nebenrollen bleiben blass, ob Toby Jones oder Timothy Spall, ohne dass die Schauspieler sonderlich viel dafür könnten. Denn in den wenigen Momenten, in denen sie die Chance haben, zeigen sie ihr Können durchaus. Doch Coopers Script dreht sich so offenkundig nur um Landor und Poe, dass der Rest einfach keinen Platz bekommt um zu glänzen. Für Fans von Christian Bale und dessen mitunter minimalistischen Spiels ist Der denkwürdige Fall des Mr. Poe daher in jedem Fall zu empfehlen. Und auch Harry Potter-Fans, die an den Karrieren sämtlicher Schauspieler der Reihe interessiert sind, können sich hier ansehen, was aus Harrys Cousin Dudley geworden ist. Harry Melling bietet hier eine interessante Interpretation des jungen Dichters, der erst später zu Ruhm kommen sollte.

Die Szenen, in denen die beiden Schauspieler gemeinsam agieren, gehören daher auch zu den Höhepunkten des Films. Leider sind sie zu selten, um dem Film genug Spannung zu verleihen. Was auch darin liegt, dass Cooper schnell eine Richtung der Ermittlungen vorgibt, ohne dass das Publikum dabei mitgenommen wird. Es fehlt die innere Logik, mit der Landor seine Untersuchung betreibt und so wird bald schmerzlich ein roter Faden vermisst, der die verschiedenen Handlungsstränge zusammenhält. Viele Szenen finden keine Verbindung zu vorherigen und nachfolgenden, immer wieder verlieren sich Spuren im Schnee der Landschaft und kommen nicht wieder vor. Erst im Finale des Films wird einiges geklärt, bis dahin ist die Spannungskurve aber im Keller gelandet.

Fazit

Ohne den Vergleich mit dem Roman zu haben, ist Der denkwürdige Fall des Mr. Poe einer der schwächeren Filme von Scott Cooper, der nach dem grandiosen Hostiles und dem guten Antlers hier weitgehend enttäuscht. Lediglich Bale und Melling bekommen die Chance zu glänzen, weitere Stars wie Gillian Anderson oder Robert Duvall haben zu eindimensionale Rollen dafür. Und die Handlung zerfasert nach starken Anfangsminuten bis zum Finale derart deutlich, dass so gut wie keine Spannung aufkommt. Cooper gelingen zwar viele starke Bilder, die im Gedächtnis bleiben. Sein Versuch, den Roman in ein spannendes Script zu übertragen, bleiben aber in Ansätzen stecken. Fans von Christian Bale kommen auf ihre Kosten, wer einen spannenden, düsteren Thriller erwartet, geht hingegen weitgehend leer aus.

Der denkwürdige Fall des Mr. Poe startet am 23. Dezember 2022 limitiert in den deutschen Kinos und ist ab dem 6. Januar 2023 bei Netflix zu sehen. 

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Die Handlung

Seit Sherlock Holmes (Henry Cavill) seine kleine Schwester als Mündel angenommen hat, um ihre Bruder Mycroft vom Hals zu schaffen, sind einige Monate vergangen. Enola (Millie Bobby Brown) möchte sich als Detektivin im London des späten 19. Jahrhunderts etablieren. Doch keiner der potenziellen Klienten nimmt die junge Frau ernst. Und so will Enola eigentlich schon aufgeben, als ein Mädchen namens Bessy (Serrana Su-Ling Bliss) bei ihr auftaucht, und sie um Hilfe bei der Suche nach ihrer verschwundenen Schwester Sarah bittet. Ehrensache, dass Enola die Kleine nicht abweist und so ist sie wenig später bereits auf Spurensuche in der gemeinsamen Wohnung der Schwestern.

Kurze Zeit später inspiziert Enola dann als Arbeiterin verkleidet die Streichholz-Fabrik, in der sowohl Sarah als auch Bessy arbeiten. Und findet dort sowohl erste Indizien als auch Verdächtige, was das Verschwinden der jungen Frau angeht. Währenddessen ist auch ihr Bruder Sherlock nicht untätig, er sucht nach verschwundenem Geld aus der Staatskasse. Natürlich laufen sich die Geschwister bei ihren jeweiligen Ermittlungen schließlich über den Weg. Leider unter unschönen Bedingungen. Denn im Rahmen ihrer Ermittlungen findet sich Enola plötzlich auf der falschen Seite wieder. Statt als Detektivin gilt sie als dringend tatverdächtig in einem Mordfall. Da kann nur noch die Familie helfen …

Fehler nicht wiederholt

Der erste Film war zwar auf Netflix ein Erfolg, hatte aber seine Schwächen. Die Mischung aus feministischer Botschaft und Kriminalfall funktionierte nicht durchgehend. Immer wieder nahmen sich flammende Reden für Frauenrechte und Aufklärung des Verbrechens gegenseitig den Platz weg und bremsten den Film aus. Auch Enolas sehr regelmäßiges Durchbrechen der vierten Wand, um dem Publikum zu erklären, was es gerade gesehen hatte, war mitunter etwas mühsam mit anzusehen. All das macht Enola Holmes 2 deutlich besser als sein Vorgänger. Denn Regie-Rückkehrer Harry Bradbeer, der vorher hauptsächlich Serienfolgen inszenierte, hat aus den Fehlern des ersten Films gelernt. Zudem spart er auch durch die nicht mehr notwendige  Einführung der wichtigen Charaktere eine Menge Zeit.

Und die steckt Bradbeer diesmal hauptsächlich in die Krimihandlung des Films, ohne deshalb den Kampf der Frauen um mehr Rechte, auch diesmal ein zentrales Thema des Films, zu vernachlässigen. Das bringen Bradbeer und Drehbuchautor Jack Thorne (der auch Teil eins schrieb), diesmal aber besser und schneller auf den Punkt, nutzen dabei sogar historische Fakten, um die Handlung stärker in der Realität zu verankern, als das beim Vorgänger gelang. Das hat zwar zur Folge, dass das Publikum weniger von Helena Bonham-Carter als Enolas Mutter zu sehen bekommt, dafür sind ihre wenigen Auftritte allesamt etwas Besonderes und wirken daher spritziger als im Vorgänger.

Der Cast macht Spaß

Im Zentrum steht natürlich auch diesmal wieder Millie Bobby Brown als Enola Holmes. Und nicht nur ihr Charakter im Film ist gereift, auch die 18-jährige ist mittlerweile in den Feinheiten ihres Spiels stärker geworden. So reicht diesmal statt einem minutenlangen Monolog ans Publikum oft schon ein Blick oder ein Lächeln aus, um die Botschaft zu transportieren. Ein Umstand, der das Durchbrechen der vierten Wand deutlich bekömmlicher macht als noch in Teil eins. Bot der auch immer wieder Szenen, in denen die Heldin Zuschauern auf die Nerven ging, so fügt sich der Charakter im zweiten Teil deutlich besser in die Story ein. Und so wirkt Enola Holmes 2 sehr viel mehr aus einem Guss als das erste Abenteuer der jungen Detektivin mit der familiären Vorbelastung in Sachen Verbrechensaufklärung.

Henry Cavill, der hier mehr Zeit vor der Kamera bekommt, bleibt hingegen für Holmes-Puristen ein Grauen. Viel zu muskulös, nicht distinguiert genug und deutlich zu emotional für den Sherlock Holmes der literarischen Vorlage dürfte er allerdings bei der Kernzielgruppe des Films umso besser ankommen. Sam Claflins Mycroft Holmes hingegen kommt im zweiten Teil gar nicht vor – und wird als Charakter auch nicht vermisst. Weitere Versuche seinerseits, seine kleine Schwester in ein Internat zu stecken, hätte die Story wirklich nicht benötigt. Louis Partridge hingegen, der erneut Enolas Love-Interest Tewkesbury spielt, überzeugt erneut mit seiner Mischung aus verantwortungsvollem Adligen und leicht trotteligem Kavalier.

Mit David Thewlis hat sich Bradbeer einen überzeugenden Schurken geholt. Der hat vielleicht ein wenig zu viel Spaß am Grimassen schneiden entwickelt. Aber seinen Part als undurchsichtiger Polizist füllt er dennoch gut aus. Natürlich ist auch Enola Holmes 2 ein reiner Unterhaltungsfilm, dem es in erster Linie auf leichte Unterhaltung ankommt. Und der auch mit der Story der Buchvorlage nur wenig am Hut hat. Wer den ersten Film gar nicht mochte, wird auch hier sicher nicht glücklich. Dennoch stellt Enola Holmes 2 in fast jeder Hinsicht eine Verbesserung zum ersten Teil dar und übertrumpft ihn in Sachen Humor und Action. Für einen schönen Familienabend vor dem Fernseher eine gute Wahl!

Fazit:

Enola Holmes 2 ist seinem Vorgänger auf allen Ebenen überlegen. Die Story ist besser, sie kommt deutlich schneller in Tritt. Und sie ist sehr viel fokussierter als die Geschichte des ersten Films. Zudem fühlt sich Millie Bobby Brown in der Titelrolle im zweiten Versuch offensichtlich deutlich heimischer und wohler – und das strahlt auf das Publikum aus. Und so ist der Film eine gelungene Abenteuer-Detektiv-Story mit historisch korrektem Kern, ordentlichen Schurken und einem gut eingefangenen, wenn auch nicht immer realistischen Zeitkolorit. Mit gut zwei Stunden ist auch Teil 2 ein wenig zu lang. Er unterhält aber über weite Strecken ebenso amüsant wie leichtfüßig. Auf diesem Niveau darf gern noch ein dritter Teil folgen.

Enola Holmes startet am 4. November 2022 bei Netflix.

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Die Handlung

Der Erste Weltkrieg tobt. Der Stellungskrieg zwischen Frankreich und Deutschland zermürbt beide Seiten. Dennoch werden die deutschen Lehrer nicht müde, ihre Schüler mit dumpfen Parolen von Ehre und Vaterland zum Militär zu treiben. Auch der erst 17-jährige Paul Bäumer (Felix Kammerer) will, wie alle seine Freunde, unbedingt an die Front. Und er meldet sich ohne Einverständnis seiner Eltern zur Armee. Dass er eine Uniform erhält, in der das Namensetikett eines anderen Mannes eingenäht ist, macht ihn zwar stutzig, als der Offizier es einfach herausreißt und es einen Fehler nennt, ist Paul aber beruhigt.

Nur Tage später verschlägt es Paul und seine Klassenkameraden dann auch schon an die Front, wo sie ohne große Einweisung sofort mit dem schrecklichen Alltag der Grabenkämpfe konfrontiert werden. Granateneinschläge, Scharfschützen und eine alles durchdringende Kälte machen den Soldaten das Leben schwer und die kleine Gruppe muss schon früh erste Verluste hinnehmen. Die kampferfahrenen Soldaten Kat (Albrecht Schuch) und Tjaden (Edin Hasanovic) werden für die jungen Rekruten schon bald zu wichtigen Ratgebern, wie man überlebt. Währenddessen will der Politiker Matthias Erzberger (Daniel Brühl) mit den Franzosen über ein Ende des Krieges verhandeln. Doch die stellen harte Bedingungen …

Grandioser Start

Noch bevor das Publikum Im Westen nichts Neues auf der Leinwand sehen konnte – Ende September bekam der Film einen limitierten Kinoeinsatz – wurde Bergers Version des Romans als offizieller deutscher Beitrag ins Oscar-Rennen für den besten fremdsprachigen Film ausgewählt. Und so manches spricht auch dafür, dass dort etwas geht. Bereits der Anfang ist stark. Nachdem Berger gleich zu Beginn eine Fähe mit ihren Jungen in einer Höhle sieht – und damit funktionierende, intakte Natur – fliegt die Kamera nach draußen. Bis sie das Kriegsgebiet erreicht, wo nur noch verbrannte Baumstümpfe stehen und sich Männer gegenseitig umbringen – als Perversion der natürlichen Ordnung der Dinge.

Was dann folgt, ist die vielleicht beste Veranschaulichung des Unwortes Menschenmaterial. Und setzt eine Duftmarke, die der Film danach allerdings nur noch selten erreicht. Aber die ersten 15 Minuten sind sensationell gut. Berger, der auch am Drehbuch mitarbeitete, entschied sich gegen eine allzu genaue Umsetzung von Remarques Buch, in dem er wichtige Teile wie den Heimaturlaub Pauls einfach weglässt. Hier geht es nur im den unmittelbaren Krieg und das lange Sterben der Soldaten in ihm, für mehr fand der Regisseur in 150 Minuten Laufzeit keinen Platz. Dafür verpackt er genau dieses Sterben in zum Teil drastische Bilder von Menschen überrollenden Panzern und zerrissenen Körpern auf dem Schlachtfeld. Diese Bilder verfehlen ihre Wirkung nicht.

Schwaches Finale

Zudem erzählt Berger eine Episode, die gar nicht im Buch steht: die Verhandlungen der deutschen Regierung mit den Franzosen über ein Kriegsende. Hier inszeniert der Regisseur ein Wettrennen Erzbergers um das Leben der deutschen Soldaten, auch das von Paul und seinen Freunden. Gelingt es dem Politiker, einen Frieden zu verhandeln, bevor auch noch der letzte Mann an der Front draufgeht? Aus dieser Prämisse zieht Im Westen nichts Neues ebenfalls viel Spannung. Dass der Film emotional so hart trifft, liegt allerdings hauptsächlich am großartigen Cast. Der junge Felix Kämmerer lässt in seinem Blick das ganze Grauen des Krieges sehen, der meist brillante Albrecht Schuch ist auch hier als gute Seele Kat großartig. Und Edin Hasanovic als Tagträumer Tjaden die vielleicht tragischste Gestalt des Films.

Da ist es umso schlimmer, dass Berger sich für seinen finalen Akt zu einer komplett falschen Entscheidung hinreißen lässt. Nicht nur, dass er mit Devid Striesow die fast schon alberne Karikatur eines deutschen Offiziers zeigt. Sein Schluss, der mit Im Westen nichts Neues so gar nicht zusammenpasst, nimmt dem Film die letzte Härte. Für eine letzte Actionsequenz und eine Holzhammerbotschaft verzichtet Berger auf genau die Szene, die zahllosen Zuschauern des 1930er-Films das Herz gebrochen hat und viel nachdrücklicher gezeigt hätte, worum es Remarque beim Schreiben seines Romans eigentlich ging. Bergers Finale ist in seiner Vorhersehbarkeit banal, der erneute Wettlauf mit der Zeit wirkt aufgesetzt, die Wiederholung bereits eindrücklich erzählter Botschaften unnötig.

Und so verdirbt sich Edward Bergers Version des großen deutschen Romans den Gesamteindruck. Der zwar immer noch gut ist, mit einem besseren Finale aber weitaus stärker hätte ausfallen können. Das Buch hat keinen actionreichen, kampfbetonten Schluss, weil es den nicht braucht. Diese Sicherheit hatte Berger offensichtlich nicht. Und so ist sein Ende viel schwächer als sein Anfang. Ob es damit für die letzten fünf Nominierungen beim Oscar reicht, darf zumindest bezweifelt werden.

Fazit:

Selten hat ein Film einen derart starken Beginn und präsentiert dann ein so schwaches Finale wie die neue Adaption von Erich Maria Remarques Klassiker Im Westen nichts Neues. Leider hat Regisseur und Co-Autor Edward Berger nicht auf den niederschmetternden Schluss des Romans gesetzt, sondern sich einen eigenen ausgedacht. Und der fällt im Vergleich viel schwächer aus, so blutig und optisch aufwühlend er auch sein mag. Dass er dennoch einen starken Film abliefert, liegt zu einem guten Teil an den tollen Schauspielern, den blutigen Bildern und der auch hier transportierten, eindringlichen Botschaft von der Entmenschlichung im Krieg und des Verheizens von Menschenmaterial. An Lewis Milestones erste Verfilmung reicht die Netflix-Version aber aufgrund des Schlusses nicht heran.

Im Westen nichts Neues startet am 28. Oktober 2022 bei Netflix.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen gibt es hier.

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Die Handlung

Die USA Mitte der 90er Jahre. Die junge Ilonka (Iman Benson) wurde bereits vom Leben gebeutelt und lebt nach harter Kindheit seit Jahren bei einem liebevollen Pflegevater. Da wird bei der jungen Frau Schilddrüsenkrebs diagnostiziert. Zwar nimmt sie den Kampf auf, doch alle Therapien schlagen nicht an. Und so muss sich Ilonka mit dem Gedanken abfinden, dass sie nicht mehr lange zu leben hat. Bei Recherchen im Internet entdeckt sie das Jugendhospiz Brightcliffe, das sich auf Fälle wie den ihren spezialisiert hat. So überredet sie ihren Vater, sie dorthin zu bringen, um ihre letzten Monate unter anderen todkranken Jugendlichen verbringen zu können, die ihre Situation verstehen.

Schnell findet die clevere Ilonka heraus, dass die anderen Patienten wie der an Leukämie erkrankte Kevin (Igby Rigney), Spencer (Chris Sumpter), der an AIDS leidet oder ihre neue Zimmergenossin Anya (Ruth Codd) sich nachts heimlich in der Bibliothek des alten Gemäuers treffen. Dort trinken die Teenager Alkohol und erzählen sich gegenseitig Gruselgeschichten. Außerdem schwören sie dort immer wieder, dass der erste, der stirbt, einen Weg zurückfinden soll, um den anderen Mitgliedern dieses Mitternachtsclubs vom Jenseits zu erzählen. Bald wird Ilonka in die Gruppe aufgenommen, doch ihre Motive sind anders als die der übrigen. Sie hat von einer Patientin gelesen, die vor Jahrzehnten nach seltsamen Vorkommnissen als geheilt entlassen wurde. Das will auch Ilonka schaffen …

Geisterbahn statt Atmosphäre

Ein altes, unheimliches Haus, eine verzweifelte Gemeinschaft und viele Geister der Vergangenheit, die nicht zur Ruhe kommen – Gänsehaut um Mitternacht klingt eigentlich wie eine weitere Staffel Spuk in …, denn die Zutaten sind ähnlich. Allerdings weicht die Vorlage diesmal ab. Während für die Spukstaffeln Klassiker wie die Romane von Henry James und Shirley Jackson adaptiert wurden, dient diesmal der gleichnamige Young Adult-Roman von Christopher Pike als Vorlage. Und das merkt man der Serie deutlich an. Zwar bietet bereits die erste Folge einen angeblichen Weltrekord an Jump Scares. Dennoch ist die Serie bei weitem nicht so erschreckend wie Spuk in Hill House, noch immer Flanagans beste Netflix-Show.

Immer wieder wirken die Szenen, als habe Flanagan seine Autoren und Regisseur gebremst, um nicht zu gruselig zu werden. Und so wirken viele Szenen nicht nur harmloser als frühere Arbeiten, sie werden durch die Menge auch nicht besser. So hallt Gänsehaut um Mitternacht trotz seiner düsteren Vorgaben von todgeweihten Teenagern weit weniger nach, als die dysfunktionale Crain-Familie aus Hill House. Was auch an dem ungewöhnlichen Format der Serie liegt. Denn der Zuschauer bekommt die einzelnen Geschichten, die die Mitglieder nachts erzählen, als eigenen Kurzfilm innerhalb der Serie zu sehen. Die sind gerade zum Start der Serie wenig beeindruckend, kosten dennoch oft mehr als die Hälfte der Zeit einer Folge. Dadurch kommt die Hauptstory um das Geheimnis von Brightcliffe nur sehr schleppend voran.

Zuviele Storys für eine Serie

Flanagan-Kenner wissen zwar, dass man dem Maestro ein wenig Zeit lassen muss, bis seine Stoffe so richtig in Fahrt kommen. Aber diesmal dauert das extrem lange. Erst ab der Hälfte der Staffel wird Gänsehaut um Mitternacht langsam spannend. Und erzählt auch dann erst eine richtig gute Story innerhalb der Club-Geschichten. Selbst danach bleibt das Tempo der Erzählung niedrig, dafür zeigt Flanagan immer wieder die gleichen Geisterszenen. Was auf Dauer fast langweilt, weil der Zuschauer auch in Folge sieben noch nicht mehr über sie weiß als zu Beginn. Der ganz reale Horror der sterbenden Jugendlichen kann die Lücke aber nicht füllen, denn auch dieser Teil des Plots tritt nur selten in Erscheinung, wenn auch ungleich emotionaler als der Rest.

Stark ist hingegen der Cast, den Flanagan für die Serie um sich sammelte. Von den jungen, recht unbekannten Teenager-Darstellern sticht vor allem Ruth Codd als wenig sympathische Anya hervor, die viel aus ihrer Rolle herausholt. Dazu hat der Showrunner mit Zach Gilford und Samantha Sloyan zwei der besten Schauspieler aus Midnight Mass erneut vor die Kamera geholt. Höhepunkt für Genre-Fans ist aber natürlich Heather Langenkamp als Dr. Stanton, Leiterin von Brightcliffe. Seit ihren Auftritten in „Nightmare on Elm Street“ 1 und 3 gehört sie zu den Ikonen des modernen Horrorkinos und absolviert hier einen angemessenen Auftritt in gleich mehreren Rollen. Zu einer guten Serie macht aber auch sie Gänsehaut um Mitternacht nicht.

Denn mit dem Konglomerat aus Anthologie-Serie mit kurzen Horrorstorys, den todkranken Teens, deren Zustand die meiste Zeit aber nur Mittel zum Zweck ist, um die Figuren zusammenzubringen, und der oftmals auf der Stelle tretenden Hauptgeschichte um die bunte Vergangenheit von Brightcliffe, kann Gänsehaut um Mitternacht Flanagans früheren Serien nicht das Wasser reichen, was auch an teilweise erstaunlich schlechten CGI-Effekten liegt. Nun bleibt zu hoffen, dass seine Edgar Allan Poe-Serie „The Fall of the House Usher“ und „Something is Killing the Children“, eine Horror-Comic-Adaption, wieder die Qualität seiner früheren Shows erreichen.

Fazit:

Nicht Fisch, nicht Fleisch! Gänsehaut um Mitternacht bremst seine eigene Story immer wieder durch oft nur wenig überzeugende Kurzgeschichten innerhalb der Serie aus. Und erzählt deutlich zu behäbig von einigen sterbenskranken Teenagern, die einen düsteren Pakt schließen. Die immer wieder gleichen Geister sind auf Dauer ebenso ermüdend wie das Erzähltempo, das nochmal langsamer ist als bei Midnight Mass und im Gegensatz dazu auch keine brillante letzte Folge bietet. Zwar ist die Serie handwerklich (bis auf die CGI-Tricks) immer solide bis gut, aber eine morbide Optik allein macht noch keinen Horror. Hier verzettelt sich Flanagan zu sehr, um mehr als Durchschnitt abzuliefern. Hoffentlich kann sich der 44-jährige mit den kommenden Serien wieder steigern.

Gänsehaut um Mitternacht startet am 7. Oktober 2022 bei Netflix.

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Die Handlung

Die 30er Jahre in Hollywood. Norma Jean ist noch ein kleines Mädchen, muss ich aber bereits mit sehr erwachsenen Problemen herumschlagen. Ihre alleinerziehende Mutter Gladys (Julianne Nicholson) ist emotional sehr instabil und eigentlich nicht in der Lage, ein Kind großzuziehen. Mehrfach kommt die kleine Norma nur knapp mit dem Leben davon, weil ihre Mutter sie töten will, um ihr Leid zu ersparen, bis sie in einem Heim landet. Jahre später ist aus Norma Jean Baker Marilyn Monroe (Ana De Armas) geworden, eine außerordentlich hübsche junge Frau, die viele Männeraugen auf sich zieht, aber oft an ihrer eigenen Unsicherheit scheitert. Gegen sexuelle Übergriffe innerhalb der Traumfabrik kann sie sich ebenfalls nicht zur Wehr setzen, bekommt aber schließlich ihre erste größere Rolle.

Schließlich kann sie durch die Hauptrolle in „Niagara“ endlich erste Lorbeeren sammeln und auch in der Liebe läuft es gut. Mit den Söhnen von Charlie Chaplin (Xavier Samuel) und Edward G. Robinson (Evan Williams) unterhält sie eine Dreierbeziehung, in der sie sehr glücklich ist und sogar schwanger wird. Doch die Studiobosse verbieten ihr bald den öffentlichen Umgang mit den beiden, auch das Kind opfert Norma der Karriere. Und immer mehr verabschiedete sie sich innerlich von ihrem Alter Ego Marilyn Monroe, mit der sie weniger und weniger verbindet. Weil ihr zweiter Gatte, der Baseball-Star Joe DiMaggio (Bobby Cannavale) aber nur Marilyn heiraten wollte, steht die Ehe unter keinem guten Stern …

Ein Film wie eine Collage

Blond ist ein in vielen Aspekten anstrengender Film. Denn er erzählt die Geschichte einer jungen Frau, die bereits in ihrer Kindheit traumatisiert wurde und in einer Art und Weise vom männlichen System Hollywood ausgenutzt und missbraucht wurde, dass es fast erstaunt, dass Marilyn Monroe 36 Jahre wurde – und nicht sch0n früher starb. Andrew Dominiks Drama lässt dabei nur wenig Raum für heitere oder schöne Szenen, sondern reiht ein emotionales Fiasko ans andere. Und das verpackt er in so viele verschiedene Ideen wie irgend möglich. So wechselt der Film dauernd zwischen Schwarz-Weiß und Farbe, ändert die Bildgröße oder nutzt scheinbar unterschiedliches Filmmaterial für verschiedene Optiken.

Dazu arbeitet Dominik auch mit der Kamera wie ein Besessener. Unschärfen, schräge Perspektiven, verfremdete Bilder, ja selbst eine Abtreibung aus dem Blickwinkel von Normas Vagina nutzt er, um ihre fiktive Lebensgeschichte zu erzählen. Ob ihm letzteres in den USA die Einstufung NC-17 bescherte, die sonst nur Pornofilme bekommen oder ob es doch die Sex-Szene mit John F. Kennedy war, darüber lässt sich nur spekulieren. Fakt ist, dass Dominik mit dieser Vielfalt an unterschiedlichen Bildern einerseits fasziniert, anderseits das Publikum aber auch sehr anstrengt. Denn die ständige Unruhe, die Dominik damit erzeugt, ist über 150 Minuten etwas ermüdend.

Männer als Untergang

Diese optische Vielfalt kann auch nicht darüber hinwegtäuschen, dass Blond inhaltlich nur wenig Abwechslung bietet. Denn Dominiks Film zeigt lediglich das Ausnutzen der unschuldigen und naiven, wenn auch keinesfalls dummen Norma Jean durch Männer auf unterschiedliche Arten, während die nur nach der Vaterfigur sucht, die sie nie hatte. Da ist DiMaggio, der nur das Sexsymbol will und krankhaft eifersüchtig ist. Da ist der Intellektuelle Arthur Miller, der die belesene Norma Jean schätzt, mit Marilyn aber nur wenig anfangen kann. Und die zahlreichen Vertreter der Studios, für die Norma als Marilyn funktionieren soll. Wie etwa der mitfühlende Maskenbildner, der Norma Jean an die Drogen und Tabletten gewöhnt.

Und so darf die umwerfende Ana De Armas kaum mehr tun, als mehr mehr, mal weniger zu leiden, zu weinen und zu schreien, bis sie schließlich im Finale anscheinend gnädiger Wahnsinn umfängt und ihrer Existenz ein Ende macht. In manchen Szenen sieht die kubanische Schauspielerin ihrem historischen Vorbild zwar verblüffend ähnlich, aber nahe kommt sie der Figur nicht. Dafür ist Dominiks Drehbuch nach dem Roman von Joyce Carol Oates zu unklar in seinen Bezügen zur Realität. Und so sieht das Publikum einer Norma Jean beim Verzweifeln an ihrer Existenz zu, die womöglich nur wenig mit Marilyns tatsächlichem Leben zu tun hat. Wer also eine Biographie der unsterblichen Schauspielerin erwartet, ist mit Blond an der falschen Adresse.

Statt Fakten packt Dominik lieber Horror in seinen Film. Szenen über verlorene Babys sind ebenso abschreckend wie die Inszenierung von Filmpremieren als Ansammlung sabbernder Männer mit grotesk verzerrten Mündern. An subtilen Kommentaren ist der Regisseur hier nicht interessiert, dafür gibt es eine Breitseite nach der anderen. Das sollte man mögen, wenn man sich Blond ansehen möchte. Unstrittig ist dabei nur die großartige Leistung von Ana De Armas, der ganze Rest ist diskutabel.

Fazit:

Eine furios aufspielende Ana De Armas ist die einzige ungetrübte Attraktion des fiktiven Biopics Blond über das Leben von Marilyn Monroe. Regisseur Andrew Dominik, von dem auch das Drehbuch nach einem Roman von Joyce Carol Oates stammt, tobt sich zwar in Sachen Regie-Einfälle extrem aus, so richtig nachvollziehbar wirken viele seiner Entscheidungen aber nicht. Und so ist der Film in erster Linie die Chronik einer leidenden jungen Frau, die an ihrer Vergangenheit, toxischer Männlichkeit und ihrer Umwelt zerbricht. Dabei richtet sich Dominik nur grob nach den historischen Fakten und erzählt eher von einer dramaturgisch aufbereiteten Marilyn als von der echten Norma Jean Baker. Das wird sicher nicht bei jedem Filmfan gut ankommen.

Blond startet am 28. September 2022 bei Netflix.

Weitere Kritiken zu Filmen bei Netflix gibt es hier.

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