Die Handlung

1947. Der berühmte Meisterdetektiv Hercule Poirot (Kenneth Branagh) hat sich in Venedig zur Ruhe gesetzt, genießt das Leben und lässt die zahlreichen Bittsteller vor seiner Haustür links liegen. Poirot hat mit seinem alten Leben scheinbar abgeschlossen. Doch das ändert sich, als seine alte Freundin, die Bestsellerautorin Ariadne Oliver (Tiny Fey) bei ihm auftaucht und ihn überredet, an einer Seance teilzunehmen und bei dieser Gelegenheit gleich das angebliche Medium Joyce Reynolds (Michelle YeoH9 auffliegen zu lassen. Eingeladen hat die einstmals gefeierte Opernsängerin Rowena Drake (Kelly Reilly), die allerdings seit dem Tod ihrer Tochter Alicia (Rowan Robinson) keinen Ton mehr gesungen hat. Sie will unbedingt Kontakt zum Geist ihrer toten Tochter aufnehmen.

Schon bei der Ankunft wird Poirot von Hausdame Olga (Camille Cottin) darüber in Kenntnis gesetzt, dass es im Palazzo schon seit vielen Jahren spukt. Einst ein Waisenhaus, hatten Ärzte und Nonnen das Haus in schweren Zeiten aufgegeben und die Kinder allein dem Hungertod überlassen. Seitdem sollen in dem Gemäuer schon einige Ärzte und Schwestern zu Tode gekommen sein. Poirot tut dies als Aberglaube ab, muss allerdings einräumen, dass der Palazzo von Rowena Drake eine durchaus morbide Ausstrahlung besitzt. Als die Seance beginnt, ist sich der Meisterdetektiv schnell sicher, die Tricks von Miss Reynolds durchschaut zu haben. Doch wenig später gibt es eine Leiche und der brillante Geist des Hercule Poirot muss beweisen, dass seine kleinen grauen Zellen noch nicht in Rente gegangen sind …

Optisch gelungen

Dem Vorgänger „Tod auf dem Nil“ hatten viele Kritiker vorgeworfen, zu künstlich auszusehen, da weite Teile während der Corona-Zeit im Studio gedreht worden waren. Das wollte Branagh diesmal besser machen – und es ist ihm gelungen. Kameramann Haris Zambarloukos, mit dem Branagh auch die beiden ersten Poirot-Abenteuer umsetzte und der bereits zum neunten Mal mit Branagh als Regisseur arbeitet, fängt Venedig als klassisch-morbide Schönheit ein. Die wundervollen Paläste und Bauten einerseits, die dunklen Kanäle und der stetige Verfall der Stadt andererseits. Zambarloukos gelingt es dabei, sowohl Venedig selbst als auch den Palazzo, in dem fast der gesamte Film spielt, als eigenen Charakter in den Film einzubringen. Optisch liefert Branagh mit A Haunting in Venice voll ab.

Allerdings auch nur optisch. Zwar hält Branagh sein Versprechen, mit dem dritten Film einiges anders zu machen. Und sich mit anderen Genre-Versatzstücken zu umgeben als in den beiden Vorgängern. Allerdings stehen dem belgischen Detektiv die Geisterbahn-Momente des Films nur bedingt. Zwar ist A Haunting in Venice in Teilen durchaus atmosphärisch gelungen. Aber das Wichtigste an einem Whodunnit ist nun einmal die Jagd nach dem Mörder. Und die gestaltet sich hier ähnlich fade wie schon in Tod auf dem Nil. Michael Greens Drehbuch, der ebenfalls zum dritten Mal als Autor dabei ist, schafft es kaum, auch nur ein paar glaubwürdige Verdächtige zu etablieren. Die meisten Figuren, die als Täter in Frage kommen sollen, bleiben erschreckend blass.

Schwache Story

Es wird sicher Gründe haben, warum die Romanvorlage nicht zu den großen Storys der englische Krimi-Königin gezählt wird. Zwar ist das Motiv des Killers letztlich nachvollziehbar, großartige Spannung liefert A Haunting in Venice trotz diverser Geistererscheinungen und Jump Scares aber kaum. Und so plätschert die Spurensuche, nur selten gewürzt mit ein paar trockenen Kommentaren von Tina Feys Charakter, wenig aufregend vor sich hin. Dazu präsentiert die Handlung fast durchgehend völlig nichtssagende und langweilige Figuren, deren Namen man sich kaum merken kann, weil sie so wenig Substanz aufweisen. Bei einigen dieser Charaktere lassen sich auch die Darsteller nicht gänzlich von Schuld freisprechen.

Wobei auch das zu einem guten Teil auf Branaghs Deckel geht. Denn der Regisseur sollte schon eine groben Kurs vorgeben, wie weit der Grad an Realismus oder Übertreibung gehen sollte. Und an diese Vorgabe sollten sich tunlichst alle Mitwirkenden halten. Während aber Tina Fey sich offenkundig sicher war, in einer sarkastischen Krimikomödie mitzuwirken, hatten Kelly Reilly und Jamie Dornan sich eindeutig in einem leicht kitschigen Melodram verortet – und so spielen sie dann auch. Die größte Schwäche aber bleibt der Fall. Poirot Aufklärung ist fadenscheinig, die Zufälle wie so oft bei Agatha Christie deutlich überstrapaziert. Das ist es gut, dass es zumindest Spaß macht, Branagh als Poirot spielen zu sehen. Er trifft erneut den richtigen Ton aus mitunter recht grobem Verhalten und ausgesuchter Höflichkeit, wenn es ihm hilft.

Und trägt so weitgehend allein den Film gerade noch akzeptabel über die Ziellinie. Doch trotz erlesener Bilder werden sich nicht wenige Krimifans im Kino wünschen, Branagh hätte sich doch eine bekannteren – und besseren – Fall für seinen dritten Film ausgesucht. Denn die Geisterbahn wirkt nie überzeugend und der Charme Venedigs ist bald aufgebraucht. Uneingeschränkt können sich bei A Haunting in Venice nur die Setdesigner den Lorbeer an die Brust heften. Die liefern zum dritten Mal sehenswert ab. Branagh hatte bereits vor Kinostart kundgetan, im Falle eines Erfolgs weitere Poirot-Verfilmungen angehen zu wollen. Diese Hoffnung wird er wohl begraben müssen. Dass der seltsam schlaff wirkende Film genug Gewinn für einen vierten Teil macht, ist nur schwer vorstellbar.

Fazit:

A Haunting in Venice, Kennath Branaghs dritter Fall als Hercule Poirot geht mit viel gutem Willen gerade noch so als solide durch. Mehr ist hier aber beim besten Willen nicht zu holen. Außer Branagh selbst fällt keiner der Schauspieler positiv auf. Die Story ist die bislang mit Abstand schwächste, der Roman ist offenbar nicht grundlos eher unbekannt. Zwar zaubert Kameramann Hareis Zambarloukos erneut schöne und morbide Bilder, passend zum Drehort, auf die Leinwand. Und auch die Sets sind wieder ein Traum aus Detailverliebhteit und coolem Design. Aber das Rückgrat des Films – eine spannende Krimi-Geschichte – hängt hier leider arg durch. Christie-Fans, die die beiden ersten mochten, werden wohl auch hier halbwegs ordentlich unterhalten, aber ein großer Wurf sieht definitiv anders aus.

A Haunting in Venice startet am 14. September 2023 in den deutschen Kinos.

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Sowie zuletzt bei „Peter Pan und Wendy“ hagelte es auch an der Realverfilmung vom Disney Klassiker „Arielle, die Meerjungfrau“ schon Kritik, lange bevor der Film auf der Leinwand zu sehen war. Angefangen mit der Besetzung von Halle Bailey, einer schwarzen Frau, als Arielle, bis hin zum Animationsstil der beliebten Sidekicks Fabius und Sebastian hatten die Fans etwas auszusetzen. Disney selber hatte eine größere Nähe zum Märchen von Hans Christian Andersen angekündigt. Auch das traf nicht auf breite Zustimmung im Lager der Fans des alten Zeichentrickfilms. Ist die Sorge der Fans um die Zerstörung ihres Kindheitsfilms berechtigt? Das klärt die Kritik.

Die Handlung

Die abenteuerlustige Arielle, König Tritons jüngste Tochter, ist neugierig auf die Menschenwelt. Sie sammelt alle möglichen Gegenstände, die von Schiffen oder durch Strömungen den Weg zu ihr nach unten finden. Und schwimmt, zusammen mit ihrem Freund Fabius, sogar in gefährliche verbotene Gewässer, um Dinge aus Schiffswracks zu bergen und so der Menschenwelt näher kommen zu können. Doch ihr Vater hat den Kontakt mit Menschen nach dem Tod seiner Frau verboten, was regelmäßig zu Streit zwischen ihm und Arielle führt. Er weist sogar seinen engsten Vertrauten, die Krabbe Sebastian an, seine Tochter zu überwachen.

Aber Arielles Neugierde ist einfach zu groß. Als eines Tages ein Sturm aufkommt schwimmt sie an die Wasseroberfläche und beobachtet, wie das Schiff von Prinz Eric untergeht. Dieser geht zu spät von Bord, um seinen Hund zu retten. Und schafft es nicht mehr auf eines der Rettungsboote. Arielle ist beeindruckt von seiner Selbstlosigkeit, rettet ihn, und verliebt sich in ihn. Als ihr Vater von ihrem Ausflug an die Oberfläche erfährt ist er außer sich vor Wut. Er verbietet ihr, jemals wieder das Riff zu verlassen, was Arielle in tiefe Trauer stürzt. In ihrer Verzweiflung lässt sie sich auf einen Deal mit der Seehexe Ursula, König Tritons Schwester, ein. Die ihr im Tausch für ihre Stimme erlaubt, für drei Tage ein Mensch zu sein. Schafft sie es in diesen drei Tagen nicht, einen Kuss der wahren Liebe mit Prinz Erik zu teilen, so wird sie wieder zur Meerjungfrau und gehört Ursula. Und so macht sie sich auf, das Herz des Prinzen zu gewinnen …

Alles neu?

Ganz klar Nein. Der Film bleibt in seiner Handlung sehr nah an seinem Vorbild von 1989. Die bekannten Lieder sind, im Arrangement fast unverändert, alle an ihrem Platz und die wenigen neuen Stücke sind in Text und Musik passend. Man hört zwar eindeutig, dass diese aus der Feder von Disneys neuen Haus- und Hofkomponisten Lin Manuel Miranda stammen, doch das ist alles andere als negativ. Besonders das neue Stück für Prinz Eric, der im Original kein eigenes Lied bekommen hatte, ist mitreißend und einfach gelungen.

Die Unterwasserwelt sieht, wie der Begriff Realverfilmung schon erahnen lässt, an manchen Stellen nicht ganz so bunt und unecht aus wie in der animierten Vorlage. Hier und da, zum Beispiel wenn Sebastian „Unter dem Meer“ zum besten gibt, lässt es sich Regisseur Rob Marshall nicht nehmen, die fantasievolle Märchenwelt in voller Pracht erstrahlen zu lassen. Warum er das den allseits bekannten Figuren Fabius und Sebastian nicht gönnt, erschließt sich nicht ganz. Wirklich problematisch ist ihr neuer realistischer Look für den Film aber auch nicht.

Stark gespielt – und gesprochen

Das einzige wirklich Neue an diesem Film ist Halle Bailey als Arielle. Und sie macht einen tollen Job. Von purer Verzweiflung über große Freude bis hin zur wahren Liebe: sie spielt alle Emotionen auf den Punkt. Und das über eine recht lange Strecke des Films, ohne auch nur ein Wort zu sprechen, ist das doch die Bedingung, überhaupt an Land gehen zu können. Über ihre fantastischen Gesangsfähigkeiten braucht man gar nicht zu reden. Melissa McCarthy hingegen setzt auf Altbewährtes. Sie hält sich mit ihrer Interpretation der bösen Hexe Ursula genau ans Vorbild. Das wirkt an manchen Stellen fast etwas übertrieben, ist im Gesamtbild aber passend und bietet einen schönen Kontrast zum ruhigen und zurückhaltend agierenden Javier Bardem als König Triton.

Daveed Diggs, Jacob Trembley und Awkwafina hauchen nicht nur den Sidekicks Sebastian, Fabius und Scuttle Leben und viel Humor ein, sondern sorgen den ganzen Film über für die Pointen. Und auch Jonah Hauer-King als Prinz Erik spielt einen sympathischen, heldenhaften und gefühlvollen jungen Mann, in den sich sicherlich viele junge Mädchen vergucken werden. Ob die deutschen Stimmen da mithalten können, muss letztlich ein Besuch im Kino zeigen. Wer die Chance hat, das Original zu sehen, macht in jedem Fall aber angesichts der Stardichte nichts falsch.

Fazit:

Wer Angst vor der Zerstörung des Lieblingsfilms aus Kindheitstagen hatte, kann unbesorgt ins Kino gehen. Die Neuauflage von Arielle, die Meerjungfrau ist genau das: eine Neuauflage, die versucht die neuen Möglichkeiten des Filmemachens zu nutzen, um mit einer großen Verneigung etwas Gutes noch besser zu machen. Auch wenn 10 Minuten weniger nicht geschadet hätten, ist es ein wunderschöner Film für die ganze Familie geworden. An manchen Stellen sehr spannend, teilweise sogar etwas gruselig ist er definitiv auch für größere Kinder noch interessant und die Erwachsenen können sich ein Stück Kindheit zurückholen.

Arielle, die Meerjungfrau startet am 25. Mai 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Viele Jahre sind vergangen, seit die Helden um Willow (Warwick Davis), Madmartigan und Sorsha (Joanne Whalley) die böse Königin Bavmorda besiegten und die künftige Herrscherin Elora, damals noch ein Baby, vor dem Tod retten konnten. Inzwischen ist Sorsha Königin und hat zwei Kinder mit dem seit Jahren verschollenen Madmartigan: die tapfere Kit (Ruby Cruz) und den Weiberhelden Airk (Dempsey Bryk). Als Kit um des Staates willen Graydon (Tony Revolori) heiraten soll, den Prinzen des Nachbarreiches, will sie fliehen. Denn sie vertreibt sich die Zeit viel lieber mit ihrer besten Freundin Jade (Erin Kellyman, „The Falcon and the Winter Solider“), die als erste Frau Ritter des Reiches werden will.

Doch die Nacht, in der Kit eigentlich fliehen will, verändert alles. Denn die Burg führt von dunklen magischen Kreaturen attackiert. Und Airk vor den Augen von Mutter und Schwester entführt. Um ihren Bruder zu retten, stellt Kit eine Gruppe zusammen, zu der sich der Krieger Boorman (Amar Chadha-Patel), Jade und Graydon gesellen. Sorsha besteht darauf, dass sich Kit auch die Hilfe von Willow holt, dem größten noch lebenden Magier, so dass ihr erstes Reiseziel feststeht. Was keiner weiß: Auch die Küchenmagd Dove (Ellie Bamber), die sich unsterblich in Airk verliebt hat, schließt sich heimlich der Gruppe an. Und verfolgt die kleine Schar, um den Prinzen zu retten. Als die Helden endlich auf Willow treffen, erleben sie jedoch eine faustdicke Überraschung …

Empfehlung: Vorher den Film sehen!

Gleich vorweg: Ja, man sollte den Originalfilm kennen, um die Serie zu verstehen. Zwar erklärt sich die Handlung weitgehend von selbst. Aber viele Details, Anspielungen und Wiedersehen entfalten ihre Wirkung nur dann so richtig, wenn der Anfang der Story bekannt ist. Und dann fallen auch die großen Unterschiede zwischen den beiden gleichnamigen Stoffen auf. Der Film war ein klassischer Fantasyfilm mit ein wenig Humor und aus heutiger Sicht mäßigen Effekten. Die Serie erzählt im Prinzip die Geschichte nach vielen Jahren weiter, entwickelt sich aber zügig vom reinen Fantasy-Stoff hin zur für die Zeit so typischen Teenager-Coming-of-Age-Herzschmerz-Dramedy. Das wird garantiert nicht jedem gefallen, der sich als Fan des Films nun die Serie ansieht.

Obwohl die Serie sicher ein größeres Budget hatte, erinnert Willow ein wenig an die vor einigen Jahren gestartete Serie „The Shannara Chronicles„, die inhaltlich natürlich Parallelen aufweist, immerhin ist auch sie klassische High-Fantasy, aber eben auch ein Liebesdreieck und viel Teenie-Gezicke einbaute. Zudem erzählen beide Serien die Reise von Station zu Station recht ähnlich. Und lassen zum Ausklang einer Folge gern einen Cliffhanger da. Willow kann hier eindeutig mit dem höheren Produktionsaufwand punkten, ist in Sachen Drehbücher aber nicht wirklich besser. Weil auch die Figuren, bei allen durchaus spürbaren Bemühungen der Autoren, trotzdem weitgehend Klischees bleiben und kaum aus ihren vorgefertigten Rollen ausbrechen können.

Klischees, die sich nicht zu ernst nehmen

Da ist die rebellische Prinzessin, die junge Kriegerin, der gar nicht so fähige Magier, der Bandit mit dem goldenen Herzen und vieles mehr, was man in solchen Serien eben schon häufig gesehen hat. Das Rad erfindet Willow wahrlich nicht neu. Dass die Serie aber trotz der angesprochenen Kritikpunkte Spaß macht, liegt an Details. So stimmt die Chemie in der Gruppe, hier spielen die Schauspieler wirklich mit- und nicht gegeneinander. Dazu bauten die Autoren immer wieder nette Anspielungen auf den Kinofilm ein. Und sie brechen unerwartet immer wieder vorher aufgebaute Klischees, wenn auch nicht bei den Hauptfiguren, und verbreiten auch regelmäßig einen schönen Humor, der die Serie auflockert, bevor es zu ernst oder getragen werden kann.

So bringt Willow für Fantasy-Fans viele Ähnlichkeiten mit Dungeons & Dragons mit und erinnert auch ein wenig an die großartige Trickfilm-Serie „Ex Machina“, wenngleich sie Disney-typisch stets oberhalb der Gürtellinie bleibt. Aber das Gefühl, wenn man als Teil einer Heldengruppe ein dunkles Verlies betritt und mit allem rechnen muss, das haben die Macher um Showrunner Jonathan Kasdan, Sohn von Lawrence Kasdan („Das Imperium schlägt zurück“), sehr gut eingefangen. Und das bringt auch den meisten Spaß in einer inhaltlich eher konservativen Serie. Die zwar durchaus im Details hübsche Ideen mitbringt, aber letztlich in sehr ausgetretenen Pfaden wandelt.

Vergleiche mit anderen großen Fantasy-Serien wie „Die Ringe der Macht“ oder „Game of Thrones“ verbieten sich, denn beides will Willow gar nicht sein. Und wer solche K0st erwartet, dürfte von dem locker-leichten Ton auch nicht abgeholt werden. Die acht Folgen der ersten Staffel, von denen Disney sieben vorab zur Verfügung stellte, wollen vor allem eins: eine junge, vorwiegend weibliche Zielgruppe ansprechen und die gut unterhalten. Ältere Fans des Films freuen sich über das eine oder andere Wiedersehen. Auch wenn Val Kilmer aufgrund seiner Erkrankung nicht dabei sein konnte. Und wer Fantasy mag, kann sich zumindest auf eine überdurchschnittliche Serie freuen, die ordentlich getrickst und gespielt ist.

Fazit:

Der ganz große Wurf ist Willow 34 Jahre nach dem gleichnamigen Kinofilm leider nicht geworden. Dafür stellen die Autoren die jugendlichen neuen Helden zu sehr in den Vordergrund. Und bauen Liebesdramen ein, die es so sicher nicht gebraucht hätte – schon gar nicht in der klassischen High-Fantasy-Serie. Aber der mitunter unerwartet bissige Humor entschädigt ebenso wie das tolle Zusammenspiel der Schauspieler, die wirken wie eine verschworene Dungeons & Dragons-Gruppe. Obwohl sich die Serie klar an ein junges Publikum richtet, kommen die älteren Fans des Films durch kluge Platzierungen von bekannten Orten und Figuren auf ihre Kosten. Für lange Winterabende ist Willow jedenfalls gut geeignet, solange man die Ansprüche nicht zu hoch hängt.

Willow startet am 30. November 2022 bei Disney+ mit zwei Folgen, danach folgt wöchentlich eine weitere.

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Die Handlung

Kraglin (Sean Gunn) erzählt den anderen Mitgliedern des Teams, wie Peter Quill (Chris Pratt) als Junge versucht hat, auf Yondus Schiff den Erd-Brauch von Weihnachten einzuführen. Und wie furios Yondu (Michael Rooker) diesen Plan zurückwies und von solchen Feierlichkeiten auf seinem Ravager-Schiff nichts wissen wollte. Er zertrat den kleinen Weihnachtsbaum und war die Geschenke weg. Die anderen Guardians sind entsetzt ob solcher Grausamkeit und überlegen sich einen Plan, um den wegen Gamoras Tod noch immer untröstlichen Peter ein wenig aufzumuntern. Mantis (Pom Klementieff) und Drax (Dave Bautista) beschließen, einen Trip auf die Erde zu unternehmen, um Peter ein ganz besonderes Geschenk für Weihnachten zu besorgen.

Allerdings verläuft der Ausflug auf Peters Heimatwelt für die beiden Guardians ganz anders, als sie sich das vorgestellt hatten. Denn das Geschenk, das sie sich für ihren Anführer ausgesucht haben, möchte auf keinen Fall verschenkt werden und wehrt sich mit Händen und Füßen gegen die Verschleppung ins Weltall …

Weihnachten im All?

Was bitte ist ein Special? Wer bislang noch nichts davon gehört hat, hat bereits eins verpasst: Werewolf By Night, das im Oktober erschien. Unter einem Special versteht Disney+ eine etwa 45 Minuten lange Geschichte, also einen längeren Kurzfilm oder einen sehr kurzen Spielfilm, wie man will. Dieses den Guardians gewidmete Special beschäftigt sich darüber hinaus noch thematisch mit Weihnachten. Dieses ungewöhnliche Format wurde von James Gunn geschrieben und inszeniert, der auch schon beide Guardians-Filme umsetzte.

Gunn hat in seiner Karriere schon vieles gemacht. Dafür bekannt, großartig Kompromisse einzugehen, ist der mittlerweile 56-jährige aber nicht. In der Regel setzte der Regisseur seine Vision eines Films um, mal mit Erfolg, mal ohne. Und so muss man nach Ansicht von The Guardians of the Galaxy Holiday Special auf die Idee kommen, dass Gunn ein großer Fan eines traditionellen Weihnachtsfestes ist. Denn bei aller Komik, die wie immer bei Gunn mitunter dicht am Albernen vorbeischrammt – oder mit voller Wucht über die Grenze schießt – vermittelt das Special die Botschaft des Fests der Liebe und der Familie mit allem, was dazugehört.

Schön schräg, schön rührselig

Natürlich ist ein Weihnachtsfest bei den Guardians aber vor allem eins: ziemlich witzig. Denn was Drax und Mantis bei ihrem Besuch auf der Erde erleben, wie sie versuchen, sich ans dortige Leben anzupassen und ihr Geschenk für Peter zu finden, bietet etliche großartige Szenen. Allerdings nutzt Gunn hier die bereits etablierten Figuren so, wie Fans sie kennen. Drax ist der grobe Klotz, Mantis das leicht überdrehte Gegenstück. Und das spielen beide mittlerweile im Schlaf. Eigentlicher Star des Specials ist aber Kevin Bacon. Warum er mitspielt und in welcher Rolle er zu sehen ist, soll hier nicht verraten werden. Aber der Hollywood-Veteran darf hier so richtig zeigen, was alles in ihm steckt. Denn Bacon kann nicht nur ausgezeichnet Comedy, sondern ist auch ein passabler Sänger.

Auch wenn sich Gunn immer wieder durch seine Helden ein wenig über Weihnachten lustig macht, so ist The Guardians of the Galaxy Holiday Special im Kern dennoch ein Kurzfilm, der die Feiertage feuert – mit allem, was dazu gehört. Natürlich liegt es in der Natur der Sache, dass Gunn dabei alles an Weihnachtsbeleuchtung, Schnee, Geschenken und Kitsch in sein Special packt, das er finden konnte. Trotzdem findet er einen erstaunlich rührenden Weg, zwischen den Gags und Songs auch viel Emotion in seine 45 Minuten zu bringen. Neben viel guter Laune ist das Special so auch ein idealer Start als emotionale Vorbereitung für die Adventszeit.

Warum Gunn allerdings ankündigte, dass The Guardians of the Galaxy Holiday Special auch schon einiges über den dritten Film verraten würde, bleibt sein Geheimnis. Denn die aktuelle Besetzung des Teams ist ebenso wenig eine Überraschung wie der Ort, an dem das Special spielt – und Teil drei möglicherweise beginnt. Wer also nur einschaltet, weil er sich wichtige Hinweise auf künftige Ereignisse im MCU erhofft, wird möglicherweise enttäuscht.

Fazit:

Mit The Guardians of the Galaxy Holiday Special erzählt Regisseur und Autor James Gunn kein neues Abenteuer aus unendlichen Weiten. Sondern er lässt seine gebeutelten Helden auch ein wenig zur Ruhe kommen. Dennoch setzt er wieder auf viel Humor, was gerade dem in manchen Momenten fast rührseligen Plot deutlich zugute kommt. Zudem sorgen auch seine perfekt aufeinander eingespielten Schauspieler dafür, dass Weihnachten im All nicht zu sentimental ausfällt. Schließlich kann man sich auf eine unpassende Bemerkung von Rocket immer verlassen. Nur wer auf tiefe Einblicke auf den nächsten Film im Mai gehofft hat, dürfte vielleicht enttäuscht sein. Fans der bunten Superhelden-Truppe bekommen hier aber sowohl ganz viel Guardians als auch eine ordentliche Portion Weihnachtseinstimmung.

The Guardians of the Galaxy Holiday Special startet am 25. November 2022 bei Disney+.

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Die Handlung

Es gibt Menschen, die schon lange von der Existenz von Monstern wissen und die dunklen Kreaturen jagen. Einige davon haben vor Jahrhunderten schon einen Bund gegründet, dessen Anführer stets mit der Macht des Blutsteins ausgerüstet war. Nun hat der aktuelle Führer dieses Bundes, ein Mann namens Ulysses Bloodstone, das Zeitliche gesegnet und ein neues Oberhaupt des exklusiven Ordens muss gefunden werden. Deshalb hat Ulysses‘ Witwe Verusa (Harriet Sansom Harris) die größten und erfolgreichsten Monsterjäger der Welt zu einem geheimen Treffen eingeladen. Dort soll sich entscheiden, welcher der furchtlosen Kämpfer zum neuen Träger des Blutsteins wird und die Welt vor den Kreaturen aus den Schatten beschützen wird.

Eine Kandidatin ist Verusa allerdings ein Dorn im Auge. Nach Jahrzehnten ohne Kontakt ist Ulysses‘ Tochter Elsa Bloodstone (Laura Donnelly, „The Nevers„) aufgetaucht und erhebt Anspruch auf den Stein. Und auch der merkwürdig nervös wirkende Jack Russell (Gael Garcia Bernal) scheint nicht ganz der Typ zu sein, der den Orden der Monsterjäger in den kommenden Jahren anführen könnte. Doch ausgerechnet Russell hat Losglück und darf als erster in das Labyrinth, in dem ein tödliches Monster herumstreicht, das besiegt werden muss. Kann er seine Chance nutzen? Oder fällt er den anderen Jägern zum Opfer, die es ebenfalls auf die Macht des Blutsteins abgesehen haben?

Hommage an die Anfänge des Horrors

Mit rund 45 Minuten ist das Special zwar ein wenig länger als eine typische Marvel-Serienfolge bei Disney+, aber dennoch nicht einmal in der Nähe eines Spielfilms. Und daher fühlt sich Werewolf By Night auch nicht wie einer an. Das merkwürdige Format, das Marvel später im Jahr wiederholen wird (ein Guardians-Weihnachts-Special mit direktem Bezug auf den dritten Kinofilm), passt aber richtig gut zu der auch recht kurzen Story. Und die scheint auf den ersten Blick so gar nicht ins MCU zu gehören. Denn der bekannte Filmkomponist Michael Giacchino (Oscar für „Up“) hat hier nicht nur die Musik beigetragen, sondern auch erstmals Regie geführt. Und das tut er als Hommage an die Schwarz-Weiß-Horrorfilme der Universal Studios in den 30er Jahren.

Wie einst bei „Frankenstein“ oder „The Wolfman“ huschen hier die Protagonisten durch nebelverhangene Sets, werfen auch harmlose Dinge gefährliche Schatten und fängt die Kamera schreckensverzerrte Gesichter so groß wie möglich ein, bis nur noch die Augen im Bild bleiben – weit aufgerissen und voller Angst. Giacchino beweist in seinem Debüt eine erstaunliche Meisterschaft für diese Art Filme und legt ein paar für Marvel-Verhältnisse recht drastische Effekte oben drauf. Wichtig ist aber immer die Relation: für eine Marvelproduktion! Als traditioneller Horrorfilm bleibt Werewolf By Night weitgehend harmlos, auch wenn das Special eine Freigabe ab 16 Jahren bekam.

Starkes Casting

Auch die Besetzung ist gelungen. Gael Garcia Bernal spielt die Titelfigur mit einer schönen, aber nicht zu übertriebenen komödiantischen Note, wie auch das ganze Special immer wieder von Humor durchzogen ist, ohne zur reinen Komödie zu werden. Und Laura Donnelly wiederholt ihre Rolle aus The Nevers als coole und knallharte Kämpferin, die erst im Angesicht des Monsters erstmals Angst zeigt. Auch die verschiedenen Jäger glänzen mit einigen schrägen und witzigen Momenten. Und Harriet Sansom Harris zeigt dem Publikum, wie lustig Overacting sein kann, wenn man es richtig macht. Dass dann noch ein echtes Marvel-Monster auftaucht, das hier aber nicht genannt werden soll, rundet das Special ähnlich gut ab wie viele handgemachte Effekte.

Spannend dürfte allerdings die Tatsache werden, dass Marvel-Mastermind Kevin Feige das Special als wichtigen Baustein für die Zukunft des MCU bezeichnet, denn die Bezüge darauf sind hier doch sehr dünn. Offenbar planen die kreativen Köpfe nicht nur Blade als horroraffinen Helden, sondern weitere Ausflüge in den dunkelsten Bereich der Marvel-Comics. In Anbetracht der langsam ausgelutschten klassischen Superhelden-Filme- und Serien ist das sicher nicht die schlechteste Idee. Ob das dann auch eine Freigabe ab 16 Jahren bedeuten wird, bleibt abzuwarten. Für Horrorfans, die es gern etwas blutiger mögen, wäre das wohl eine gute Nachricht und Werewolf By Night deutet bereits an, dass es für Disney kein Tabu mehr ist.

Fazit:

Werewolf By Night ist eine ebenso humorige wie spannende Hommage an die frühen Jahre des Gruselkinos mit den klassischen Universal-Monster-Filmen. Mit coolen Schwarz-Weiß-Look, schrägen Figuren und einer kurzen, aber überzeugenden Story gelingt es Regisseur Michael Giacchino in seinem Debüt, eine angenehm düstere Stimmung zu erzeugen und echte Horrorfans aufgrund der ganzen Nostalgie regelmäßig ein Lächeln aufs Gesicht zu zaubern. Dass dieses Special allerdings eine größere Rolle für die Zukunft des MCu darstellen soll, ist aber bei aller Qualität noch schwer vorstellbar. Hier müssen sich Fans der Marvelfilme wohl einfach überraschen lassen. Sollte Marvel tatsächlich mehr in Richtung Horror planen, ist Werewolf By Night jedenfalls ein schöner Anfang.

Werewolf By Night startet am 7. Oktober 2022 bei Disney+.

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Thunderbolts: Wer fehlt?

Außerdem wird Julia Louis-Dreyfus ihre Rolle als Valentina Allegra de Fontaine wieder aufnehmen. Ob sie als Anführerin des Teams agieren wird oder nicht, ist bislang unklar. Damit scheint klar zu sein, dass Daniel Brühl alias Baron Helmut Zemo nicht als Teil der Thunderbolts zurückkehren wird. Sein Charakter hatte in der Comicvorlage die Gruppe gegründet. Während in der Originalstory Zemo das Verschwinden vieler Helden nutzt, um ein Team aus Superschurken als neue Helden aufzubauen, um später die Maske fallen zu lassen und seine finsteren Pläne umzusetzen, wird zum Film kolportiert, er solle eher eine Art Marvel-Version von „The Suicide Squad“ werden. Auch Tim Roth, der als Abomination kürzlich in „She-Hulk“ zu sehen war, wurde als Teammitglied gehandelt. Das scheint nicht zu stimmen.

Mit Jake Schreier und Eric Pearson stehen Regisseur und Drehbuchautor bereits fest, Drehstart dürfte Mitte 2023 sein. Pearson ist eine erfahrener Marvel-Autor, der bereits „Agent Carter“, „Thor: Tag der Entscheidung“ und „Black Widow“ schrieb, für Schreier ist es die erste Arbeit für Marvel. Ob das Team tatsächlich als eine Art Anti-Avengers fungieren oder doch auf Seiten des Guten kämpfen wird, ist noch völlig unklar. News dazu dürfte es auch erst 2024 geben.

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Die Handlung

Italien im späten 19. Jahrhundert. Der alte Tischler und Uhrenmacher Geppetto (Tom Hanks) schnitzt eine Marionette, die ihn an seinen vor vielen Jahren verstorbenen Sohn erinnert. Weil er Pinienholz dafür verwendet hat, tauft er die Puppe auf den Namen Pinocchio. Was Gepetto nicht weiß: Er hat einen kleinen Beobachter. Die Grille Jimini (im Original gesprochen von Joseph Gordon-Levitt) hat sich vor dem Regen in Geppetto Haus in Sicherheit gebracht und sieht dem Meister nun bei der Arbeit zu. Bevor der alte Mann sich ins Bett legt, sieht er eine Sternschnuppe am Himmel und wünscht sich etwas. Als Geppetto eingeschlafen ist, taucht in seiner Werkstatt die Blaue Fee (Cynthia Erivo) auf, die seinen Wunsch erfüllt. Ihr Zauber erweckt Pinocchio zum Leben.

Doch noch ist er weiterhin eine Holzpuppe. Die Fee erklärt ihm, dass er tapfer und selbstlos sein müsse, um sich die Umwandlung in einen richtigen Jungen zu verdienen – und Pinocchio will das unbedingt schaffen. Um ihm zu helfen, stellt ihm die Fee die kleine Grille als Gewissen zur Seite und verlässt ihn dann. Als Geppetto am nächsten Morgen aufwacht, ist die Freude groß – doch sie währt nicht lang. Denn als der alte Tischler seine Schöpfung in die Schule schickt, läuft Pinocchio zwei üblen Kerlen über den Weg, die ihn zu einer Karriere im Showgeschäft überreden wollen. Es gelingt ihnen, Pinocchio vom rechten Weg abzubringen – mit üblen Folgen für den kleinen, hölzernen Jungen …

Hommage ans Original

Carlo Collodis Geschichte von 1883 gilt zwar immer noch als Klassiker der Literatur, ist aber dennoch als Geschichte für Kinder weitgehend in Vergessenheit geraten. Auch weil die Story mit ihren düsteren, manchmal fast grausamen Momenten, nicht mehr so recht in die heutige Zeit passt. Dennoch hat sich Disney entschlossen, das Original von 1940 ohne große Veränderungen 2022 neu aufzulegen. Und das Ergebnis ist dementsprechend. Für ganz kleine Zuschauer ist der Film, angefüllt mit bösartigen Charakteren, schwarzer Magie und Monstern, sicherlich nicht sonderlich gut geeignet. Stattdessen präsentiert Robert Zemeckis einen Film, der vor allem Disney-Historie ausatmet.

So hat der Regisseur einige der bekannten Songs aus dem Original in seinen Film übernommen, unter anderen „When you wish upon a Star“, die Melodie, mit der jeder Disney-Film beginnt. Und in einer sehr schönen Szene, in der alle Kuckucksuhren in Geppettos Laden schlagen, zeigt Zemeckis eine Art Best of des Disney-Films. Hier sind Figuren wie Woody aus „Toy Story“, Roger Rabbit, Donald Duck und viele andere bekannte Charaktere zu sehen. Mehr Verbeugung vor seinem Auftraggeber kann man sich eigentlich kaum vorstellen. Dazu holt er mit Luke Evans als singendem Schurken einen Darsteller, der bereits als fieser Gaston in Die Schöne und das Biest überzeugte. Und verärgert die woke-Wächter mit einer schwarzen Fee und einer neuen Figur namens Fabiana, die ebenfalls von einer Afro-Amerikanerin gespielt wird.

Klassisch und modern – das passt nicht immer

Hier treffen sich also Historie und Moderne im neuen Pinocchio, der auch tricktechnisch natürlich auf der Höhe der Zeit ist. Die Computeranimationen sind hochwertig. Und Zemeckis gilt mittlerweile fast als Großmeister von Filmen mit einer Mischung aus echten Schauspielern und CGI-Figuren. Daher verwundert es Kenner kaum, wie virtuos der Regisseur diesen Mix auch in seinem neuesten Film umsetzt. Ein weiterer moderner Zusatz im Film sind neue Songs von Alan Silvestri und Glen Ballard, denen man ihre Frische auch deutlich anmerkt. Die Mischung aus alter Story und moderner Erzählweise ist zwar ambitioniert, funktioniert aber nicht durchgehend gut. Denn die Diskrepanz zwischen den sehr düsteren Momenten und der manchmal zuckersüßen Inszenierung passt nicht immer zusammen.

Dabei könnte der Unterschied zwischen Tom Hanks, der seinen Geppetto anlegt, als sei 1940, und Keegan-Michael Key, der seine Sprechrolle des animierten Fuchses Honest John sehr modern interpretiert, durchaus spannend sein, hätte Zemeckis daraus etwas gemacht. Aber die meiste Zeit des Films laufen klassischer und moderner Ansatz weitgehend berührungsfrei nebeneinander her und kumulieren nie zu einer Einheit. Der Clash der Zeiten bleibt aus. Und das führt zu einem wenig homogenen Film, der oftmals nicht zu wissen scheint, wen er nun eigentlich ansprechen will.

Vermutlich ist Pinocchio daher auch eher ein Film für Eltern, die selbst mit den Disney-Klassikern groß wurden, als für ihre Kinder, denen je nach Alter die Story entweder zu unheimlich oder zu altmodisch erscheinen dürfte. Und natürlich für alle Fans des Konzerns, der sich mit Pinocchio einmal mehr vor sich selbst verbeugt und augenzwinkernd einige seiner größten Erfolge bejubelt. Aufgrund der technischen Perfektion und der mehr als gelungenen Gesangseinlagen von Cynthia Erivo und Luke Evans lohnt sich Pinocchio in jedem Fall. Dennoch vermittelt der Film den Eindruck, er hätte mit ein wenig mehr Mut noch deutlich besser werden können.

Fazit:

Mit Pinocchio gelingt Regie-Altmeister Robert Zemeckis ein weiterer Film, der technisch durch die Mischung aus echten Schauspielern und animierten Figuren glänzt. Inhaltlich tut sich Zemeckis hingegen deutlich schwerer. Einerseits bleibt er dicht an der Originalversion von 1940, was die Geschichte angeht. Andererseits modernisiert er die Musik und einige Szenen deutlich – das passt aber nicht immer wirklich zusammen. Wirklich feiern hingegen können beinharte Disney-Fans, die nicht nur einen Klassiker im neuen Gewand erleben, sondern auch jede Menge versteckte Anspielungen auf andere Erfolge von Disney suchen können – der Film ist voll davon. Technisch stark, inhaltlich wechselhaft und erzählerisch nicht aus einem Guss: Pinocchio ist ein ordentlicher Film, der besser hätte werden können.

Pinocchio startet a, 8. September 2022 bei Disney+.

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Die Handlung

Jennifer Walters (Tatjana Maslany) ist Anwältin – und die Cousine von Bruce Banner (Marc Ruffalo). Zwar sieht sie ihren Verwandten nur selten, schließlich ist er als Professor Hulk häufig in Sachen Weltenrettung unterwegs, aber wenn sich die Gelegenheit ergibt, etwas Zeit mit Bruce zu verbringen, dann nutzt sie ihre Chance. Doch das aktuelle Treffen wird für Jen zu ihrem Schicksal. Denn bei einem Autounfall bekommt sie ein wenig Blut des Hulk in eine eigene Wunde – und verwandelt sich sofort selbst in eine grünhäutige Kreatur. Allerdings bleibt Jen stets sie selbst, entwickelt keine weitere Persönlichkeit, wie das bei ihrem Cousin der Fall war.

Die Versuche von Bruce, seiner Verwandten zu helfen, mit den neuen Kräften umzugehen, schlagen hingegen weitgehend fehl. Denn Jen kommt mit der Superkraft erstaunlich schnell und gut zurecht und braucht Bruces Hilfe gar nicht. Dafür kann sie ihren Cousin mit einer Entscheidung überraschen. Denn Jen denkt gar nicht daran, eine Superheldin zu werden, sondern möchte viel lieber in ihrem Job als Anwältin weiterarbeiten. Sie muss allerdings bald feststellen, dass sich ihre Superkraft gar nicht so einfach mit einer Karriere im Dienst der Justiz vereinbaren lässt. Glück für Sie: auch Superschurken brauchen einen Anwalt – und dafür ist Jen nach ihrer Verwandlung wie geschaffen …

Superhelden plus Sitcom – das geht!

Marvel und Sitcom – kann das funktionieren? Nach Ansicht der ersten vier Folgen, die Disney vorab zur Verfügung stellte, lässt sich sagen: ja! Chefautorin und Showrunnerin Jessica Gao findet nicht nur schnell einen Weg, die Figuren zu etablieren, sondern auch einen guten Zugang zum Humor des Plots. Aufgebaut wie eine klassische Comedy-Serie und gespickt mit vielen Anspielungen auf das MCU, ist She-Hulk nicht nur äußerst temporeich inszeniert, sondern besonders für Marvel-Kenner auch sehr unterhaltsam. Denn mit Stargästen wie Wong (Benedict Wong), Emil Blonsky alias Abomination (Tim Roth) und einem angekündigten Mitwirken von Charlie Cox als Daredevil/Matt Murdock haben die Macher beachtliche Starpower des MCU aufgeboten.

Doch allein schon die Präsenz von Mark Ruffalo in den ersten Folgen sorgt dafür, dass sich She-Hulk – die Anwältin tief ins bereits bekannte Marvel-Universum eingräbt. Ganz nebenbei ist der Schauspieler auch ein guter Komödiant, der mit gutem Timing und passender Mimik seine Gags perfekt setzt. Und problemlos die Lacher auf seine Kosten hinnimmt. Eindeutiger und logischer Star der Serie ist aber Tatjana Maslany. Ihr gelingt das Kunststück, dass sie sowohl als Jennifer Walters wie auch als She-Hulk witzig ist und beide Rollen ohne Probleme verkörpern kann. Was noch wichtiger ist: Die Übergänge zwischen Jennifer und She-Hulk sind derart fließend, dass der Zuschauer kaum einen Unterschied merkt, obwohl die Optik sich komplett ändert. Das ist beeindruckend.

Gute Optik, guter Humor

Über die Technik, die im ersten Trailer noch heftig attackiert wurde, lässt sich sagen: Wer mit Avengers Endgame in Sachen CGI zufrieden war, der wird auch She-Hulk mögen. Denn große Unterschiede in der Qualität der animierten Figuren sind nicht zu sehen. Sowohl Abomination als auch der Hulk lassen den Schauspieler dahinter erkennen. Das gilt ebenso für Tatjana Maslany, deren Mimik auch in Grün jederzeit erkennbar ist. Sie hält die Serie jederzeit auf Kurs und wirkt mit einigen ernsten Momenten auch den Szenen entgegen, die hin und wieder ein wenig zu albern geraten sind. Schön, dass She-Hulk – die Anwältin sich traut, auch solche Szenen zu zeigen, die nicht unbedingt lustig sind.

So findet Jen beispielsweise über eine Dating-App einen interessanten Mann, der sich allerdings als großer Fan von She-Hulk entpuppt, mit deren Alter Ego Jennifer Walters hingegen so gar nichts anfangen kann. Dass dieser Moment so überraschend kommt und dennoch ausgezeichnet in die Episode passt, macht den Reiz der neuen Marvel-Serie aus. Es dürften sich zwar auch hier wieder genug vorwiegend männliche Nörgler finden, denen She Hulk – die Anwältin deutlich zu frauenlastig ist. Wer aber einfach nur seinen Spaß mit einer wirklich witzigen Variation einer Superheldin haben will, den sollte das eigentlich nicht stören, solange die Gags sitzen. Und das tun sie.

Wenn es etwas zu kritisieren gibt, liegt das auf einer Geschmacksebene, denn was der eine lustig findet, mag der andere vielleicht gar nicht. Und so muss jeder Zuschauer für sich checken, ob der Humor der Serie zum eigenen passt oder nicht. Etwas objektiver betrachtet, gibt es an She-Hulk wenig zu kritisieren. Die Storys sind gut und zeigen gekonnt ihre Wurzeln im MCU, die Dialoge sind geschliffen und witzig, die Atmosphäre der Serie jederzeit humorvoll.

Fazit:

Mit She-Hulk – die Anwältin hat das Marvel Studio um Boss Kevin Feiger erneut eine Serie auf den Markt gebracht, die keiner vorherigen ähnelt. Obwohl die Wurzeln klar in der Sitcom liegen, würzt die MCU-Zugehörigkeit das Ganze sehr und sorgt für Lacher, die eben nur im Superhelden-Universum funktionieren. Tatjana Maslany ist eine perfekte Besetzung für die Rolle, weil sie mühelos beide Aspekte beherrscht und für jede Seite ihrer Persönlichkeit den richtigen Ton trifft. Und die zahlreichen Stargäste wie Mark Ruffalo, Benedict Wong oder Tim Roth sorgen für den letzten Kick in einer ohnehin bereits gut geschrieben Serie. Marvel-Fans werden hier sehr glücklich, für den Rest ist die Serie aufgrund der starken Verankerung im MCU wohl weniger witzig.

She-Hulk – die Anwältin startet am 18. August 2022 bei Disney+.

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Die Kritik zu Staffel 1 gibt es hier.

Die Handlung

Charles (Steve Martin), Oliver (Martin Short) und Mabel (Selene Gomez) landen auf der Polizeiwache. Die Tatsache, dass Mabel blutverschmiert über dem toten Körper von Bunny, der Präsidentin des Eigentümervereins, gebeugt gefunden wurde, lässt die junge Frau als wahrscheinlichen Mörder erscheinen. Und die beiden Männer werden für Komplizen gehalten. Doch nach ihrer Freilassung mangels Beweisen geschieht Wundersames. Alle drei erhalten unabhängig voneinander verlockende Job-Angebote. Charles soll in der Neuauflage seiner alten Krimi-Serie mitwirken, Oliver winkt eine Serien-Adaption ihres Podcasts und Mabel wird für eine Galerie zur spannenden Künstlerin. Der Haken: Sie müssen zuerst ihre Unschuld beweisen.

Ohne den anderen von ihren Angeboten zu erzählen, rauft sich das Trio erneut zusammen, um den Mörder von Bunny zu finden. Doch das ist gar nicht so einfach, denn die mürrische alte Dame hatte viele Feinde im Haus. Und sogar noch eine lebende Mutter (Shirley MacLaine), wie sich auf der Trauerfeier herausstellt. Während Mabel mit Galeristin Alice (Cara Delevingne) in engeren Kontakt kommt, Sucht Charles Hilfe bei der kriminellsten Person, die er kennt: seiner Ex-Freundin Jan (Amy Ryan), der Mörderin der ersten Staffel. Von ihr erhofft er sich Einsichten in den kranken Geist des Killers. Hilfe kommt jedoch von gänzlich unerwarteter Seite …

Alles wie gehabt

Die kurze Pause zwischen den beide Staffeln deutet es schon an. Machart, Inhalt und Humor von Only Murders in the Building Staffel 2 unterscheiden sich nur marginal vom Vorgänger. Weiterhin lebt die Serie von ihren skurrilen Figuren und den auf den Punkt geschriebenen One-Linern. In jeder Szene merkt man den auch privat eng befreundeten Starts Steve Martin und Martin Short den Spaß an, den sie an ihren Wortgefechten haben. In Staffel 2 wirkt Selena Gomez stärker als Teil des Teams als noch in der ersten Runde. Mittlerweile scheint sie den Humor der beiden Altstars assimiliert zu haben, denn auch ihre Pointen sitzen perfekt. Vor allem sprachlich haben die Autoren hier einen außergewöhnlichen Job gemacht.

Denn sie haben die individuellen Stärken der einzelnen Schauspieler häufig brillant in Szene gesetzt. Steve Martin ist immer dann am besten, wenn er den sympathischen Verlierer spielt, der seine Niederlage mit einem schmalen, schmerzhaften Lächeln hinnimmt. Short ist besonders stark, wenn er sich zwischen seinen Zeilen, die er in schnellen Tempo herunterrattert, melancholisch verlieren kann. Und Selena Gomez überzeugt als stets kontrolliert wirkende und doch hochemotionale junge Frau ohne echtes Ziel. Wann immer die Autoren eine dieser drei Fähigkeiten in einer Szene gut einsetzen, ist auch der Zuschauer gefesselt. Und Only Murders in the Building Staffel 2 ist deshalb auch noch etwas stärker als die erste Season.

Humor und Krimi gehen gut zusammen

Denn die Vorstellung der Figuren, die die erste Staffel in den ersten drei Folgen noch etwas ausbremste, gibt es diesmal nicht. Und so kommt die zweite Staffel deutlich schneller auf Betriebstemperatur. Schon die Verhörszenen zu Beginn sind gelungen und auch später geht die Staffel in Sachen Humor kaum einmal vom Gas. Dabei dominieren wie vorher eher die leisen Gags mit Nachhall als echte Schenkelklopfer. Auch wenn es mitunter etwas flapsig wird, so ist es doch meist die feine Klinge des Humors, die hier von Martin, Short und Gomez geschwungen wird. Selbst wenn es durch einen sprechenden Vogel sprachlich auch mal etwas derber werden sollte.

Zudem schaffen es die Autoren auch, in jeder Folge den Fall wirklich weiterzuentwickeln. Sei es in einem Rückblick auf Bunnys letzten Tag oder durch neue Fakten, die sich geschickt in der Vergangenheit eines der Hauptcharaktere manifestieren. Wie in einem guten Krimi kommen und gehen die Tatverdächtigen, dennoch wirken die Wendungen und Twists nie als Mittel zum Zweck oder aufgesetzt, sondern fügen sich harmonisch in die Geschichte ein. Die Kirsche auf der Torte bilden dann die Gaststars wie Hollywood-Legende Shirley MacLaine, Amy Shumer oder Cara Delevingne. So funktioniert das Gesamtpaket, eigentlich eindeutig eher an ein reiferes Publikum adressiert, auch ganz ausgezeichnet bei Teens und Twens, wenn man zahlreichen Kommentaren glauben darf.

Fazit:

Mit Only Murders in the Building Staffel 2 schließt die Serie nahtlos dort an, wo sie mit Staffel 1 endete. Der Charme der drei Hauptdarsteller Steve Martin, Martin Short und Selena Gomez funktioniert auch in den neuen Folgen sehr gut, die Chemie im Trio stimmt nach wie vor. Zudem haben die Autoren, diesmal ohne Martin, erneut einen guten Job gemacht und erzählen eine ebenso interessante wie witzige Mörderjagd, die tatsächlich in jeder Folge neue Spuren offenbart und oftmals die Richtung wechselt. Wer die erste Staffel mochte, kann auch hier bedenkenlos einschalten und wird seinen Spaß haben. Auf diesem Niveau darf im Arconia gern noch ein dritter Mord geschehen – mindestens!

Only Murder in the Building Staffel 2 startet am 28. Juni 2022 mit zwei Folgen und einer weiteren immer dienstags auf Disney+.

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Die Handlung

Steven Grant (Oscar Isaac) arbeitet im ägyptischen Museum in London als Verkäufer und ist damit total überqualifiziert. Denn der schüchterne Mann ist ein ausgewiesener Experte in den Mythen des alten Ägyptens. Zurzeit plagen Steven aber andere Sorgen als die Geringschätzung im Job. Der Junggeselle leidet unter Schlafstörungen und Filmrissen. Immer wieder erwacht Steven an Orten, die er vorher noch nie gesehen hat und hat dann keine Ahnung, wie er dorthin gelangt sein könnte. Mittlerweile hat er sich deshalb schon eine Schlafstätte zusammengebaut, die mit Fußfessel und Spuren-Detektor ausgerüstet ist. Doch auch diese Maßnahmen lösen sein Problem nicht. So erwacht er eines Morgens mitten in der Natur irgendwo im bergigen Süd-Deutschland und hat keinen Schimmer, wie das passiert ist.

Der erste Kontakt mit anderen Menschen ist feindlich, zwei Männer eröffnen sofort das Feuer auf ihn. Seine Flucht führt ihn in ein nahegelegenes Dorf, wo er den charismatischen Arthur Harrow (Ethan Hawke) kennenlernt, offenbar eine Art Sektenführer im Namen einer alten ägyptischen Göttin. Als der aber vor seinen Augen einen Mord begeht und dann noch ein Schmuckstück von ihm fordert, von dem er nichts weiß, tritt Steven lieber die Flucht an. Und stellt fest, dass er erneut Mini-Aussetzer hat und er danach aus einer brenzligen Situation befreit ist. Bald wird ihm offenbar, dass er in seinem Körper nicht allein ist. Ein Mann namens Marc Spector meldet sich im Spiegelbild und behauptet, Stevens Körper gehöre eigentlich ihm und er sei der Avatar eines ägyptischen Gottes …

Düster und gruselig

Mit Moon Knight betritt Marvel auf Disney+ gleich in mehrfacher Hinsicht Neuland. Denn er ist nicht nur komplett neu im MCU, während die Serien bisher bereits kampferprobte Superhelden besetzte. Sondern sie ist mit ihrer düsteren, mitunter fast horrorartig anmutenden Atmosphäre auch eine neue Facette im Angebot der Marvel-Helden. Denn derart dunkle Momente wie in dieser Serie hat Marvel bislang selten gezeigt – und bei Disney+ noch gar nicht, lässt man die Horrorserie „Helstrom“, die nicht offiziell zum MCU zählt, einmal außen vor. Das hat gleich mehrere Gründe. Oscar Isaac spielt die zwei Persönlichkeiten (oder sind es mehr?) der Figur sehr stark und zeigt vor allem die Angst des unbedarften Steven Grant sehr beeindruckend.

Dazu kommen mit den alten ägyptischen Göttern, die nicht gerade zimperlich im Umgang mit Menschenleben waren und einem entsprechenden Kult weitere Aspekte hinzu, die für eher gedrückter Stimmung sorgen. Wer also bislang vor allem deshalb Fan von Marvel war, weil wirklich unheimliche Szenen dort nicht stattfanden, wird mit Moon Knight die erste große Enttäuschung erleben. Mythische Monster und Mumien, Untote und andere unerfreuliche Gestalten bevölkern diese Serie. Das ist in etwa vergleichbar mit dem Film „Die Mumie“ von 1999, der zwar auch witzige Elemente aufweist, aber als Abenteuerfilm auch recht gruselige Momente beinhaltet. Das Ansehen der Serie mit jüngeren Kindern, bislang kaum ein Problem bei Marvel-Serien, geht hier jedenfalls nicht mehr ohne weiteres.

Stark gespielt

Schauspielerisch hingegen bleibt bei Marvel auch hier alles beim Alten. Oscar Isaac ist wie bereits erwähnt sehr stark in der Rolle des Mannes mit mehreren Persönlichkeiten, der auch die Superheldenauftritte meistert. Ethan Hawke verleiht dem sinistren Kultanführer einen nach außen harmlosen Anstrich, überzeugt aber als fanatischer Gläubiger jederzeit. Und die starke Frauenrolle füllt die ägyptisch-palästinensische Schauspielerin May Calamawy mit sehr viel Charisma und Präsenz aus. Als Frau aus Marc Spectors Vergangenheit wird sie schnell zum echten Partner für Moon Knight. Die drei Regisseure der Serie, Mohamed Diab, Justin Benson und Aaron Moorhead setzen dieses Trio besonders in den gemeinsamen Auftritten vor der Kamera packend in Szene.

Wie auch die Action. Zwar tritt der Superheld in den ersten vier Folgen nicht übermäßig oft in Erscheinung, aber wenn, dann lässt es Marvel in typischer Manier auch krachen. Zwar dürfen die Fans hier nicht das ganz große Spektakel erwarten, wie es regelmäßig im Kino zu sehen ist. Aber was die Macher der Moon Knight-Serie bieten, kann sich gut sehen lassen. Und die computergenerierten Effekte sehen besser aus als in so manchem aktuellen Kinofilm. Besonders bei den Kostümen haben sich die Designer einiges einfallen lassen, um dem strahlend weißen Comic-Outfit ein würdiges TV-Pendant entgegenzusetzen.

Abseits vom Superhelden-Inhalt lohnt sich Moon Knight sonst vor allem für Fans von Buddy-Movies mit viel verbalem Geplänkel. Denn zwischen Steven Grant und Marc Spector entwickeln sich im Lauf der Story wunderbar witzig, gallige Dialoge. So gehören diese Streitereien um die Oberhoheit im gemeinsamen Körper auch zu den humorvollsten Momenten in Moon Knight.

Fazit:

Moon Knight ist eine mutige Marvel-Serie, die in Sachen Düsternis und Gruselfaktor im Vergleich zum bisherigen Kanon deutlich zulegt. Und deshalb auch garantiert nicht jedem gefallen wird. Das gilt definitiv nicht für die drei Hauptdarsteller, die einen starke Performance zeigen. Insbesondere Oscar Isaac sorgt mit seinem Spiel immer wieder für humoristische Silberstreifen im ansonsten dunklen Bild. Und die Tricks und Actionszenen können sich wie immer bei Marvel ebenfalls sehen lassen. Wer als fan auf neue Impulse gehofft hat, wird mit Moon Knight sicher etwas anfangen können. Wer sich die nächste Serie im Stil der meisten Filme gewünscht hat, könnte enttäuscht sein.

Moon Knight startet am 30. März 2022 bei Disney+.

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