Die Handlung

Eine kleine schwedische Gemeinde hat es geschafft, genug Interessenten für ein Einkaufszentrum zu finden, um es zu bauen. Morgen soll der erste Spatenstich sein und der Gemeindeangestellte Jonas (Adam Lundgreen), der das Projekt mit aller Macht durchgedrückt hat, soll dabei Hand anlegen. Vorher will die kleine Gruppe der Gemeindeangestellten aber noch auf einem Seminar ihren Zusammenhalt stärken. Zwar ist nicht jeder davon begeistert, aber die Chefin Ingela (Maria Sid) hat sich mit der Idee durchgesetzt. Wieder mit dabei ist nach längerer Krankheit wegen Überarbeitung auch Lina (Katia Winter), die mit Jonas nicht das beste Verhältnis hat.

Bei der Besprechung des kommenden Tages bemerkt Lina tatsächlich Ungereimtheiten in den Unterlagen. Es finden sich Verträge darunter, die ihre Unterschrift tragen, die sie aber nicht unterschrieben hat. Oder doch? Immerhin hatte sie ja nervliche Probleme. Während also die Team-Building-Maßnahmen weitergehen, kommt die kleine Crew des Veranstaltungsorts mitten im Wald langsam in Schwierigkeiten. Denn Koch Karl (Jimmy Lindström) ist seit einiger Zeit verschwunden, weil er eine neue Gasflasche zum Kochen besorgen will. und auch ein weiterer Mitarbeiter ist nicht aufzufinden. Was noch niemand vor Ort weiß: Ein geheimnisvoller Killer ist in der Nähe und scheint vorzuhaben, niemanden am Leben zu lassen …

Im Norden nichts Neues

Mats Strandbergs Story hat weniger mit Jason und Michael zu tun als man meint. Stattdessen standen eher Filme wie Hitchcocks „Psycho“ oder der erste „Freitag, der 13.“ Pate für Konferensen. Denn übernatürliche Phänomene wie Unverwundbarkeit sucht man hier vergeblich. Hier ist ein sehr irdischer Killer unterwegs, dessen Identität lange ein Geheimnis bleibt. Denn die klassische Maske darf natürlich nicht fehlen. Ebenso wenig wie eine ordentliche Portion Blut. Zwar ist Konferensen sicher kein zweiter „Terrifier“, aber komplett harmlos ist die Darstellung von Gewalt auch nicht. Netflix vergab eine Freigabe ab 18. Dennoch ist der Film kein reines Blutbad, in dem wahllos Teenager abgeschlachtet werden. Strandberg will um die Morde eine Geschichte erzählen.

Und das tut auch der Film. Allerdings sollte man hier keine tiefgründigen Gedanken wie in „Das Schweigen der Lämmer“ oder ähnliches erwarten. Strandberg streut mehrere Motive aus, um eine möglichst große Zahl an Verdächtigen zu haben. Regisseur Eklund kassiert allerdings schon in den ersten 20 Minuten die meisten davon wieder ein, sodass eine wirklich große Spannung um das Gesicht unter der Maske gar nicht erst aufkommt. Es läuft schnell auf zwei mögliche Täter hinaus. Und obwohl der Film den Mörder nicht wirklich genau zeigt, ahnt das Publikum doch recht genau, um wen es sich dabei handelt. In Sachen Slasher ist Konferensen letztlich ein Genre-typischer Film von der Stange.

Immerhin: Archetypen mit Herz

Ein wenig mehr Mühe gibt sich das Drehbuch hingegen bei den Protagonisten. Zwar sind auch die Konstellationen innerhalb der Gruppe nichts Neues und erinnern nicht nur einmal an „Severance“ von Christopher Smith, aber zumindest sind die Archetypen mit guten Dialogen bestückt und auch ansprechend gespielt. Ob die feige Eva, der alte Torbjörn, der eigentlich nur an Alkohol und Essen interessiert ist oder die umweltbewusste Anette, die wegen ihrer Sorge um den Planeten immer wieder zum Ziel von Spott wird. Die Charaktere geben tatsächlich, mal mehr, mal weniger flach, dem Publikum einen Grund, über ihren Tod entweder erfreut oder traurig zu sein. Mehr, als viele andere Slasher der letzten Jahre geschafft haben.

Dennoch bleibt Konferensen ein typischer Vertreter seiner Zunft, der in keinen Moment auch nur versucht, etwas wirklich Neues zu erzählen oder auch nur eine interessante Variante des mordenden Maskenträgers zu etablieren. Eine neue Maske, dazu die betont menschliche Charakterisierung des Killers on Form von Ausrutschern oder der Fähigkeit zu bluten, wie etwa in „Scream„. Und ein Dutzend potenzieller Opfer, von denen dem Publikum vor allem die frühen abtretenden relativ egal sind – mangels Zeit zur Charakterisierung. Möglicherweise ist das Slasher-Genre inzwischen dort angekommen, wie sich Exorzismus-Filme schon länger befinden: Neue Ideen gibt es nicht mehr. Wem es aber genügt, wenn Menschen möglichst blutig mit diversen Klingen und anderen Werkzeugen ermordet werden, wird hier fündig.

Fazit:

Strandberg mag ein aufstrebender Horrorautor sein, die Verfilmung seines neuesten Werks beweist das nicht. Denn Konferensen ist ein Slasher von der Stange. Durchaus blutig, wenn auch nicht in der Oberliga der Brutalitäten angesiedelt. Ordentliche Schauspieler, aber keine sonderlich stark ausgearbeiteten Figuren, stattdessen Archetypen. Und ein Story, die zwar zunächst eine große Anzahl möglicher Killer anbietet, aber auch schnell wieder die meisten Angebote zurückzieht und sich auf lediglich zwei Optionen fokussiert. Das ist handwerklich in Ordnung, leidlich spannend und dürfte alle unterhalten, denen die gefühlte 25. Version eines Maskenkillers genügt, um Spaß zu haben. Wer nach frischen Ideen sucht, wird hier allerdings nichts finden.

Konferensen startet am 13. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Das Familien-Imperium von Roderick Usher (Bruce Greenwood) und seiner Schwester Madeline (Mary McDonnell) liegt in Trümmern. Alle sechs Kinder Rodericks sind innerhalb weniger Tage gestorben. Und das mitten in einem Gerichtsprozess, den Rodericks Intimfeind Auguste Dupin (Carl Lumbly) nach jahrelanger Vorbereitung nun endlich auf den Weg gebracht hat. Der Familienanwalt Arthur Gordon Pym (Mark Hamill) versucht zwar alles, um die Verhandlung auszuhebeln. Doch Roderick scheint kein Interesse mehr daran zu haben, aus der Sache als Sieger hervorzugehen. Er bestellt Dupin für den Abend an eine bestimmte Adresse mit dem Versprechen, dem Gesetzesdiener alles zu erzählen, was er wissen will.

Als Dupin später am Abend zur angegebenen Adresse fährt, staunt er nicht schlecht. Es ist das seit Jahren leerstehende Geburtshaus von Roderick und Madeline. Der Gastgeber empfängt ihn mit teurem Cognac und einigen Geschichten, die Dupin kaum glauben kann. Denn obwohl die Todesursache bei allem Kindern Rodericks klar festgestellt wurde, besteht der darauf, dass er seinen Nachwuchs allesamt auf dem Gewissen hat. Die Dinge, die Roderick ihm erzählt, lassen dann schließlich sogar den erfahrenen Staatsanwalt erzittern. In allen spielt eine geheimnisvolle Frau namens Verna (Carla Gugino) eine wichtige Rolle. Und so erfährt Dupin die wahre Geschichte des Untergangs des Hauses Usher …

Großartige Modernisierung von Poes Werk

Mit „Spuk in Hill House“ lieferte Mike Flanagan sein erste Serie für Netflix ab. Der Untergang des Hauses Usher ist nun voraussichtlich seine letzte. Der 45-jährige hat einen langfristigen Vertrag mit Amazon Prime Video abgeschlossen. Ob es daran lag, dass Netflix seine Serie „Midnight Club“ nach einer Staffel absetzte, was Flanagan angeblich sehr geärgert hat, oder ob es andere Gründe gab, bleibt Spekulation. Wichtiger ist auch ,dass er sich auf ebenso hohem Niveau von Netflix verabschiedet, wie er in Sachen Serien dort begann. Denn vor allem für Fans von Edgar Allan Poe ist Flanagans Adaption eine Offenbarung. Denn alles zeugt von Respekt und Liebe an den Autor sowie einer genauen Auseinandersetzung Flanagans mit dem Original-Material.

Jede der acht Folgen, bis auf die erste, trägt den Titel eines berühmten Werkes von Poe wie Morde in der Rue Morgue, die schwarze Katze oder Das Verräterische Herz. Und die Kernthemen dieser Kurzgeschichten spielen in den entsprechenden Episoden dann auch wichtige Rollen. So wird in Das verräterische Herz Schuld und Wahnsinn zum wichtigen Faktor. Auch wenn sie die Episoden letztlich nur wenige Minuten mit der titelgebenden Storyline beschäftigt und in weiten Teilen die Hauptgeschichte weitererzählt. Doch Flanagan nutzt die Vorgaben der Storys klug, um seine eigenen Interpretationen zu schaffen. Und Poes beeindruckendes Werk für eine neue Generation gründlich zu entstauben. Lovecraft ist mittlerweile wieder ein Liebling vieler junger Horrorfans – Poe hätte das Gleiche verdient.

Optisch und schauspielerisch oberste Liga

Es ist also sicher so, dass Poe-Kenner an dieser Serie noch mehr Spaß haben werden als Neulinge in der Welt des dunklen Poeten. Aber auch völlig ohne Vorkenntnisse ist Der Untergang des Hauses Usher ein Genuss. Und das liegt an vielen Faktoren. Da ist das Bild. Was die Serie optisch auf den Bildschirm bringt, ist von einer morbiden Schönheit, die ihresgleichen sucht. Wenn sich Dupin und Usher in den harten Schatten eines Kaminfeuers gegenübersitzen, dann ist das in scharfem 4k einfach grandios anzusehen. Auch die Sets wie die diversen Designer-Wohnungen der Usher-Kinder oder die Party in Episode 2 sind optische Leckerbissen. Doch den Schrecken mit Leben erfüllen, das erledigen die großartigen Schauspieler.

Hier greift Flanagan fast ausschließlich auf Darsteller zurück, mit denen er bereits gearbeitet. Die Hauptrolle geht dabei an Bruce Greenwood („Das Spiel„), der nach dem Rauswurf von Frank Langella die Rolle des Roderick Usher übernahm. Und eine grandiose Darbietung zeigt. Auch Carla Gugino, Stammgast in Flanagans Serien und Filmen, spielt die geheimnisvolle Verna, die mit dem Todesfällen zu tun zu haben schient, mit großer Präsenz und einer derart eiskalten Aura, dass einem beim Zusehen fröstelt. Letztlich lässt sich aber kaum jemand herausheben, so gut sind sie alle. Und doch wird kaum jemand mit einem davon mitfiebern. Denn Flanagan schreibt seine Protagonisten ganz in Poe-Tradition derart fies und abstoßend, dass man wenig Mitleid verspürt. Obwohl einige davon es verdient hätten.

Die acht Folgen greifen nicht nur perfekt ineinander und lüften erst zum Schluss die ganzen Geheimnisse rund um den Tod von Rodericks Kindern. Sie sind auch immer wieder ziemlich unheimlich. Weitgehend ohne Jump-Scares, nur mit der stetig bedrohlicher werdenden Atmosphäre, erwächst so ein ebenso dunkles wie faszinierendes Bild einer Familie, die für Macht über Leichen geht und dafür den Preis zahlt. Mike Flanagan ist mit dieser Serie auf der bisherigen Höhe seines Könnens. Man kann sich wirklich nur auf seine nächsten Projekte, die Verfilmung der Stephen King-Novelle „Life of Chuck“ und danach die Umsetzung von Kings Opus Magnum „The Dark Tower“ freuen. Großes Kino für den Bildschirm!

Fazit:

Der Untergang des Hauses Usher ist nicht nur Flanagans letzte Netflix-Serie, sondern gemeinsam mit seiner ersten auch die beste. Eine großartige Grundidee, tolle Drehbücher, herausragende Schauspieler und eine permanent wachsende Spannung adelt die Serie zum Horror-Glanzlicht 2023 bei Netflix. Die Art, wie Flanagan Edgar Allan Poes berühmte Geschichten in einen neuen Kontext webt und dennoch die wichtigsten Grundzüge der Storys beibehält, ist brillant. Die Serie ist sicher für Poe-Fans noch besser als für andere, weil die die zahlreichen Anspielungen und Verweise erkennen („Das Fass Amontillado“, „Annabelle Lee“ und viele mehr). Aber auch Poe-unkundige Horrorfans sollten hier voll auf ihre Kosten kommen.

Der Untergang des Hauses Usher startet am 12. Oktober 2023 bei Netflix.

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Die Handlung

Es ist das Jahr 1969 in dem verschlafenen Nest Ludlow, Maine. Der junge Jud Crandall (Jackson White) und seine Freundin Norma (Natalia Alyn Lind) haben große Pläne. Sobald wie möglich wollen sie das Nest verlassen und ins Friedenscorps eintreten, etwas von der Welt sehen und ihre Liebe genießen. Doch es kommt anders. Jud hört davon, dass sein Kumpel Timmy angeblich aus dem Vietnamkrieg zurück ist und nun wieder bei seinem Vater Bill (David Duchovny) lebt. Ein Besuch auf der Baterman-Farm endet in einem schrecklichen Vorfall, der Jud daran hindert, Ludlow zu verlassen. Auch Juds Freund Manny (Forrest Goodluck), einst gemeinsam mit ihm und Timmy ein unzertrennliches Trio, erlebt mit seinem alten Kumpel Unheimliches.

Während Jud von seinem Vater Dan (Henry Thomas) Antworten einfordert, da der offenbar über geheimes Wissen verfügt, gerät die Lage im Dorf immer mehr außer Kontrolle. Denn Timmy ist nicht einfach nur verändert, er scheint einem inneren Plan zu folgen, der immer weitere Kreise zieht und zahlreiche Menschen mit hineinzieht. Schließlich erfährt Jud Dinge über seine Heimat, die er sich in seinen dunkelsten Alpträumen nicht hätte ausmalen können. Aber es scheint, als kämen diese Offenbarungen zu spät, um noch etwas retten zu können …

Nur ein Kapitel des Romans

Die bisherigen Verfilmungen waren qualitativ zwar durchaus unterschiedlich, dem Buch gerecht wurde bislang aber keine. Das mag daran liegen, dass in Kings Roman gar nicht viel an Handlung passiert, große Teile des Buches handeln von inneren Konflikten und Entscheidungsprozessen, die sich in aller Regel nicht so einfach auf die Leinwand bringen lassen. Der letztlich eher durchschnittliche erste Film von Regisseurin mary Lambert hat da noch die Nase vorn, Fortsetzung und Remake machten nichts besser. Und nun versucht sich Drehbuchautorin und Regie-Debütantin Lindsey Anderson Beer an der Vorgeschichte, die den alten Jud als jungen Mann ins Zentrum stellt. In vielen Bereichen wiederholt sie aber die Fehler ihrer Vorgänger.

Für King-Fans vielleicht am wichtigsten: Pet Semetary Bloodlines widerspricht dem Inhalt des Buches an einigen Stellen. In Sachen Todesopfer legt Beers Version gegenüber dem Roman deutlich zu. Und verändert auch die Ereignisse, wie King sie den alten Jud beschrieben lässt. Daneben erweitert Beer aber auch den Background von Kings Roman und fügt einiges an Lore hinzu, das man mögen kann oder nicht, in jedem Fall dem Film aber guttut. So gibt es einen noch tieferen Blick in die Vergangenheit zu den Ursprüngen der bösen Magie. Und auch Ludlow erscheint im Film plötzlich nicht mehr komplett als verschlafenes Nest, sondern als Ort, in dem manchen mehr wissen als andere.

Gesunde Härte

Auch in Sachen Blut dürften die meisten Horrorfans zufrieden sein. Pet Semetary Bloodlines ist sicher kein Splatterfest, hat aber ein paar Gewaltspitzen, die der Film dann auch konsequent zeigt. Auch hier unterscheidet sich die Filmhandlung vom Roman. Die dort erzählte Story hätte aber auch ehrlicherweise höchstens für einen Kurzfilm genügt. Noch wichtiger als das: Die Schauspieler sind durchgehend ordentlich und besser und sorgen so relativ schnell dafür, dass sich das Publikum mit den Protagonisten identifizieren kann. Auch wenn beim Helden klar sein dürfte, dass er nicht ernsthaft in Gefahr geraten kann, ohne die Vorlage komplett ad absurdum zu führen, gibt es genug andere Symapthieträger, um die man mittzittern kann.

Zum Beispiel Natalie Alyn Lind als Juds Freundin Norma, die zum Spielball der dunklen Mächte wird, die über Ludlow hereinbrechen. Oder auch Mannys Schwester Donna (Isabella Star LaBlanc), die ebenfalls in den Fokus des Bösen gerät. In Momenten, in denen Beer ihre eigenen Ideen umsetzt, hat der Film seine stärksten Szenen. So richtig überzeugend sind aber die Veteranen, die in Pet Semetary Bloodlines vor der Kamera stehen. David Duchovny als verzweifelter Vater, der seinen toten Sohn in der unheiligen Erde des Micmac-Begräbnisplatzes verscharrt, ist dabei sonders zu erwähnen. Sein innerer Kampf zwischen Verweigerung und Akzeptanz dessen, was er getan hat, gehört zu den besten Leistungen im Film.

Dass auch Henry Thomas, der durch seine regelmäßigen Auftritte in Mike Flanagans Arbeiten immer mehr zur Horror-Ikone wird, ist ebenfalls stark. Und Pam Grier als wehrhafte Postbotin ist die Sahne auf der Torte für Kinofreunde. Macht das alles Pet Semetary Bloodlines zu einem guten Film? Nicht wirklich. Aber zu einem zumindest soliden Horror-Abenteuer, das sich hinter vielen Verfilmungen von Kings Werken – oder davon inspirierten Fortsetzungen oder Prequels – nicht verstecken muss. Als weitere Werbung für eine erneute Rückkehr nach Ludlow taugt der Film aber nicht. Bloodlines erzählt genug Vorgeschichte, um es damit auch gut sein zu lassen.

Fazit:

Ein Meisterwerk hat wohl niemand erwartet, der zum ersten Mal von Pet Semetary Bloodlines gehört hat. Aber eine derartige Totalkatastrophe, die man eigentlich erwarten müsste, wenn man die US-Kritiken liest, ist der Film wahrlich auch nicht. Das liegt zum einen an einigen zumindest originellen Ideen, die Regisseurin und Drehbuchautorin Lindsey Anderson Beer entwickelte. Außerdem am durchweg guten Cast, der seinen Job immer zumindest ordentlich erledigt, mit einigen Ausreißern nach oben wie David Duchovny oder Natalie Alyn Lind. So kann der Film trotz einiger unnötiger Abweichungen von Kings Originalmaterial als solider und gar nicht so unblutiger Horrorfilm bestehen.

Pet Semetary Bloodlines startet am 7. Oktober 2023 bei Paramount+.

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Die Kritik zu Staffel 1 findest du hier.

Die Kritik zu Staffel 2 ist hier.

Die Handlung

Mittlerweile ist Geralt (Henry Cavill) und Yennefer (Anya Chalotra) klar: Ciri (Freya Allen) ist fast überall in großer Gefahr. Denn es sind so viele verschiedene Interessensgruppen aus unterschiedlichen Motiven hinter ihr her, das hinter jeder Ecke der nächste Attentäter lauern könnte. Zudem rumoert es im Norden des Kontinents. Das Königreich Nilfgaard schielt ganz offen über die Grenzen anderer Reiche und will sich weiteres Gebiet einverleiben. Yennefer will diese Krieg unbedingt verhindern, träumt von einem friedlichen Norden – und hofft auf Geralts Unterstützung. Doch der Witcher hat ihr ihren Verrat noch nicht verziehen. Und so ziehen sie als ungewöhnliches Trio durch das Land, finden immer wieder für eine kurze Zeit Verstecke, in denen Yennefer Ciri in Magie unterweisen kann – mit wenig Erfolg.

Geralt weiß, dass der Feuermagier Rience (Chris Fulton) noch immer hinter Ciri her ist und nicht aufgeben wird. Allerdings hat er keine Ahnung, welche mächtige Magier hinter dem Angreifer steckt. Denn Rience hat einen Herren, so viel hat Geralt bereits herausgefunden. Die nächste Attacke von Rience macht Geralt und Yennefer dann klar, dass sie sich trennen müssen. Yennefer will Ciri nach Aretuza bringen, damit die Magier dort ihren Schutz übernehmen können, während Geralt sich auf die Jagd nach Rience und dessen Hintermännern machen will. Doch die nördlichen Königreiche haben ihre eigenen Pläne und bringen das Gefüge des Kontinents gehörig ins Wanken. Das hat auch Einfluss auf das Geschehen um Ciri …

Aus einem Guss

Es geht nahtlos weiter! In manchen Serien merkt der Zuschauer sehr deutlich einen Sprung zwischen Staffeln, manchmal als gewolltes Stilmittel, manchmal nicht, aber The Witcher Staffel 3 fühlt sich an, als sei Staffel 2 erst vor wenigen Minuten beendet worden. Vordergründig geht es weiter um Ciri und ihre Bedeutung für viele Königreiche und Völker. Und die Autoren geben sich alle Mühe, diese ständige Bedrohung für das Heldentrio in entsprechende Szenen zu kleiden. Bereits die erste Folge hat eine spektakuläre Kampfszene zu bieten, in der Henry Cavill erneut die Messlatte für seinen Nachfolger in Sachen Schwertkampf sehr hoch legt. Und auch die mitunter etwas mühevoll in die Handlung geschriebenen Monster sind erneut gelungen und ein Spaß für Fantasy-Fans.

Aber The Witcher Staffel 3 hat in seinen ersten fünf Folgen mehr zu bieten als das. Die Autoren zeichnen auch ein sehr gelungenes Bild von den wahren Sehnsüchten der Figuren und holen einiges an plausibler Handlung heraus. So steht die Patchwork-Familie aus Geralt, Yennefer und Ciri in der ersten Hälfte der Staffel stark im Fokus. Papa Geralt gibt Ciri seine unbeirrbaren moralischen Kompass mit auf den Weg, der ihr noch viel Ärger bereiten wird. Und mit Mama Yennefers politischen Geschicken mehr als einmal kollidiert. Und die Menge an Emotionen, die beide hier auf Ciri projizieren, weil sie selbst als ungeliebte Kinder in die Welt kamen, wirkt in den stärksten Szenen des Trios so authentisch, dass man hier deutlich sieht, welch gute Schauspieler am Werk sind.

Serie mit komplexer Handlung

Zugleich geht die Reise weg von einzelnen Folgen und hin zu einer großen, alles überspannenden Handlung in The Witcher Staffel 3 ebenfalls weiter. Wer hier erst einsteigen will, hat keine Chance, die zahlreichen Könige, Schurken, Magier und andere Charaktere in einen Kontext zu bekommen. Aber das ist auch richtig so. Schließlich befinden wir uns fast in der Mitte einer Saga, die für ihre Komplexität und ihren Einfallsreichtum so geschätzt wird. Das wird in der fünften Folge besonders klar. Die nicht nur mit einem fiesen Cliffhanger endet, sondern auch zeigt, wie viele unterschiedliche Gruppierungen hier am Werk sind, um die Dinge in ihrem Sinne zu beeinflussen. Denn es sind nicht einmal alle dabei und dennoch haben Geralt und Yennefer reichlich zu tun, nur mit den Anwesenden zu sprechen.

In der Umsetzung fällt auf, dass sich die Serie im Vergleich zur ersten Staffel in Sachen expliziter Sex-Szenen deutlich zurückgenommen hat. War beispielswiese Anya Chalotra dort mehrfach nackt zu sehen, sind solche Szene in The Witcher Staffel 3 nicht mehr Teil der Erzählung. Stattdessen bekommen die Momente zwischen Geralt und Yennefer eine gänzlich andere Schwingung als früher. Alles ist intimer, entspannter, aber auch deutlich emotional tiefergehend als in früheren Folgen. Und man kommt nicht umhin, jetzt bereits um über den Abgang Cavills zu trauern. Selbst wenn noch drei Episoden mit ihm ausstehen. Denn die Chemie zwischen Chalotra und ihm, eine der wichtigsten Zutaten für eine gelungene Serie, die passt einfach.

Absichtlicher Aufreger?

Showrunnerin Lauren Schmidt Hissrich hat für Ritttersporn (Joey Batey) einen Story-Arc in die Staffel schreiben lassen, der die Bekämpfer liberaler Werte wieder auf die Barrikaden treiben wird. Auch die Musik ist in einigen Szenen fast eine Parodie auf das, was man eigentlich zu sehen und zu hören erwartet. Wie bereits in früheren Staffeln kämpft die Serie immer noch mit dem richtigen Ton, wenn es um Humor geht. Die kurzen One-Liner Geralts sitzen. Wenn es aber um andere Charaktere oder Situationen geht, haben die Autoren noch immer keinen roten Faden gefunden. Dennoch unterhält der erste Teil der dritten Staffel ebenso gut wie die Vorgänger und legen in Sachen komplexer Handlung noch einen ordentlichen Schritt zu. So darf das gern weitergehen.

Fazit:

Die ersten fünf Folgen  von The Witcher Staffel 3 lassen Fans leiden. Denn es wird deutlich, wie sehr Henry Cavill diese Rolle prägt. Seine körperliche Präsenz, sein Talent in den Kampfszenen, aber auch sein Auftreten als Machtfaktor wider Willen in einer sich schnell verändernden Welt ist einfach gut. Sein Nachfolger tritt ein schweres Erbe an. Fans der Bücher wird es freuen, dass sich die dritte Staffel recht dicht an die Vorlage hält. Aber auch an einer besonders fiesen Stelle abbricht und das Publikum einen Monat warten lässt. Insgesamt bleibt die Serie als düstere Fantasy mit interessanten Figuren und Konstellationen auf einem hohen Niveau und dürfte allen Spaß machen, die bereits vorher mit der Serie zufrieden waren.

The Witcher Staffel 3 startet am 29. Juni 2023 bei Netflix (5 von 8 Folgen, der Rest kommt am 27. Juli).

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Die Handlung

Eigentlich müsste Tyler Rake (Chris Hemsworth) tot sein. Von Kugeln durchsiebt siukt sein Körper auf den Grund des Flusses. Doch wie durch ein Wunder wird er nicht nur angespült und von seiner Auftraggeberin Nik (Golshifteh Faharani) gefunden, sondern kann auch in aufwendigen Operationen vor dem Tod bewahrt werden. Allerdings ist sein Körper nach monatelangem Liegen kaum noch in der Lage zu gehen, geschweige denn, mit der Waffe in der Hand Menschen zu retten. In einer Hütte in der österreichischen Natur soll Tyler wieder zu Kräften und in Form kommen – und eigentlich seine Frührente genießen. Doch es kommt ganz anders. Denn eines Tages sitzt ein geheimnisvoller Fremder (Idris Elba) auf der Bank vor seinem Haus und erteilt ihm einen Auftrag, den er nicht ablehnen kann.

In Georgien haben zwei Brüder jahrelang unter ihrem tyrannischen Vater gelitten, doch als Erwachsene selbst den falschen Weg eingeschlagen. Als Köpfe eines verschworenen Verbrecher-Clans beherrschen sie die Unterwelt, obwohl einer von beiden eine lange Haftstrafe absitzen muss. Weil die Familie so mächtig ist, darf – oder vielmehr muss- dessen  Frau (Tinatin Dalakishvili) und die beiden Kinder mit ihm im Knast leben. Rake soll die drei aus dem Gefängnis befreien und in Sicherheit bringen. Doch der Arm der Brüder reicht deutlich weiter, als sich die Befreier das gedacht hatten. Es kommt zum gnadenlosen Kampf im georgischen Winter …

Handwerklich überzeugend

Zweite Teile sind ihren Vorgängern häufig in Sachen Story und Spannung unterlegen. Das Drehbuch ist oft ein Schnellschuss und variiert lediglich die Ideen des ersten Teils. Und die Action ist meist ebenfalls ein Abklatsch der ersten Variation. Zumindest eines von beiden stimmt bei Extraction 2 nicht. Denn die Action ist nicht nur handwerklich bestechend, sondern sogar noch einen Hauch stärker als im ersten Film. Prunkstück des handwerklichen Könnens von Regisseur Hargrave und Kameramann Greg Baldi ist eine gefühlt 20 Minuten lange Plansequenz ohne sichtbaren Schnitt, in der Rake und seine Mitstreiter ins Gefängnis eindringen und anschließend ihre Flucht durchziehen. Das sieht man auch im internationalen Actionkino auf der Leinwand nicht beeindruckender als hier.

Denn Hargrave und sein Team erzählen diesen Teil des Films nicht nur mit perfektem Spannungsaufbau, sondern auch mit dem nötigen Schuss brutaler Authentizität. Auch das zweite lange Setpiece, eine Art Belagerung eines Hochhauses, hält geschickt die Spannung noch und bleibt bei aller Übertreibung zugunsten von Adrenalinkicks noch halbwegs realistisch. Erst im Finale gehen den Drehbuchautoren die Pferde ein wenig durch und sie lassen ausgerechnet den Gaul mit Namen Logik ausbüchsen. Zu diesem Zeitpunkt spielt das ohnehin keine großer Rolle mehr, denn das Publikum ist längst auf den großen Showdown eingestimmt, auf den es sich seit einer Stunde schon freut. Und Tyler Rake Extraction 2 liefert.

Hemsworth glänzt als schweigsamer Kämpfer

Ein weiteres Mal lebt der Film vor allem von der physischen Präsenz das Hauptdarstellers. Der muskelbepackte Hüne Chris Hemsworth bewegt sich in seiner Rolle als Tyler Rake so glaubwürdig, dass es im Film niemals Szenen gibt, die man dem Australier nicht abnimmt. Wohltuend selten tischt Drehbuchautor Joe Russo dem Publikum lange Dialoge auf, denn die sind meist nicht sonderlich überzeugend. Die emotionalen Knackpunkte der Handlung sind schnell gesetzt und schnell abgearbeitet, die Motive klargestellt. Und dann regiert die Action. Hemsworth nimmt man den emotional verkrüppelten Kämpfer auch deshalb ab, weil er erfreulich wenig darüber reden muss. Sein Gesicht beim Anblick von Kindern genügt auch.

Das gilt leider nicht für alle Charaktere. Bei einigen der Figuren kleben die Autoren bereits in deren erster Szene einen Totenkopf auf die Stirn, so sicher ist der Zuschauer sofort, dass dieser Charakter die Handlung nicht überleben wird. Das trägt nicht unbedingt zu einer originellen Handlung bei, und auch hier sorgt das eher für Schulterzucken als echte emotionale Anteilnehme, wenn es denn soweit ist. Auch der Schurke des Plots bleibt blass, was man allerdings dem georgischen Darsteller Tornike Gogrichiani kaum anlasten kann. Es gibt schlicht keine Szene, in der sich Gogrichiani als etwas anderes als ein Monster etablieren darf. Auch Graustufen bei der Charakterzeichnung legt Tyler Rake Extraction 2 schlicht keinerlei Wert. Und das unterscheidet ihn letztlich in Nuancen von Actionbrettern wie der John Wick-Reihe, die die interessanteren Schurken zu bieten hat.

Am Samstag startet Netflix seinen großen Tudum-Event, bei dem auch Chris Hemsworth als Stargast angekündigt ist. Es wäre wenig verwunderlich, würde er dort Extraction 3 als weiteren Teil bestätigen.

Fazit:

Mit der Story wird Tyler Rake Extraction 2 sicher keine Preise gewinnen. Mit der furios und hart inszenierten Action dürfte er hingegen die Fans des ersten Films der Reihe weitgehend abholen. Denn eine großartige Plansequenz zur Mitte des Films ist zwar das Highlight, aber längst nicht die einzige stark gemachte Actionsequenz. Chris Hemsworth pflügt sich erneut mit einer ungeheuren körperlichen Präsenz durch Gegnermassen und wirkt in jedem Moment glaubhaft – wenn man das Finale einmal ausspart. Bei Netflix dürfte der FIlm zum Abräumer der kommenden Wochen werden. Da ist die Verkündung eines dritten Teils in der Filmreihe eigentlich nur noch Formsache.

Tyler Rake Extraction 2 startet am 16. Juni 2023 bei Netflix.

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Die Kritik zu Der Pass Staffel 1 gibt es hier.

Die Kritik zu Der Pass Staffel 2 gibt es hier.

Die Handlung

Ellie Stocker (Julia Jentsch) ist noch immer wütend. Ihr Kollege Gedeon Winter (Nicholas Ofczarek) hat ein wichtiges Beweismittel im Fall der toten Kollegin Yela Antic verschwinden lassen und damit dem Täter die Flucht ermöglicht. Dass Gedeon dadurch eine Spur zu einem verschwundenen Maler bekam, der ihn als Kind missbraucht hatte, weiß Ellie nicht. So setzt sie all ihre Kräfte ein, um den ehemaligen Freund und Lebensretter ans Messer zu liefern. Doch das muss zurückstehen, als im Grenzgebiet zwischen Deutschland und Österreich ein Serienmörder grausam zuschlägt. Und seine Opfer unsagbaren Qualen aussetzt, bevor sie sterben.

Und so müssen sich Gedeon Winter und Ellie Stocker noch einmal zusammenraufen, um den Killer zu stoppen, bei dem selbst Profiler kaum ein Motiv erkennen können. Mit jedem weiteren Opfer gerät die Sonderkommission weiter unter Druck. Erste Spuren scheinen in eine Richtung zu deuten, die normalerweise in Ermittlungen keine Rolle spielen: das Reich der Mythen und Sagen. Offenbar orientiert sich der Mörder an einer Gestalt, die angeblich im Mittelalter in der Gegend lebte. Und sich gegen die Herrschenden stellte. Während Gedeon Winter somit gleich zwei Verbrecher jagt, muss sich Ellie schließlich entscheiden, wo ihre Prioritäten liegen …

Neue kreative Köpfe

Für die finale Staffel wurden die Showrunner und Autoren Cyril Boss und Philipp Steinert abgelöst. Christopher Schier und Thomas W. Kiennast, Macher der „Ibiza-Affäre“ wurden von Sky zu den neuen kreativen Chefs gemacht, um die Geschichte um Winter und Stocker zu einem Ende zu bringen. Auch neue Autoren wurden verpflichtet. Wer die bisherigen Staffeln gesehen hat, wird die Veränderungen auch bemerken. Sie sind aber nicht so groß, dass aus Der Pass Staffel 3 eine grundlegend andere Serie werden würde. Die grundlegende, düstere Atmosphäre bleibt bestehen, wird sogar fast noch dunkler als zuvor. Das führt manchmal sogar dazu, dass es in einigen Momenten fast wie eine Parodie wirkt. Hier wäre weniger vielleicht mehr gewesen.

Denn in einigen Szenen wirkt die Brutalität der Serie, die in den beiden ersten beiden Staffeln als sparsames Stilmittel eingesetzt wurde, diesmal eher wie ein Selbstzweck, um zu vermitteln, wie grausam der Killer vorgeht. Das wird sicher nicht jedem gefallen, denn die vorherigen Showrunner erreichten die manchmal eiskalte Stimmung der Serie auch ohne expliziten Einsatz von blutigen Bildern. Während die erste Staffel sich mit einem glaubhaften Psychopathen beschäftigte, schlug die zweite Staffel als Psychogramm einer dysfunktionalen Familie eine andere Saite an, die ebenfalls gut funktionierte. Der Pass Staffel 3 schielt hingegen mehr auf Vorbilder wie „Sieben“, ohne ganz dessen Qualität zu erreichen.

Grandios gespielt – schon wieder

Dennoch bleibt die Serie auch in ihrer finalen Staffel auf hohem Niveau. Denn Julia Jentsch und der nach wie vor grandios aufspielende Nicholas Ofczarek spielen ihre Rollen mit einer Intensität, die es so im deutschen Fernsehen nicht oft zu sehen gibt. Die innere Zerrissenheit, die der körperlich kernige Ofczarek hier zeigt und die Art und Weise, wie er sich in einigen Szenen wieder in ein verängstigtes Kind verwandelt, bleibt auch nach Ende der Staffel noch lange im Gedächtnis. Schauspielerisch gibt es aber auch in Der Pass Staffel 3 keinen einzigen Ausfall. Besonders erwähnenswert sind Lucas Gregorowicz als schmieriger Journalist. Und August Diehl als undurchsichtiger Einsiedler.

Auch inszenatorisch können die neuen  Folgen überzeugen. So fängt die Kamera Gedeon Winter, dessen Schicksal sich in dieser Staffel anhand von Gemälden entwickelt, immer wieder in einer Art Rahmen ein. Mal sind es schroffe Felswände, mal sind es Türrahmen, aber immer steht Winter auf eine falsche Art im Zentrum eines mehr oder weniger bizarren Bildes. Das ist wohltuend subtil gemacht. Eine Eigenschaft, die man Der Pass Staffel 3 leider nicht durchgehend attestieren kann. Gerade der Beginn vieler Episoden, in der das Publikum Kinder zu sehen  bekommt, die seltsame Rituale vollziehen, ist eher redundant als verstörend. Und bringt auch die Handlung nicht wirklich voran. Auch die Suche nach dem Killer wird durch einige sehr unglaubwürdige Kandidaten nicht spannender.

Denn erstmals haben die Autoren tatsächlich die Auflösung nicht in die Mitte der Staffel gesetzt, sondern ans Ende. Und sind damit der klassischen Mörderjagd deutscher Krimis einen großen Schritt näher gekommen. Spannender als die Vorgänger ist die finale Staffel dadurch zwar nicht. Aber zumindest wirkt sie anders als die Vorgänger, was auch einen gewissen Grad an Frische durch die nach wie vor nachtschwarzen Wälder der Grenzregion wehen lässt. Und so ist Der Pass Staffel 3 inhaltlich vielleicht die schwächste, emotional aber vielleicht auch die stärkste Staffel dieser zu kurzen, aber stets fulminanten Serie.

Fazit:

Mit Der Pass Staffel 3 hält die großartige Serie nicht mehr ganz das Niveau ihrer Vorgänger, punktet dafür aber mit besonders emotional ergreifenden Momenten. Bleibende Elemente wie die entsättigten Farben und die wilde, gefährliche Natur, die das zarte Pflänzchen Zivilisation umgibt, prägen erneut das Erscheinungsbild, während die letzte Staffel inhaltlich etwas bekanntere Pfade wählt, ohne deshalb zu langweilen. Denn die abermals großartigen Schauspieler machen auch aus der etwas weniger innovativen Story noch ein Fest für Serienfans. Auch mit den finalen Folgen verteidigt Der Pass den Ruf als eine der besten Thriller-Serien, die je in Deutschland entstanden sind. Chapeau!

Der Pass Staffel 3 startet am 4. Mai 2023 bei Sky und WOW.

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Die Handlung

Bei Beth (Lily Sullivan) läuft es gerade nicht so rund. Auf einer dreckigen Club-Toilette sieht sie sich mit der Tatsache konfrontiert, dass sie schwanger ist, der Test ist eindeutig. In Panik zieht es sie zurück zu ihrer Schwester Ellie (Alyssa Sutherland), die vor einer Weile von ihrem Mann verlassen wurde und nun allein für ihre drei Kinder Danny (Morgan Davis), Bridget (Gabrielle Echols) und Cassie (Nell Fisher) sorgen muss. Beth wusste noch nichts davon, da sie die Anrufe ihrer Schwester in den vergangenen Wochen ignoriert hatte. Dementsprechend aufgeladen mit Schuldgefühlen und Wut ist die Atmosphäre, als Beth in Los Angeles ankommt, wo die Familie im oberen Stockwerk eines heruntergekommenen Mietshauses lebt.

Als Ellie ihren Sohn Danny losschickt, um für das Abendessen Pizza zu holen, nimmt das Unheil seinen Lauf. Der Teenager entdeckt nach einem leichten Erdbeben in der Tiefgarage einen Riss im Boden, der einen alten Saferaum freigelegt hat. Und dort entdeckt Danny ein seltsames und unheimlich wirkendes Buch sowie einige alte Schallplatten, die offenbar eine Verbindung zu dem alten Folianten aufweisen. Neugierig schleicht sich Danny zurück in sein Zimmer, um sich diese Platten anzuhören. Und setzt damit ein nicht zu stoppendes Szenario in Gang, für das seine Mutter einen hohen Preis bezahlen muss. Eine Nacht voller blutigem Horror beginnt …

Deadites as usual

Ob Evil Dead Rise nun eine Granate oder eine Enttäuschung ist, liegt vor allem an einem Punkt. Will ich als Horrorfan immer wieder den gleichen Film sehen oder nicht? Nun kann man sicher bei jeder Franchise über die Fortsetzungen diskutieren, aber nirgendwo sind Fans mit derart wenig Änderungen zufrieden wie im Horror-Genre. Ob „Halloween“, „Freitag, der 13.“ oder andere lang laufende Reihen – Innovation wird eher skeptisch gesehen. Daher lautet die gute Nachricht: Wer einen typischen Evil Dead-Film sehen will, in dem Dämonen Leute möglichst derb um die Ecke bringen, dann ist Evil Dead Rise ein guter Film. Denn er drückt die richtigen Knöpfe.

Natürlich gibt es eine Kettensäge. Natürlich gibt es fiese Kills der Deadites. Natürlich ist das Ende, wie ein Evil Dead-Ende eben ist. Und ordentlich blutig ist das Ganze natürlich auch. Aber wer sich hier auch nur ein wenig Neues erhofft hat, wie es immerhin der dritte teil von Sam Raimi geschafft hat, der geht hier weitgehend leer aus. Evil Dead Rise ist eine typische Fortsetzung mit wenig Mut zum Risiko. Das fängt bei der großen Ankündigung an, der neue Film würde erstmals in einer Großstadt spielen. Das stimmt zwar, hat aber noch weniger Auswirkung auf die Handlung als bei Scream 6, wo es wenigstens eine U-Bahn-Szene gab, die für die Story wichtig war und wirklich das Setting Großstadt nutzte. Rise hat die Story nach 30 Minuten soweit, dass sie auch wieder in der Waldhütte hätte spielen können.

Gut, aber mit Luft nach oben

Zudem ist Evil Dead Rise bei aller Brutalität ein gutes Stück harmloser als das Remake von Fede Alvarez von 2013. Dessen gallig-fiese Atmosphäre erreicht Lee Cronins Film nie, auch wenn einem Horror-Neuling bei Evil Dead Rise ebenfalls die Kinnlade herunterfallen dürfte. Aber genug Kritik, der Film hat auch vieles, was man einfach loben muss. So sind die Schauspieler allesamt wirklich sehenswert. Alyssa Sutherland spielt die besessene Mutter nicht nur mit vollem Körpereinsatz, sondern auch herrlich fies und manchmal sogar unheimlich. Auch Lily Sullivan als Dämonenjägerin wider Willen schlägt sich sehr achtbar durch ihre Tortur. Selbst wenn sich die meisten Zuschauer vom Einsatz der Käsereibe wohl mehr erhofft hatten, als sie letztlich bekommen.

Auch die Darsteller der Kinder erledigen ihre Aufgabe sehr ordentlich und sorgen für die meisten Schreckmomente im Film, denn Gewalt gegen Kinder oder sehr junge Teenager funktioniert im Horrorfilm eigentlich immer. So auch hier. Das Mitfiebern besonders um die kleine Cassie sorgt daher für einige der stärksten, weil spannendsten Szenen im Film. Und auch die Verbeugung vor „Das Ding aus einer anderen Welt“ (genauer wollen wir das hier nicht ausführen) ist sehr gelungen. Dennoch bleibt auf hohem Niveau eine gewisse Ernüchterung, weil man sich ausmalt, wie gut Evil Dead Rise hätte werden können, hätten die Macher tatsächlich ein wenig mehr Mut bei Plot und Drehbuch bewiesen und nicht eine weitere Kopie der bestehenden Filme gedreht.

Fazit:

Mit Evil Dead Rise kommt eine grundsolide Fortsetzung der Reihe in die Kinos. Blutig, böse, mit Anflügen von Humor. Und mit allem versehen, was die Reihe so erfolgreich gemacht hat. Eine kleine Enttäuschung dürfte es aber für Horror-Fans sein, die sich mehr davon erhofft hatten als eine weitere Variation des bekannten Plots. Die Anlagen dazu waren durchaus vorhanden, aber der Mut fehlte wohl letztlich den Machern oder dem Studio, wirklich eine neue Geschichte zu erzählen. Daher wirkt auch der Umzug in die Stadt wie eine Mogelpackung. Aus der Menge belangloser Horrorfilme ragt Evil Dead Rise mit seiner Kompromisslosigkeit, guten Schauspielern und dem satten Gewaltgrad deutlich hervor. Auch wenn mehr gegangen wäre.

Evil Dead Rise startet am 27. April 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Ex-Junkie Trevor (Drew Starkey) überredet seine Freundin Riley (Odessa A’zion) dazu, in einer weitgehend leerstehenden und unbewachten Lagerhalle einzubrechen. Dort soll es etwas zu holen geben. Doch als die beiden einen Safe öffnen, findet sich darin nur eine Holzkiste, die einen seltsamen Würfel enthält. Während Trevor mehr als enttäuscht ist, findet Riley Gefallen an dem Würfel und nimmt ihn mit. Als sie aufgeputscht nach Hause kommt, wird Riley bereits von ihrem Bruder Matt (Brandon Flynn) erwartet, der ihr ansieht, dass sie getrunken hat und sie wütend aus der Wohnung wirft. Wütend auf sich selbst fährt Riley davon und sucht sich in der Nähe eines Parks einen ruhigen Platz, wo sie im Auto schlafen kann.

Da fallen ihr ein paar Pillen in die Hände, die sie noch im Auto versteckt hatte. Mit den Drogen im Körper geht sie auf den Spielplatz im Park und versucht, das Rätsel des Würfels zu lösen. Und tatsächlich gelingt es ihr, das seltsame Artefakt in eine neue Form zu bringen. Dabei schneidet sie sich fast an einer plötzlich ausfahrenden Klinge, kann einer Verletzung aber entgehen. Kurze Zeit später scheint Riley plötzlich Visionen zu bekommen, denn sie sieht schrecklich deformierte Gestalten, die mit ihr reden und sich ihr langsam nähern. Als dann auch noch Matt auftaucht, der seiner Schwester helfen will, kommt es zu einem verhängnisvollen Unfall …

Echter Reboot

Der neue Film von Regisseur David Bruckner erfüllt in jeglicher Hinsicht den Tatbestand eines Reboots. Denn Hellraiser ist nicht einfach nur ein Remake des Films von 1987, sondern erzählt die Saga das Würfels, der Dämonen herbeiruft, in einer neuen Interpretation. Ohne deshalb bestimmt Eckpunkte der Vorlage zu ignorieren. In mancherlei Hinsicht ist er sogar näher an Barkers Kurzroman als dessen eigener Film. So ist mit Jamie Clayton diesmal eine Frau als Pinhead, der im Film nur Priester heißt, besetzt worden, um das androgyne der literarischen Version hervorzuheben. Doug Bradley, Originaldarsteller der Rolle in vielen Filmen, äußerte sich sehr lobend über den neuen Look und die Kollegin, die den Charakter spielte. Und in der Tat ist Pinhead nicht das Problem von Hellraiser. Das Problem ist die Herkunft.

Denn Hellraiser wurde in den USA für ein heimisches Publikum gedreht. Und da hat Sexualität und Lust natürlich keinen Platz. Bruckner und die Drehbuchautoren Ben Collins und Luke Piotrowksi haben daher sämtliche von Barker erdachte Anspielungen auf Sado-Maso-Sex, Lust durch Schmerz und ähnliche Dinge radikal herausgestrichen. Der Originalplot, der sehr deutlich körperliches Verlangen als Motivation vieler seiner Protagonisten zeigte, findet sich hier dementsprechend überhaupt nicht wieder. Bruckner macht einen zwar durchaus blutigen, aber in Sachen Sex klinisch reinen Film. In dem selbst die vorkommenden Sex-Szenen eine Freigabe ab 12 Jahren locker geschafft hätten. Barkers Credo, Lust zu wollen und sich dafür schuldig zu fühlen, in der Neuauflage hat dieses Gedankengut keinen Platz.

Für Neulinge ein guter Film

Das dürfte aber in erster Linie den Teil des Publikums stören, der mit der Hellraiser-Reihe bereits gut vertraut ist. Denn wer mit diesem Film seinen ersten Ausflug in die Welt der Cenobiten unternimmt und nichts über die Vorlage weiß, der bekommt einen blutigen und in weiten Teilen spannenden Horrorfilm. Das neue Design der Dämonen kann sich mehr als sehen lassen. Die Villa, in der die gesamte zweite Hälfte des Films spielt, ist als Kulisse ebenfalls ein Hingucker. Und erinnert ein wenig an „13 Ghosts“. Und blutige Effekte hat der neue Film auch zu bieten. Wer also nach einem durchaus derben und handwerklich gut gemachten Horrorfilm sucht, dürfte mit Hellraiser durchaus glücklich werden. Das ist aber eben nur die halbe Wahrheit.

Denn Clive Barker, der zumindest in den 80ern mit seinen „Büchern des Blutes“ als Erneurer des Horror-Genres galt, packt in seinen Roman und Film viel mehr als typischen Teenie-Horror, wie Bruckner ihn hier in weiten Teilen  inszeniert. Ähnlich wie in Filmen we „Wish Upon“ oder „Countdown“ packt er hier eine Bedrohung, die eine Gruppe von Leuten nach und nach dezimiert. Das hat mit der Original-Idee gar nichts zu tun. Barker ließ in seiner Story das Böse als eine fast gleichgültige Macht auftauchen, die sehr wohl absichtlich von seinen Protagonisten beschworen und für deren Zwecke genutzt werden soll. Zumindest diesen Teil der Geschichte lässt Bruckner mit dem Charakter von Goran Visnic unangetastet, verändert aber seine Motivation.

In Barkers Welt konnte das Publikum manchmal nicht entscheiden, wer eigentlich das größere Monster ist, der Mensch oder der Cenobit. Auch das hat Bruckner in großen Teilen nicht geschafft. Fans der Reihe fehlt daher die Gravitas der Bösartigkeit, die Barker über dem Zuschauer ausgeschüttet hat. Bruckner hat keinen schlechten Film gedreht, aber die Elemente, die Barkers Vision über das Gros thematisch ähnlicher Filme heben, die konnte der neue Regisseur nur zu geringen Teilen in seine Version hinüberretten. Man kann sich Hellraiser als Horrorfan gut ansehen, sollte aber nicht zu viel erwarten. Besser als die meisten Fortsetzungen von Barkers Klassiker ist die neue Fassung aber allemal.

Fazit:

Wer bislang noch nie eine Berührung mit Clive Barkers Hellraiser hatte, dem wird das Reboot der Story möglicherweise ganz gut gefallen. Denn einige Bestandteil der Geschichte haben den Neustart gut überstanden. Die Cenobiten sehen großartig aus, der Gewaltgrad steht dem Original kaum nach – und spannend ist der neue Film auch. Was den Fans der Reihe aber fehlen wird, ist das typische Barker-Element, das Regisseur David Bruckner und seine Drehbuchautoren aus dem Stoff entfernt haben. Die fleischlichen Gelüste, bei Barker stärkste Triebfeder seiner Protagonisten, wurden in der neuen Version komplett gestrichen. Und das macht den neuen Film nur zu einem ordentlichen Teenie-Horror, aber nicht zu einem wirklich würdigen Reboot des Stoffes.

Hellraiser startet am 15. April 2023 bei Paramount+.

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Die Handlung des Spiels

Leon, den Fans der Reihe erstmals in Teil 2 als frischen Rekruten der Polizei von Raccoon City kennenlernen – und als einen von zwei spielbaren Helden – ist mittlerweile bei einer Spezial-Agentur, die sich um Verbrechen mit Biowaffen kümmert. Er ist im ländlichen Spanien unterwegs, denn dort soll sich nach Auffassung des Geheimdiensts Ashley befinden, die entführte Tochter des US-Präsidenten. Leon soll als unauffälliges Ein-Mann-Team das Ziel finden und sicher wieder nach Hause bringen. Doch das gestaltet sich nicht so einfach. Das müssen die beiden Cops, die ihn gefahren haben, auch schnell am eigenen Leibe erfahren. Ein Dorf, in dem sich alle Einwohner mehr als seltsam verhalten, wird zum Grab für sie.

Auch Leon wird attackiert, ihn rettet mehr oder weniger der Gong. Denn als die Kirchenglocken zu läuten beginnen, stoppen die Bewohner ihre Angriffe auf Leon und laufen wie in Trance in die Kirche, verschließen die Tür hinter sich. Leon ist nun sicher, dass er an der richtigen Stelle sucht. Allerdings hat er keine Ahnung, was für Kreaturen auf seinem Weg zu Ashley auf ihn warten und gegen welche Monster er sich zur Wehr setzen muss. Obwohl Leon auf seiner Flucht aus Raccoon City schon Dinge gesehen hat, die ihm kein Mensch glauben würde, wird sein Vorstellungsvermögen in diesem Fall erneut auf die Probe gestellt. Kann er den Wahnsinn überleben und Ashley nach Hause bringen?

So wird gespielt

Resident Evil 4 bleibt optisch den Vorgängern verhaftet, der Spieler schaut Leon über die Schulter, sieht die Figur aber immer. Als Leon muss sich der Spieler mit mehreren Aufgaben herumschlagen: Weg finden, kleine Rätsel lösen, Dinge wie Schlüssel finden, und kämpfen. Mehr braucht es nicht, um ein großartiges Spielerlebnis zu kreieren. Den Weg zu finden, ist manchmal noch das größte Problem in Resident Evil 4, denn nicht immer ist völlig klar, wo der langführt. Die Rätsel sind meist recht schnell zu durchschauen, auch das Finden von Schlüsseln ist meistens kein Problem. Auch wenn sie manchmal nur durch einen Kampf zu bekommen sind. Kämpfe können dafür je nach Schwierigkeitsgrad und Beobachtungsgabe durchaus fordernd sein.

Gleich vorweg: Zombies kommen in Resident Evil 4 nicht vor. Zwar verhalten sich manche Einwohner durchaus ähnlich, aber sie haben eine gänzlich andere Entstehungsgeschichte und sind auch nicht ansteckend. Dennoch werden Spieler hier Monstern begegnen, die den Virus-Züchtungen von Umbrella alle Ehre machen. Manche sind recht einfach zu besiegen, weil die Mechanik dahinter auf der Hand liegt, etwa ein Riesenlurch, der Leon mit einem Boot durch einen See zieht – und in diesem Bott reichlich Harpunen liegen. Aber es gibt andere zähe Gegner, deren Schwachpunkte nicht so einfach zu finden sind. Und in die unerfahrene Spieler schonmal ihren gesamten Munitionsvorrat versenken, bis sie merken, dass damit nichts gewonnen ist.

Die Anforderungen an Spieler

Je nach Ausgangslage ist Resident Evil 4 entweder sehr anspruchsvoll oder relativ einfach (vier Schwierigkeitsgrade helfen auch bei der Wahl) . Neulinge in der Resi-Welt dürften das eine oder andere Mal verzweifeln, weil sie nicht sofort hinter die Idee eines Boss- oder Miniboss-Kampfes kommen. Erfahrene Resi-Agenten hingegen werden hier auf nichts treffen, dass sie nicht so oder ähnlich schon einmal gesehen hätten. Das beginnt bei den Einwohnern, die sich unterschiedlich besiegen lassen. Schüsse auf den Körper sind weniger effizient als Schüsse in den Kopf. Noch besser ist ein Schuss ins Knie und ein Nahkampfangriff, der im besten Fall noch weitere Gegner trifft – aber ein wenig Übung im Timing erfordert. Anders sieht es aus, wenn stärkere Gegner Kettensäge oder Hammer schwingen, denen ist mit einem Schuss nicht beizukommen.

Daher ist im stets zu engen Gepäck kluge Planung gefragt. Welche Waffen sollte ich mitnehmen? Welche kann ich momentan in die Ablage packen? Grundsätzlich gilt: Eine Waffe für jede Entfernung ist nie verkehrt. Zwar sind Level, in denen eine Sniper-Rifle die perfekte Wahl ist, nicht wirklich üppig gesät, befindet man sich aber in einem solchen, dankt man dem Spielegott, dass man die Waffe dabei hat. Insgesamt wichtiger ist aber die Einschätzung, mit welcher Waffe man am besten auf welchen Gegner schießt. Denn eines ist bei Resident Evil 4 sicher: Wer zu wahllos mit seiner Munition haushaltet, wird bald ernste Probleme bekommen, im Spiel voranzukommen. So kann es sinnvoll sein, mit einer Granate ein halbes Dutzend Gegner auszuschalten, als jeden mit vier bis fünf Kugeln zu stoppen.

Der Händler – ein Segen

Spieler werden ihn nur alle 30 bis 40 Minuten zu sehen bekommen, aber der Besuch beim Händler ist essentiell für ein gutes Spiel. Denn hier werden wichtige Entscheidungen getroffen. Kaufe ich mir eine neue Waffe, oder investiere ich das erbeutete Geld und die gefundenen Schätze, um bereits gekaufte Waffen zu verbessern? Während Gegner mit dem Gewehr oft nach einem Treffer bereits aus ihrer Position in die Tiefe stürzen und die Waffe daher eher keinen Boost benötigt, kann mehr Wumms bei der Schrotflinte, für deren Einsatz das Ziel schon gefährlich nahe sein sollte, lebensrettend sein. Grundsätzlich gilt: Waffen, die oft eingesetzt werden, sollten schleunigst verbessert werden. Dazu kommt: Der Händler verkauft im Verlauf des Spiels eine Schutzweste, die er ebenso reparieren kann wie zu Bruch gegangene Kampfmesser. Und die können bei Umklammerung durch Gegner Leben retten, selbst gegen Bosse.

Dazu hat der Händler nun eigene Aufträge wie das Finden und Zerstören von im Level verstecke Medaillons oder dass Töten eines besonders harten Gegners. Als Belohnung winken spezielle Edelsteine, Spinells, mit denen man beim Händler Dinge kaufen kann, die es für Geld nicht gibt. Beispielsweise Schatzkarten der Gebiete, in denen alle lohnenswerten Funde eingezeichnet sind. Aber auch besondere Zielfernrohre, die das Treffen erleichtern. Diese Aufgaben sind zwar optional, sollten aber erledigt werden, der Nutzen ist einfach zu stark, um es nicht zu tun. Wer also durch das Abenteuer kommen will, tut gut daran, sich beim Händler Zeit zu nehmen. Und über wichtige Entscheidungen in Ruhe nachzudenken.

Was ist neu?

Die Story schon einmal nicht. Zwar gibt es, wie bei den anderen Remakes zuvor, einige Änderungen und neue Ideen, aber im Kern erzählt Resident Evil 4 die Story, die Fans kennen. Am auffälligsten ist natürlich die deutlich bessere Optik, die dennoch Retro-Vibes verbreitet. Zudem haben die Macher an vielen kleinen Stellschrauben gedreht und das Spiel insgesamt etwas zugänglicher und einfacher gemacht, leicht ist es deshalb aber nicht. Denn die Gegner sind klüger als Zombies, weichen aus, schleichen sich manchmal lautlos an. Grafisch hat sich natürlich viel getan, aber Kenner des Originals werden dennoch fast alles sofort wiedererkennen.

Auch der Kampf hat viel vom alten Charme der Reihe, einschließlich einiger nerviger Elemente wie langsamem Nachladen oder Erholen von einem gegnerischen Angriff. Diese Dinge richtig einzuschätzen und entsprechend zu agieren, ist aber auch Teil des Spielerlebnisses. Dennoch: Ein wenig flotter als früher gehen Aktionen gegen Gegnerhorden schon von der Hand. Sehr viel komfortabler und damit besser ist das Ausrüstungssystem. Der Koffer lässt sich mehrfach vergrößern, nicht benötigte Waffen problemlos verstauen und so aus dem Gepäck verbannen. Allerdings lässt das Spiel nicht zu, alles ins Lager zu packen, momentan nicht genutzte Munition muss der Spieler mit sicher herumschleppen oder verkaufen. Das haben andere Spiele der Reihe besser gemacht.

Fazit:

Optisch schick, inhaltlich so cheesy, wie es die Fans von der Reihe gewohnt sind und spielerisch großartig. So stellt sich das Remake von Resident Evil 4 den Spielern vor. Der lange Survival-Horror, der gut 20 Stunden dauern kann und etliche Optionen und Anreize zum nochmaligen Spielen bereithält, überzeugt auf ganzer Linie. Denn das Spiel bleibt nah genug am bereits grandiosen Original, um nichts von seiner ganz besonderen Atmosphäre zu verlieren, bessert aber im Detail da nach, wo Spielmechaniken nicht mehr so ganz zeitgemäß wirkten. Der Liebling vieler Resi-Fans ist durch eine Neuauflage noch ein kleines Stück besser geworden. Da ist wirklich nur noch verdammt wenig Luft nach oben.

Resident Evil 4 erscheint am 24. März 2023 für PC, PS 5, PS 4, Xbox Series X/S.

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Die Handlung

Einige Zeit nach den letzten Morden in Woodsboro haben die Überlebenden Samantha (Melissa Barrera), Tara (Jenna Ortega), Mindy (Jasmin Savoy Brown) und Chad (Mason Gooding) ein neues Quartier in New York bezogen, um die Anonymität der Großstadt zu genießen und sich auch räumlich von den Ereignissen in ihrer Heimatstadt zu entfernen. Ruhe gibt es natürlich dennoch nicht. Denn schon bald beginnt eine neue Mordserie, bei der offenbar ein Killerpaar, das kurz zuvor noch gemordet hat, von anderen Killern hingerichtet wurde. Kurze Zeit später bestätigt sich Sams Verdacht: Ghostface ist wieder da und heftet sich schnell an die Fersen der Woodsboro-Vier.

Weder Sams und Taras Mitbewohnerin Quinn (Liana Liberato), noch ihr neuer Kumpel Ethan (Jack Champion) haben eine Ahnung, was da auf sie zukommt. Aber schon bald wird klar, dass Ghostface auch diesmal alle aus dem Weg räumt, die sich zwischen ihn und seine Opfer stellen könnten. Immerhin erleben die Woodsboro-Vier auch einige positive Überraschungen. Mit Detective Bailey (Dermot Mulroney) finden sie einen Cop, der ihnen glaubt und alles tut, um den Killer zu finden. Und dann ist da ja auch noch Kirby Reed (Hayden Panettiere), die den vierten Ghostface-Killer vor elf Jahren überlebt hat und mittlerweile als Spezialistin beim FBI arbeitet. Und auch Gail Weathers (Courtney Cox) taucht bald wieder auf und steht Sam und ihren Freunden zur Seite. Aber ob das zum Überleben reicht?

Kontinuität vor und hinter der Kamera

Nicht nur vor der Kamera (mit Ausnahme von Neve Campbell, die sich mit den Produzenten nicht über ihre Gage einig wurde) bleibt in Scream 6 alles beim Alten, auch die Macher sind noch dabei. Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett führen erneut gemeinsam Regie. Die Story stammt wie bei Teil 5 von James Vanderbilt und Guy Busick. Diese Kontinuität merkt man dem Ergebnis an. Scream 6 wirkt in jeder Hinsicht wie die direkte Fortsetzung, die sie auch ist. Die Ankündigung, diesmal auf noch mehr Blut und Gore zu setzen, ist grundsätzlich zwar korrekt, aber so einen richtig großen Unterschied zum bereits ziemlich fiesen fünften Teil dürfte das Publikum nicht feststellen. Scream 6 ist hart, aber es gibt keinen Quantensprung zum fünften Film.

Und natürlich spielt auch die berühmte Meta-Ebene wieder eine große Rolle. Dass den Protagonisten diverse Slasher-Filme bekannt sind und sie dementsprechend die Regeln des Genres kennen, schützt sie zwar nicht unbedingt vor dem Tod, macht dem kundigen Zuschauer aber einfach eine Menge Spaß. In Teil 6 stehen neue Regeln an- die für ein Franchise. Die unterscheiden sich zwar eher marginal von den bisherigen. Sie bringen aber dennoch vor allem Kenner der Horrorfilm-Szene immer wieder zum Schmunzeln. Kaum eine Kinoreihe ist so selbstreferentiell wie Scream, das bleibt auch in der neuesten Version so. Allerdings zeigt die Idee jetzt auch endgültig erste Abnutzungserscheinungen.

Verbeugung vor den eigenen Vorgängern als Selbstzweck

Denn in Scream 6 geht es endgültig nur noch um eine Frage. Wird etwas wiederholt oder wird die Erwartungshaltung des Publikums mit dem Gegenteil gebrochen? Und wann kommt was? Kenner der Reihe werden den gesamten Film bei jeder Szene überlegen, ob jetzt gleich etwas folgt, das man schon kennt oder ob die Macher es nur so aussehen lassen, als folge gleich das nächste Zitat aus einem Vorgänger. Sind es wieder zwei Killer wie – fast – immer? Oder erleben wir eine Neuauflage von Scream 3 mit einem Einzeltäter? Insgesamt funktioniert das Verwirrspiel um den oder die Killer noch ganz gut. Erste Abnutzungserscheinungen sind allerdings nicht von der Hand zu weisen.

Denn das Drehbuch schafft zwar die bekannte Verwirrung um vermeintliche Fakten und überrascht mit neuen Erkenntnissen. Aber der Lack blättert an der einen oder anderen Stelle schon ein wenig. So dürfte aufmerksamen Zuschauern das Rätsel um die Morde schon relativ früh klar sein. Das Drehbuch verschleiert das längst nicht so clever wie in früheren Teilen. Und auch der groß als Neuerung angekündigte Umzug nach New York erweist sich nur ein einer einzigen großen Szene als wirklich notwendig, weite Teil des Films hätten auch in Woodsboro spielen können. Das sind allerdings Dinge, die sie mit etwas mehr Zeit zur Vorbereitung möglicherweise hätten verhindern lassen.

Und so bleibt zu hoffen, dass sich die Gerüchte um einen Drehstart von Teil 7 noch in diesem Jahr nicht bewahrheiten. Und die Macher sich etwas mehr Zeit nehmen, um dem  nächsten Teil, der so sicher kommt wie das Amen in der Kirche, den letzten Schliff zu verpassen und wieder mit einer etwas stärkeren und weniger vorhersehbaren Story zurückkehren. Bei der Gelegenheit könnten sie dann auch gleich noch erklären, warum die Protagonisten des Franchises – den Titel hat sich die Reihe inzwischen mehr als verdient – eigentlich so unkaputtbar sind, wenn es um Stich- oder Schusswunden geht. Denn was die Scream-Helden teilweise wegstecken können, hätte manchem Terminator zur Ehre gereicht. Aber das gehört mittlerweile wohl ebenso zu Scream dazu wie die Ghostface-Maske.

Fazit:

Die Umsiedlung nach New York hat für die Woodsboro-Veteranen nur wenig verändert. Im mittlerweile ewig gleichen Spiel um verrückte Killer gibt es zwar von Teil zu Teil mehr Blut und derbe Tötungen zu sehen, das Grundkonzept aber steht fest. Die Macher führen das Publikum mit Wiederholungen und Neuerungen an der Nase herum, weil immer erst spät klar wird, ob die Szene nun eine Referenz auf frühere Filme oder eine Negierung bekannter Strickmuster sind. Das macht zwar immer noch Spaß, zeigt aber in Scream 6 auch erste Alterserscheinungen. Denn so richtig frisch wirkt der Überlebenskampf von Sam, Tara und den anderen nicht mehr. Zumal diesmal der Plot schon recht früh verraten wird, wenn man nur gut aufpasst. Dennoch: Fans der Reihe kommen auch hier wieder auf ihre Kosten.

Scream 6 startet am 9. Februar 2023 in den deutschen Kinos.

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