Die Handlung

Tyler (Nicholas Hoult) und seine Freundin Margot (Anya Taylor-Joy) warten auf ein Boot, das sie und einige andere Reiche und Berühmte zu einem der exklusivsten Restaurants des Planeten bringen soll. Das „Hawthorne“ von Spitzenkoch Julian Slovik (Ralph Fiennes) liegt auf einer Insel, die ansonsten unbewohnt ist. Und lässt stets nur wenige Gäste pro Abend zu einem Dinner kommen. Die Warteliste ist lang und im Restaurant selbst kann man nichts bestellen, sondern wird zum Teilnehmer an einem vorher festgelegten Gänge-Menü, das zu den besten und renommiertesten der Welt zählt. Um dieses Erlebnis zu genießen, müssen aber auch die Gäste bestimmte Regeln befolgen. Und sich mit einigen Geboten des exzentrischen Sternekoch abfinden.

Tyler, der bereits seit vielen Monaten auf die Chance wartet, ist sehr aufgeregt und kann es kaum abwarten, die sündhaft teuren Speisen zu kosten. Margot, die mit solcherlei gehobener Küche nichts verbindet, ist hingegen weitaus weniger enthusiastisch, was den Abend angeht. Zumal sie nicht die Frau ist, mit der Tyler eigentlich angekündigt war und sie deshalb von Beginn an mit Misstrauen seitens des Kochs und seiner Bediensteten behandelt wird. Als die Vorträge, die Slovik vor jedem neuen Gang hält, langsam immer persönlicher auf die Gäste zugeschnitten sind, dämmert Margot, dass in diesem Restaurant weitaus unheimlichere Dinge vor sich gehen als Kochkunst …

Genre unklar, Qualität nicht

Manchmal ist es gar nicht so leicht, einem Film ein Genre zuzuordnen. Auch bei The Menu werden verschiedene Zuschauer vermutlich unterschiedliche Urteile treffen. Für einige dürfte der Film eine böse und sehr spitze Satire auf die dekadenten Methoden Superreicher sein, ihr Geld auszugeben. Für andere ist Mylods Werk eher ein fieser Thriller, der gleich zu Beginn eine unangenehme Atmosphäre aufbaut und damit bis zum derben Finale spielt. Einige mögen ihn  vielleicht sogar als Horrorfilm empfinden und die blutigen und fiesen Momente des Film lassen problemlos auch eine solche Deutung zu. Aber welchen Namen man dem Kind nun auch immer geben mag, letztlich zählt die Qualität. Und die ist bei The Menu absolut beeindruckend.

Denn der Film erinnert in seiner Struktur und seiner Umsetzung selbst an ein leckeres Gänge-Menü. Im offensichtlichen Bereich, weil der Film in exakt so viele Teile gegliedert wurde wie das titelgebende Menü Gänge hat. Und im filmischen Bereich, weil Mylod die Geschichte ebenso präzise, dekorativ und auf den Punkt serviert wie der Starkoch Julian Slovik sein Essen. Hier steckt in jeder Szene, jeder Kameraeinstellung eine Aussage, die sich zu einem faszinierenden Gesamtbild zusammenfügen, je länger The Menu dauert. Und der leise Verdacht, den das Publikum früh entwickelt, sich stetig steigert. Bis zu einer Gewissheit, dass dieser Abend im Hawthorne nicht für jeden Teilnehmer einen guten Ausgang nehmen wird.

Fiennes und Taylor-Joy ragen heraus

Die beiden Hauptgänge dieses Menüs, das Mylod so vortrefflich kredenzt, sind dabei Ralph Fiennes und Anya Taylor-Joy. Fiennes, der bereits mehrfach äußerst unangenehme Zeitgenossen verkörperte, entwickelt auch hier schnell eine Aura um sich, die dem Zuschauer unmissverständlich vermittelt, dass er zu allem fähig ist. Als perfektionistischer und pedantischer General eines bis in die Haarspitzen motivierten und trainierten Teams glänzt der Brite mit einer präsenten und doch nie wirklich greifbaren Bedrohlichkeit, die durch seine zur Schau getragene Höflichkeit bei gleichzeitig stets vermittelter Geringschätzung seiner Gäste jeden Auftritt des Schauspielers zu einem Ereignis macht.

Ihm ebenbürtig ist Anya Taylor Joy, die ebenfalls ihr Talent für schräge Rollen schon oft unter Beweis gestellt hat. Und hier die vielleicht normalste Person seit langer Zeit spielt. Als Margot, die mit dem überkandidelten und dekadenten Treiben der oberen Zehntausend so gar nichts zu tun hat und es auch deutlich ablehnt. liefert sie sich in den absoluten Höhenpunkten des Films, der an Highlights alles andere als arm ist, wundervolle Duelle mit Fiennes, der für sie schnell eine seltsame Hassliebe entwickelt. Der Rest des starken Casts ist zwar eher schmückendes Beiwerk und hat nur wenige Szenen, um sich auszuzeichnen. Aber jeder nutzt sein Chance, den oftmals absichtlich klischeebehafteten Charakter mit Leben zu erfüllen. Besonders Nicholas Hoult als moralisch verkommener Fan-Boy sticht dabei hervor.

Allerdings sind auch die Schauspieler hier nur ein Teil des Gesamtmenüs. Denn was Kameramann Peter Deming hier an Bildern einfängt, die gleichzeitig atemberaubend perfekt und in dieser Perfektion wiederum abstoßend wirken, ist beeindruckend. Ebenso wie die ganze Kulisse des spartanisch-edel eingerichteten Hawthorne sowie der Umgebung des Restaurants. Film ist immer auch für das Auge des Betrachters gemacht. Und an The Menu werden sich echte Cineasten kaum sattsehen können. Zwar bedient Regisseur Mark Mylod vermutlich nicht den Massengeschmack an der Kinokasse. Aber er liefert mit seinem bösen und doch so schönen Film eine echte Spezialität in einem Kinojahr, das reichlich Hausmannkost geboten hat.

Fazit:

Mit The Menu bietet Regisseur Mark Mylod nach langen Jahren der Kinoabstinenz den Beweis, dass er noch immer für die große Leinwand inszenieren kann. In kunstvollen Bildern erzählt er eine ebensolche Geschichte als Gänge-Menü, das in seiner Konsequenz und seiner klaren politischen Aussage in diesem Jahr seinesgleichen sucht. Ralph Fiennes und Anya Taylor-Joy duellieren sich auf höchstem Niveau. Und die Story filetiert genüsslich die Welt der Schönen und Reichen. Die mit ihrem Leben nichts anderes mehr anfangen können, als sich den elitärsten Genüssen hinzugeben, die sie finden können. Wer mit diesen Zutaten etwas anfangen kann, sollte sich eine der besten Thriller-Satiren seit langem und einen der besten Filme des Jahres im Kino nicht entgehen lassen.

The Menu startet am 17. November 2022 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Die junge Tinja (Siiri Solalinna) hat kein einfaches Leben. Denn ihre Mutter (Sophia Heikkilä) ist ein wahrer Alptraum. Die unglückliche Hausfrau blüht nur dann auf, wenn sie Videos über ihr angebliches so heiles und perfektes Leben für ihren Vlog dreht und dafür ihre ganze Familie entsprechend in Szene setzt. So muss Tinja hart für eine Karriere als Turnerin trainieren, obwohl ihr das eigentlich gar keinen Spaß macht. Ihr Vater (Jani Volanen) lebt längst in seiner eigenen Welt und ist seiner Tochter keinerlei Hilfe. Und Tinjas kleiner Bruder Matias (Oiva Ollila) ist ein cholerischer kleiner Tyrann, der sie fortwährend ärgert. Dennoch hat sich Tinja einen Sinn für die wichtigen Dinge im Leben bewahrt, wenn sie das auch nur heimlich ausleben kann.

Als sie eines Tages einen sterbenden Vogel von seinem Leid erlöst, findet sie in der Nähe ein Ei, das sie mit zu sich nach Hause nimmt und warm hält. Schnell wird ihr klar, dass sie da kein normales Vogelei gefunden hat, denn das Ding wird schnell überdimensional groß und braucht bald findige Verstecke, damit keiner aus der Familie es bemerkt. Als dann das Wesen im Innern schließlich schlüpft, erlebt Tinja eine gruselige Überraschung. Der übergroße Vogel, der dort herauskommt, hat wenig federn und viel Haut und in seinem Schnabel menschliche Zähne. Nach einem ersten Schock kümmert sich Tinja um das Wesen – und das dankt ihr die Fürsorge mit blutigen Taten …

Social-Horror aus dem Norden

Bislang ist Hanna Bergholm nur als Regisseurin für – zum Teil preisgekrönte – Kurzfilme bekannt gewesen, Hatching ist ihr Spielfilm-Debüt. Davon merkt man allerdings nichts, denn handwerklich ist der Film tadellos. Sowohl die handgemachten Effekte wie die Kreatur zu Beginn als auch die CGI sind auf gutem Niveau, Kameramann Jarrko Laine fängt die Landschaft ebenso virtuos ein wie die Gesichter der Protagonisten, die einen guten Teil der Story erzählen. Allerdings waren Bergholm und Drehbuchautor Ilja Ratsi deutlich mehr an den sozialen und den Coming-of-Age-Aspekten der Story interessiert als an ihrem Horrorpotenzial.

Das soll nicht heißen, dass Hatching langweilig oder harmlos wäre, beides ist nicht der Fall. Aber der Film lässt die viele Möglichkeiten liegen, seine Story noch deutlich intensiver und düsterer zu erzählen, als Bergholm das letztlich tut. So bleiben die Angriffe des Wesens auf andere die meiste Zeit des Films ein Mysterium, da der Film stets wegblendet, bevor eine Attacke wirklich startet. Bergholm wollte wohl nicht zu viel Monsteraspekte der Kreatur zeigen, um sie nicht zu unsympathisch zu machen. Das ist im Kontext der Geschichte auch nachvollziehbar. Dennoch wird Hatching dadurch etwas zu zahnlos, um echte Horrorfans abzuholen. Wer hingegen auch mit Dark Fantasy zufrieden ist und darüber hinaus auch Genre-Filme mit sozialem Kontext sehen möchte, wie beispielsweise „The Innocents„, der ist bei Hatching richtig.

Das Kind im Zentrum

Denn auch dieser nordische Film bezieht den Hauptteil seiner Schocks aus den Zuständen, in denen Kinder, hier Tinja und Matias, leben und den daraus entstehenden Reaktionen. Schnell wird klar, wer in Hatching das wahre Monster ist. Und in welcher Abhängigkeit Tinja leben und funktionieren muss, um wenigstens so etwas ähnliches wie eine Kindheit zu haben. Und so sind die Szenen, in denen die Mutter die Tochter drangsaliert, eigentlich die schlimmsten Momente des Films, denn sie sind mit Abstand die kältesten. Denn Tinja muss abwechselnd Sklavin und Vertraute sein, Kind sein darf sie hingegen nie. Dass sich dann Gefühle entwickeln, wie Bergholm sie in ihrem recht metaphorischen Film zeigt, dürfte keinen Zuschauer wundern.

Und Autor Rautsi hat sich zumindest einige der klassischen Themen des Horror-Genres angesehen und für sich genutzt. So ist das Doppelgänger-Thema eines der ältesten der Schauerliteratur überhaupt. Und auch ein wenig Dorian Gray lässt sich auf eine verdrehte Weise in Hatching wiederfinden. Im Finale erfüllt sich Tinjas Schicksal dann auch nicht wirklich unerwartet. Als Mensch mit Empathie, die dem Rest ihrer Familie augenscheinlich weitgehend abgeht, ist Tinjas Story konsequent zu Ende gebracht. Auch wenn die Figuren manchmal ein wenig schablonenhaft und satirisch wirken, sind sie doch lebendig genug, um das Publikum auf diese skurrile Reise mitzunehmen.

Ein Sonderlob gebührt dabei der inzwischen 13-jährigen Siiri Solalinna, die in ihrer Rolle als Tinja komplett überzeugt. Und es dem Publikum kaum möglich macht, dem Geschehen ohne große Emotion zu folgen. Außerdem ist das Creature-Design des Films absolut sehenswert. Was da aus dem Ei schlüpft, ist einerseits wirklich furchterregend, andererseits aber auch bemitleidenswert. Und wirkt für ein mechatronisches Gebilde auch noch erstaunlich lebendig. Auch wenn Hatching zu keinem Zeitpunkt die Intensität eines The Innocents erreicht, so ist er doch vor allem für Fans nicht ganz so rabiaten Horrors und Body-Horror-Freunden in jedem Fall einen Blick wert.

Fazit:

In Hatching geht das Gemisch aus klassischem und Body-Horror, Coming of Age-Story und böser Satire über fiese Mütter und desinteressierte Väter nicht immer ganz auf. Dennoch bleibt unter dem Strich mehr Licht als Schatten. Die junge Hauptdarstellerin ist großartig, die handgemachten Tricks, vor allem die Kreatur des Films, sind für das niedrige Budget (knapp vier Millionen Euro) sehr gelungen. Und emotional kalt lässt einen die Geschichte auch nicht, dafür sorgt neben Siiri Sololinna auch Regisseurin Hanna Bergholm mit klarem Strich, handwerklichem Können und stringent erzähltem Plot. Hatching ist damit zwar sicher noch kein neuer Meilenstein des Genre-Kinos, aber ein durchaus ansehnlicher Film, der vor allem Fans von Dark Fantasy absolut abholen dürfte.

Hatching startet am 28. Juli 2022 in den deutschen Kinos.

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Hier gibt es die Kritik zu The Boys Staffel 1.

Hier gibt es die Kritik zu The Boys Staffel 2.

Die Handlung

Ein Jahr ist vergangen. Butcher (Karl Urban) trauert immer noch um seine Frau und hält den Kontakt zu ihrem Sohn. Hughie (Jack Quaid) arbeitet mit der Kongress-Abgeordneten Victoria Neumann (Claudia Dounit) zusammen, die mit legalen Mitteln gegen die Supes kämpfen will. Dafür hat er die Boys verlassen. Er weiß nicht, dass Neumann in Wirklichkeit der Killer ist, der etliche Menschen durch Explosion ihrer Körper umbrachte – und somit selbst ein Supe. Annie alias Starlight (Erin Moriarty) lebt inzwischen mit Hughie zusammen. Und bildet mit Queen Maeve (Dominique McElligott) eine Widerstandszelle innerhalb der Seven, um den immer  unkontrollierter agierenden Homelander (Anthony Starr) im Auge zu behalten und rechtzeitig gegen seine Pläne agieren zu können.

Doch der Anführer des Teams ist zwar paranoid, aber nicht dumm. Immer wieder testet er aus, wie weit er beim Vought-Boss Edgar (Giancarlo Esposito) gehen kann, bevor der Maßnahme ergreift. Immer häufiger droht der wohl mächtigste Supe des Planeten Straight offen mit einem Putsch, um die ganze Erde unter seine Herrschaft zu zwingen. Währenddessen bleibt Meave nicht untätig und stattet Butcher mit einer neuen Droge aus, die den Nutzer zum Superhelden macht – allerdings nur für 24 Stunden. Mit dieser neuen Droge machen sich Butcher und die anderen Boys auf die Suche nach einer Waffe, mit der man Homelander umbringen könnte. Und ausgerechnet in Russland findet sich eine heiße Spur …

Noch blutiger als früher

Eric Kripke behält als Showrunner seinen Kurs bei. Auch The Boys Staffel 3 ist megabrutal, vielleicht sogar noch etwas derber als früher. Und lässt selbst Filme wie Deadpool dagegen harmlos aussehen. Der Comic-Story des irischen Autors Garth Ennis („Preacher“) dient der Serie weiterhin eher als lose Vorlage denn als genaue Blaupause. Entscheidend dabei ist, dass die klare Botschaft von Ennis, dass alle Superhelden in The Boys mehr oder weniger stark geisteskrank und potenziell extrem gefährlich sind, auch in der TV-Umsetzung um keinen Deut schwammiger wird. Subtil war Ennis nie, und auch Kripke setzt seine Story mit dem Holzhammer um. Damit möglichst kein Zuschauer im Unklaren darüber bleibt, wer hier die wahren Helden sind.

Und wie Ennis nutzt auch Kripke mit seinem Autorenteam die Möglichkeit, in der Maske einer Sci-Fi-Superhelden-Serie den USA den Spiegel vorzuhalten. Und die bigotte Politik, den extremen Einfluss der Medien und die total Geldgier in ebenso drastischen wie schwarzhumorigen Nebenplots zu attackieren. Das werden Zuschauer, je nach Humorverständnis, entweder sehr lustig finden. Oder darüber aufgrund der bösartigen Story nicht mehr darüber lachen können. Allerdings war The Boys wie die Comicvorlage schon seit der ersten Staffel eine extreme Geschmackssache. Wer die beiden ersten Staffeln mochte, und das waren weltweit sehr viele Zuschauer, wird mit The Boys Staffel 3 nun noch tiefer in den Kaninchenbau des blutigen Irrsinns geführt.

Duell der Psychopathen

Schon von Beginn an baut die Serie dabei Homelander und Butcher als zwei Seiten einer Medaille auf, deren letztliche Auseinandersetzung immer klar war. Kripke zeigt in der aktuellen Staffel aber vor allem, wie schnell der eigene moralische Kompass sich verstellen kann, wenn das Ziel nah vor Augen liegt. Wie bereits in den vorherigen Staffeln ist es wieder Starlight, deren Moralverständnis nach normalen Maßstäben noch funktioniert, während ihr Freund erneut den Versuchungen erliegt. Um die acht neuen Folgen mit möglichst viel Handlung zu füllen, hat Kripke diesmal ungewohnt viele Nebenplots beigefügt. So bekommt Frenchie (Tomer Capon) unliebsamen Besuch aus der Vergangenheit. Und auch Mother’s Milk (Laz Alonso) kann seine Kindheitstraumata nicht abschütteln.

Schauspielerisch ist The Boys Staffel 3 gewohnt gut. Anthony Starr ist als Homelander nach wie vor grandios. Karl Urban als Billy Butcher eine wunderbare Parodie auf den harten Kerl, der so oft flucht, dass er es schon gar nicht mehr merkt. Neuzugang Jensen Ackles als Soldier Boy wurde durch Kripke in Supernatural zum Star. Und zahlt seinem Mentor hier durch eine tolle Leistung einiges zurück. Der als böse Parodie auf Captain America gemeinte Held, der hier als feuchter Traum jedes strammrechten Republikaners agiert, macht dabei eine Menge Spaß. Und schürt so die Hoffnung, dass der Charakter der Serie in einer möglichen vierten Staffel erhalten bleiben möge.

Die Fans ließ im Vorfeld besonders die Nachricht aufmerken, dass in The Boys Staffel 3 die polarisierende Mini-Serie „Herogasm“ Teil der Story werden sollte. Zwar müssen sich die Zuschauer noch bis Episode sechs gedulden, aber Kripke hat auch hier geliefert. Ganz so pornographisch wie der Comic ist die Szene zwar nicht ausgefallen. Aber für eine TV-Serie liefert The Boys eine beachtliche Menge an Perversionen und Hemmungslosigkeit. Zudem muss man The Boys Staffel 3 attestieren, dass im Lauf der Handlung so etwas wie ein Abschiedsgefühl aufkommt und Kripke ein Ende in den Fokus nimmt. Das kann gut noch zwei Staffeln dauern. Aber deutlich mehr als fünf werden die Antihelden wohl nicht bekommen – zumindest nicht von Kripke.

Fazit:

Keine Gefangenen! Auch in The Boys Staffel 3 geht Serienschöpfer weder vom Gas. Noch erzählt er die Story etwas weniger ruppig und blutig als vorher – ganz im Gegenteil! Wenn der derbe Humor und die wenig zimperliche Darstellung von expliziter Gewalt bereits in den Vorgänger-Staffeln nicht ansprach, der wird hier auch keinen Grund finden, sich die Serie anzusehen. Wer aus diesen Gründen bereits Fan ist, bekommt genau das, was er sehen will. Und die auf den Punkt gebrachte Satire über die USA, deren Medien und das politische System dahinter, sind auch in der dritten Runde noch genauso sehenswert wie zu Beginn. Das darf gerne noch ein bis zwei Jahre weitergehen.

The Boys Staffel 3 starten am 3. Juni 2022 bei Amazon Prime Video mit drei Folgen, danach wöchentlich freitags eine weitere.

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Die Handlung

Es ist Pandemie. Dennoch möchte ein Filmstudio unbedingt einen neuen Film drehen – den sechsten Teil der mäßig erfolgreichen „Cliff Beasts“-Reihe. Dafür holen die Produzenten nicht nur Carol Cobb (Karen Gillan) zurück, die eigentlich nach Teil vier ausgestiegen war. Sondern auch die anderen Altstars wie Dustin Mulray (David Duchovny) und seine Frau Lauren Van Chance (Leslie Mann), deren Beziehung von Trennungen und Versöhnungen geprägt ist. Auch Esoterik-Schreiber Sean Knox (Keegan-Michael Key) ist abermals dabei. Als Regisseur hat die Studio-Obere Paula (Kate McKinnon) diesmal den Independent-Filmer Darren (Fred Armison) verpflichtet, der dem angestaubten Franchise neue Impulse verleihen soll. Und weil sonst kaum jemand dreht, erhofft sich das Studio mangels Konkurrenz einen echten Blockbuster.

Doch die Dreharbeiten stehen unter keinem guten Stern. Wegen eines positiven Tests startet die Produktion mit einer 14-tägigen Quarantäne, in der die Stars in ihren Hotelzimmern festsitzen. Die beiden Neuzugänge haben dazu Mühe, sich im Team einzufinden. Neben Tik Tok-Star Kristal Kris (Iris Apatow), die ihren ersten Film dreht und vor allem junges Publikum anziehen soll, ist auch Dieter Bravo (Pedro Pascal) dabei, der ein massives Drogenproblem hat. Und je länger die Dreharbeiten dauern, desto angespannter und schwieriger wird das Verhältnis zwischen Stars, Crew, Hotelstaff und Produzenten …

Ein typischer Apatow-Film

Regisseur Judd Apatow ist ein Komödien-Regisseur, der für ganz bestimmte Dinge steht. So ist der inzwischen 54-jährige nie davor zurückgeschreckt, die Grenzen des schlechten Geschmacks auszuloten, wenn er dort einen Lacher vermutet hat. Nachdem er sich mit „King of Staten Island“ 2020 in den Grenzbereich zwischen Drama und Comedy begab, ist er nun mit The Bubble wieder ganz in seinem Ursprungselement. Und erinnert in seiner bösen Satire auf das Filmbusiness nicht nur einmal an Filme von Adam McKay („Don’t Look Up“). Denn die kurzen, fiesen Kommentare und Dialoge strotzen vor Humor und treffen trotz einiger Albernheiten auch immer wieder voll ins Schwarze.

Denn Apatow verschont in seinem Script, das er gemeinsam mit Pam Brady schrieb, niemanden. Die geldgierigen Studiobosse kriegen genauso ihr Fett weg wie künstlerische Regisseure, neurotische Schauspieler und genervte Crew-Mitglieder. Nicht jeder Gag zündet, aber Apatow kommt hier über die Masse und bedient sich dabei auch verschiedener Arten Humor. Slapstick kommt ebenso vor wie geschliffener Wortwitz – und alles dazwischen. Am besten ist das Drehbuch aber immer dann, wenn es sich um Themen am Set lustig macht. Einige Gespräche zwischen Produzent, Regisseur und Schauspieler gelingen Apatow und Brady absolut grandios, weil sie nur wenig überdrehen und sich noch fast real anfühlen.

Wenn der Cast Spaß hat

Dass viele der Gags treffen, liegt zu einem guten Teil am Cast, der gewillt ist, sich über sich selbst lustig zu machen, um einen witzigen Film zu schaffen. Allen voran ist David Duchovny in einer Quasi-Wideraufführung seines Charakters aus „Californication“ in jeder Szene so präzise im Timing, dass er die meisten Lacher im ganzen Film sammelt. Seine Film-Ehefrau Leslie Mann (im wahren Leben Ehefrau von Apatow) spielt sich mit ihm die Bälle gekonnt zu und man merkt ihr an, wie gut sie den Humor verstanden hat, den ihr Gatte zu erzeugen versucht. Tochter Iris hat diesen offenbar schon mit der Muttermilch eingesogen, denn auch sie funktioniert innerhalb des Ensembles in guten Apatow-Parametern.

Dagegen gerät Karen Gillen als eigentliche Hauptfigur fast ein wenig ins Hintertreffen. Weil ihr Charakter schlicht noch der normalste von allen ist und die Gags daher meist auf ihrem Rücken ausgetragen werden. Vor allem ihre Telefonate mit ihrem Freund, der daheim das Haus hütet, sind sehr gelungen. Auch sie kann allerdings nicht verhindern, dass The Bubble nach starkem Auftakt nach gut einer Stunde in ein Loch gerät, aus dem er sich erst gegen Ende wieder herauskämpft. Einzelne Szenen wie ein blutiger Fluchtversuch setzen immerhin Akzente, weil Apatow den Wahnsinn manchmal weitertreibt, als der Zuschauer das erwartet. Dennoch sind die zwei Stunden Laufzeit etwas zu viel, um durchgehend witzig zu sein.

Etwas weniger gelungen sind auch Apatows Spitzen gegen die „Jurassic Park/World“-Reihe. Große Chancen, jemals einen davon zu inszenieren, dürfte der Regisseur nach The Bubble jedenfalls nicht mehr haben. Es ist aber anzunehmen, dass Apatow damit gut leben kann.

Fazit:

The Bubble ist ein nicht immer treffsicherer, aber über weite Strecken sehr unterhaltsamer Spaß, der mit typischen Hollywood-Klischees eine böse Satire über den Filmbetrieb zeigt. Die gute Besetzung hat offensichtlich Spaß an den Rollen, viele der One-Liner sitzen perfekt im Ziel und der grundsätzlich leicht ätzende Ton dürfte vor allem Fans von Regisseur Judd Apatow und Kollegen wie Adam McKay ansprechen. Zwei Stunden erweisen sich für das Drehbuch allerdings als zu lang – nach etwa einer Stunde flacht der Film merklich ab und braucht bis zum FInale, um wieder in die richtiger Spur zu kommen. Der finale Einfall ist allerdings wieder Gold wert.

The Bubble startet am 1. April 2022 bei Netflix.

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Die Handlung

2045: Die geschiedene Alice (Elsa Zylberstein) hat gerade den Kunstkenner Max (Stephane De Groodt) und dessen Sohn Leo (Helie Thonnat) zu Gast, als ihr Ex-Mann Victor (Youssef Hajdi) mit seiner neuen Freundin Jennifer (Claire Chust) und Alices‘ und Victors Tochter Nina (Marysole Fetard) hereinplatzt, deutlich zu früh. Die beiden wollen eine Reise machen und Nina deshalb bei ihrer Mutter abliefern. Als auch noch Nachbarin Francoise (Isabelle Nanty) vorbeischaut, weil sie bei sich zuhause kein Netz mehr hat, sind nicht nur Alices Hausroboter Monique (Claude Perron) und Einstein überfordert, auch die Hausherrin ist über den Andrang an Menschen in ihrem Heim mehr als irritiert.

Als dann die Haus-KI Nestor als Sicherheitsmaßnahme die Haustür verriegelt und die Menschen darin zu deren eigener Sicherheit gefangen hält, ist das Maß voll. Alice und ihre Gäste versuchen alles, um die Roboter auszutricksen und die Tür nach draußen zu öffnen. Dabei versuchen die Insassen es sowohl mit Gewaltandrohungen als auch mit ausgefuchster Psychologie, um den KIs beizukommen. Doch die beginnen lediglich, sich aufgrund philosophischer Debatten auch für Menschen zu halten. Und schließlich wird Alice und ihren Gästen klar, dass die Hausroboter ihre Menschen nicht aus niederen Gründen gefangen halten, sie wollen sie vor dem beschützen, was draußen vorgeht. Und das ist alles andere als erfreulich, wie der Besuch eines Sicherheitsroboters beweist …

Zu wenig Jeunet

Hat jeder Künstler seine Zeit? Ein geheimes Ablaufdatum, nachdem die Muse schlicht nicht mehr küsstt? Häufig sieht man bei Musikern, Autoren und anderen Künstlern eine großartige Phase. Die aber in den seltensten Fällen ein Leben lang anhält. Irgendwann scheint es mit den ganz großen Ideen vorbei zu sein. Zumindest lässt sich diese Theorie auf Jean-Pierre Jeunet anwenden, der offenbar seinen kreativen Pool nach seinen ersten erfolgreichen Filmen weitgehend ausgeschöpft hat. Denn Bigbug ist von einem frühen Jeunet in Sachen Einfallsreichtum und Witz leider weit entfernt. Die durchaus ansprechenden Grundidee einer Zukunft, in der Schreiben können schon als Kunst gilt und die Menschheit dank ihrer Roboter immer mehr verdummt, ist nicht sonderlich neu.

Zwar gibt es auch bei Bigbug immer wieder kleine Momente, in denen der einstige Jeunet noch durchblitzt. Insgesamt hangelt sich der Film aber deutlich zu lange 110 Minuten an einer Idee entlang, der er nur wenig Neues oder Unterhaltsames abgewinnen kann. Und bei der auch längst nicht jede Pointe im Ziel sitzt. Vor allem ein paar der Figuren geraten statt witzig lediglich nervtötend. So ist der lüsterne Max schon deshalb wenig unterhaltsam, weil er keine andere Aufgabe bekommt als Alice ins Bett zu kriegen. Da ist sein Leo, der ganz andere Ziele hat als sein Vater und dennoch erfolgreicher ist, sehr viel unterhaltsamer geraten. Und auch Jennefer ist als strunzdumme Brünette ein sehr unlustiges Klischee, das da durch Jeunets neuen Film trippelt.

Kaum frische Ideen zu einem alten Thema

Dabei lässt sich den Schauspielern eigentlich gar kein Vorwurf machen. Auch hier muss sich Jeunet, der am Script mitarbeitete, die Kritik gefallen lassen, dass viele Dialoge schlicht platt ausfallen und mit früheren Filmen des Franzosen nicht mithalten können. Die Schauspieler können nur das spielen, was man ihnen vorgibt. Neben den beiden jungen Darstellern Marysole Fetard und Heli Thonnat fällt da noch Claude Perron positiv auf, die ihrer Rolle der robotischen Haushaltshilfe Monique ein paar gute Pointen abgewinnt. Insgesamt aber ist die Idee der Übernahme der Welt durch künstliche Intelligenz und Roboter schon sehr ausgelutscht und Jeunet findet selten den richtigen Dreh, daraus eine satirische Komödie zu machen, die auch funktioniert.

Die Handlung weist dabei kaum Höhepunkte auf und plätschert lange Zeit vor sich hin, bevor sie gegen Ende mit körperlichen Höhepunkten ein kleines Highlight setzt, das ein wenig an die noch deutlich bessere Matratzen-Sinfonie aus Delicatessen erinnert. Wenn aber eine Szene am stärksten ist, in der sich der Regisseur selbst zitiert, sagt das genug über Bigbug aus. Allerdings ist der Film auch kein Totalausfall, denn gerade im Bereich der Optik ist Jeunet immer noch in Form. Die Wohnung in Pastellfarben, das Aussehen der verschiedene Roboter, da blitzt das Können aus seinen frühen Werken deutlich hindurch. Wer sich also für Filme begeistern kann, die eine eigene Ästhetik mitbringen, dürfte mit Bigbug durchaus seinen Spaß haben.

Jeunets frühere Filme lebten sehr davon, dass sie bei aller Satire und durchaus boshaftem Witz ein paar Charaktere aufwiesen, die Jeunet als sympathische Helden ihrer eigenen Geschichte auftreten ließ. Davon ist bei Bigbug wenig zu spüren. Jeunets Kritik an der Menschheit ist hier fast allumfassend – bis auf die beiden Teenager kommt hier keiner gut weg. Um über sich selbst lachen zu können, sollte eine Satire aber witzig sein. Immerhin entlässt der Schlussgag über die Intelligenz von Maschinen, die von Menschen gebaut wurden, den Zuschauer mit einem Lächeln aus dem Film. Für Jeunets ersten Film seit acht Jahren ist Bigbug dennoch eine Enttäuschung.

Fazit:

Mit Bigbug kann der ehemalige Kult-Regisseur Jean-Pierre Jeunet seinem Ruf nicht gerecht werden. Zwar entdecken Fans hier und da noch das alte Talent für schräges Set-Design und abstrusen Humor wieder. Aber das blitzt letztlich viel zu selten durch in einem ansonsten reichlich durchschnittlichen Film mit ausgelutschtem Plot und wenig neuen Ideen. Zudem braucht der Film gut eine Stunde, bevor er überhaupt richtig Fahrt aufnimmt. Wer da an Delicatessen oder Die fabelhafte Welt der Amelie denkt und weiß, in welchem Tempo diese Filme erzählt wurden, der wird hier nicht zufrieden sein. Mit diesem Netflix-Projekt dürfe der Franzose seine Karriere wohl nicht wieder in Gang bringen. Sehr schade.

Bigbug startet am 11. Februar 2022 bei Netflix.

Mehr Kritiken zu Netflix-Filmen gibt es hier.

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Die Handlung

1995 in Los Angeles. Tommy Lee (Sebastian Stan) und Pamela Anderson (Lily James) sind gerade frisch verheiratet und der Rocker möchte den ersten Stock seiner Prunkvilla zum Sex-Paradies für sich und seine Frau umbauen lassen. Dafür heuert er unter anderem den Tischler Rand (Seth Rogen) an. Obwohl er mit den Handwerkern Vorauszahlung abgemacht hat, kommt Tommi aber mit immer neuen Ideen und Änderungen für seine Spielwiese aus Betten, Schaukeln und ähnlichem im die Ecke, aber nicht mit einem müden Dollar. Schließlich haben die Handwerker die Nase voll davon, alles vorstrecken zu müssen, was an Kosten anfällt und schicken Rand vor, um mit Tommy über die Situation zu reden. Doch der wird wütend und feuert alle, die bisher mit dem Bau zu tun hatten.

Rand ist darüber derart sauer, dass er sich vornimmt, dem Rockstar dafür mächtig eins auszuwischen. Und er weiß, dass Lee in seiner Garage einen großen Safe untergebracht hat. Auf den hat es Rand abgesehen und es gelingt ihm nach wochenlangen Vorarbeiten tatsächlich, unbemerkt den massiven Geldschrank aus T0ommy Lees Anwesen zu klauen und ihn im Wald aufzubrechen. Dass sich darin neben etlichen Waffen und einer ordentlichen Menge Bargeld auch ein Videotape befindet, interessiert Rand zuerst überhaupt nicht. Doch dann schnappt er sich das Band und besucht damit seinen Kumpel Miltie (Nick Offerman), einen Porno-Regisseur und Produzenten. Der hat die Ausrüstung, um ein Hi 8-Band abzuspielen. Die beiden trauen ihren Augen kaum, als sie sehen, was auf dem Tape tatsächlich aufgenommen wurde …

Wer den Schaden hat …

Die älteren Zuschauer werden sich an den Skandal der 90er noch erinnern können, denn die Mini-Serie (acht Episoden) beruht auf wahren Begebenheiten. Neben dem Medien-Rummel um zwei junge Menschen, denen jeder das zugetraut hätte, was dann auf dem Tape auch zu sehen war, diente der Fall aber auch als Lehrbeispiel über das damals noch recht junge Internet. Denn wie alle Beteiligten lernen mussten: Was einmal im Internet ist, bleibt auch dort. Private Aufnahmen lassen sich von dort nie restlos entfernen. Und so kann auch heute noch jeder Internet-Nutzer das Video sehen, wenn er eine Suchmaschine bemüht. Insofern hat sich der Rachegedanke des Handwerkers, der Tommy Lee leiden lassen wollte, auf sehr nachhaltige Art durchgesetzt.

Doch man täte der Mini-Serie unrecht, würde man sie nur auf die Sex-Video-Story reduzieren. Denn Seth Rogen und Evan Goldberg, die die Serie entwickelt haben und produzieren, wollten auch die Personen hinter dem Skandal zeigen – und sich ordentlich über alle Beteiligten lustig machen. Und so holten sie als Regisseur Craig Gillespie an Bord, der mit „I, Tonya“ bereits einen anderen Medien-Skandal ebenso genüsslich wie witzig sezierte. Wie schon in seinem Kinofilm setzt Gillespie mit seinem Autoren-Team dabei auch leichte Übertreibung und lässt seine Figuren in einem Raum zwischen Ernsthaftigkeit und Parodie agieren. Damit das gut funktioniert, braucht es natürlich Schauspieler, die das umsetzen können. Und die haben Gillespie, Goldberg und Rogan gefunden.

Großartig gespielt

Sebastian Stan geht in seiner Rolle als reichlich bescheuerter Metal-Drummer voll auf. In den Szenen, in denen er sich mit seinem (gut sichtbaren, aber falschen) Penis unterhält, sind absolut grandios. Aber auch sonst hat man beim Zusehen das Gefühl, Stan habe sich in diesen Charakter mit allem hineingeworfen, was er hat. Dementsprechend gut ist das Ergebnis. Und doch stiehlt ihm noch jemand die Show, denn Lily James ist als blondes Dummchen Pamela Anderson einfach großartig. Wie sie ihre künstlichen Brüste stolz durchs Bild trägt, mit jedem Augenaufschlag Naivität vermittelt und dennoch bewusst oder unbewusst jeden Mann in ihrer Umgebung wuschig macht, das ist immens wichtig für die Figur – und James meistert das perfekt.

Besonders erwähnenswert ist dabei die Tatsache, dass dennoch keine der Figuren unsympathisch wirkt. Schnell hakt man als Zuschauer Pam und Tommy als das ab, was sie wohl im echten Leben auch wahren und hat ab da Spaß daran, dieses Rock’n’Roll-lebende Pärchen beim Sex, beim Feiern und bei teilweise unfassbar dummen Gesprächen zu beobachten. Dass dabei wenig Klischees ausgelassen werden, ist ebenso wahr wie die Tatsache, dass dir realen Vorbilder das eben auch nicht getan haben. Gillespie gelingt es, seinen Charakteren eine Restwürde zu lassen, egal wie derbe er sie durch den Kakao zieht. Und so geht Pam and Tommy beim Zusehen nie wirklich unangenehm tief in den Fremdschäm-Bereich, sondern bleibt erträglich. Und streckenweise brüllend komisch.

Wenn man an dem Format etwas kritisieren kann, dann ist es die Länge. Die ganze Story wird etwas zu gemächlich erzählt, um den Zuschauer permanent zu interessieren. Gerade die Rolle von Steh Rogen, die alles andere als aufregend ausfällt, vergleich man sie mit dem Glamour-Paar, hat manchmal quälend lange Szenen, in denen kaum etwas passiert. Möglicherweise wäre Pam and Tommy mit sechs statt acht Folgen sogar noch etwas besser geworden. Ansehen kann man sich diese sehr witzige, wenn auch spezielle Aufarbeitung eines der großen Medienskandale der 90er aber auf jeden Fall.

Fazit:

Auch Zuschauer, die sich an die 90er noch nicht erinnern können, werden bei Pam and Tommy ihren Spaß haben. Satire-Spezialist Craig Gillespie inszeniert die Story um zwei Mega-Stars der 90er und ihren Sex-Skandal mit leichter Hand und manchmal derben, aber nie zynischen Humor. Sebastian Stan und Lily James sind dabei eine Traumbesetzung als wildes Paar im Zeichen des Rock’n’Roll-Lifestyles der Zeit. Und mit den Serienschöpfern Seth Rogen und Evan Goldberg („The Boys“) kann man sich auch sicher sein, Bilder zu sehen zu bekommen, die deutlich unter die Gürtellinie gehen. Wer sich also einen sprechenden Penis nicht entgehen lassen will, sollte einschalten. Man kann sich die Mini-Serie aber auch aus anderen Gründen gut ansehen.

Pam and Tommy startet am 2. Februar 2022 bei Disney+.

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Mit scharfen Analysen politischer Gegebenheiten, verpackt in beißendem Spot, witzelte sich der 57-jährige Jon Stewart in die Herzen vieler Millionen Amerikaner. Stewart gilt als einer der politischsten Comedians des Landes. Und nahm in der Daily Show selten ein Blatt vor den Mund, wenn es darum ging, Miss-Stände im Land anzuprangern. Daher muss das Publikum eigentlich bei Irresistable eine bitterböse Abrechnung mit der Trump-Ära erwarten – aber ist das tatsächlich so? Das klärt die Kritik.

Irresistable: Die Handlung

Der demokratische Wahlkampf-Manager Gary Zimmer (Steve Carell, „Space Force“) leckt sich nach der Niederlage von Hillary Clinton immer noch die Wunden, als einer seiner Assistenten ihm ein Video zeigt, das gerade viral geht. Darin setzt sich der Farmer und Ex-Colonel Jack Hastings (Chris Cooper) vor dem Stadtrat seiner kleinen Gemeinde in Wisconsin leidenschaftlich für die Belange der illegal eingereisten Immigranten ein, die dort seit langer Zeit schon leben. Zimmer wittert sofort die Chance auf ein Comeback auf der politischen Bühne.

Und so reist er selbst nach Deerlaken, um Hastings davon zu überzeugen, als Bürgermeister der Stadt zu kandidieren – und natürlich zu gewinnen. Zuerst ist der Witwer zögerlich, aber seine Tochter Diana (Mackenzie Davis) überredet ihn, als Demokrat zur Wahl anzutreten. Schon bald läuft Zimmers Wahlkampf an. Und ruft prompt seine republikanische Gegnerin Faith Brewster (Rose Byrne) auf den Plan. Die nun dem eigenen Kandidaten unter die Arme greifen will. Bald fließen Millionen, um in der Kleinstadt die Wahl zu entscheiden …

Erstaunlich versöhnlich

Wer erwartet hat, bei Stewarts zweiter Regie- und Drehbucharbeit einen bösen, galligen Film mit ätzendem Humor zu sehen, sieht sich getäuscht. Stewart legt einen erstaunlich leichten Ton an den Tag, mit dem er sich über die typischen Wahlkampf-Gepflogenheiten der Amerikaner lustig macht. Darüber hinaus singt er das hohe Lied des mündigen und gar nicht so dummen Wählers, der sehr genau spürt, wer auf seiner Seite steht – und wer nicht. Zudem macht sich Stewart gekonnt über Vorurteile lustig, die der Washingtoner Zimmer über das Landleben mitbringt.

So ist ein Running Gag des Films, dass der Wirt der Bar, in der Zimmer immer absteigt, extra Burger besorgen muss, weil Zimmer welche bestellt ohne auf die Karte zu sehen. Er geht einfach davon aus, dass die Hinterwäldler nur Burger essen. Das knallt Stewart dem Zuschauer aber nicht grob vor die Brust. Sondern spinnt ein feines Netz aus kleinen Peinlichkeiten, das sich am Ende entfaltet und so seine volle Wirkung zeigt. Wie auch der Schluss nochmals ein Highlight des Films darstellt, weil man diesen Twist wahrlich nicht kommen sieht.

Irresistable: Toll gespielt

Stewart hat hier also ein wirklich gutes und originelles Drehbuch abgeliefert, dass dank seinen Hauptdarstellern Steve Carell und Rose Byrne auch noch wunderbar im Ton alter Screwball-Komödien daherkommt und großartig frotzelnde Dialoge liefert. Carell spielt dabei seine typische Rolle des sich mühsam kontrollierenden Cholerikers einmal anders und darf wesentlich beherrschter und ruhiger sein als min anderen Komödien. Und Rose Byrne hat sichtlich Vergnügen am dem fiesen, aber sehr cleveren Biest, das sie hier spielen darf.

Aber auch Chris Cooper als rumpeliges Landei mit dem Herzen auf dem rechten Fleck und Mackenzie Davis als seine sehr kluge Tochter zeigen eine starke Leistung. Abgerundet wird das starke Ensemble von guter Situationskomik und gelungenen Parodien auf Archetypen. Bei der Inszenierung verzichtet Stewart hingegen auf Schnick-Schnack und erzählt seine Story in ruhigen, fast nüchternen Bildern. Denn der Regisseur und Autor verlässt sich zurecht ganz auf seine starke Story und lenkt den Zuschauer nicht davon ab.

Auch thematisch erweist sich Stewart als Fachmann für seine Materie. Und setzt so immer wieder treffende Spitzen über den US-Wahlkampf, die Rolle der Medien darin und die umfassenden Analysen über jede mögliche Wählergruppe. Als größter Fehler des Films erweist sich daher eine Tatsache, für die er gar nichts kann. Die Leute, die ihn am nötigsten sehen sollten, werden ihn vermutlich ignorieren. Und die, die ihn sich ansehen, werden wenig Neues erfahren. Dafür aber eine Menge Spaß haben.

Fazit:

Irresistable – Unwiderstehlich ist eine witzige und für den mitunter beißend spöttischen Comedian Jon Stewart erstaunlich milde Satire über den US-Wahlkampf mit all seinen Skurrilitäten. Stark besetzt und gut gespielt, bringt der Film die Absurditäten des US-Wahlkampf-Systems schön auf den Punkt und macht dabei noch eine Menge Spaß. Und der finale Twist ist auch nicht von schlechten Eltern. Wer Freude an geschliffenen Dialogen und guten Polit-Satiren hat, sollte diesen Film nicht verpassen.

Irresistable startet am 6. August 2020 in den deutschen Kinos.

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Das Leben nach dem Tod – oder das Vermeiden des Todes – sind in der Science-Fiction schon lange ein beliebtes Thema. Auch Netflix hat mit „Altered Carbon“ bereits eine harte Sci-Fi-Serie im Programm, die sich im Kern mit der Frage beschäftigt, wie eine Gesellschaft aussieht, in der der Tod keine große Rolle mehr spielt. Greg Daniels‘ Idee ist allerdings viel näher an unserer Realität und verändert in uns bekannten Alltag nur wenig. Wie überzeugend ist die Satire über das Leben als Bewusstsein ausgefallen?

Upload: Die Handlung

Nathan (Robbie Amell) hat alles, was ein junger Mann sich nur wünschen kann. Als Programmierer arbeitet er mit seinem besten Freund an einer App, die das Leben aller Menschen zum Positiven verändern könnte. Und seine Freundin Ingrid (Allegra Edwards) ist zwar ein wenig bestimmend, liebt ihn aber sehr und unterstützt ihn mit dem Geld ihrer reichen Familie, wo sie nur kann. Das alles ändert sich, als Nathan mit den angeblich zu hundert Prozent sicheren selbstfahrenden Autos einen schweren Unfall hat.

Obwohl seine Vitalwerte noch nicht besorgniserregend sind, überredet ihn Ingrid, seinen Körper aufzugeben und sein Bewusstsein in die virtuelle Residenz Lake View übertragen zu lassen, wo ihre Familie mehrere Zimmer besitzt. Von nun an altert Nathan nicht mehr und er lebt in einem Luxushotel mit anderen Gästen zusammen, die es sich ebenfalls leisten können, im Tode extrem feudal zu leben. Dass dieses Leben dennoch so seine Tücken hat, merkt Nathan schnell. Zum Glück steht ihm die entzückende Nora (Andy Allo) als Ratgeber zur Verfügung …

Upload: Instagram-Nippel

Greg Daniels‘ Blick auf das ewige Leben, dass aus ständigen Wiederholungen, immer den gleichen Gesichtern und der einen oder anderen Paywall besteht, beweist einmal mehr sein Können. Denn Upload ist tatsächlich sehr witzig, wenn der Zuschauer einen eher dunklen Humor aufweist. In bitterbösen Szenen macht sich Daniels über die Technikgläubigkeit der Menschen ebenso lustig wie über Eigenheiten des Kapitalismus, die auch nach dem Tod noch ihre volle Gültigkeit behalten. Dabei baut er auch Seitenhiebe ein, die sich erst später erschließen.

So gibt es in der Pilotfolge eine Sexszene zwischen Nathan und Ingrid, in der vieles zu sehen ist – nur keine Nippel. Die Kamera bietet dem Zuschauer dabei sogar skurrile Perspektiven, nur um Ingrids Brustwarzen zu verdecken. Einige Folgen später bekommt das Publikum dann aber doch eine Nacktszene zu sehen – mit Nippeln. Verboten war es also von Seiten der Produktion nicht. Was nur den Schluss zulässt, dass Daniels damit einen Kommentar zu Instagram abgeben wollte. Nicht die letzte, kleine Attacken auf momentane Merkwürdigkeiten.

Upload: Mehr als nur Satire

Anspielungen auf bestehende Systeme und Geschäftsgebaren, die jeder Nutzer kennt, sind in Upload ebenso zuhause wie mehrere Storys und Genres. Denn Nathans Erlebnisse in der virtuellen Welt sind zwar auch witzig, bekommen aber immer wieder Gesellschaft von ernsten Szenen oder Momenten, die ans Herz gehen. Daniels gelingt es, Upload zu einer Love-Story, einer Detektivgeschichte, einer Medien-Satire und einem klugen Kommentar zum modernen Leben zu machen. Das ist ist auch deshalb beeindruckend, weil alles nebeneinander gut funktioniert.

Zwar ist der Krimi-Part um Nathans merkwürdigen Tod letztlich wenig originell und auch etwas kurz- Dafür gelingt den Autoren die wundervolle Liebesgeschichte zwischen Nathan und seiner Betreuerin Nora ausgezeichnet. Ein paar der schönsten Szenen der Serie brauchen nicht mehr als diese beiden. Robbie Amell und Andy Allo beweisen in Upload nicht nur, dass sie gute Schauspieler sind. Die Chemie zwischen den beiden stimmt einfach. Vieles zwischen den beiden funktioniert ganz wunderbar mit nur wenig oder gar keinem Text.

Selbst Zuschauer, die weder sonderlich am Krimi-Teil noch an der Love-Story interessiert sind, kommen bei Upload aber auf ihre Kosten. Denn die Autoren verstehen es ausgezeichnet, die aktuelle Gesellschaft mit Likes, Online-Dating und anderen mehr oder minder skurrilen Auswüchsen der Vernetzung gallig aufs Korn zu nehmen und sich über diese Merkwürdigkeiten lustig zu machen. Zudem beschert die Serie dem Zuschauer ein Finale, das geradezu nach einer weiteren Staffel schreit. 

Fazit:

Greg Daniels kann es einfach! Upload ist toll geschrieben, gut gespielt und bietet als Comedy mit Dramedy-Anflügen eine emotionale Bandbreite, die man bei Ansicht des Trailers noch nicht vermuten würde. Aber hier existieren Love-Story, Medien-Satire und auch düstere Momente in friedlicher Harmonie. Lange hat eine Comedy-Serie ihren Protagonisten nicht mehr so übel mitgespielt. Doch Upload ist so gut gemacht, dass das Publikum dennoch seinen Spaß daran hat – auch wenn mitunter Mitleid aufkommt. Hier lohnt sich das Einschalten!

Upload startet am 1. Mai 2020 bei Amazon Prime.

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Schon in der Dramedy „Simpel“ agierten David Kross und Frederick Lau gemeinsam vor der Kamera, damals als Brüderpaar. Da stimmte die Chemie zwischen den beiden Schauspielern, die von Emilia Schüle noch unterstützt wurde. Für ihr neues gemeinsames Projekt haben sich Lau und Cross Janina Uhse dazugeholt. Können sie auch diesmal als abgezockte Gauner überzeugen? Und ist Betonrausch, der sich deutlich sichtbar Inspiration bei Martin Scorseses „Wolf of Wall Street“ geholt hat, ähnlich sehenswert? Die Antwort liefert die Kritik.

Betonrausch: Die Handlung

Als Viktor Stein (David Kross) mit ein paar Euros in der Tasche aus der Provinz nach Berlin kommt, merkt er schnell, dass mit harter Arbeit wenig von dem zu holen ist, was der junge Mann sich erträumt. Und so dreht er bald seinen ersten Coup. Statt auf dem Bau zu malochen, mietet er Luxus-Appartments mit falschen Papieren an – und vermietet die an die Schwarzarbeiter aus Bulgarien weiter, die er auf dem Bau kennengelernt hat. Das geht zwar nur ein paar Wochen gut, aber sein Startkapital für weitere Pläne hat sich Viktor da schon ergaunert.

Und dabei auch die Bekanntschaft von Gerry (Frederick Lau) gemacht, der in Viktor ein Naturtalent für Blendung und Austricksen sieht. Die beiden werden Partner und ziehen sich bald darauf einen dicken Immobilienfisch an Land – ein Haus mit 20 Wohnungen im Berliner Osten. Doch den Deal können die beiden nicht allein stemmen und so holen sie sich Gerry Schulfreundin Nicole (Janina Uhse) mit ins Boot, die bei einer Bank arbeitet und den potenziellen Käufern die notwendigen Kredite verschafft. Und schon rollt das ganz große Geld …

Betonrausch: Satire oder nicht?

Koks und Nutten in Zeitlupe. Mehr als einmal greift Regisseur und Drehbuchautor Cüneyt Kaya zu diesem Bild, um dem Zuschauer die dekadente Welt der beiden Betrüger vor Augen zu führen. Leider nicht das einzige Klischee, an dem Betonrausch krankt. Ob Nobelkarossen, Mega-Villa oder fette Klunker – Kaya lässt kaum ein Vorurteil aus, das der kleine Mann über die große, böse Gangsterwelt kennt. Und verzichtet damit auf jegliche Zwischentöne, die er durchaus in seiner Story vorgesehen hatte, die aber gegen die geballten Stereotypen nicht ankommen.

So gibt er zumindest seinem Helden Viktor eine Back-Story, die dessen Verhalten erklärt. Und räumt seiner Vergangenheitsbewältigung sogar reichlich Platz in seinem 90-Minüter ein. Das passt allerdings nicht sonderlich gut zu seinem Satire-Ansatz, der ansonsten davon lebt, möglichst eindimensionale Figuren zu zeigen. Für den Protagonisten Verständnis oder gar Mitleid aufzubauen, verwässert den schwarzhumorigen Ansatz des Films denn auch deutlich. Nicht das einzige Mal, dass Kaya Probleme mit der Tonalität des Films bekommt.

Betonrausch: Sympathische Gangster

Was auch an den Darstellern liegt. Denn während Janina Uhse das gierige Biest durchaus glaubhaft verkörpert, sind Cross und Lau derart sympathisch, dass man den beiden trotz nachgewiesener Gemeinheiten eigentlich gar nichts Schlechtes wünscht. Das ist von einem DiCaprio, dem man gern abstoßend fand, doch weit entfernt. Die Männerfreundschaft, die wohltuend offen bleibt, ist denn auch eines der Highlights in Betonrausch. Es macht einfach Spaß dabei zuzusehen, wie sich Gerry und Viktor beim Betrügen die Bälle zuspielen. 

Denn hier bringt Kaya auch ein paar Spitzen gegen die Gesellschaft unter, die den beiden ihr Geschäft mitunter allzu leicht macht. Bis es dann wieder in Sophia Thomallas Puff geht und die Gangster sich aufführen, wie sich das wohl ein Zwölfjähriger nach Sichtung einiger Gangster-Rap-Videos vorstellt. Oder Viktor mit Familie in ein Haus zieht, das Al Pacino in „Scarface“ zur Ehre gereicht hätte. Wäre es Kaya gelungen, diese Marschrichtung durchzuziehen, er hätte einen herrlich galligen Kommentar zur Nachwendezeit abgeben können.

Doch offenbar lag ihm mehr an seinen Figuren, als es für eine Satire gut ist. Seinen kriminellen Helden Herz und Seele zu geben, ist mitunter schön anzusehen, macht Betonrausch aber auch zu melodramatisch für eine schwarze Komödie. Und das letzte Drittel des Films gehört dann ganz David Kross als mehr oder weniger geläuterter Verbrecher, dem plötzlich ganz andere Werte wichtig sind. Das ist gut gespielt, passt aber nicht so recht zum Rest der Story. Ganz ansehnlich und durchaus unterhaltsam ist Betonrausch geworden, richtig gut leider nicht.

Fazit:

Regisseur und Autor Cüneyt Kaya bietet in seinem Betonrausch durchaus gute Ansätze und Ideen für eine böse Satire über die Natur des Menschen, kann sich aber nicht entscheiden, welchen Film er eigentlich drehen will. Und so verliert seine Satire durch zunehmend melodramatische Momente ebenso an Biss wie durch ausgelutschte Klischees von „Fuffis im Club“ und ähnlich ärgerliche Szenen. Wegen der tadellos aufspielenden Stars David Kross und Frederick Lau ist die zweite deutsche Netflix-Produktion durchaus sehenswert, hätte aber noch besser sein können.

Betonrausch startet am 17. April 2020 bei Netflix.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

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Es gibt nicht viele Filmemacher, die es gewagt haben, den Terror der Nazis zum Thema eines humorvollen Films zu machen. Da gibt es „Sein oder Nichtsein“ von Ernst Lubitsch, „Das Leben ist schön“ von Roberto Benigni – aber dann? Dann wird es schon knapp mit weiteren Beispielen. Nun hat Taka Waititi sich an die Verfilmung des Romans „Caging Skies“ von Christine Leunens gemacht, der sich um einen Jungen in den Fängen der Nazi-Ideologie dreht. Ist das wirklich sehenswert oder hat Waititi mit seiner Adaption dem Buch keinen Gefallen getan?

Jojo Rabbit: Die Handlung

Der 10-jährige Jojo (Roman Griffin Davis) ist eine fanatischer Hitlerjunge. Und führt regelmäßig Gespräche mit seinem imaginären Freund Adolf Hitler (Taiki Waititi). Als er sich bei einer Waffenübung mit Granaten besonders hervortun will, wird er schwer verletzt und liegt lange im Krankenhaus. Narben im Gesicht bleiben ihm für immer. Als er wieder nach Hause kommt, in dem nach der Abkommandierung seines Vaters an die Front und dem Tod seiner Schwester nur noch Mutter Rosie (Scarlett Johansson) lebt, erlebt er eine Überraschung.

Rosie, die heimlich gegen die Nazis arbeitet, hat im oberen Stockwerk hinter einer Holzvertäfelung die 15-jährige Elsa versteckt hält – eine Jüdin. Weil Jojo durch seine Nazi-Kontakt weiß, dass alle Juden Dämonen sind, hat er zunächst Angst und überlegt dann, wie er den unerwünschten Gast loswerden kann. Doch obwohl Adolf immer wieder gute Ideen dafür hat, klappt es nie. Und schließlich beginnt Jojo, sich mit Elsa anzufreunden. Und versteht langsam, dass möglicherweise nicht alles stimmt, was er in der Schule über Juden gelernt hat …

Jojo Rabbit: Kriegshorror aus Kindersicht

Eigentlich kann man mit einer Komödie über Nazideutschland nur falsch liegen. Das Thema ist derart schwierig und heikel umzusetzen, dass wohl nie ein Deutscher und auch kaum ein Europäer auf die Idee kommen würde, darüber eine Tragikomödie zu machen. Und so brauchte es einen Neuseeländer, der sich traute, das Projekt zu stemmen. Und auch gleich noch Drehbuch und Nebenrolle zu übernehmen. Offenbar ist der Abstand zwischen Neuseeland und Deutschland groß genug, um einen Film zu machen, der ohne den typischen Ballast daherkommt.

Aus den Augen eines Kindes erzählt Waititi von den großen Lügen, die zum Ende des Krieges hin nur noch die allertreuesten Hitler-Verehrer für bare Münze nehmen, wie Fräulein Rahm (Rebel Wilson). Aber Hauptmann Klenzendorf (Sam Rockwell) glaubt die Propaganda-Sprüche ebensowenig wie Jojos Mutter und andere Einwohner des Dorfes. In der Spiegelung der Erwachsenen in Jojos Sicht zeigt Waititi die kleinen und großen Helden eines Krieges, der weder zu gewinnen noch für viele zu überleben war. Waititi wird dabei aber nie gallig, sondern arbeitet mit anderen Mitteln.

Jojo Rabbit: Lacher und Tränen

Schon die Entwicklung von Jojo, großartig gespielt von Roman Griffin Davis, zeugt davon. Zu Beginn noch fanatisch hitlertreu, wird der Junge zwar durch tragische Schicksalsschläge gehärtet. Er behält trotz allem seine kindliche Fähigkeit, instinktiv richtig von falsch zu unterscheiden. Und so wandeln sich auch Jojos Gespräche mit dem imaginären Adolf. Der Junge emanzipiert sich Stück für Stück von den Ideen des Führers und fällt schließlich seine eigenen Entscheidungen aufgrund von Fakten. Hitlers Reaktionen drauf sind meist brüllend komisch.

Dennoch lauert bei Waititi die Tragödie hinter jeder Ecke. So lässt er den Zuschauer nie vergessen, in welchem tödlichen Umfeld sich hier alle Protagonisten bewegen, wie schnell es mit der scheinbaren Idylle vorbei sein kann. Und das macht Jojo Rabbit auch zu einem sehr spannenden Film. Und für das Publikum ist das doppelt schwer zu ertragen, weil sich Jojo der Gefahr gar nicht bewusst ist, in der über lange Zeit des Films schwebt, der Zuschauer aber sehr wohl. Das sorgt für Szenen, in denen man den Atem anhält, weil man so sehr um diesen 10-jährigen fürchtet.

Die Virtuosität, mit der Waititi in seiner satirischen Abrechnung mit den Nazis dabei alle Emotionen erzeugt, ist eine neue Qualität des Regisseurs, Autors und Schauspielers, die er in seinen vorherigen Werken so noch nicht zeigte. Humor traute ihm das Publikum jederzeit zu, ergreifende und traurige Momente hingegen nicht. Dass Jojo Rabbit als bester Film und für das beste adaptierte Drehbuch Oscar-nominiert wurde, ist daher nur zu verständlich und verdient. So mutig hat lange kein Film den Nazis ihre Lächerlichkeit vor Augen gehalten.

Fazit:

„Dieser Film wird eine Menge Rassisten anpissen und das macht mich sehr glücklich“, sagte Regisseur Taika Waititi in einem Interview über  Jojo Rabbit. Schon dafür dürfte man den Film mögen. Aber Waititi liefert sehr viel mehr Argumente dafür, sich seine satirische Tragikomödie anzusehen. Neben den Schauspielern, die allesamt großartig agieren, ist das vor allem der Tonfall, der keinen Deut anders sein dürfte, als er ist, um das ganze Ausmaß des Irsinns zu zeigen. Dabei ist Jojo Rabbit blendend unterhaltsam, statt bleischwer.

Jojo Rabbit startet am 23. Januar 2020 in den deutschen Kinos.

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