Die Handlung

Die Tage der Ölplattform Kinloch Bravo vor der schottischen Küste sind gezählt. Doch das weiß nur der Leiter Magnus (Iain Glen), der das für sich behalten muss. Die wissenschaftliche Leiterin Rose (Emily Hampshire) lässt die Schließung hingegen kalt, hat sie doch ganz andere Pläne für ihre weitere Karriere. Doch beide müssen zusammenarbeiten, als plötzlich nach einem unterirdischen Beben ein Nebel aufzieht, der sämtliche Kommunikation mit dem Festland unterbindet. Und in dessen undurchdringlichen Schichten sich offenbar etwas Fremdes eingenistet hat, dass der Crew der Bohrinsel gefährlich werden kann. Die Stimmung der Crew ist deshalb bereits gefährlich aggressiv, als der junge Baz (Calvin Demba) bei einem Sturz augenscheinlich tödlich verletzt wird.

Doch wie durch ein Wunder erholt sich der junge Mann schnell, was nicht nur den grummeligen Veteranen Hutton (Owen Teale) stutzig macht. Doch bevor Magnus und Rose ihn befragen können, verschwindet Baz spurlos. Bald kommt es zu weiteren Unglücken, sogar zu Todesfällen. Die Angst der Besatzung steigt, denn noch immer ist kein Kontakt zum Festland möglich, eine Abholung daher ausgeschlossen. Wissenschaftlerin Rose kommen nach einigen Untersuchungen auch ernste Zweifel, ob überhaupt jemand von der Bohrinsel wieder in die Zivilisation zurückkehren sollte, denn sie entdeckt Lebensformen, die seit Jahrmillionen nicht mehr existierten. Die Bedrohung für die Crew ist also uralt – aber ist sie auch aufzuhalten?

Bekannte Gesichter

Mittlerweile gibt es kaum noch britische Serien, die nicht mit mindestens einem bekannten Gesicht aus „Game of Thrones“ aufwarten können. Hier sind es mit Iain Glen (Jorah Mormont) und Owen Teale (Alliser Thorne) gleich zwei. Und beide Rollen ähneln ihren bekannten Auftritten durchaus. Glen spielt den Stationsleiter Magnus als von Selbstzweifeln und Trauer zerfressenen, aber erfahrenen und besonnenen Mann, während Teale erneut als notorischer Unruhestifter und Nörgler zu sehen ist. Beide beherrschen die ersten Folgen, die allerdings spannendes Schauspiel auch bitter nötig haben. Denn das Tempo der ersten drei Episoden (die stellte Amazon Prime vorab zur Sichtung zur Verfügung) zieht spannungserprobte Zuschauer noch nicht nicht so recht in seinen Bann.

Natürlich braucht eine gute Mystery-Horror-Story auch Zeit sich zu entfalten. Aber ein wenig mehr als Nebel und Ascheregen hätte es in den beiden ersten Folgen schon sein dürfen. Dem gemächlichen Tempo stehen aber, auch durch Glen und Teale, gute Schauspieler-Leistungen gegenüber, die dem Publikum die wichtigsten Personen auf der Bohrinsel schnell näherbringen. Und die so gut geschrieben sind, dass sie vor den Augen der Zuschauer schnell zu lebendigen Charakteren werden. Hier verliert The Rig lobenswerterweise aber kaum Zeit, sondern skizziert präzise und schnell die wichtigsten Eigenschaften der Hauptfiguren: die ehrgeizige Rose, der unerfahrene Baz, der gebrochene Magnus, der stets rebellische Hutton und der undurchsichtige Fulmar (Martin Compston, „Doomsday“).

Kaum Grund zur Panik

Doch auch diesen erfahrenen Schauspielerin gelingt es nicht, dass das Drehbuch des Showrunners David Macpherson wirklich abhebt. Zwar hält die Handlung genug Twists und Spannung bereit, um den Zuschauer interessiert zu halten, doch der richtige Funke, damit das Publikum wirklich für die Story und die Figuren brennt, ist zumindest in den ersten drei Folgen noch nicht übergesprungen. Dazu passiert schlicht zu wenig, sowohl was die unheimlichen Elemente der Handlung angeht, als auch auch der zwischenmenschlichen Ebene. Immerhin liefert Rose in der dritten Episode endlich eine mögliche Erklärung für die Vorkommnisse, spannender wird die Story dadurch aber auch nicht. Serien und Filme sollten eben auch optisch fesseln, und da hat The Rig bis auf die titelgebende Ölplattform wenig zu bieten.

Denn die Maskenbildner-Abteilung hat hier ebenso wenig zu tun wie die Spezial-Effekte-Spezialisten. Die Story gefällt sich zu großen Teilen in Dialogen und nur selten passiert wirklich etwas, das die Herzen von Genre-Fans höher schlagen lässt. Das kann sich natürlich in den verbleibenden drei Episoden noch ändern. Momentan macht es aber nicht den Eindruck, als würden hier noch geheimnisvolle Lebewesen auftauchen. Immerhin kann sich The Rig zumindest atmosphärisch sehen lassen. Die Abgeschiedenheit und Enge einer Bohrinsel hat Regisseur John Strickland gut eingefangen. Leider zieht er daraus wenig Spannung im Vergleich zu Genre-Giganten wie „Das Ding aus einer anderen Welt“.

Fazit:

The Rig ist nach der Hälfte weder ein laues Lüftchen, noch ein wilder Sturm, sondern macht es sich irgendwo dazwischen gemütlich. Nicht wirklich langweilig, aber auch nicht richtig packend, erzählt die Serie ihre Story eher gemächlich, kann aber mit starken Schauspiel-Leistungen überzeugen. Vor allem die GoT-Veteranen Iain Glen und Owen Teale tragen das Geschehen, das aber ein wenig mehr Aufregung und Adrenalin gut vertragen hätte. Immerhin bleibt die Hoffnung, das die Story in den letzten drei Episoden noch anzieht und aus dem überdurchschnittlichen Mystery-Stoff noch richtig guter Sci-Fi-Horror wird. So richtig überzeugt bin ich davon aber nicht.

The Rig startet am 6. Januar 2023 bei Amazon Prime.

Gesehen: drei von sechs Folgen

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Die Handlung

1939: Der englische Erfolgsautor Charles Condomine (Dan Stevens) hat eine Schaffenskrise. Er soll für seinen Schwiegervater, einen Filmproduzenten, ein Drehbuch zu seinem ersten Erfolgsroman schreiben – und doch fällt ihm kein Wort ein! Das wirkt sich auch auf andere Teile seines Körpers negativ aus, wie Gattin Ruth (Isla Fisher) nur zu gut weiß. Um den Ehemann in jeder Hinsicht wieder flott zu bekommen, muss Ablenkung her. Und so besucht sie mit Charles die Vorstellung der in übersinnlichen Dingen bewanderten Madame Arcati (Judy Dench). Die hat zwar während der Vorstellung einen bedauerlichen Unfall, der sie zum Gespött der Leute macht, doch Charles bekommt dadurch eine neue Idee für sein Script und lädt Madame zu einer privaten Seance ein.

Doch auch die läuft nicht wie erwartet. Zwar gibt Madame Arcati vor, mit einem Geist in Verbindung zu stehen, allerdings lässt sich nicht klären, wer die Person ist, die mit Charles zu sprechen wünscht. Erst nach dem vermeintlichen Fehlschlag, als Charles allein ist, gibt sich der Geist zu erkennen. Es ist Charles‘ erste Frau Elvira (Leslie Mann) – und er kann sie sogar sehen! Schnell stellt sich heraus, dass sie sich ihres Todes nicht bewusst ist und sie ihre alte Stellung an Charles‘ Seite gern zurückhätte. Dafür tut sie einiges. So hilft sie Charles nicht nur bei der Fertigstellung des Scripts, sie mischt sich auch in die alltäglichen Abläufe des Haushalts ein und bringt mit ihren Geisterkräften so einiges durcheinander. In Panik wendet sich Ruth an Madame Arcati mit der Bitte um Hilfe …

Als einfache Komödie gedacht

Im Sprachgebrauch findet sich für Cowards Stück das Wort Boulevard. Das bedeutet, dass hier keine Meta-Ebene oder versteckte Kommentare auf große Themen der Menschheit versteckt sind, sondern das die Geschichte einfach nur humorvoll unterhalten soll – es ist, was es ist, nicht mehr. Und das ist ja grundsätzlich auch völlig in Ordnung. Auch Edward Halls Film lässt von Beginn an keinen Zweifel daran aufkommen, dass es sich bei Da scheiden sich die Geister um eine leichte Komödie handelt, die zwar durchaus den etwas schwärzeren Humor der Briten verwendet, aber ausschließlich auf Unterhaltung aus ist. Und der Film bringt einiges mit, um sein Ziel zu erreichen.

Da wären die Schauspieler. Dan Stevens hat schon häufiger in witzigen Rollen überzeugt, auch hier spielt er den adretten, aber gar nicht so netten Charles mit genau der richtigen Übertreibung, um den Ton des Films schnell zu transportieren. Dabei überhöht Stevens gekonnt die britische Gelassenheit in jeder Situation, um dann beim Anblick der toten Gattin nur umso witziger selbige zu verlieren. Isla Fisher ist als pragmatische Ruth ebenso sehenswert wie Leslie Mann als mondäne Upper-Class-Hexe, die unter allen Umständen ihren Willen durchdrücken will – tot oder nicht. Und auch Judy Dench als völlig planloses Medium, das keine Ahnung hat, was es tut, ist absolut sehenswert. Abgerundet wird der gute Cast von Emilia Fox als Freundin der Familie und Julian Rhind-Tutt als Arzt und Freund von Charles.

Humor, der nicht mehr zündet 

Neben den Schauspielern haben sich auch die Set- und Kostümdesigner bei Da scheiden sich die Geister mächtig ins Zeug gelegt. Das Haus der Condomines, in der sich ein Großteil des Films abspielt, ist ein Traum in Art Deco. Möbel, Teppiche, Bilder an den Wänden – da stimmt einfach alles. Zudem sind alle Darsteller in jeder Szene spektakulär eingekleidet. Bei Isla Fisher und Leslie Mann ist das besonders auffällig, auch wenn man nicht umhin kommt sich zu fragen, warum und wo sich Geister andauernd umziehen. Und so ist Da scheiden sich die Geister optisch absolut gelungen. Die Schwächen des Films liegen auf einer anderen Ebene.

Wenn man sich ansieht, was für großartige Screwball-Komödien in den 30er und 40er Jahren entstanden sind, „Es geschah in einer Nacht“, „Leoparden küsst man nicht“ oder „Arsen und Spitzenhäubchen“ seien hier empfohlen, dann kann man gut erkennen, wie sehr diese Filme nicht nur von den Gegensätzen ihrer Charaktere lebten, sondern auch von ihrem Wortwitz und dem für die damalige Zeit durchaus mitunter gewagten Humor. Hier hat Da scheiden sich die Geister die größten Schwächen. Denn das von gleich drei Autoren verfasste Drehbuch liefert nur einen müden Abklatsch in Sachen Wortwitz und geschliffene Dialoge. Es mag sein, dass das Thema in den 40er Jahren genügte, um das Publikum zum Lachen zu bringen, heute reicht diese auch noch sehr zahme Version der Story nicht mehr aus.

Da hätte dringend mehr Würze hineingehört – und die haben Regisseur Hall und sein Autorenteam offenkundig nicht gefunden. So lässt sich Da scheiden sich die Geister zwar äußerst angenehm ansehen, weil er optisch so gut ist, auf Lacher oder selbst Schmunzler muss man aber lange warten. Der Grundton stimmt zwar, aber von dort aus passiert einfach viel zu wenig, um ein modernes Publikum zum Lachen zu bringen. Und durchschnittliche Dialoge kann auch der beste Schauspieler nicht witziger machen, als sie sind.

Fazit:

Da scheiden sich die Geister sieht absolut beeindruckend aus, Kostüm und Setdesign sei Dank. Wer seinen Schwerpunkt auf die Optik eines Films legt, ist hier absolut gut bedient, denn die späten 30er feiern hier eine wunderschöne Wiederauferstehung. Leider fehlt es dem Drehbuch des Films an Esprit und Wortwitz, um die ohnehin mittlerweile leicht angestaubte Komödie von Noel Coward angemessen ins neue Jahrtausend zu transportieren. Den Retrocharme kann man Da scheiden sich die Geister nicht absprechen, aber was vor 80 Jahren noch genügte, um das Publikum zu amüsieren, reicht heute nicht mehr. Optisch ein Kracher, inhaltlich ein laues Lüftchen, das kann auch die Starbesetzung nicht mehr retten.

Da scheiden sich die Geister startet am 22. Juli 2021 in den deutschen Kinos.

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Die erste Staffel von After Life war frisch und neu. So rabiat und angstfrei hatte sich vorher noch kein Comedian mit Tod und Selbstmord auseinandergesetzt. Und dabei durchaus auch mal Grenzen des guten Geschmacks überschritten. Das macht Ricky Gervais allerdings ohnehin nicht viel aus, wie seine Fans wissen. In der großartigen ersten Staffel kommt Gervais‘ Charakter Tony allerdings am Ende zu dem Schluss, dass es nicht sein Lebensziel sein soll, allem und jedem auf der Welt die ungefilterte Wahrheit zu sagen. Kann er das in After Life Staffel 2 ändern?

Die Kritik zu After Life Staffel 1 finden Sie hier.

After Life Staffel 2: Die Handlung

Tony (Ricky Gervais) hat von seinem Plan Abstand genommen, sich das Leben zu nehmen. Außerdem will er von nun an ein besserer Mensch werden, der seiner toten Gattin Lisa (Kerry Godliman) gut gefallen hätte. Und so beschließt er, von nun an den Menschen um ihn herum nicht mehr alles vor den Kopf zu klatschen, was sein Gehirn ihm vorgibt. Stattdessen will er netter werden, gute Dinge tun und lieber schweigen als Bösartigkeiten von sich zu geben. Doch das Leben macht ihm diese Entscheidung alles andere als einfach.

Denn es wirft Tony weiterhin Stöcke zwischen die Beine. So hat sein Schwager Matt (Tom Basden) Eheprobleme und den wohl schlechtesten Therapeuten unter der Sonne (Paul Kaye). Der Herausgeber der Tambury Gazette will die Zeitung schließen und das Haus verkaufen, in dem die Redaktion arbeitet – alle Jobs sind bedroht. Zudem begegnet Tony jeden Tag skurrilen Menschen, die in die Zeitung wollen. Eine junge Frau mit einem nach diversen Schönheits-OPs gelähmten Gesicht. Oder einem Ehemann und Vater, der lieber ein achtjähriges Mädchen sein möchte …

After Life Staffel 2: Tragik kann lustig sein

Erneut scheut sich Gervais, der neben der Hauptrolle auch Regie, Idee und Produktion beisteuerte, nicht einen Moment lang, den Zuschauer mit unerwarteten und mitunter absurden Momenten vor den Kopf zu stoßen. Bis das Publikum mit Erstaunen feststellt, wie wenig Gervais nur ändern musste, um aus einer normalen Alltagssituation etwas Absurdes zu machen. Das erinnert ein wenig an Loriot, allerdings wäre Herr von Bülow über Gervais‘ manchmal sehr derbe Sprache sicherlich „not amused“ gewesen. Bei After Life passt es aber perfekt.

Ob bei Matts Therapeuten, der in einer Weise über Frauen lästert, dass man rote Ohren bekommen kann. Oder den ganz normalen britischen Kleinstadt-Alltag, wo ein herausgerutschtes „Fuck“ noch das Harmloseste ist. Sprache ist ohnehin das wichtigste Stilmittel Gervais‘, um seinen berühmt-berüchtigten Humor zu erzeugen. Hier nutzt er sie aber immer wieder auch als ganz feine Klinge. Vor allem in den wirklich traurigen Momenten seiner Dramedy gelingen ihm so immer wieder Szenen, die wirklich zu Herzen gehen, weil sie in ihrer Düsternis so schön und wahr sind. 

After Life Staffel 2: Die spinnen, die Briten!

Dabei verliert Gervais aber nie den nötigen Respekt vor dem Tod und manch einem unwürdigen und zu frühem Sterben aus den Augen. Auch der Comedian hat eine Grenze, die hier sehr deutlich wird. Keine Gnade haben hingegen Worthülsen-Verfasser und scheinbare Gutmenschen zu erwarten, denn Gervais feiert in seinem Mikrokosmos Tambury vor allem anderen die andersartigen, skurrilen und abseitigen Gestalten. Ob die Prostituierte, die regelmäßig bei Tony auf einen Tee vorbeischaut oder der Postbote, der schon halb bei ihm wohnt – Irrsinn ist hier Alltag.

Dabei kann Gervais durchaus gönnen. Viele Szenen in der neuen Staffel finden komplett ohne ihn statt oder lassen ihn als beobachtende Randfigur zurück, während andere ihre großen Momente bekommen. Aber wenn er vor der Kamera steht, ist er präsent wie selten und setzt seine Pointen und Bosheiten so zielsicher wie eh und je. Dabei ist sein Humor sowohl intellektuell spannend als auch von einer Herzenswärme durchzogen, dass man oft gar nicht weiß, ob man nun lachen oder weinen soll. Die sonst so feine Linie zwischen Tragik und Lachen ist hier breiter als gewöhnlich.

Die vielleicht wichtigste Botschaft in diesem wundervollen Sammelsurium von Nonsens ist aber die, dass das Weiterleben wollen nicht das Ende der Trauer ist, sondern erst ihr Anfang. In der zweiten Staffel legt  Tony weitere Schritte auf dem Weg der Heilung zurück – und droht mehr als einmal zu straucheln. Auch wenn die Serie in der zweiten Staffel nicht mehr ganz so frisch ist wie beim Debüt, so sind Gervais doch genug neue Gags und auch neue dunkle Themen eingefallen, dass After Life Staffel 2 wie eine realistische und notwendige Fortsetzung wirkt.

Fazit:

Wie schon die erste Staffel ist auch After Life Staffel 2 zum Niederknien gut! Die Mischung aus Trauer und Spaß, die bei den Zuschauer sicher durchaus unterschiedliche Reaktionen hervorrufen wird, ist erneut wunderbar scharf formuliert und toll gespielt. Neben Ricky Gervais glänzen vor allem die Nebenfiguren mit unfassbar schrägen Momenten. Gervais legt seinen Figuren aber auch kluge Weisheiten deutlich über Kalenderspruch-Niveau in den Mund. Eine tolle Serie, die hoffentlich auch im kommenden Jahr weitergeht!

After Life Staffel 2 startet am 24. April 2020 bei Netflix.

Gesehen: Sechs von sechs Folgen.

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Britische Komödie mit Heirat – da war doch was? Eine Hochzeit verläuft nicht so, wie sie soll. Und dann greift das Schicksal ein und ändert die Abläufe des Tages: Die Kurzbeschreibung klingt ein wenig so, als hätten die Macher „Und täglich grüßt das Murmeltier“ mit Vier Hochzeiten und ein Todesfall verheiratet. Ob das wirklich so ist und ob sich Sam Claflin („Die Tribute von Panem) auch so gut aus der Affäre ziehen kann, verrät die Kritik.

Love Wedding Repeat: Die Handlung

Jack (Sam Cleflin) ist nicht gerade vom Glück verfolgt. Erst verpasst er nach einem zauberhaften Wochenende mit Dina (Olivia Munn) die Gelegenheit, ihr seine Gefühle zu offenbaren. Monate später sterben die Eltern und er gerät an Amanda (Freida Pinto), mit der die Beziehung zum Desaster wird. Doch dann hat wenigstens Jacks Schwester Hayley (Eleonor Tomlinson) Glück und trifft die Liebe ihres Lebens. Der stammt aus Italien, weswegen die Hochzeit auf einem Anwesen in Rom stattfinden soll. Hayley hat sogar ihre Freundin Dina eingeladen.

Zu Jacks Leidwesen aber auch seine Ex-Freundin Amanda – und ihren reichlich dämlichen neuen Freund. Und Jacks Freund Bryan (Joel Fry) ist auch keine Hilfe, denn der erfolglose Schauspieler will sich auf der Feier unbedingt an einen erfolgreichen Regisseur heranmachen, der auch zu den Gästen gehört. Und weil dann auch noch ein uneingeladener Verflossener von Hayley auftaucht, der der Braut unbedingt eine Szene machen will, hat Jack also alle Hände voll zu tun, dabei möchte er doch nur endlich in Ruhe mit Dina sprechen …

Love Wedding Repeat: Die Briten können es einfach

Komödien sind für Netflix bislang eher Glückssache gewesen. Erst kürzlich erschien der wenig überzeugende „Coffee and Kareem“ auf dem Streaming-Dienst. Britische Komödien hingegen – und Love Wedding Repeat ist eine solche – sind häufig von guter Qualität. Und diesmal sticht die Landes-Serie den Netflix-Touch: Der Film von Autor Dean Craig ist immer wieder brüllend komisch, verfügt über gelungene Charaktere und wunderbaren Wortwitz. Dazu präsentiert Craig auch einige Szenen mit schön schrägen Einfällen,

So sorgt ein Schlafmittel für einige herausragende Momente. Dazu kommen ein ungewöhnliches Beinkleid, zwei Kollegen, die gar nicht da sind und ein Kleiderschrank, die weitere Highlights des Films darstellen. Zudem legt Craig mit seinem Script ein hohes Tempo an den Tag und lässt die Katastrophen im Minutentakt über der Hochzeit hereinbrechen. Dabei findet er allerdings immer glaubwürdige und nachvollziehbare Probleme, so dass Love Wedding Repeat nie ins Absurde abdriftet. Sondern durch nur leichte Übertreibung bekannte Situationen saukomisch werden lässt.

Love Wedding Repeat: Wenn die Chemie stimmt

Um kein falschen Erwartungen zu wecken: Natürlich kommt Love Wedding Repeat nicht an Meilensteine wie Vier Hochzeiten und ein Todesfall oder „Tatsächlich Liebe“ heran. Aber die kleine Komödie um den einen großen Tag funktioniert einfach gut. Das darf sich auch der Cast anrechnen lassen. Sam Claflin hat sowohl mit seiner Filmschwester Eleonor Tomlinson eine gute Chemie, als auch mit seiner Angebeteten Olivia Munn. Da er meist mit einer von beiden zu sehen ist, macht das eine ganze Menge Qualität aus.

Aber wie es oft ist: Einige der Nebencharaktere sind ebenso gut und bekommen hier und da sogar mehr Lacher als die Hauptrollen. So ist Joel Fry nach seinem Auftritt in „Yesterday“ hier als Jacks bester Kumpel eine echte Show. Sein drogenumnebelter Versuch, den berühmten Regisseur anzusprechen, ist eine der besten Szenen in Love Wedding Repeat. Und Tim Key als Mega-Verlierer Sydney darf ein paar der schönsten Monologe halten. Denn mehr als reden scheint das Schicksal für ihn nicht bereit zu halten.

Lediglich die Kurzbeschreibung von Netflix, die den Film als „verschiedene Versionen des gleichen Tages“ beschreiben, ist irreführend, da das Publikum hier wirklich einen Murmeltier-Film erwarten würde. Tatsächlich hat der Film weitaus mehr Ähnlichkeit mit „Sie liebt ihn – sie liebt ihn nicht“ mit Gwyneth Paltrow und John Hannah aus dem Jahr 1998 – wieder ein britischer Film. Wer auf den berühmten trockenen und gern auch düsteren Humor der Inselbewohner abfährt, sollte sich diesen kleinen, feinen Film nicht entgehen lassen.

Fazit:

Hin und wieder taucht aus dem qualitativ sehr wechselhaften Kontingent Netflix-eigener Filme ein kleines Juwel auf. Zwar hat Love Wedding Repeat nicht die Qualität eines „Roma“ oder „Der schwarze Diamant“, aber er gehört zu den besten eigenen Komödien des Streaming-Dienstes. Wenn man denn auf Humor oberhalb der Gürtellinie steht und eine feine Bemerkung lustiger findet als Fäkalhumor oder Schimpfwort-Tiraden. Für genau diesen Filmkenner ist Love Wedding Repeat gemacht. Ein leichter Spaß mit viel Herz und Glückshormonen.

Love Wedding Repeat startet am 10. April 2020 bei Netflix.

Alle Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie gesammelt hier.

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Das Böse bricht ein in eine scheinbar heile Welt. Das ist nicht nur ein beliebtes Thema von Stephen King, sondern kann auch ganz ohne übernatürliche Phänomene, Monster oder Psycho-Killer zum gruseligen Erlebnis werden. In einem solchen ganz normalen Bereich spielt sich Harlan Cobens Ich schweige für dich ab, das im Original „The Stranger“ heißt. Wie dicht liegen Verbrechen, Leid und Tod unter der Oberfläche der Zivilisation und wie leicht stößt man darauf, wenn man danach sucht? Mit diesen Fragen befasst sich die neue Mini-Serie bei Netflix.

Ich schweige für dich: Die Handlung

Anwalt Adam Price (Richard Armitage, „Hobbit“-Trilogie) ist erstaunt, als ihn eine völlig fremde, junge Frau (Hannah John-Kamen) auf dem Fußballplatz anspricht und ihm erzählt, dass die Schwangerschaft seiner Frau Corinne (Dervla Kirwan) vor zwei Jahren nur vorgetäuscht war. Corinne hatte damals scheinbar das Kind nach wenigen Wochen verloren. Als Adam seine Frau zur Rede stellt, antwortet sie nur ausweichend und vertagt das Gespräch auf den Abend. Doch sie kommt nicht mehr nach Hause zurück, schreibt Adam lediglich eine kurze Nachricht.

Doch Adam ist nicht der einzige in der kleinen Stadt, der Sorgen hat. Sein Klient Martin (Stephen Rea) will unbedingt in seinem alten Haus bleiben, obwohl eine Baufirma alle um ihn herum schon aufgekauft hat und dem alten Mann lukrative Angebote macht. Adams Sohn Thomas war heimlich auf einer Party im Freien, die einen Jungen im Koma zurücklässt. Und die beste Freundin der Polizistin Johanna ( Siobhan Finneran), die Unternehmerin Heidi (Jennifer Saunders), wird von einer jungen Frau erpresst, die Adam bereits kennengelernt hat …

Ich schweige für dich: Ein dicker Strang aus verschiedenen Storys

Auch wenn die Suche Adams nach seiner Frau in der Serie einen breiten Raum einnimmt, so ist es doch nicht die einzige Storyline, über die Ich schweige für dich verfügt. Und die sind nicht nur für sich genommen durchaus spannend und realistisch, sondern greifen auch sehr gekonnt langsam immer stärker ineinander. So kommt es dem Publikum bald vor, als habe sich Coben für seinen Roman von Schnitzlers „Reigen“ inspirieren lassen, weil er fast jede Figur in mindestens zwei Handlungssträngen verwendet, die aber um einiges kunstvoller verwebt als Schnitzler das tat.

Ein guter Krimi steht und fällt aber immer auch mit den Motiven, die Charaktere für ihre Taten haben. Begehen Figuren Verbrechen, für die der Zuschauer keinen glaubwürdigen Grund erfährt, so ist das Ergebnis meist eher unbefriedigend. Chef-Autor Danny Brocklehurst („Shameless“) gelingt es aber, die Ereignisse und Sünden in den acht Folgen von Ich schweige für dich stets nachvollziehbar zu gestalten. Umso härter wird einige Zuschauer das eine oder andere Handlungsfinale treffen. Denn auch hier bleibt die Serie real – nicht immer gibt es ein Happy-End.

Ich schweige für dich: Klassischer Krimi auf hohem Niveau

Die Spannung erzeugen die Macher aber nicht vordringlich mit extrem originellen Geschichten, denn die Verbrechen und deren Motive sind allesamt Klassiker wie Habgier, Rache oder Schuld. Vielmehr ist es der gelungene Aufbau jeder Folge und die perfekt eingesetzten Schlüsselmomente der einzelnen Storys, die den Zuschauer an den Bildschirm fesseln. Und die durchgehend gut spielenden Schauspieler, mit deren Rollen sich das Publikum bald stark identifizieren kann. Denn hier haben auch die Cops oft persönliche Motive für ihr Tun.

Und so spielt Ich schweige für dich geschickt mit den Emotionen des Zuschauers, geht mit ihm ihn bald hier hin, bald da hin, ohne je in den Verdacht zu geraten, das Publikum nur in die Irre führen zu wollen. Denn die beiden letzten Folgen lösen jedes Rätsel der Serie in erster Linie glaubhaft auf, wirre Plotsprüngen wie bei einem Fitzek-Roman gibt es hier nicht. Und das macht einige der Geschichten nur umso düsterer, denn die Kriminalstatistik dürfte die zum Teil niederschmetternden Aussagen der Serie noch unterstreichen.

Das Gefühl, das könnte auch in der eigenen Umgebung passieren, lässt sich am Ende der Serie nicht so ohne weiteres wegwischen und zeigt eine Gesellschaft, die viel gefährlicher ist, als der Einzelne das meist wahrhaben will. Wie real das tatsächlich ist, muss jeder für sich selbst entscheiden, in jedem Fall ist es ganz schön spannend. Daher ist Ich schweige für dich trotz TV-Optik und Inszenierung ein sehenswertes Stück Krimi – und damit für den deutschen Netflix-Kunden eigentlich wie geschaffen.

Spaß an britischen Krimis? Dann könnte „Bodyguard“ etwas für Sie sein.

Fazit:

Trotz auf den ersten Blick eher abenteuerlich erscheinenden Plots erweist sich Ich schweige für dich bald als glaubwürdige Studie der Verbrechen scheinbar ganz normaler Leute. Und kann daher auch anspruchsvolle Krimi-Fans überzeugen, denen die meisten Standard-Crime-Serien nicht viel geben. Gute Schauspieler, viele Mysterien, die von den Autoren sehr kunstvoll ineinander gewoben wurden und ständige Spannung machen die Serie zu einer weiteren Verstärkung der ohnehin guten Netflix-Krimis wie „Unbelievable“ oder „Criminal“. 

Ich schweige für dich startet am 31. Januar 2020 bei Netflix.

Gesehen: Acht von acht Folgen.

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Ob „Billy Elliot“ in dem sich ein eigentlich zum Boxen auserkorener Junge sich unsterblich ins Ballett verliebt. Oder „Ganz oder Gar nicht“, in dem sich ein paar Arbeitslose zu Strippern umschulen lassen. Je skurriler, desto besser fallen diese Filme von den britischen Inseln aus. Irgendwie treffen die Regisseure und Autoren immer genau den richtigen Ton, um eine Szene statt platt oder ernst, anrührend und witzig zu machen. Ist das auch Chris Foggin mit seinem Besuch beim kleinen Chor der Fischer gelungen?

Fishermans Friends: Die Handlung

Musik-Agent Danny (Daniel Mays, „The Limehouse Golem“) wird von einem Freund zum Junggesellen-Abschiedswochenende ins beschauliche Cornwall eingeladen. Doch der Londoner tut sich in dem kleinen Fischerdorf sehr schwer. Erst verstopft er mit seinem Auto die engen Straßen der Altstadt und gerät deshalb mit der einheimischen Alwyn (Tuppence Middleton) aneinander. Denn treiben er und seine Freunde beim Stand-Up-Paddeling ab und müssen von der freiwilligen Küstenwache des Ortes gerettet werden.

Als die Männer dann am Strand den heimischen Shanty-Chor hören, setzt Dannys Vorgesetzter ihn auf die Männer an – er soll diese herausragende Band unbedingt für das Label sichern. Danny durchschaut nicht, dass das nur ein Scherz sein sollte und macht sich an die Arbeit. Doch mit dem knurrigen Jim (James Purefoy, „Altered Carbon“), dem Anführer des Chors, hat sich Danny ein hartnäckigen Gegner gesucht. Und der ist zu allem Überfluss auch noch Alwyns Vater. Aber der Großstadtjunge will so einfach nicht aufgeben und beißt sich an dem Chor fest. Nicht ganz ohne persönliche Hintergedanken …

Fishermans Friends: Etwas zu viele Klischees …

Wer sich jetzt ausrechnet, wie diese Story um grummelige, aber sangeskräftige Seebären, den eigentlich doch ganz netten Lackaffen aus London und die alleinerziehende Mutter wohl ausgeht – der liegt vermutlich richtig. So richtig überraschend ist an Fishermans Friends gar nichts. Zudem bemüht Foggin auch eine ordentliche Menge Klischees, um seine Figuren einfach und schnell zu charakterisieren. Daher kann die warmherzige Seemanns-Story, die auch noch auf einer wahren Geschichte basiert, mit den ganz großen Filmen des Genres nicht mithalten.

Dazu tischt Foggin seinem Zuschauer etwas zu viel heile Welt auf und zeichnet die Fischer als schlitzohrige Heilige, die eigentlich immer mit allem richtig liegen, was sie tun. Das ist auf Dauer ein wenig ermüdend und nimmt der Story auch ein wenig vom realen Anstrich, den eine wahre Geschichte eigentlich haben sollte. Obwohl man dem Regisseur immerhin zugute halten muss, dass auch die echte Story sich schon ganz schön märchenhaft anhört. Trotzdem: Ein wenig rauer und erdiger hätte Fishermans Friends ruhig ausfallen dürfen. 

Fishermans Friends: … und dennoch ganz charmant

Das Erstaunliche aber ist: Obwohl der Zuschauer weiß, wie das wohl ausgeht, alle Figuren nach drei Sätzen einschätzen kann und überhaupt nicht überrascht wird, schaut sich Fishermans Friends dennoch gut weg. Denn die Darsteller machen ihren Job alle wirklich gut. Vor allem die verschrobenen kleinen Nebenrollen, das heimliche Herzstück jeder britischen Komödie, funktionieren hier hervorragend. Dazu kommt Purefoys starke Leinwandpräsenz, Mays‘ komödiantisches Können und eine handvoll Gags, die einfach sitzen. Und sofort gute Laune verbreiten.

Und so plätschert Fishermans Friends wenig aufregend, aber umso charmanter vor sich hin, bietet ein wenig Kitsch und ein wenig Hintersinn und macht sich in den besten Szenen auch über die eigenen Klischees lustig. Diese Selbstironie tut dem Film auch gut. Denn so sorgt Foggin dafür, dass die Geschichte nie zu zuckrig und klebrig wird und lässt im richtigen Moment immer wieder eine frische Brise durch den Film wehen. Deshalb kann der Film Fans dieser typisch britischen Wohlfühl-Komödien auch bedenkenlos empfohlen werden.

Fazit:

Ein wenig zu routiniert und vorhersehbar erzählt, um richtig großes Kino zu sein, bringt Fishermans Friends aber genug Charme und kauzigen, britischen Humor auf die Waage, um beim Publikum meist gute Laune hervorzurufen. Und das, so darf man den Kreativen sicher unterstellen, war auch die Intention des Films. Denn ganz so simpel und lustig wie hier war die tatsächlich Erfolgsgeschichte der singenden Seemänner sicher nicht. Wohlfühl-Kino, dass auf Heimeligkeit setzt statt auf Realismus. Kann man doof finden. Muss man aber nicht.

Fishermans Friends startet am 8. August 2019 in den deutschen Kinos.

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Über Superlative moderner Megastars können die beiden noch lebenden Mitglieder der Beatles, Paul McCartney und Ringo Starr, nur müde lächeln. Denn nach Aussage ihrer Plattenfirma EMI haben die Beatles weltweit mehr als eine Milliarde Platten verkauft – kein anderer Musiker kommt da auch nur in die Nähe. Ein Fan scheint auch Drehbuch-Autor Richard Curtis zu sein, denn er nutzte die Musik der Band für seine Geschichte über Erfolg, Integrität und Liebe. Wie unterhaltsam ist die Zusammenarbeit mit Danny Boyle?

Yesterday: Die Handlung

Jack Malik (Himesh Patel) ist Musiker mit Leib und Seele – leider ist der Sing-A-Song-Writer mit seinen Eigenkompositionen chronisch erfolglos. Lediglich seine Managerin und beste Freundin Ellie (Lily James) glaubt an ihn, seit er bei einem Talentwettbewerb der Schule „Wonderwall“ von Oasis gesungen hat. Als Jack sich eigentlich entschieden hatte, die Musik endgültig an den Nagel zu hängen, passiert etwas Unglaubliches. Es gibt einen weltweiten Stromausfall – und genau in diesem Moment rammt Radfahrer Jack einen Bus und wird bewusstlos.

Als er im Krankenhaus aufwacht, scheint alles wie immer. Doch dann stellt er fest, dass die Wellt sich verändert hat. So gibt es beispielsweise keine Zigaretten mehr. Für Jack als Musiker aber viel wichtiger: Die Musik der Beatles ist aus dem Gedächtnis der Menschheit gelöscht worden, in der neuen Wirklichkeit hat die Band nie existiert. Zögerlich ergreift Jack die Chance, die sich ihm bietet und gibt Songs wie Yesterday oder Let it be als seine eigenen aus. Sein altes Leben, vor allem Ellie, verliert er durch seinen neuen Ruhm aber bald aus den Augen …

Yesterday: Viel Curtis, wenig Boyle

Wenn sich Filmfans fragen, ob Yesterday eher in der Tradition von Vier Hochzeiten und „Notting Hill“ oder „Slumdog Millionaire“ und „Trainspotting“ steht, ist die Antwort eindeutig. Die Zusammenarbeit von Curtis und Boyle steht klar im Zeichen des Drehbuchschreibers und weist nur wenig typische, inszenatorische Kniffe auf. Boyle, möglicherweise selbst Fan der Beatles, hat sich hier sehr eindeutig zurückgenommen und die Story in den Vordergrund gestellt. Und die ist ursprünglich gar nicht von Curtis, sondern nur von ihm überarbeitet.

Dennoch merkt man Yesterday in vielen Momenten den typischen Wortwitz und die Situationskomik von Curtis an, dessen Handschrift einfach sehr unverkennbar ist. Und das ist auch eins der Probleme des Films, denn Curtis schreibt in aller Regel echte Love-Storys. Die tritt hier aber zugunsten der Musik ein wenig in den Hintergrund. Das macht sie nicht nur ziemlich beliebig und inhaltlich wenig spannend. Sie bekommt auch nicht den Platz, den Curtis den großen Gefühlen normalerweise einräumt.

Yesterday: Mehr Comedy als Love-Story

Die Geschichte eines Mannes, der seine große Liebe ständig um sich und sie erst bemerkt, als es zu spät ist, ist schließlich alles andere als neu oder originell. Und weder Curtis auf inhaltlicher Ebene noch Boyle auf inszenatorischer finden hier neue, frische Ansätze, die diese Konstellation spannender machen würden. Zudem prickelt es zwischen Himesh Patal und Lily James auch nie sonderlich glaubhaft, so dass der Kern des Films nicht richtig überzeugen kann. Das macht Yesterday dafür im Comedy-Bereich deutlich besser.

Denn der stets leicht verplant wirkende Patal funktioniert im Zusammenspiel mit dem erstaunlich witzigen Ed Sheeran, der wunderbar fiesen Kate McKinnon und weiteren Stars wie James Cordon richtig gut. Und bringt das Publikum immer wieder mit kurzen und staubtrockenen Humoreinlagen zum Lachen. Als Komödie ist Yesterday deshalb auch durchaus empfehlenswert. Im Rom-Com-Bereich muss Richard Curtis aber Federn lassen, denn der romantische Teil des Films gehört nicht zu seinen stärksten Arbeiten.

Zudem nutzt Yesterday zwar die Musik der Beatles für die schöne Grundidee des Films, macht aber mit seiner Story vor allem deutlich, dass es Zeit wird, einen echten Beatles-Film zu drehen, der ihre großartige Musik in den richtigen Kontext setzt und die vielen Geschichten hinter den Songs erzählt. Denn was den Zauber der Musik angeht, da bleibt Yesterday seinem Publikum viele Antworten schuldig. Schade, wenn man bedenkt, dass von den 26 Millionen Dollar Filmbudget allein zehn Millionen in die Musikrechte geflossen sind.

Fazit:

Wer die Musik der Beates mag und sich im Kino einfach nur amüsieren will, macht mit einer Eintrittskarte für Yesterday nichts falsch. Neuentdeckung Himesh Patal spielt den leicht weltfremden Jack sehr niedlich und Lily James ist wie eigentlich immer charmant und liebenswert. Dennoch überwiegt der Comedy-Aspekt der Geschichte deutlich und drängt die ohnehin nicht sehr originelle Love-Story noch zusätzlich in den Hintergrund. Wer mit Richard Curtis große Gefühle verbindet und auf selbige hofft, könnte daher leicht enttäuscht werden.

Yesterday startet am 11. Juli 2019 in den deutschen Kinos.

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Böse Kinder haben Horror-Fans 2019 schon ein paar Mal zu Gewicht bekommen. „The Prodigy“ nutzte das Thema im Februar und im April begegneten uns in „Friedhof der Kuscheltiere“ ein echt fieses Kind. Bevor dann im Juni James Gunn mit „Brightburn“ einen weiteren Satansbraten auf die Menschheit loslässt, schiebt sich der kleine irische Independent-Horror The Hole In The Ground dazwischen, in dem eine allein erziehende Mutter Angst bekommt, dass ihr Sohn gar nicht mehr ihr Sohn ist. Taugt der was?

The Hole In The Ground: Die Handlung

Sarah (Seána Kerslake) ist ist mit ihrem Sohn Chris (James Quinn Markey) in eine Kleinstadt gezogen, offenbar, um einem gewalttätigen Ehemann zu entkommen. Sie leben in einem alten Haus am Waldrand und Sarah hat alle Hände voll zu tun, um über die Runden zu kommen und sich um Chris zu kümmern. Eines Tages läuft Chris nach einem Streit in den Wald. Als Sarah ihm folgt, findet sie ein riesiges Loche tief im Wald, das ihr sofort Angst einjagt. In der Nähe findet sie schließlich ihren Sohn wieder und geht mit ihm zurück nach Haus.

Doch bald kommen ihr erste Zweifel, ob das Kind unter ihrem Dach wirklich Chris ist. Immer wieder verhält sich ihr Sohn merkwürdig. Und als sie schließlich den Nachbarn Des (James Cosmo) kennen lernt und von dessen Frau erfährt, dass die auch einst glaubte, ihr Sohn sei ausgetauscht worden, wird Sarahs dumpfe Angst immer mehr zu nackten Panik. Ihr ihr Kind tatsächlich noch ihr Kind? Oder hat irgendeine böse Macht von Chris Besitz ergriffen und damit begonnen, die Umgebung zu terrorisieren?

The Hole In The Ground: Im Wald nichts Neues

Bislang hat Regisseur Lee Cronin nur einen, wenn auch hochgelobten, Kurzfilm inszeniert, The Hole In The Ground ist also sein Langfilm-Debüt, bei dem er auch gleich noch mit am Drehbuch schrieb. Und sein erstes Mal gelingt dem Iren recht beeindruckend. Die unheimlichen Wälder und das große Loch im Boden setzt er ebenso gekonnt gruselig in Szene wie die allmähliche Verwandlung des Kindes zu einem immer bösartiger werdenden Wesen. Leider ist daran aber absolut gar nichts neu oder originell, daher reicht es nicht zu einem richtig guten Film.

Dem Aspekt des bösen Nachwuchses kann Cronin ebensowenig neue Aspekte abringen wie dem unheilvoll rauschenden dunklen Wald hinter dem Haus. Inhaltlich weist er der Film deutliche Parallelen zum 2015 erschienen „The Hallow“ auf, der aus England stammt. Hier wie dort dient der Wald gekonnt als Kulisse für böse Mächte, die über die Menschen hereinbrechen. Daneben bedient sich Cronin dann auch noch bei H.P. Lovecraft-Motiven – und macht seine Sache auch ganz ordentlich. Nur echte Überraschung will sich eben nicht einstellen.

The Hole In The Ground: Kein Blutbad, aber nicht blutleer

 Immerhin erzählt Cronin seine Story deutlich mehr über Atmosphäre als über Jump-Scares oder blutige Szenen. Und schafft immer wieder Momente, die das Publikum zwar nicht unbedingt tief erschrecken oder verstören, aber doch eine unangenehme Stimmung verbreiten. Dazu nutz Cronin neben interessanten Perspektiven der Kamera auch immer wieder Reflexionen – optisch und inhaltlich. Denn die allein erziehende Mutter setzt der Regisseur immer wieder auch als völlig überlastete Frau in Szene, die sich das womöglich doch nur einbildet.

Die wird von Seàna Kerslake ausgezeichnet verkörpert. Sie verfügt über eine starke Präsenz auf der Leinwand und zieht den Zuschauer so schnell in ihr Schicksal mit hinein. Dazu gelingt es ihr fast im Alleingang, das Interesse an der nicht sonderlich originellen Story wachzuhalten. Und sie im richtigen Moment durch ihr gutes Verständnis mit Co-Star Quinn Markey auch immer wieder anzuheizen. Fans von Horrorfilmen, die stark über die Schauspieler kommen, könnten daher mit The Hole In The Ground auch durchaus glücklich werden.

Dass es zum richtig großen Wurf wie bei dem inhaltlich nicht unähnlichen „The Babadook“ nicht reicht, liegt denn auch vornehmlich am Inhalt des Films und nicht an der Art und Weise, wie dieser erzählt und gespielt wird. Es bleibt zu hoffen, dass die Welle der besessenen oder bösen Kinder nun auch wieder abebbt, denn richtig ergiebig war bislang nicht, was 2019 zu diesem Thema zu sehen war. The Hole In The Ground schlägt sich hier aber bislang mit am besten. Auch weil der Horror hier bis in die letzte Szene nachhallt.

Fazit:

Auch wenn The Hole In The Ground trotz des gruselig eingefangenen Waldes inhaltlich keine Bäume ausreißt, werden Genre-Fans wegen der starken Schauspieler und der straffen und guten Inszenierung dennoch auf ihre Kosten kommen. Vor allem Seána Kerslake überzeugt als Mutter, die sich von ihrem eigenen Kind zunehmend entfremdet fühlt. Ein kleiner, aber ganz feiner Beitrag zum Horror-Jahr 2019, der etliche Filme bereits hinter sich lassen kann.

The Hole In The Ground startet am 2. Mai 2019 in den deutschen Kinos.

Mehr Kritiken zu den aktuellen Horrorfilmen 2019 finden Sie hier.

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Seit Ricky Gervais gemeinsam mit Kollege Stephen Merchant 1995 den Welterfolg „The Office“ schuf, gehört er zu den ganz großen Comedians der britischen Inseln. Zwar gab es in England nur zwölf Folgen und zwei Specials, die US-Version lief aber neun Jahre lang und kam dabei auf mehr als 200 Folgen. Und auch „Stromberg“ beruht auf diesem Original. Danach drehte Gervais erfolgreich weiterhin Serien wie „Extras“, die gern an die Schmerzgrenzen des Humors gingen. Was erwartet den Zuschauer nun bei After Life?

After Life: Die Handlung

Tony (Ricky Gervais) ist Journalist bei einer kleinen Zeitung, die kostenlos verteilt wird – und von seinem Schwager Matt (Tom Basden) geleitet wird. Eigentlich ist Tony ein netter Kerl, aber nachdem seine Frau Lisa (Kerry Godliman) an Brustkrebs stirbt, verwandelt sich der Witwer in eine Schreckensgestalt. Nachdem er nicht den Mut aufbrachte, sich das leben zu nehmen, ihm aber dennoch jeder Lebenswille fehlt, beschließt er, von jetzt ab gnadenlos offen und ehrlich zu sein und jedem zu sagen, was er denkt.

Weil Tony auch noch ziemlich clever ist und ihm vieles auffällt, sind seine Mitmenschen bald bis an die Grenzen ihrer Belastbarkeit mit der harten Realität durch Tony konfrontiert. Ob er Kollegin Kath in religiöse Debatten zwingt, bei denen er sie in der Luft zerreißt, oder einen Mitschüler seines Neffen mit dem Tod durch Hammerschläge bedroht: Der immer noch von Wut und Schmerz zerfressene Witwer ist eine Zumutung für seine Umwelt. Doch das entspricht nicht dem letzten Wunsch seiner Frau, die ihn als witzigen, freundlichen Mann leben sehen möchte …

After Life: Da, wo es weh tut

Man muss Ricky Gervais für seine Direktheit und sein Aufgreifen von Tabuthemen nicht unbedingt mögen – aber man kann – doch eines muss man dem 57-jährigen definitiv zugestehen: Angst kennt er nicht. Denn auch in After Life beschäftigt sich Gervais mit Themen, über die noch nicht so häufig Comedy-Serien gedreht wurden – mit gutem Grund. So offen wie Gervais in seinen Monologen und Dialogen mit anderen Schauspielern über Selbstmord und das Sprengen gesellschaftlicher Konventionen spricht, ist das Konzept radikal und frisch.

Was nicht bedeutet, dass es jedem gefallen wird, das war Gervais allerdings auch noch nie wichtig. Denn er geht in After Life mit seiner Figur nicht freundlicher um als mit den anderen. Das führt dazu, dass die erste Folge der neuen Serie den Zuschauer eher sprachlos zurücklässt. Denn lustig ist die kaum, dafür entwickelt der Zuschauer eine deutliche Abneigung gegen Tony und sein rabiates Verhalten. Aber hier sollte man sich noch mindestens eine weitere Folge gönnen, denn schon mit der zweiten Episode läuft After Life zu großer Form auf.

After Life: Comedy über den Tellerrand

Gervais, der neben Hauptrolle auch Buch und Regie übernahm, gelingt das Kunststück, seine Serie ebenso tragisch wie komisch zu erzählen – und das kann innerhalb von Sekunden von der einen zur anderen Seite kippen. Eben noch möchte man die fiesen Witwer für seine Gemeinheiten durchschütteln, im nächsten Moment kümmert er sich liebevoll um seine Hündin, die für ihn der einzige Grund ist, überhaupt noch am Leben zu sein. Und das geht einfach zu Herzen. After Life ist zweifelsohne Gervais‘ bisher reifstes Werk als Autor.

Dazu schafft er es in den kurzen sechs Episoden immer wieder, das Publikum zu überraschen. So nimmt er die Prostituierte, die ihm anbietet, für 50 Pfund alles zu tun was er will, tatsächlich mit nach Hause. Und lässt sie dort abwaschen. Um sich später mit ihr sogar ein wenig anzufreunden. Und wenig später beim Besuch des demenzkranken Vaters (David Bradley) wieder ihn Agonie zu verfallen, weil der ihn ständig nach dem Befinden seiner toten Frau fragt und sich Lisas Tod nicht mehr merken kann. Darüber Comedy zu machen, braucht schon Eier.

Wer nun aber eine beständige Schimpftirade Gervais‘ auf die Welt über sechs Folgen erwartet, liegt falsch. Denn Tony macht in den Episoden durchaus eine Entwicklung durch und hat Bewegung in seiner Trauerarbeit. Und das schreibt und spielt Gervais trotz aller Bösartigkeiten so hoffnungs- und würdevoll, dass After Life einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Dadurch, dass Gervais mit Todesverachtung auch die heikelsten Themen angeht. Und darüber, mit welcher ungeahnten Sensibilität er das macht. Nach „Sex Education“ die nächste großartige britische Serie bei Netflix.

Fazit:

Mit After Life legt Ricky Gervais einen schwachen Start hin, die erste Folge bietet wenig Grund zum Weiterschauen. Was der britische Comedian dann aber in den weiteren fünf Episoden an Humor, Drama, Melancholie, Tod und Wahnsinn auf den Bildschirm zaubert, entschädigt für den lauen Auftakt mehr als genug. Gervais beweist nicht nur Tapferkeit bei seiner Themenauswahl, sondern auch eine Feinfühligkeit, die man dem sonst oft so groben Klotz kaum zutraut. Großartige Unterhaltung mit Tiefgang aus England!

After Life startet am 8. März 2019 bei Netflix.

Gesehen: Sechs von sechs Folgen

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Robert Galbraith hat bislang drei Cormoran Strike-Romane geschrieben, ein vierter ist in Arbeit, mindestens weitere zehn angekündigt. Die Besonderheit von Galbraith: Er existiert gar nicht. Hinter diesem Namen verbirgt sich J.K. Rowling, die Erfinderin von Harry Potter. Sie begann ihre Krimiserie unter dem Pseudonym Robert Galbraith, das jedoch bereits kurz nach Erscheinen des vermeintlichen Debütromans aufflog. Die Fans lieben auch ihre Krimis, ist die Verfilmung ebenfalls gelungen?

Strike: Die Handlung

So hatte sich Zeitarbeits-Sekretärin Robin Ellacott (Holliday Grainger) ihren ersten Arbeitstag nicht vorgestellt! Als sie bei ihrem neuen Kurzzeitboss Cormoran Strike (Tom Burke) ankommt, schubst der sie nach einem Streit mit einer schönen Unbekannten aus Versehen fast die Treppe herunter. Das Büro ist ein Saustall, in dem Strike offenbar auch wohnt und schläft. Und doch kommt mit Robin auch ein wenig Glück ins Haus, denn der Bruder eines ehemaligen Kriegskameraden taucht auf, um Strike einen Job anzubieten. Er soll die genaueren Umstände des angeblichen Selbstmordes von Supermodel Lula Landry untersuchen, der Schwester des Auftraggebers.

Während sich der grummelige Strike in den Fall versenkt, beweist Robin, dass sie eine echte Hilfe bei den Ermittlungen sein kann. Und so wächst das Duo langsam zu einer effektiven Einheit zusammen. Und das ist auch nötig, denn der Tod Landrys bleibt nicht der einzige, auf den Strike bei seinen Ermittlungen trifft. Bald ist ein weiteres Mädchen tot und Strike muss sich selbst einige Drohungen anhören, dass sein Schnüffeln üble Folgen für ihn haben könnte. Damit kann man den harten Hund, der im Krieg ein Bein verlor, allerdings nicht abschrecken, wie sich herausstellt …

Strike: Klassische Rowling-Qualität

Dass J.K. Rowling eine gute Erzählerin ist, hat sie mit den sieben Potter-Romanen deutlich bewiesen. Und auch der erste Fall von Cormoran Strike, den Sky vorab zeigte, trägt die Handschrift eines erfahrenen Geschichtenerzählers. Sie legt ihn als klassischen Krimiplot mit verschiedenen Verdächtigen und Möglichkeiten an, führt glaubhafte Nebenfiguren ein und hält die Frage, wer das Supermodel auf dem Gewissen hat, lange spannend. Etwas weniger Gespür zeigte sie bei der Erschaffung ihres Helden.

Denn Cormoran Strike hat nicht nur eine arg bunte Lebensgeschichte als Sohn eines Rockstars und eines Topmodels, der im Krieg ein Bein verlor. Er sammelt auch sehr viele Klischees bekannter und berühmter Vorbilder ein. So ist das schäbige Büro ebenso Standard wie sein Hang zu Alkohol, ein unsteter Lebenswandel und ein Schlag bei Frauen. Das alles sorgt dafür, dass Strike letztlich als Figur ein wenig unrealistisch wirkt und sich nicht wirklich von anderen Detektiven abgrenzt.

Strike: Gute Chemie

Dass sich die Serie trotzdem lohnt, liegt größtenteils an den Schauspielern. Tom Burke, den manche noch als Athos aus der BBC-Reihe The Musketeers kennen, spielt Cormoran Strike gleichzeitig ein wenig ruppig und dennoch sensibel genug, um die Feinheiten des Falles glaubwürdig wahrzunehmen. Und Holliday Grainger ist als Robin genauso gut. Das wenig verstecke Interesse an Cormoran bei gleichzeitiger Treue zu ihrem Verlobten spielt sie so gekonnt, dass jede Szene mit ihr Spaß macht.

Am besten sind Burke und Grainger allerdings, wenn sie gemeinsam vor der Kamera stehen. Denn die Chemie zwischen den beiden funktioniert bestens. Dass da beidseitig Anziehung vorhanden ist, obwohl sie der vielleicht niemals nachgeben – und auch gar kein großes Problem damit haben, das ist schlicht toll gespielt. Und hebt diese Momente der Serie auf ein ganz eigenes Level. Dass da der erste Fall des Duos auch durchgehend ordentlich, wenn auch sehr klassisch, erzählt wird, ist noch ein netter Bonus.

So ist Strike eine angenehm altmodisch und ruhig erzählt Crimestory mit zwei hinreißenden Hauptdarstellern, von denen man sicher nicht zum letzten Mal gehört hat. Weitere Folgen wird es aber erst geben, wenn J.K. Rowling ein neues Buch veröffentlicht hat – und das kann noch eine Weile dauern.

Fazit:

Für ein absolutes Highlight sind Story und Held ein wenig zu klischeebeladen, aber wer auf ruhige, coole Brit-Krimis steht, wird hier in jedem Fall fündig. Eigentlich lohnt schon die Chemie zwischen Tom Burke und Holliday Grainger das Einschalten, aber auch die drei Fälle können sich sehen lassen. Klassischer Stoff in BBC-Qualität.

Strike läuft ab dem 17. Mai immer donnerstags um 21:20 auf Sky.

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