Die Handlung

Seit frühester Jugend hat Lindy (Kate Beckinsale) ausgeprägte Probleme. Durch eine unausgewogene Körperchemie wird die zierliche Blondine schon bei geringem Stresslevel durch andere Personen zum Berserker. Eine kleine Ungerechtigkeit, ein böses Wort zu jemandem, der es nicht verdient – und schon schwillt Lindy derart der Kamm, dass sie ohne Rücksicht auf Verluste auf den Verursacher losgeht. Was für die entsprechende Person in der Regel sehr schmerzhafte Folgen hat. Doch nach vielen Jahren in Isolation hat Lindy nun mit dem Psychologen Dr. Munchin (Stanley Tucci) echte Hilfe gefunden. Der Arzt hat für sie eine Apparatur konstruiert, die sie an ihrem Körper befestigen muss und sich bei zu großer Aggression mit einem Stromstoß wieder abkühlen kann. Das funktioniert allerdings nicht immer.

So hat Lindy bei ihrem ersten Date mit dem schüchternen Justin (Jai Courtney) schnell ein Problem mit einer unfreundlichen Kellnerin, was für die Dame nicht gut ausgeht. Dennoch oder gerade deswegen scheint Justin keine schlechte Wahl für Lindy zu sein, denn er hat weder Angst vor ihr, noch reagiert sie in seiner Nähe unkontrolliert. Nach einer gemeinsamen Nacht träumt die junge Frau daher erstmals von einem normalen Leben. Nur um Stunden später zu erfahren, dass jemand ihren neuen Freund umgebracht hat. Das bringt Lindy derart auf die Palme, dass sie unbedingt herausfinden will, wer dahintersteckt. Um den Verantwortlichen angemessen zu bestrafen. Und es ist ihr dabei völlig egal, ob dieser jemand eine große Nummer im organisierten Verbrechen darstellt …

Flott erzählter Spaß

Bei Action nichts Neues! Denn dem Fan kommt absolut alles an diesem Film reichlich bekannt vor. Die Kräfte, die Lindy durch ihre Körperchemie erhält, erinnern an „Upgrade“. Der ganze Style des Films hat viel von John Wick, die fast unaufhaltsame Lindy hingegen erinnert an Atomic Blonde. Die gute Nachricht aber ist, dass all diese Fakten Jolt nicht schlechter machen. Denn zum einen dürften die meisten Zuschauer wissen, worauf sie sich mit diesem Film einlassen und genau das sehen wollen, was sie bekommen. Zum anderen macht Regisseurin Tanya Wexler, die bisher hauptsächlich für ihren romantischen Historienfilm „Hysteria“ von 2011 bekannt ist, hier zwar keinen sonderlich innovativen Job, liefert aber edle Optik und einen extrem auf Tempo getrimmten Film ab. Jolt ist nach 83 Minuten auch schon wieder zu Ende.

Und in dieser Zeit hat der Film keinerlei Längen. Das ermöglicht neben der dünnen Story, die so gut wie gar keinen Raum für eigene Spekulationen lässt, auch die zielführende Inszenierung. Was die Handlung nicht unbedingt braucht, lässt Wexler konsequent weg. Und so vergeht die Zeit mit Jolt tatsächlich wie im Flug. Ein weiteres Plus des Films ist ohne Frage Kate Beckinsale. Schon in Underworld hat sie bewiesen, dass sie genau weiß, in welchen Posen sie maximal gut aussieht und Coolness ausstrahlt, dieses Talent nutzt sie auch in Jolt wieder in Dauerschleife. Dazu kommt die im englischen Original wundervoll britische Aussprache, die Lindy gleich noch ein Stückchen cooler macht. Und Drehbuchautor Scott Wascha legt der Figur in seinem Debüt auch noch jede Menge testosteronschwangere Sätze in den Mund.

Beckinsale passt als Actionheldin

Und so prügelt, flucht und pöbelt sich Kate Beckinsale als Lindy durch viele Klischees des Actionfilms. Riesige Schläger, feinsinnige Elitekiller und eiskalte Mob-Bosse, die so extravagant wohnen, dass man sich fast in einem Science-Fiction-Film wähnt, das gab es in den vergangenen Jahren oft zu sehen. Jolt versucht hier erst gar nicht, irgendetwas anders zu machen als die erfolgreichen Vorgänger. Wenn es einen Unterschied gibt, liegt er in den Actionsequenzen. Zwar liefern Beckinsale und Wexler hier ordentlich ab, aber von den neuen Meistern des Genres, Chad Stahelski und David Leitch, ist Jolt doch ein gutes Stück entfernt. Wem die stark durchchoreographierten Fights aus John Wick und Co. allerdings ohnehin nicht zusagen, findet am bodenständigeren Jolt vielleicht sogar mehr Gefallen.

Neben Kate Beckinsale kann sich auch die weitere Besetzung sehen lassen. Jai Courtney gehört inzwischen zum Hollywood-Actionpool, David Bradley kennen Fans als Harry Potter-Hausmeister Mr. Filch und natürlich als fiesen Lord Walder Frey aus „Game of Thrones“. Stanley Tucci ist aus Dutzenden Filmen bekannt und sogar Susan Sarandon ist in einem kurzen, aber wichtigen Auftritt zu sehen. Dazu kommt noch Bobby Cannavale („Ant-Man“) als hilfloser Cop, der auf die hübsche Killerin mehr als nur ein Auge geworfen hat. Regisseurin Wexler gelingt es, ihre Stars auf die gleiche Tonalität zu trimmen. Alle spielen auf dem gleichen, leicht ironischen und nie wirklich ernsthaften Niveau, das Jolt letztlich zur spaßigen Angelegenheit macht. Auch wenn er sonst nicht viel Neues zu bieten hat.

Fazit:

Mit Jolt machen Fans von Actionfilmen dann nichts falsch, wenn sie mit dem lockeren Ton, der brutalen Handschrift und dem völligen Fehlen einer ernsthaften oder tiefgehenden Story kein Problem haben. Jolt soll nichts außer Spaß machen. Zwar setzt der Filme in keiner Richtung neue Maßstäbe, sondern folgt sehr artig bestehenden Erfolgen und Trends, aber das macht er unter der Leitung von Regisseurin Tanya Wexler so gut, dass es hier wenig zu meckern gibt. Zudem gibt Becksinsale nach ihrer Paraderolle in der Underworld-Serie erneut eine extrem coole Kämpferin ab, die hier aber deutlich mehr lockere Sprüche zum Besten geben darf als noch in der Vampir-Rolle. Komplett anspruchslos, aber irgendwie witzig, am nächsten Tag aber auch schon wieder vergessen. Jolt ist ein netter Actionhappen für zwischendurch – nicht mehr, nicht weniger.

Jolt startet am 23. Juli 2021 bei Amazon Prime (deutsch).

Der Beitrag Filmkritik: Jolt erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

1939: Der englische Erfolgsautor Charles Condomine (Dan Stevens) hat eine Schaffenskrise. Er soll für seinen Schwiegervater, einen Filmproduzenten, ein Drehbuch zu seinem ersten Erfolgsroman schreiben – und doch fällt ihm kein Wort ein! Das wirkt sich auch auf andere Teile seines Körpers negativ aus, wie Gattin Ruth (Isla Fisher) nur zu gut weiß. Um den Ehemann in jeder Hinsicht wieder flott zu bekommen, muss Ablenkung her. Und so besucht sie mit Charles die Vorstellung der in übersinnlichen Dingen bewanderten Madame Arcati (Judy Dench). Die hat zwar während der Vorstellung einen bedauerlichen Unfall, der sie zum Gespött der Leute macht, doch Charles bekommt dadurch eine neue Idee für sein Script und lädt Madame zu einer privaten Seance ein.

Doch auch die läuft nicht wie erwartet. Zwar gibt Madame Arcati vor, mit einem Geist in Verbindung zu stehen, allerdings lässt sich nicht klären, wer die Person ist, die mit Charles zu sprechen wünscht. Erst nach dem vermeintlichen Fehlschlag, als Charles allein ist, gibt sich der Geist zu erkennen. Es ist Charles‘ erste Frau Elvira (Leslie Mann) – und er kann sie sogar sehen! Schnell stellt sich heraus, dass sie sich ihres Todes nicht bewusst ist und sie ihre alte Stellung an Charles‘ Seite gern zurückhätte. Dafür tut sie einiges. So hilft sie Charles nicht nur bei der Fertigstellung des Scripts, sie mischt sich auch in die alltäglichen Abläufe des Haushalts ein und bringt mit ihren Geisterkräften so einiges durcheinander. In Panik wendet sich Ruth an Madame Arcati mit der Bitte um Hilfe …

Als einfache Komödie gedacht

Im Sprachgebrauch findet sich für Cowards Stück das Wort Boulevard. Das bedeutet, dass hier keine Meta-Ebene oder versteckte Kommentare auf große Themen der Menschheit versteckt sind, sondern das die Geschichte einfach nur humorvoll unterhalten soll – es ist, was es ist, nicht mehr. Und das ist ja grundsätzlich auch völlig in Ordnung. Auch Edward Halls Film lässt von Beginn an keinen Zweifel daran aufkommen, dass es sich bei Da scheiden sich die Geister um eine leichte Komödie handelt, die zwar durchaus den etwas schwärzeren Humor der Briten verwendet, aber ausschließlich auf Unterhaltung aus ist. Und der Film bringt einiges mit, um sein Ziel zu erreichen.

Da wären die Schauspieler. Dan Stevens hat schon häufiger in witzigen Rollen überzeugt, auch hier spielt er den adretten, aber gar nicht so netten Charles mit genau der richtigen Übertreibung, um den Ton des Films schnell zu transportieren. Dabei überhöht Stevens gekonnt die britische Gelassenheit in jeder Situation, um dann beim Anblick der toten Gattin nur umso witziger selbige zu verlieren. Isla Fisher ist als pragmatische Ruth ebenso sehenswert wie Leslie Mann als mondäne Upper-Class-Hexe, die unter allen Umständen ihren Willen durchdrücken will – tot oder nicht. Und auch Judy Dench als völlig planloses Medium, das keine Ahnung hat, was es tut, ist absolut sehenswert. Abgerundet wird der gute Cast von Emilia Fox als Freundin der Familie und Julian Rhind-Tutt als Arzt und Freund von Charles.

Humor, der nicht mehr zündet 

Neben den Schauspielern haben sich auch die Set- und Kostümdesigner bei Da scheiden sich die Geister mächtig ins Zeug gelegt. Das Haus der Condomines, in der sich ein Großteil des Films abspielt, ist ein Traum in Art Deco. Möbel, Teppiche, Bilder an den Wänden – da stimmt einfach alles. Zudem sind alle Darsteller in jeder Szene spektakulär eingekleidet. Bei Isla Fisher und Leslie Mann ist das besonders auffällig, auch wenn man nicht umhin kommt sich zu fragen, warum und wo sich Geister andauernd umziehen. Und so ist Da scheiden sich die Geister optisch absolut gelungen. Die Schwächen des Films liegen auf einer anderen Ebene.

Wenn man sich ansieht, was für großartige Screwball-Komödien in den 30er und 40er Jahren entstanden sind, „Es geschah in einer Nacht“, „Leoparden küsst man nicht“ oder „Arsen und Spitzenhäubchen“ seien hier empfohlen, dann kann man gut erkennen, wie sehr diese Filme nicht nur von den Gegensätzen ihrer Charaktere lebten, sondern auch von ihrem Wortwitz und dem für die damalige Zeit durchaus mitunter gewagten Humor. Hier hat Da scheiden sich die Geister die größten Schwächen. Denn das von gleich drei Autoren verfasste Drehbuch liefert nur einen müden Abklatsch in Sachen Wortwitz und geschliffene Dialoge. Es mag sein, dass das Thema in den 40er Jahren genügte, um das Publikum zum Lachen zu bringen, heute reicht diese auch noch sehr zahme Version der Story nicht mehr aus.

Da hätte dringend mehr Würze hineingehört – und die haben Regisseur Hall und sein Autorenteam offenkundig nicht gefunden. So lässt sich Da scheiden sich die Geister zwar äußerst angenehm ansehen, weil er optisch so gut ist, auf Lacher oder selbst Schmunzler muss man aber lange warten. Der Grundton stimmt zwar, aber von dort aus passiert einfach viel zu wenig, um ein modernes Publikum zum Lachen zu bringen. Und durchschnittliche Dialoge kann auch der beste Schauspieler nicht witziger machen, als sie sind.

Fazit:

Da scheiden sich die Geister sieht absolut beeindruckend aus, Kostüm und Setdesign sei Dank. Wer seinen Schwerpunkt auf die Optik eines Films legt, ist hier absolut gut bedient, denn die späten 30er feiern hier eine wunderschöne Wiederauferstehung. Leider fehlt es dem Drehbuch des Films an Esprit und Wortwitz, um die ohnehin mittlerweile leicht angestaubte Komödie von Noel Coward angemessen ins neue Jahrtausend zu transportieren. Den Retrocharme kann man Da scheiden sich die Geister nicht absprechen, aber was vor 80 Jahren noch genügte, um das Publikum zu amüsieren, reicht heute nicht mehr. Optisch ein Kracher, inhaltlich ein laues Lüftchen, das kann auch die Starbesetzung nicht mehr retten.

Da scheiden sich die Geister startet am 22. Juli 2021 in den deutschen Kinos.

Der Beitrag Filmkritik: Da scheiden sich die Geister erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Der erfolgreiche deutsch-spanische Schauspieler Daniel (Daniel) Brühl muss zu einem Casting nach London – eine Rolle in einem Big Budget-Superheldenfilm in den USA winkt. Als eine Art Ritual kehrt Daniel vor Abflug noch in seine Stammkneipe ein, um schnell einen Kaffee zu trinken und die Nerven noch ein wenig zu schonen, bevor er sich in den stressigen Tag wirft. Doch an diesem Vormittag ist etwas anders als sonst. Ein Mann sitzt an der Theke und lässt scheinbar wahllos immer wider Kommentare zu Daniels Telefonat fallen, das er gerade führt. Leicht genervt stellt Daniel den Rüpel zur Rede – und erlebt sein blaues Wunder. Denn der scheinbar so harmlose Kneipengast entpuppt sich als jemand völlig Anderes.

Bruno (Peter Kurth) beginnt, Details aus Daniels Leben zu erzählen, die der Schauspieler gern privat gehalten hätte. Offensichtlich beobachtet ihn Bruno schon seit längerer Zeit. Und bald beginnt Daniels joviale und freundliche Fassade zu bröckeln, denn Bruno bedroht ihn versteckt mit Informationen, die Daniels Karriere ernsthaft bedrohen könnten. Schnell gerät das wichtige Casting in den Hintergrund, denn für Daniel stehen noch wichtigere Dinge auf dem Spiel – auch seine Ehe …

Gute Idee, stark umgesetzt

Als Nebenan im Winter als Wettbewerbsbeitrag bei der Berlinale lief, straften ihn internationale Kritiker mit dem letzten Platz ab. Warum? Das lässt sich nur vermuten. Denn Daniel Brühl macht bei seinem Debüt als Regisseur, bei dem er auch die Hauptrolle spielt, ganz viel richtig. Für so ein Kammerspiel, der Film spielt zu 90 Prozent in der Kneipe, braucht man eine passende Location. Und die könnte kaum besser mit der Story harmonieren als diese herzliche, aber manchmal auch schroffe Eck-Kneipe mit typischer Berliner Schnauze. Und um ein Psycho-Duell glaubhaft und spannend zu inszenieren, sind zwei Schauspieler von Format nötig, die sich gegenseitig nichts schenken und sich die Bälle traumhaft sicher zuspielen können. So einen hat Brühl in Peter Kurth gefunden.

Wer die ersten beiden Staffeln von Babylon Berlin gesehen hat, muss eigentlich seitdem ein Fan des 64-jährigen sein, so grandios spielte Kurth die undurchsichtige Rolle des Bruno Wolter, dem erfahrenen Kollegen von Gereon Rath. Ob es ein Zufall ist, dass er auch in Nebenan Bruno heißt? Jedenfalls ist sein Charakter genauso undurchsichtig. Und weil Bruno die Urgewalt ist, die über Daniel hereinbricht, kommt Kurths Spiel eine ganz besonders wichtige Bedeutung zu. Er darf das Publikum weder ganz auf seine Seite ziehen, es aber auch nicht wegstoßen,  indem er zu unsympathisch und fies wirkt. Peter Kurth spielt das allerdings meisterhaft. Immer wieder kochen Aggressionen im Zuschauer hoch, hin und wieder aber kommt man nicht umhin, auch Mitleid für Bruno zu empfinden, dem das Leben übel mitgespielt hat.

Großes Schauspieler-Kino

Dieser Mann, dem man trotz seiner ruhigen Art die stille Wut auf ein verlorenes Leben jederzeit anmerkt, braucht einen Gegenpart, der seinerseits den Zuschauer auf eine emotionale Achterbahn schickt. Und Daniel Brühl meistert diese Herausforderung ebenfalls bravourös. Denn sein Alter Ego Daniel ist zwar auf den ersten Blick nett und sympathisch. Aber schon früh zeigt Brühl auch Risse in dieser Fassade und lässt den zutiefst unzufriedenen Hedonisten durchscheinen. Im Gegensatz zu Kurth, der die meiste Zeit des Films über seine Beherrschung nicht verliert, darf und muss Brühl den Zuschauer durch emotionale Spitzen hindurchführen – und das macht er tadellos. Nur hin und wieder darf der Zuschauer durchatmen, weil Kehlmanns Drehbuch einen skurrilen Charakter auftauchen lässt.

Ein solches Duell sollte optimalerweise auch glaubwürdig sein. Hier kann die Kritik am ehesten ansetzen, denn Kehlmann und Brühl schießen hier manchmal übers Ziel hinaus. Die Art und Weise, wie Bruno nach eigenen Erklärungen an das brisante Wissen über Daniel gelangte, ist schon mit glücklichen Zufällen gespickt und nicht immer ganz realistisch. Dafür bietet das Script Ebenen an, die sich auf interessante Art interpretieren lassen. So ist Bruno nicht einfach nur von Daniel genervt. Als um seine Chancen betrogener Ossie steht Bruno auch kollektiv für ein Lebensgefühl. Und der Zorn auf den erfolgreichen Wessie, der das tolle Leben in Brunos Augen nicht verdient hat, zeigt viel von den noch immer nicht zugeschütteten Gräben im Land im Mikrokosmos der Kneipe. Das Gute an Nebenan ist aber: Auch ohne diese Interpretation funktioniert Nebenan auf dieser Mikro-Ebene ausgezeichnet.

Man muss den Film nicht als Allegorie auf das deutsche Befinden sehen, um ihn zu genießen. Denn Daniel Kehlmanns Charakterzeichnung ist so gut gelungen, dass Daniel und Bruno bald sehr lebendig vor dem Zuschauer stehen und man beide Seiten verstehen kann. Weil beide Figuren zutiefst menschlich sind. Und es bis zum Ende wirklich schwerfällt, selbst zur moralischen Instanz zu werden. Zurück zu den schlechten Kritiken. War Daniel Brühl zu arrogant, indem er sein eigenes Leben als Vorlage für seine Idee nahm und sich selbst auch noch in der Hauptrolle inszenierte? Vielleicht haben manche so etwas in der Art in Nebenan gesehen. Nachvollziehbar ist es nicht.

Fazit:

Mit Nebenan kommt ein deutscher Film in die Kinos, der auf einer feinen Linie zwischen Psycho-Thriller und schwarzer Komödie balanciert, ohne je ins Straucheln zu kommen. Daniel Brühl inszeniert sich und seinen Kollegen Peter Kurth zurückhaltend und lässt so die beiden Schauspieler ihre maximale Wirkung entfalten. Ein kleiner, aber feiner Film über Lebenslügen, geplatzte Träume, Neid und Rache, ohne moralischen Zeigefinger und mit teils geschliffenen Dialogen. Dass die Ausgangslage und manch ein glücklicher Zufall ein wenig konstruiert wirken, fällt dann auch nicht mehr sonderlich ins Gewicht. Für Fans von Brühl und Kurth ein Muss, aber hier dürfte jeder Spaß haben, der gern guten Schauspielern bei der Arbeit zusieht.

Nebenan startet am 15. Juli 2021 in den deutschen Kinos.

Der Beitrag Filmkritik: Nebenan erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Ein reicher Teenager und drei seiner Freunde werden auf dem Familienanwesen von einer maskierten Gestalt brutal getötet. Der Killer nimmt danach eine Antiquität mit, einen uralten Dolch. Und verschwindet in der Nacht. Am nächsten Morgen geht die Schlagzeile der vier toten Kids wie ein Lauffeuer durch die Stadt und erreicht auch Millie (Kathryn Newton, „The Society„). Die hat zwar durch einige Feinde in der High School eigentlich schon genug Probleme, dennoch gehen ihr die Tode der Teenager nah. Noch näher allerdings geht ihr der Killer (Vince Vaughn), der sie abends allein auf dem Football Field erwischt, auf dem sie vorher beim Spiel als Maskottchen gejobbt hat.  Millie versucht zwar, dem Mörder zu entkommen, doch er packt sie mitten auf dem Rasen und sticht ihr den antiken Dolch in die Schulter.

Das bringt aber nicht das gewünschte Ergebnis! Anstatt einen Teenager vor sich ausbluten zu sehen, steckt der Killer plötzlich im Körper von Millie – und die in seinem. In Panik rennen beide davon. Doch während der Killer sehr bald die Nützlichkeit von Millies Gestalt erkennt und fröhlich weitermordet, muss Millie in Gestalt eines 1,90 Meter großen Kerls irgendwie ihren Freunden erklären, dass sie darin steckt. Und das ist viel einfacher gesagt als getan. Zudem läuft Millie auch noch die Zeit weg. Wenn sie den Zauber des Dolches nicht innerhalb von 24 Stunden rückgängig macht, bleibt der Tausch permanent. Doch wie soll sie den Killer in ihrem Körper aufhalten?

Nicht viel Neues

Obwohl Christopher Landon mit Happy Death Day und Freaky zwei Ideen hatte, die gar nicht so weit voneinander entfernt sind, immerhin geht es in beiden Filmen um Serienkiller, fühlte sich der eine trotz vieler der Handlung geschuldeter Wiederholungen recht frisch an. Freaky hingegen vermittelt schnell das Gefühl, als hätte man das alles bereits gesehen. Vieles hier erinnert an „Scream“, denn die Grenzen zwischen Blut, Humor und Parodie sind auch hier fließend. Den Spaß am Töten extrem unsympathischer Charaktere, wie Fans das aus „Freitag, der 13.“ kennen, ist ebenfalls Teil des neuen Films. Und natürlich bringt auch der Körpertausch-Aspekt einige Szenen mit sich, die der Zuschauer so womöglich schon in anderen Filmen gesehen hat.

Dass Freaky trotzdem kein Reinfall wird, liegt zu großen Teilen an den beiden Hauptdarstellern. Während Vince Vaughn offenbar so viel Spaß an der Entdeckung seiner weiblichen Teenie-Hälfte hatte, dass er immer zwischen großartig und leicht übertrieben agiert, bietet Kathryn Newton als eiskalte Killerin eine makellose Vorstellung. Ihr enttäuschtes Gesicht, wenn ein Mord nicht gelingt, ist allein schon Gold wert. Und auch die bedrohliche Aura, die sie nach dem Seelentausch plötzlich verbreitet, zeigt ihr Talent. Während sie aber eher die schwarzhumorigen und ernsten Momente der Handlung bewältigt, albert sich Vaughn durch Probleme mit dem heimlichen Schwarm und richtiger Kleidung. Und das ist die meiste Zeit tatsächlich witzig, wenn es auch manchmal etwas zu albern wird.

Story nach Schema F

Weniger gelungen ist hingegen der Plot des Films. Denn der ist derart vorhersehbar, dass es so gut keine Überraschungen gibt. Das hat Landon bei Happy Death Day deutlich besser gemacht, als ihm etliche Running-Gags eingefallen sind. Die waren nicht nur unterhaltsam, der Film bezog daraus auch einen Teil seiner Spannung. Die kommt bei Freaky dagegen nur selten auf. Denn hier folgt die Handlung nach Schema F dem typischen Slasher-Plot – und dem Körpertausch-Stereotyp. Das hätte gern etwas origineller sein dürfen.

Punkten kann der Film bei Horrorfans dafür mit recht kompromissloser Härte – vom Start weg. Die Kills sind zum Teil sehr derbe und kommen weitgehend ohne Computereffekte aus. Handgemacht ist immer besser, das wissen Horror-Freunde schon seit langem – und offenbar auch Christopher Landon. Hier stimmt auch die Mischung aus klassischen Methoden wie einer Säge und frischen Mordwerkzeugen wie einer Weinflasche. Was Freaky an Originalität bei der Handlung fehlt, liefert er dafür beim kreativen Killen. Damit erhöht Landon den Partyfilm-Wert von Freaky deutlich. Und das dürfte letztlich auch Landons Intention gewesen sein. Auch wenn Freaky deutlich blutiger ausfällt als Happy Death Day, so sind doch beide Filme hauptsächlich dazu da, die Zielgruppe nett zu unterhalten – und mehr ist hier auch nicht zu holen. 

Fazit:

Mit Freaky liefert Regisseur und Drehbuchautor Christopher Landon nach Happy Death Day einen weiteren Comedy-zu-Horror-Transfer ab, der zwar deutlich blutiger ausfällt als der Erstling, dafür aber nicht ganz so originell. Den reichlich vorhersehbaren Plot polstert Landon immerhin mit so viel guten Gags und derben Kills aus, dass die weitgehend fehlenden Spannung nicht so stark ins Gewicht fällt. Dazu liefern Vince Vaughn und Kathryn Newton in ihren Doppelrollen großartige Performances ab, vor allem Newton ist als Serienmörder im Körper einer High School-Schülerin ein echter Killer. Sicher nichts für Schöngeister und Fans von Meta-Ebenen, dafür aber ein netter Partyfilm für einen Abend mit Freunden, die auch bei Scream ihren Spaß hatten.

Freaky startet am 24. Juni 2021 in den deutschen Kinos.

Der Beitrag Filmkritik: Freaky erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Wird Samara Weaving so etwas wie die neue Splatter-Horror-Comedy-Queen Hollywoods? Neben dem ersten Teil und The Babysitter Killer Queen war sie kürzlich auch im ebenso blutigen und lustigen „Ready or Not“ zu sehen. Zudem hatte sie eine Rolle in „Ash vs Evil Dead“ und spielte eine Hauptrolle in „Guns Akimbo“, der zwar weniger Horror enthielt, mit Blut aber ebenfalls nicht geizte. Erfahrung hat die Blondine mit Kunstblut also allemal – aber macht das auch den Film besser?

The Babysitter Killer Queen: Die Handlung

Zwei Jahre sind vergangen, seit Cole (Judah Lewis) die schlimmste Nacht seines Lebens erlebte. Das dachte er zumindest. Doch die Tatsache, dass ihm niemand glaubt, was passiert ist, macht auch sein Leben danach zur immerwährenden Highschool-Hölle. Seine Nachbarin Melanie (Emily Alyn Lind) weiß es zwar besser, aber die ist klug genug, darüber den Mund zu halten. Cole hingegen ist täglich dem Spott und den Gemeinheiten der halben Schule ausgesetzt. Das ändert sich auch nicht, als mit Phoebe (Jenna Ortega) eine neue, schräge Schülerin auftaucht.

Als Cole dann auch noch erfährt, dass seine Eltern ihn auf eine Schule für psychisch gestörte Kinder geben wollen, ist er völlig verzweifelt. Da kommt Melanies Angebot, sie und ihre Freunde zum nahe gelegenen See zu begleiten, um einfach etwas Spaß zu haben, gerade recht. Doch was nach eine guten Idee aussah, entpuppt sich als neuer Alptraum. Denn so tot und begraben, wie er dachte, sind die Mitglieder der Satans-Sekte keineswegs. und Allison (Bella Thorne) und Co. sind immer noch verdammt scharf auf Coles Blut …

Höher, schneller, blutiger

Alles neu macht Teil zwei? Nein. Die Fortsetzung des Erfolgs von 2017 ist höchstens noch alberner und blutiger. Allerdings muss man zugeben, dass McG und seine Autoren den Humor zumindest breit streuen. Denn neben vielen unsäglich doofen Gags sind auch ein paar dabei, die das Genre reflektieren und auf einer Meta-Ebene funktionieren, die man dem Film gar nicht zutrauen würde. Dieser Moment wird aber garantiert von der nächsten Splatter- oder Dumpfhumor-Einlage schnell wieder relativiert. Denn McG will hier lediglich unterhalten – und sonst nichts.

Und wenn man The Babysitter Killer Queen unter dem Aspekt betrachtet, dass ihn sich Splatterfans mit ein paar Bier am Wochenende zusammen ansehen und Spaß haben wollen, dann funktioniert der Film genau dafür sicher ausgezeichnet. Denn dann sind auch Anschlussfehler, absurde Charaktere und Dialoge Teil der Lacher und stören nicht weiter. Wer es tatsächlich atmosphärisch gruselig mag, ist hier hingegen falsch. Lediglich schwache Mägen finden die Blutfontänen vielleicht  unangenehm, der Rest wird davon kaum beeindruckt sein.

The Babysitter Killer Queen: Das habe ich kommen sehen …

Inhaltlich reißt Teil 2 ebenfalls keine Bäume aus. Wer der neue Schurke ist, klärt sich früh und wird auch dann wohl kaum jemanden überraschen. So vorhersehbar, wie der Film anfängt, bleibt er dann auch, wenn man vom Finale absieht. Dort gelingt es den Autoren nicht nur, Teil eins im Nachhinein in ein anderes Licht zu tauchen, sondern damit tatsächlich auch zu überraschen. Ob das allerdings glaubhaft ist, darüber ließe sich streiten. Wenn es denn eine Rolle spielen würde.

Inszenatorisch lässt sich hingegen nicht viel meckern, McG ist ein ordentlicher Handwerker als Regisseur und zeigt das auch hier. Überdrehte Action liegt ihm ebenso wie der Einsatz von Kunstblut. Und dass seine Darsteller auf seichtem Niveau agieren, passt sowohl zu seinen letzten Arbeiten für „Shadowhunters“ und „Lethal Weapon“, als auch zum Film. Immerhin sollte man so fair sein, und dem Regisseur Absicht unterstellen – The Babysitter Killer Queen soll so albern, blutig und doof sein, wie er ist. Das ist vor allem deshalb nicht schlimm, weil der Film nie etwas anderes sein will.

Die Schauspieler scheinen an dem ganzen Quatsch ihren Spaß zu haben, denn bekanntere Gesichter wie Robbie Amell („Upload“), Skandalnudel Bella Thorne oder Samara Weaving passen ihr Spiel dem Irrsinn um sie herum gut an. Zwar ist The babysitter Killer Queen, wie schon teil 1, weit entfernt von Giganten wie „Braindead“ oder kleinen Klassikern wie „Tucker and Dale vs Evil“, aber für 100 Minuten sehr albernes, aber gut gemachtes Gemetzel reicht es dennoch. 

Fazit:

Doof oder lustig – dazwischen gibt es wenig. Vielen dürften die arg debilen Figuren von The Babysitter Killer Queen eher auf den Geist als aufs Zwerchfell gehen. Wer aber Spaß an guten schlechten Filmen hat, sich über geplatzte Köpfe und irre Serienkiller amüsieren kann, der ist hier richtig. Es gibt anspruchslose Splatter-Kost mit einigen wenigen gelungenen Gags. Ein paar hübsche Frauen und gut aussehende Männer kommen noch dazu. Das war es dann aber auch schon. Für Fans: Bei Erfolg schließt McG einen dritten Teil nicht aus.

The Babysitter: Killer Queen startet am 10. September 2020 bei Netflix.

Der Beitrag Filmkritik: The Babysitter Killer Queen erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Kritik zu Umbrella Academy Staffel 1 gibt es hier.

Mächtig, aber seltsam. Ähnlich wie die ebenso erfolgreiche Amazon-Serie „The Boys“ hebt auch Umbrella Academy Superhelden von ihrem Sockel und zeigt sie als Menschen mit Problemen und Fehlern. Während aber der Homelander und seine Bande bei Amazon die Schurken sind, hält sich diese Serie etwas bedeckter, was Gut und Böse angeht. Denn auch wenn Vanya am Ende der ersten Staffel für die Apokalypse verantwortlich war, so ist der Hargreeves-Clan doch liebenswert – auch in Staffel 2?

The Umbrella Academy 2: Die Handlung

Dank Fünf (Aidan Gallagher) haben die Mitglieder der Hargreeves-Familie die Apokalypse im Jahr 2019 überlebt – aber zu einem hohen Preis. Denn Fünf verliert seine Geschwister in einer Seitengasse in Dallas – zwischen den Jahren 1960 und 1963! Er selbst landet kurz nach dem Attentat auf Kennedy ebenfalls dort – und erlebt den Atomangriff der Russen auf die USA mit. Wie kam es dazu? Und kann die Umbrella Academy es diesmal verhindern? Fünf will es unbedingt versuchen und sucht deshalb seine verloren gegangenen Geschwister.

Und die hat es unterschiedlich hart getroffen. Weltenkiller Vanya (Ellen Page) lief einer Familie vors Auto und kann sich an so gut wie nichts mehr erinnern. Ihre Schwester Alison (Emmy Raver-Lampman) ist schon seit zwei Jahren in Dallas – und hat geheiratet. Klaus (Robert Sheehan) gründete eine Art Sekte. Diego (David Castaneda) sitzt im Irrenhaus und versucht von dort, das Attentat auf Kennedy zu verhindern. Und Luther (Tom Hopper) hat sich einen Job als Aufräumer in der Bar von Jack Ruby gesucht. Viel zu tun für Fünf, wenn er alle zusammenbringen will, um die Welt zu retten – diesmal …

Abseits des Mainstream

Schon die erste Staffel hatte mit typischen oder gar klassischen Superhelden-Serien herzlich wenig zu tun. Stattdessen führte die Serie eine Bande zwar liebenswerter, aber dennoch reichlich durchgeknallter Superwesen vor. Die bekamen innerhalb der Serie durch ihre Kindheit zwar eine Art Freibrief für ihr Verhalten, mit den normalen Sehgewohnheiten vieler Zuschauer passte das dennoch nicht immer zusammen. Zumal zur schrägen Story auch noch viele skurrile Einfälle der Regisseure kamen, die mit reichlich Blut und Witz umgesetzt wurden.

Da fühlt sich die zweite Staffel der Serie fast normal an. Das liegt aber weniger an der zahmeren Machart, denn die gibt es nicht, sondern mehr daran, dass der Zuschauer die Figuren mittlerweile gut kennt und schräge Momente gewohnt ist. Denn Umbrella Academy 2 ist mindestens so abgedreht wie der Vorgänger. Was sicher auch daran liegt, dass die Staffel ebenfalls wieder lose auf der Comicvorlage von Gerard Way basiert. Und die meisten Figuren aus Staffel 1 wieder dabei sind – sowie ein paar neue, die es ebenfalls in sich haben.

Familien-Dramedy

Doch vieles an der Verpackung täuscht über den wahren Inhalt der Serie hinweg. Denn im Kern geht es hier um eine höchst dysfunktionale Familie und ihren Kampf, dennoch zusammenzuhalten. Weil sie schlicht niemanden sonst haben, der sie versteht. Ob das Luther ist, der alles andere als brüderliche Gefühle für seine Schwester Alison hegt. Ob das Klaus ist, der in einer symbiotischen Hassliebe mit seinem Toten Bruder Ben lebt, den nur er sehen kann. Oder auch Fünf, der stets einen kühlen berechenden Eindruck macht, und doch seine Sippe retten will.

Diese Momente inszenieren die Macher mal witzig, mal traurig, aber immer emotional. Wenn Klaus auf seinen zukünftigen Lover trifft, der sein Coming Out 1963 noch nicht hinter sich hat, dürfte so manches Taschentuch gezückt werden. Auch Vanya findet eine tragische Liebe – schon wieder! Und Luthers Leid, als er von Alisons Ehe erfährt, spielt Tom Hopper einfach großartig. Weil der Hargreeves-Clan durch seine Fehler so menschlich ist, wächst er dem Zuschauer ans Herz. So seltsam sie auch sein mögen.

Aber es gibt auch in Umbrella Academy 2 wieder Punkte, die Kritik verdienen. So drehen die Macher nach furiosem Start erneut das Tempo herunter und sorgen so für manchen Leerlauf innerhalb der Serie. Statt Rückblenden und Charakterentwicklung gut in die laufenden Handlung zu integrieren, gibt es oft nur Hintergrund-Infos – und das bremst die Apokalypse-Story immer wieder herunter. Dennoch kann die zweite Staffel durch die bereits bekannten Figuren und die wunderbare Kulisse des US-Südens im Winter 1963 noch mehr überzeugen als Staffel 1.

Fazit:

Auch Umbrella Academy 2 hat nichts von ihrer Frische und dem schrägen Humor verloren, mit dem die Macher ihre im Grund oft traurige Familiensaga erzählen. Mit vielen Idee zu schrägen Blickwinkeln der Kamera und unzähligen Kulturreferenzen aufgepoppt, bleibt die Serie dennoch im Kern eine Dramedy um eine Familie, die sich selbst retten muss, um buchstäblich ihre Welt zu retten. Und das macht im zweiten Versuch mindestens so viel Spaß wie beim ersten Mal. Was auch am grandios ausgewählten Soundtrack liegt.

The Umbrella Academy Staffel 2 startet am 31. Juli 2020 bei Netflix.

Der Beitrag Serienkritik: The Umbrella Academy Staffel 2 erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Seit Peter Jackson 1992 mit „Braindead“ die Urmutter aller Fun-Splatterfilme drehte, ist das Sub-Genre aus dem Horrormarkt nicht mehr wegzudenken. Denn wie der Meister es vormachte, reicht oft die Liebe zum Detail aus, um trotz begrenzter Mittel einen grandiosen Kassenknüller hinzulegen, der unter anderem in Deutschland ein schweres Leben und oft mit dem Jugendschutz zu kämpfen hatte. Dieses Schicksal dürfte Yummy trotz einiger deftiger Einlagen aber wohl nicht drohen. Hat der belgische Splatter die Lacher auf seiner Seite?

Yummy: Die Handlung

Alison (Maaike Neuville) leidet sehr unter ihrer großen Oberweite und möchte sich ihren Busen in einer osteuropäischen Schönheitsklinik verkleinern lassen. Mit Freund Michael (Bart Hollanders) und Mutter Silvia (Annick Christiaens) reist sie dorthin, weil die OP-Kosten so niedrig sind. Doch Michael kommt die Klinik schon bald nicht so recht geheuer vor, zu viele seltsame Dinge gehen im Krankenhaus vor sich. Als er im Keller dann noch eine angeschnallte junge Frau findet, die scheinbar an einer Gesichtsmaske erstickt, will er sofort helfen.

Doch das vermeintliche Opfer entpuppt sich als höchst gefährliche Gerettete, der Michael nur mit Mühe entkommen kann. Ohne es zu wissen, hat er damit die Büchse der Pandora geöffnet. Schon bald wimmelt die Klinik vor fleischfressenden Untoten, die jeden infizieren, den sie beißen. Michael will fliehen, doch weil Silvia ihre OPs bereits hinter sich hat und irgendwo im dem großen Komplex gerade aufwachen müsste, weigert sich Alison zu gehen und begibt sich auf die Suche. Das erweist sich als keine sonderlich gute Idee …

Yummy: Doof, aber lustig

Titten. Blut. Viel Blut. Kotze. Peniswitze. Titten. Gedärme. So in etwa liest sich die grobe Handlung von Yummy, wenn man dem Film böse gesonnen ist. Allerdings darf man Regisseur Damoiseaux durchaus unterstellen, dass er das nicht aus Einfallslosigkeit, sondern mit voller Absicht so gemacht hat. Ein Film gegen den guten Geschmack also. Und das gelingt ihm auch recht gut. Haufenweise Stereotypen wie der ungeschickte Brillenträger, der lüsterne alte Sack und der irre Arzt geben sich hier die Klinke in die Hand. 

Auch sonst folgt die Handlung wie an einer unsichtbaren Leine den gängigen Klischees des Genres, ohne allerdings ständig auf die Großen der Zunft zu verweisen, wie das sonst häufig geschieht. Verbeugungen vor Romero oder Jackson sucht man hier vergeblich, das ist aber gar nicht schlimm. Denn die meisten Fans de Sub-Genres interessieren sich ohnehin mehr für andere Dinge. Sind die Effekte handgemacht und gut? Gibt es reichlich fiese Tode? Und passt der Humor zu Story und Gewaltgrad? Und hier gibt es jedesmal ein klares Ja.

Yummy: Spaß für Fans – und nur für die

In betont albernen Szenen lässt Damoiseaux seine Überlebenden durch das Krankenhaus irren und eine schräge Situation nach der anderen erleben. Ob ein tiefgefrorener Penis oder eine äußerst rabiate Arm-Amputation – dem Regisseur ist kein Gag zu peinlich, solange dabei ordentlich das Kunstblut spritzt. Dass er dabei durch den Ort der Handlung auch den einen oder anderen harmlosen Seitenhieb auf Schönheitswahn anbringt – geschenkt. Denn darum geht es hier letztlich nicht. Stattdessen ist Damoiseaux nur auf eines aus – Spaß verbreiten.

Das Fantasy Filmfest war für solche Filme immer eine gute Messlatte. Denn dort wurden schon immer Filme wie „Freddy vs Jason“ und ähnliche Kaliber vor vollem Haus gnadenlos gefeiert. Diese Qualität erreicht Yummy zwar nicht, allein schon weil ihm solche Horror-Ikonen fehlen, aber den irrsinnigen und albernen Spaß, den solche Filme verbreiten wollen, hat Damoiseaux verstanden. Und in einigen Momenten auch erreicht. So gelingen ihm ein paar Szenen, die tatsächlich brüllend komisch sind. Sonst zaubert er dem Fan des Genres zumindest regelmäßig ein Grinsen ins Gesicht. Zudem ist das Ganze handwerklich stets auf gutem Niveau.

Und mehr sollte man von Yummy auch nicht erwarten. Denn natürlich sind die platten Charaktere und Gags nicht dazu angetan, länger als ein paar Sekunden nach Abspann darüber nachzudenken, was man gerade gesehen hat. Auch die deutsche Synchronisation passt sich da an. Von sehr mäßigen Sprechern bis zu saukomischen osteuropäischen Klischee-Akzenten ist hier alles vertreten. Für einen echten Kultfilm wie das große Vorbild einer ist, wird es für Yummy wohl nicht reichen. Aber für einen lustigen Abend unter Horrorfans durchaus.

Fazit:

Bei Yummy bekommt der Fan von lustigem Horror-Splatter genau das, was er sich wünscht. Klischees und Gags an der Schmerzgrenze verdichten sich zu einem meist albernen, aber immer blutigen Fun-Splatter, der genau das ist was er auch sein will. Das verschafft dem Film eine eher übersichtliche Zielgruppe, die Lars Damoiseaux‘ Film dafür umso mehr feiern wird. Und an drei oder vier gelungene Gags wird man sich nach Ende des Films auch noch erinnern können. Wem das genügt, der ist hier genau richtig.

Yummy startet am 23. Juli 2020 in den deutschen Kinos.

Der Beitrag Filmkritik: Yummy erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Hierzulande kennt den Namen Greg Rucka kaum jemand, der nicht regelmäßig Superhelden-Comics liest. Doch der Amerikaner gehört zu den bekanntesten Comic-Autoren der USA, schreibt seit vielen Jahren vor allem für DC und gilt als besonderes talent, wenn es um Krimi-Plots geht. Im Juli feiert seine eigene Comic-Serie „The Old Guard“ als Netflix-Film Premiere, und Stumptown, die in seiner eigenen Heimatstadt Portland/Oregon angesiedelt ist, wurde vor wenigen Tagen für eine zweite Staffel verlängert – trotz mäßiger Quoten. Ist die Serie besser als ihre Zahlen?

Stumptown: Die Handlung

Dex Parios (Cobie Smulders) ist nach ihrem Einsatz für die Army in Afghanistan nicht mehr ganz sie selbst. Durch ein furchtbares Erlebnis mit PTSD gezeichnet, kann sie keinen geregelten Rhythmus in ihr Leben bringen. Sie säuft, meist in der Bar ihres Kumpels Grey (Jake Johnson), angelt sich Kerle oder Frauen für die Nacht und lebt in den Tag hinein. Nur die Fürsorge für ihren an Down-Syndrom leidenden kleinen Bruder Ansel (Cole Sibus) nimmt sie sehr ernst. Mit Gelegenheitsjobs finanziert sie auch ihre immer wieder ausbrechende Spielsucht.

Eines Tages wird sie im Casino von Mitarbeitern der Besitzerin Sue Lynn (Tantoo Cardinal) aufgelesen und zur Chefin gebracht. Dex und Sue Lynn verbindet eine alte Hassliebe, denn Sue Lynns Sohn Benny war einst Dex‘ große Liebe. Nachdem Bennys Familie die beiden als Teenager auseinander brachte, besann sich Benny als Erwachsener eines besseren, folgte ihr als Soldat nach Afghanistan – und starb dort in ihren Armen. Und nun ist Nina, Bennys Tochter, plötzlich verschwunden. Sue Lynn bittet Dex, sie zu finden – um der alten Zeiten willen …

Stumptown: Eine Detektivin am Rande aller Klischees

Es ist immer gut, wenn man weiß, was man tut. Wie die Macher dieser Serie. Denn Dex Parios ist eigentlich ein wandelndes Klischee – allerdings ein männliches. Schon Ruckas Wahl, aus dem versoffenen, heruntergekommenen Detektiv eine Frau zu machen, zeugt von augenzwinkerndem Witz. Dennoch merkt man dem Stoff jederzeit auch Ruckas Liebe zu den alten Hardboiled-Krimis eines Raymond Chandler oder Dashiell Hammett an. Diese Verehrung versetzt Rucka hier mit genug sarkastischem Humor, um den Spring ins 21. Jahrhundert zu schaffen.

Ältere Zuschauer dürfte Stumptown vor allem an die James Garner-Serie „Detektiv Rockford: Anruf genügt“ erinnern, in der die Ausgangssituation ganz ähnlich war. Rockford lebte in einem Wohnwagen, kümmerte sich um seinen alten Vater und löste Fälle mit Herz und Verstand. Allerdings musste sich das TV in den 70ern in Sachen Alkoholsucht und Gewalt ein wenig mehr zurückhalten als heute. Und so darf Dex eine ganz Ecke kaputter sein als Garner. Da die Serie aber eine Network-Serie ist, gibt es nur Gewalt, aber keinen Sex zu sehen.

Stumptown: One-Woman-Show mit Gästen

Im Gegensatz zu den Zuschauern lieben die Kritiker in den USA die Serie, was ein Grund für die Verlängerung sein mag. Und tatsächlich zeigen bereits die beiden ersten Folgen der Serie, welches Potenzial sie hat. Denn Dex hat nicht nur in jeder Situation einen trockenen Spruch auf den Lippen und kassiert dafür regelmäßig Prügel. Sie fährt auch ein Wunderauto, aus dessen kaputtem Kassettenrekorder stets Hits der 70er und 80er kommen – die wohl längste Kassette der Welt! Dieser Soundtrack bestimmt auch das Tempo der Serie, die flott auf den Punkt kommt.

Dreh- und Angelpunkt dabei ist Cobie Smulders, die ihre Rolle brillant spielt. Als clevere Detektivin, die immer aufs Beste hofft und das Schlimmste annimmt, verkörpert Smulders Dex Parios als gebrochene Frau, die immer wieder lauwarme Versuche startet, sich endlich wieder ein richtiges Leben aufzubauen. Auch ohne Text lässt sie den Zuschauer an ihren Überlegungen teilhaben, Blicke und Gesten reichen ihr dazu völlig. Und so gelingen ihr trotz der stereotypen Vorgaben der Rolle immer wieder Momente, die berühren. Auch durch den guten restlichen Cast.

Dennoch ist die Serie nicht frei von Schwächen, die vor allem dem Network-Hintergrund geschuldet sind. Denn das Motto „Show, don’t Tell“ (also zeig es, statt es zu erzählen) funktioniert unter den strengen moralischen Vorgaben für frei empfangbares Fernsehen in den USA nur sehr eingeschränkt. Und macht Stumpland damit deutlich harmloser, als es der Serie gut tut. Von HBO oder einem anderen Pay-TV-Sender produziert. wäre Cobie Smulders furiose Show vermutlich eine echte Perle für Crime-Fans, so ist sie immerhin recht ansehnlich.

Fazit:

 Cobie Smulders als kaputte und sarkastische Privat-Ermittlerin mit mehr Emotion, als gut für sie ist, ist Herz und Seele von Stumpland. Gut geschriebene Fälle und ebenso stimmig geschaffene Nebenfiguren runden den guten Eindruck der ABC-Serie ab. Dem Stoff von Greg Ruckas Comics hätte allerdings eine etwas härtere Gangart bei Sex und Alkohol durchaus gut getan, durch den Network-Sender wird das deutlich weichgespült. Wer ungewöhnliche Ermittler mag und mit dem Spiel der Klischees etwas anfangen kann, sollte dennoch unbedingt mal reinschalten.

Stumpland startet am 19. Mai 2020 bei Sky, immer dienstags mit Doppelfolgen.

Gesehen: Zwei von 18 Episoden.

Der Beitrag Serienkritik: Stumptown erschien zuerst auf lauterfilme.de.

(Mittlerweile liegt die Serie mit deutscher Tonspur vor!)

Die Kritik zu Staffel 1 finden Sie hier.

Zwei Dinger gelten als sicher: der Tod und die Steuern. Und auch wenn Jen und Lucy durchaus Probleme mit dem lieben Geld haben, so ist doch der Grimme Schnitter ihr ständiger Begleiter. Nachdem Jen in Staffel 1 ihren Mann durch einen Autounfall verloren hat, ist seit dem Finale der ersten Episoden auch Lucy nicht mehr länger mit einem Ex-Mann gesegnet – oder gestraft, wie man will. Wie verändert sich das Leben der beiden Frauen durch die neuesten Ereignisse? Weniger als man denkt, wie die Kritik zeigt.

Dead To Me Staffel 2: Die Handlung

Nach Jens (Christina Applegate) Tat muss sie sich wohl oder übel wieder mit Lucy (Linda Cardellini) arrangieren, um die Folgen der Nacht abzumildern. Gemeinsam gelingt ihnen das auch, doch bald muss Jen feststellen, dass die Nachbarn viele wichtige Beweise für die Geschehnisse am Pool ohne deren Wissen auf Band haben. Aber wie soll sie die zerstören, ohne dabei aufzufallen? Und damit hören Jens Probleme noch nicht auf, denn ihr älterer Sohn Charlie will nun endlich erwachsen sein und fordert seine damit verbundenen Rechte ein – wie Autofahren. Eine schlechte Idee …

Währenddessen muss Lucy feststellen, dass sie nach dem Krach mit Jen Probleme hat, ein Bett für die Nacht zu finden, denn im vermeintlich leer stehenden Zimmer ihres ehemaligen Lieblingspatienten Abe soll bereits eine neue Patientin einziehen. Und die kann Lucy überhaupt nicht leiden! Also muss Lucy wohl oder übel in einem Auto übernachten, als Jen anruft. Während Jens Jungs langsam irritiert darüber sind, ob Lucy nun bei ihnen wohnt oder nicht, steht plötzlich ein bekanntes Gesicht vor der Tür, dass Jen fast um den Verstand bringt …

Dead To Me Staffel 2: Nahtlos

Die neuen Folgen wirken nicht wie eine neue Staffel, sondern eher, als würde Netflix den zweiten Teil der ersten Staffel senden, wie etwa bei „Chilling Adventures of Sabrina“. Denn die Handlung geht so nahtlos weiter, als hätte kein Jahr zwischen den Folgen zehn und elf gelegen. Und auch sonst sind keinerlei Änderungen festzustellen. Die Chemie zwischen Jen und Lucy stimmt immer noch und die schräg-kaputte Beziehung der beiden bildet weiterhin das Herz der Dramedy – und es schlägt genauso kräftig weiter wie vorher.

Was eindeutig an den beiden Schauspielerinnen liegt. Linda Cardellinis bebende Unterlippe und ihre beiden Lieblingssätze „Ich weiß“ und „Es tut mir leid“ sorgen auch in den neuen Folgen für Spaß. Denn sie wirken immer dann besonders gut, wenn der Zuschauer sie zusammen mit Applegates Gesicht sieht, das ständig wirkt, als habe Jen seit drei Jahren durchgehend Migräne. Dass die beiden Frauen durch die Vorkommnisse aus dem Staffelfinale nun noch enger und auf Gedeih und Verderb aneinander hängen, ist für das Publikum in jedem Fall ein Gewinn.

Dead To Me Staffel 2: Die heile Welt bröckelt heftiger

Ein langsam von innen heraus bröckelndes Bild der heilen Welt, das einem völlig chaotischen Leben in Dauerpanik Platz macht, das hat Netflix dem Zuschauer mit „Santa Clarita Diet“ bereits in der untoten Spaßvariante gezeigt. Und so ganz weit weg davon sind Jen und Lucy auch ohne Zombies nicht. Immer wieder geschieht ein neues Unglück oder prallen verspätete Ausläufer früherer Ereignisse noch an die Hauswand der ehemals so stabilen Festung kleinbürgerlichen US-Lebens. Feldman seziert mit viel Spaß und durchaus auch etwas Grausamkeit den Alltag der beiden Mittvierzigerinnen.

Wie in der ersten Staffel setzen die Autoren auch diesmal weniger auf kurze flache Gags, sondern auch eine sich langsam steigernde Spirale in den Wahnsinn, die nicht dauerhaft lustig ist, dafür aber einige wunderbare Lacher mit sehr langem Anlauf liefert. Allerdings fokussiert sich Dead To Me Staffel 2 erneut sehr stark auf seine beiden Heldinnen. Und so bleibt nur wenig Platz für andere Figuren, die deshalb oft zu bloßen Stichwortgebern verkommen. Lediglich Jens Schwiegermutter Lorna (Valerie Mahaffey) legt immer einen großen Auftritt hin, egal, wie selten sie zu sehen ist.

Die Reise in den Wahnsinn und der Kampf gegen die Windmühlenflügel des Zerfalls bürgerlichen Lebens geht also auch in der zweiten Staffel ungebremst weiter. Wer an den ersten zehn Folgen seinen Spaß hatte, kann auch hier gefahrlos wieder einschalten. Es wird im vorkommen, als sei das Gespann Jen und Lucy nie weg gewesen.

Fazit:

Die Hölle der Kleinstadt und der grassierend Irrsinn angesichts nicht zu realisierender Lebenswentwürfe hat auch in Dead To Me Staffel 2 nichts von ihrem Charme verloren, leidet aber auch noch unter den gleichen Problemen. Manch ein Lacher bleibt im Hals stecken und nicht jede Folge ist wirklich witzig. Als Dramedy an der Grenze zwischen Spaß und Ernst balanciert die Serie aber sicher ins Ziel – auch in Staffel 2.

Dead To Me Staffel 2 startet am 8. Mai 2020 bei Netflix.

Gesehen: Sechs von zehn Folgen.

Der Beitrag Serienkritik: Dead To Me Staffel 2 erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Viele bekannte Kurzgeschichten stammen aus dem Bereich Horror oder Thriller. Meister ihres Fachs wie Edgar Allan Poe, H.P. Lovecraft, Stephen King oder Roald Dahl setzen auf Storys, die häufig im letzten Moment einen Twist aufweisen, der die Geschichte plötzlich in einem anderen Licht darstellt. Wie im Fall von Dahl müssen das nicht unbedingt übernatürliche Elemente sein, auch die Boshaftigkeit der menschlichen Natur reicht oft aus, um eine fiese, kleine Idee zu einer coolen Story zu machen. Kann das auch Blutiger Trip beweisen?

Blutiger Trip: Die Handlung

Sechs Kurzgeschichten ohne Zusammenhang umfasst die erste Staffel. Einzige Gemeinsamkeit: Zu Beginn jeder Folge sitzen die Helden der Story gemeinsam in einem unheimlichen Bus und fahren – möglicherweise – in die Hölle. In der ersten Folge zieht ein Paar aus der Großstadt aufs Land und erlebt dort eine ungewöhnliche Methode, zu viel Geld zu kommen, allerdings mit tödlichen Folgen. Danach kommt ein junger Mann nach drei Jahren Behandlung in der Psychiatrie endlich auf freien Fuß. Doch beim gemeinsamen Ausflug mit seinen beiden älteren Brüdern treten dunkle Geheimnisse aus der Vergangenheit ans Licht.

Episode drei befasst sich mit einer jungen Frau aus reichem Hause, die unbedingt Schriftstellerin werden möchte. Als sie beim Seminar einer berühmten Autorin einen unscheinbaren Mann kennen lernt, denkt sie sich nichts dabei. Doch bald läuft ihr Leben komplett aus dem Ruder – wie in einem schlechten Roman. Ob es da einen Zusammenhang gibt? Weitere Storys: Ein Abendessen mit Industrie-Spionage, die Wiedereröffnung einer gruseligen Schule und eine Büroparty mit Geistern als besondere Überraschung …

Blutiger Trip: Kein Black Mirror

Um keine falschen Erwartungen aufkommen zu lassen: Mit Black Mirror kann die norwegische Serie nicht mithalten. Dazu fehlen schlicht die bahnbrechenden neuen Ideen, denn die sechs Folgen von Blutiger Trip sind in ihrem Ursprung allesamt nicht neu. Schon eher erinnern sie an „Geschichten aus der Gruft“, die sich wiederum an alten US-Horrorcomics orientieren. Denn meist geht es um schlechte Menschen oder Personen, aus denen die Gelegenheit schlechte Menschen macht. Und die daher das meist böse Ende ihrer Geschichte moralisch verdienen.

In ihrer Qualität sind die einzelnen Folgen auch recht unterschiedlich. Von relativ öde bis ganz ansehnlich ist alles vertreten. Einen Ausreißer nach oben sucht der Fan allerdings vergeblich. Das liegt meist an den Storys, die mit ihren knapp 30 Minuten oft entweder zu lang für die kleine oder zu kurz für eine größere Idee sind und so thematisch oft zwischen den Stühlen sitzen. Dafür stimmt für Horrorfans der Blutgehalt. Zwar feiern die Macher hier keine Gore-Orgien ab, aber die eine oder andere böse Stelle weist eigentlich jede Folge auf.

Blutiger Trip: Gut für Einsteiger

Und somit eignet sich die Serie weniger für gestandene Horrorfreunde als vielmehr für Neulinge oder empfindliche Zuschauer. Denn die 30 Minuten sind besser durchzuhalten als ein ganzer Spielfilm. Der Grad an Gewalt ist nicht übertrieben hoch. Und die Storys selbst sind auch eher böse und makaber als wirklich unheimlich. Hin und wieder kommt sogar ein Schuss Humor, wenn auch aus der dunklen Kategorie, dazu. Und so erinnert die Serie tatsächlich zumeist an die „Küsschen, Küsschen“-Sammlungen des Briten Roald Dahl und weniger an die Klassiker des Genres.

Fans dürften auch deshalb Probleme mit der Serie haben, weil jede Idee schon einmal in ähnlicher Form Verwendung fand. So orientiert sich Folge eins lose am Märchen vom Fischer und seiner Frau, Episode zwei verbeugt sich vor Hitchcocks „Psycho“ und so weiter und so fort. Das ist alles dennoch ganz nett, mehr aber eben auch nicht. Dazu kommt, dass die deutscher Synchronisierung zwar stets ordentlich ist, aber auch nie mehr als das. Richtig mitreißende Momente schaffen die Sprecher so nicht – und Emotion gehört zum guten Horror nun einmal dazu.

Als kleine Gemeinheit für zwischendurch taugt Blutiger Trip schon, Genre-Freunde sollten ihre Erwartungen aber nicht zu hoch hängen. Das liegt zum einen am Budget, dass sichtbar nicht sonderlich hoch war, zum anderen auch an Schauspielern, die in ihren Rollen nicht wirklich überzeugend agieren. Wer aber seinen Spaß an kleinen, fiesen Storys ohne große Nachhaltigkeit oder Tiefgang hat, der sollte sich ruhig auf Verdacht einmal eine Folge ansehen. Unser Tipp: Drei kranke Brüder.

Fazit:

Im Norden nichts Neues! Die Anthologie-Serie Blutgier Trip aus Norwegen macht zwar nichts völlig falsch, bleibt aber zu sehr in bekannten Ideen und Klischees verhaftet, um dem Horror-Sektor etwas Neues hinzuzufügen. Zum Teil durchschnittliche Schauspieler und eine routinierte deutsche Synchronisation ohne Highlights machen die Sache auch nicht besser. Als kleiner fieser Genre-Happen mit mehr oder weniger gelungener Schluss-Pointe taugen die sechs Episoden aber durchaus – und für Horror-Neulinge ohnehin.

Blutiger Trip startet am 13. März 2020 bei Netflix.

Gesehen: Drei von sechs Folgen.

Der Beitrag Serienkritik: Blutiger Trip erschien zuerst auf lauterfilme.de.