Die Handlung

Der jüdisch-stämmige J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) ist eher ein Theoretiker denn ein Praktiker, das wird ihm schon im Studium klar, als Laborversuche regelmäßig in einem Fiasko enden. Doch er ist ein brillanter Kopf, stellt kluge Fragen. Und kann sogar den damals bereits legendären Physiker Nils Bohr (Kenneth Branagh) beeindrucken, der ihm zu weiteren Studien bei Kollegen in ganz Europa rät. Zurück in den USA sieht er die wachsende Bedrohung Europas durch die Nazis zunehmend mit Sorge. Zudem ist Oppenheimer politisch eher links eingestellt, was auch die Amerikaner mit mäßiger Begeisterung zur Kenntnis nehmen. Bei einer Party der Kommunisten trifft Oppenheimer seine erste große Liebe Jean (Florence Pugh).

Seine Vorlesungen in Berkeley erfreuen sich großer Beliebtheit, bald gilt Oppenheimer als einer der größten Köpfe in der Quantenphysik. Und weil der Wettkampf darum, wer als erster eine Atomwaffe einsetzen kann, zwischen den USA und Nazi-Deutschland in eine entscheidende Phase tritt, holt das Militär in der Person von Lt. General Leslie Groves (Matt Damon) den politisch eher unbequemen, aber fachlich grandiosen Oppenheimer zum Manhattan Project. In der Wüste von New Mexiko entsteht Los Alamos, ein Dorf, das nur einem Zweck dient: der Erschaffung einer Atombombe, die den Krieg entscheiden kann. Oppenheimer und seine Crew gewinnen schließlich das Rennen gegen Hitler, doch die US-Regierung hat inzwischen einen weiteren Feind – Japan …

Ein starkes Stück Zeitgeschichte

Mit Oppenheimer wagt Regisseur und Autor Christopher Nolan einen neuen Schritt in seiner Karriere. Konnte der mittlerweile 52-jährige Brite bislang vor allem mit rein fiktionalen Stoffen begeistern, so drehte er nun nach dem Kriegsdrama „Dunkirk“ einen weiteren historischen Stoff mit real existierenden Personen. War aber die Rettung britischer Soldaten vom Festland eher eine Momentaufnahme mit nur wenig bekannten Figuren und hauptsächlich fiktiven Helden, steigt Nolan mit Oppenheimer tief in die jüngere Geschichte der USA ein. Und beleuchtet die Causa Oppenheimer von verschiedenen Seiten. Nicht alle davon sind schmeichelhaft für den Wissenschaftler selbst oder die Regierung, für die er arbeitete.

Nolan, der auch das Drehbuch verfasste, ist dabei klug genug, die wissenschaftliche Seite des Projekts dabei weitgehend zu ignorieren. Allerdings nur, um das Publikum nicht mit einer Physik zu überfordern, die ohne Studium kaum zu verstehen ist. Stattdessen verlegt er sich auf die Beobachtung der Ereignisse, die mit dem Einsatz der Bombe auf Hiroshima und Nagasaki noch längst nicht auserzählt sind. Nolan interessiert sich für den Wandel, der in Oppenheimer vorgeht und die Art, wie sein Land ihn vor und nach der Fertigstellung der Atombombe behandelt. Dazu nutzt er klug einen Ansatz mit viel Zeitkolorit. Denn Oppenheimer geriet aufgrund seiner Vergangenheit in den Fokus der hysterisch-antikommunistischen McCarthy-Ära. Einige der besten Momente des Films erzählen davon.

Gefühlvolles Portrait einer komplexen Persönlichkeit

Für Nolan, dem Kritiker immer wieder nicht völlig zu Unrecht vorwerfen, recht kühle Filme zu inszenieren, hat mit Oppenheimer vielleicht seinen emotionalsten Film seit „Memento“ gedreht. Seine Charaktere fühlen unverkennbar, sind weder Superhelden noch Agenten, sondern Menschen. Und dieser Aspekt gelingt Nolan in Anbetracht seiner bisherigen Defizite auf diesem Gebiet ausnehmend gut. Was sicher zu einem guten Teil an den Schauspielern liegt, die er für das Projekt gewinnen konnte. Murphy spielt den ambivalenten Titelhelden mit viel Gespür für einen abgehobenen, genialen Verstand, der dennoch vor allem für die fleischlichen Gelüste viel übrig hatte, mit einer klugen Mischung aus Zurückhaltung und gelegentlichen Gefühlsausbrüchen. Und holt so den fast normalen Menschen hinter dem Denkmal hervor.

Ein heißer Kandidat für einen Oscar für die beste männliche Nebenrolle ist Robert Downey Jr.. Er brilliert als Senator, der zum Erzfeind Oppenheimers wird und alles in die Waagschale wirft, um ihn zu vernichten. Downeys Spiel eines durchtriebenen Machtmenschen schwebt über den durchgehend starken Auftritten diverser großer Namen wie der Geist über dem Wasser. Sein Gesicht in Schwarz-Weiß (die Nachkriegs-Szenen sind alle ohne Farbe gedreht) bleibt hängen, seine Blicke voller verhaltenem Zorn dringen durch. Neben Murphy und Downey Jr. bleiben für Stars wie Josh Hartnett, Emily Blunt, Florence Pugh, Jason Clarke, Matt Damon, Casey Affleck und viele andere nur einzelnen Szenen, in denen sie sich auszeichnen können.

Und neben dieser imposanten Liste hat Nolan weitere kluge Entscheidungen getroffen. So zeigt er kein einziges Bild der zerstörten japanischen Städte. Er belässt es bei der visuell eindrucksvollen Testzündung in New Mexiko, Tage vor dem Abwurf. Den Schrecken, der bald Oppenheimers Wesen beeinflusst, nachdem er den Geist aus der Flasche ließ, braucht diese Bilder nicht, um zu funktionieren. Die Gefahr, die der Wissenschaftler durch seinen eigentlich ehrenhaften Versuch, die Nazis zu stoppen, auf die Welt losließ, findet auch so den Weg zum Publikum. Lediglich bei der Tonspur hat Nolan entgegen seiner sonstigen Gepflogenheiten nicht überzeugt – die ist an vielen Stellen so laut, dass der gesprochene Text dahinter verschwindet. Das mag allerdings in der deutschen Version besser sein.

Fazit:

Christopher Nolan meldet sich mit Oppenheimer nach Dunkirk nochmals als Chronist echter Geschichte zurück. Und überzeugt diesmal auch auf einer emotionalen Basis. War sein Kriegsfilm technisch und optisch aufregender als inhaltlich, so zeigt er mit dieser Erzählung, dass ihm auch solche Stoffe liegen. Denn er stellt als Regisseur und Autor viele Weichen richtig, bringt seine Geschichte früh ins Rollen und bremst sie auch durch diverse Zeitsprünge niemals aus. Die Bombe fällt nach zwei Stunden und Nolan gelingt es eine weitere Stunde, die Handlung spannend zu fesselnd zu halten. Und deckt dabei viele Aspekte der komplexen Geschichte ab, wertet aber selbst zurückhaltend. Großes Erzählkino nach Tatsachen, das nie langweilt und mit großen Bildern und Schauspielern auftrumpft.

Oppenheimer startet am 20. Juli 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Das Jahr 1767 im Süden Frankreichs. Der Chevalier Gregoire de Fronsac (Simon Le Bihan) und sein Begleiter, der amerikanische Ureinwohner Mani (Mark Dacascos), reisen ins Gebiet von Gevaudan, um eine Serie von tödlichen Angriffen auf die Bevölkerung zu untersuchen. Vom König selbst geschickt, soll de Fronsac die als „Bestie von Gevaudan“ berüchtigte Kreatur jagen, töten und als Präparat an den königlichen Hof zurückbringen. Bald merkt der weitgereiste Abenteurer, dass in diesem abgelegenen Gebiet Frankreichs noch andere Dinge umgehen als nur eine Bestie. Die Meinung, ein Wolf wäre für die Attacken verantwortlich, kann de Fronsac bald als Legende nachweisen, allerdings hat auch er Mühe, sich der Kreatur zu nähern. Sie scheint ein Gespür dafür zu haben, wann sie sich verstecken muss.

Als Chevalier wird de Fronsac auch in die feine Gesellschaft des Gevaudan eingeführt und lernt dort die Familie de Morangias kennen. Während der Sohn der Familie, der verkrüppelt von einer Afrikareise zurückgekehrte Jean-Francois (Vincent Cassel), dem Freigeist eher mit Verachtung begegnet, findet dessen Schwester Marianne (Emilie Duquenne) trotz ihres kühlen Verhaltens den Abenteurer aus Paris offenbar wesentlich spannender. Dass die Bestie allerdings auch einen politischen Hintergrund aufweist, in den offenbar auch die Edelhure Sylvia (Monica Belucci) verstrickt ist, findet de Fronsac erst spät heraus. Kann der Edelmann die Bestie zur Strecke bringen, bevor ihr grausamer Plan vollends aufgeht?

Genre-Mix vom Feinsten

Vermutlich muss man Genre-Fans und Filmfreunden Christophe Gans‘ Werk nicht mehr vorstellen. Aber wer den Film tatsächlich noch nie gesehen hat, braucht Infos. Pakt der Wölfe ist ein Sammelsurium von einem Film. Er beginnt als historischer Film, fügt schnell Martial-Arts-Elemente hinzu und wird später zum Polit-Thriller, Horrorfilm und Fantasy-Streifen. Was Gans, der auch am Drehbuch mitarbeitete, hier zusammenfügt, gibt es in dieser Menge wohl in keinem anderen Genre-Mix. Und Gans gelingt es dabei noch, eine historisch nachgewiesene Begebenheit als Hintergrund für seinen üppigen Plot zu nutzen – die Bestie von Gevaudan hat es wirklich gegeben, das Rätsel um sie wurde nie gelöst.

Natürlich lassen sich auch hier Punkte zur Kritik finden. Bedingt durch seine fast absurd hohe Menge an verschiedenen Geschichten sind die meisten Charaktere eher Stereotype als echte Menschen. Zeit für ein wenig mehr Tiefe hat Gans nur für seinen Helden de Fronsac gefunden, der sich vom zu Beginn leicht arrogant wirkenden Schöngeist zur furiosen Kampfmaschine entwickelt und dabei auch seinen moralischen Kompass wiederfindet. Alle anderen Figuren ordnen sich hingegen den Storys unter und bekommen nur so viel Aufmerksamkeit wie absolut notwendig ist. Anders wäre die Fülle an Inhalt allerdings wohl auch nicht in 150 Minuten zu erzählen.

Gutes Bild, fantastische Bilder

Gans ist aber nicht nur inhaltlich wild unterwegs. Auch seine damals innovative Inszenierung mit vielen (aber nicht zu vielen) Zeitlupen, schrägen Kamerawinkeln und Perspektiven vor durchgehend grandioser Kulisse, machen Pakt der Wölfe absolut sehenswert für jeden, der ein Auge für ästhetische Filme hat. Denn so manches, was sich hier zeigte, wurde in späteren Jahren zum Standard für gehobene Actionfilme. Dazu lässt Gans auch seine Set-Designer freidrehen und präsentiert nicht nur ein Bordell aus einem surrealen Gemälde, sondern auch gothische Ruinen und Katakomben vom Feinsten. Optisch ist Pakt der Wölfe daher in jeder Hinsicht ein absoluter Leckerbissen, selbst wenn einem Zuschauer die vollgepackte-Genre-Mix-Story nicht zusagen sollte.

Das gilt auch weitgehend für die Bildqualität der neu abgetasteten UHD-Version. Zwar lässt sich nicht komplett verhehlen, dass der Film mehr als 20 Jahre alt ist, denn gerade in dunklen Bereichen des Bildes sind hin und wieder Moiree-Spuren zu sehen, insgesamt glänzt Pakt der Wölfe aber mit knallscharfen und farblich beeindruckenden Bildern. Und zeigen so, wie gut der Film bereits 2001 in den Kinos ausgesehen hat – und mehr. Denn erstmals ist nicht nur der Director’s Cut in UHD zu sehen, sondern der wurde nun auch endlich komplett mir deutschem Ton bestückt. Die bisherige Fassung, bei der neue Szenen im Original mit deutschen Untertiteln enthalten waren, ist damit endlich Geschichte. Und auch fünf Stunden Bonusmaterial können sich mehr als sehen lassen.

Fazit:

Auch mehr als 20 Jahre nach Erscheinen ist Pakt der Wölfe noch immer ein faszinierender Genre-Mix aus Historienfilm, Thriller, Fantasy, Martial Arts und Tier-Horror. Im neuen 4k-Gewand und mit erstmals komplett synchronisierter Director’s Cut-Fassung kann Christophe Gans‘ Meisterstück nun zeigen, wie gut er gealtert ist. Wer den Film bereits kennt und liebt, sollte sich die 4k-Version unbedingt zumindest einmal ansehen, für Sammler dürfte ebenfalls jetzt die Chance gekommen sein, einen der besten europäischen Unterhaltungsfilme des neuen Jahrtausends in den Schrank zu stellen. Angesichts dieser Qualität kann man nur hoffen, dass Regisseur Christophe Gans seinen zweiten Silent Hill-Film bald in Angriff nehmen kann.

Pakt der Wölfe erscheint am 12. Mai 2023 auf Blu-Ray und UHD-Blu-Ray.

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Die Handlung

Frankreich im Jahr 1625. Ludwig XIII. herrscht über ein Land, das sich von außen und innen Bedrohungen gegenüber sieht. Das kümmert allerdings den jungen Gascogner D’Artagnan (Francois Civil) wenig, der wie sein Vater ein Musketier werden möchte und deshalb auf dem Weg nach Paris ist. Doch schon auf der Reise gerät der an einige Banditen. D’Artagnan kann einen kurzen Blick auf eine junge Frau in einer Kutsche werfen, bevor er niedergeschlagen wird. Der Wirt der Schänke, in der der Überfall stattfand, hält ihn für tot und beerdigt ihn im nahen Wald. Doch der junge Mann erwacht rechtzeitig und kann sich aus seinem Grab befreien. In Paris gelingt es ihm innerhalb weniger Minuten, in der Kaserne der Musketiere gleich der drei berühmtesten Kämpfer des Regiments zu beleidigen, sodass sie ihn zum Duell fordern.

Athos (Vincent Cassel), Porthos (Pio Marmai) und Aramis (Romain Duris) finden jedoch Gefallen an dem jungen Mann, als er noch vor dem ersten Duell mit ihnen Seite an Seite gegen die Wache des Kardinals Richelieu kämpft, der faktisch das Land regiert und daher ein unangenehmer Feind ist. Tatsächlich wird Athos wenig später des Mordes an einer jungen Frau angeklagt, die D’Artagnan als die Dame aus der Kutsche wiedererkennt. Um seine Unschuld zu beweisen, müssen die drei Freunde Nachforschungen anstellen. Unterdessen wird D’Artagnan von seiner Vermieterin Constance (Lyna Khoudri) gebeten, für Frankreichs Königin Anna (Vicky Krieps) eine delikate Reise zu unternehmen, sodass er seine neuen Freunde nicht unterstützen kann …

Mit viel Respekt vor der Vorlage

Klassisch ist das Wort, das einem Zuschauer in den Sinn kommen dürfte, wenn er sich Die drei Musketiere – Dartagnan ansieht. Denn tatsächlich haben Regisseur Bourboulon und das Drehbuch-Autorenduo hier großen Wert auf eine recht authentische Verfilmung des berühmtem Buches gesetzt. Die Epoche mit ihren komplizierten politischen Verhältnissen wird ebenso genau getroffen wie die Optik der Kleidung und der Gebäude. Der Film ist ein Ausflug ins frühe 17. Jahrhundert, was den Inhalt betrifft. Folgerichtig hält sich Bourboulon auch mit Humor zurück und zeigt seine Story als ernsthaften, fast grimmig erzählten Film. Inszenatorisch hingegen setzt Bourboulon auf die Mittel des modernen Films.

So nutzt er die extrem beweglichen Kameras der heutigen Zeit, um einige fast minutenlange Plansequenzen zu inszenieren, die so dynamisch und mitreißend sind, dass man aktuelles Actionstrends wie in „John Wick“ oder „Mission Impossible“ gar nicht vermisst. Hier wird weitgehend gefochten und geprügelt- und das ist auch schon alles. Ohnehin liegt bei Bourboulons Version der Schwerpunkt nicht auf der Action, auch wenn die Momente, in denen es zur Sache geht, allesamt stark erzählt sind. Aber Bourboulon lässt seine Protagonisten deutlich mehr reden als kämpfen und zeichnet so nicht nur ein präzises Bild seiner Helden und Schurken, sondern belebt auch die Zeit wieder, in der Frankreich an vielen Fronten zu kämpfen hatte.

Das Highlight: Athos und Milady

Die absolute Macht des Königs, das gottgegebene Recht der Kirche in Form von Kardinal Richelieu, Volk und König nach Belieben zu betrügen und zu belügen, um eigene Interessen durchzusetzen – all das fügt Bourboulon gekonnt zu einem Ganzen zusammen. Dazu verfügt er mit Eva Green über eine Schauspielerin, die schon so oft als Femme Fatale zu sehen war, dass sie auch die berühmte Mylady problemlos zum Leben erweckt. Vincent Cassel als melancholisch-gebrochener Athos ist ebenso sehenswert. Seine Zerrissenheit zwischen Todessehnsucht, Königstreue und dem noch immer anhaltenden Schmerz eines gebrochenen Herzens verkörpert Cassel so gut, dass er in jeder Szene, in der er zu sehen ist, sofort sämtliche Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Auch die Darsteller von Porthos und Aramis liefern komplett ab. Ausgerechnet die Titelfigur D’Artagnan lässt im direkten Vergleich ein wenig Federn. Francois Civil beherrscht zwar jederzeit die körperliche Anforderung an die Rolle, aber gegen Cassel und Co. bleibt er doch ein wenig blass. Auch Lyna Khoudri als Constance überzeugt noch nicht völlig, was allerdings auch an ihrem in Teil eins recht sparsamen Auftritten liegen könnte. Gut möglich, dass sie im kommenden Duell mit Eva Green ihr Können besser unter Beweis stellen kann. Einen wirklichen Ausfall in der Darstellerriege gibt es allerdings nicht, das Niveau ist durchgehend gut. Und die Stimmung des Films erinnert trotz nur weniger Gemeinsamkeiten der Handlung oft an Christophe Gans‘ Meisterwerk „Pakt der Wölfe“.

So dürften alle Fans von Mantel- und Degenfilmen hier ebenso auf ihre Kosten kommen wie Literaturliebhaber und Freunde von Historienfilmen, denn all diese Aspekte bedient Die drei Musketiere – Dartagnan gekonnt. Richtige Spannung dürfte zwar nur bei Zuschauern aufkommen, die die Story zum ersten Mal erleben. Aber das üppige Budget sorgt für einen Bilderrausch, den man sich auch gern noch ein zweites Mal ansehen würde. Disney+ hat bereits zugeschlagen und mit „Milady Origins“ und „The Black Musketeer“ zwei Nachfolge-Projekte geordert. Und zwei Romanfortsetzungen gäbe es ja auch noch.

Fazit:

Die drei Musketiere – Dartagnan ist einerseits klassisches Abenteuerfilm-Kino, andererseits aber so modern inszeniert, dass die Mischung sowohl Fans der alten als auch ein jüngeres Publikum ansprechen dürfte. Regisseur Martin Borboulon und die Autoren nehmen die Story ernst und machen kein Fantasy-Gemurkse wie Paul Anderson 2011 daraus. Historische Korrektheit spielt eine ebenso große Rolle wie der Unterhaltungswert und die Schauspieler, allen voran Vincent Cassel und Eva Green, sorgen für eine satte Portion Emotion, die sich im zweiten Teil noch verstärken dürfte. Ein wundervoller Historienfilm mit nur wenigen Schwächen und mit viel Liebe zu Details und prächtiger Kulissen in Szene gesetzt. Wer die Story um die drei Musketiere mag, wird diesen Film zu schätzen wissen.

Die drei Musketiere – Dartagnan startet am 13. April 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Winter 1830. Auf der Westpoint-Militärakademie im US-Bundesstaat New York kommt es zu einem Todesfall, dessen Bergleitumstände so ungewöhnlich sind, dass Kommandeur Player (Timothy Spall) den eigentlich im Ruhestand befindlichen, erfahrenen Detektiv Augustus Landor (Christian Bale) hinzuzieht. Der Leiche eines Kadetts, der sich vermutlich in der Nacht selbst tötete, wurde nach der Aufbahrung im Krankenzimmer von einem Unbekannten das Herz entfernt. Player und sein leitender Offizier Hitchcock (Simon McBurney) befürchten einen Skandal, der den guten Ruf zieht. Und so lassen sie dem grantigen Detektiv weitgehend freie Hand in seinen Ermittlungen, solange die nur schnell zum Ziel führen.

Bald fällt dem erfahrenen Ermittler ein junger Kadett auf, der offenbar großes Interesse an dem Fall hegt. Der junge Mann hört auf den Namen Edgar Allan Poe (Harry Melling), bezeichnet sich selbst ungewöhnlicherweise als Poeten und bietet Landor seine Hilfe an. Schnell bemerkt der, dass Poe über einen scharfen Verstand und eine gute Beobachtungsgabe verfügt und ihm tatsächlich nützlich sein könnte. Bald konzentriert Landor seine Ermittlungen auf die Familie des Akademie-Arztes Dr. Daniel Marquis (Toby Jones). Dessen Gattin Julia (Gillian Anderson) scheint merkwürdig nervös, während Sohn Artemus (Harry Lawtey) auffällig um das Wohl seiner Schwester Lea (Lucy Boynton) bemüht ist. Schließlich bringt sein alter Freund Jean-Pepe (Robert Duvall) Landor auf die Spur einer okkulten Sekte …

Thriller ohne Thrill

Die Erwartung an Der denkwürdige Fall des Mr. Poe war groß. Ein optisch interessantes Setting. Spannende Charaktere. Und dazu möglicherweise noch den makabren Einschlag der besten Poe-Kurzgeschichten wie „Das verräterische Herz“, an die Poe-Fans aufgrund der Film-Handlung vermutlich sofort denken müssen. Coopers neuer Film kann davon allerdings nicht alles einlösen. Das Gute zuerst: Optisch legt der Regisseur einen ähnlich furiosen Film hin wie in Hostiles und Antlers. Die Natur des winterlichen New York, die Kälte, die fast durch den Bildschirm auf den Zuschauer übergeht und sich mit den Charakteren der Story deckt, ist beeindruckend eingefangen und lohnt schon fast allein das Ansehen. Abgesehen davon wird die Luft aber schnell dünn.

Denn Cooper gelingt es kaum, aus der Vorlage einen spannenden Thriller zu inszenieren. Zu kühl bleiben viele der Figuren, zu wenige Verdächtige werden dem Zuschauer präsentiert. Und so plätschert die Handlung nach starkem Beginn schnell vor sich hin, ohne wirkliche Höhepunkte setzen zu können. Der Plot ergeht sich in vagen Hinweisen auf geheimnisvolle Kulte und fokussiert sich allzu schnell und auch eigentlich eher grundlos auf die Familie des Arztes. Und hier gelingt Cooper das zweifelhafte Kunststück, sonst vor Energie sprühende Schauspielerinnen wie Gillian Anderson und Lucy Boynton derart farblos und eindimensional in Szene zu setzen, dass man keinerlei Anteil an deren Schicksal nimmt.

Sehenswert: Bale und Melling

Auch weitere Nebenrollen bleiben blass, ob Toby Jones oder Timothy Spall, ohne dass die Schauspieler sonderlich viel dafür könnten. Denn in den wenigen Momenten, in denen sie die Chance haben, zeigen sie ihr Können durchaus. Doch Coopers Script dreht sich so offenkundig nur um Landor und Poe, dass der Rest einfach keinen Platz bekommt um zu glänzen. Für Fans von Christian Bale und dessen mitunter minimalistischen Spiels ist Der denkwürdige Fall des Mr. Poe daher in jedem Fall zu empfehlen. Und auch Harry Potter-Fans, die an den Karrieren sämtlicher Schauspieler der Reihe interessiert sind, können sich hier ansehen, was aus Harrys Cousin Dudley geworden ist. Harry Melling bietet hier eine interessante Interpretation des jungen Dichters, der erst später zu Ruhm kommen sollte.

Die Szenen, in denen die beiden Schauspieler gemeinsam agieren, gehören daher auch zu den Höhepunkten des Films. Leider sind sie zu selten, um dem Film genug Spannung zu verleihen. Was auch darin liegt, dass Cooper schnell eine Richtung der Ermittlungen vorgibt, ohne dass das Publikum dabei mitgenommen wird. Es fehlt die innere Logik, mit der Landor seine Untersuchung betreibt und so wird bald schmerzlich ein roter Faden vermisst, der die verschiedenen Handlungsstränge zusammenhält. Viele Szenen finden keine Verbindung zu vorherigen und nachfolgenden, immer wieder verlieren sich Spuren im Schnee der Landschaft und kommen nicht wieder vor. Erst im Finale des Films wird einiges geklärt, bis dahin ist die Spannungskurve aber im Keller gelandet.

Fazit

Ohne den Vergleich mit dem Roman zu haben, ist Der denkwürdige Fall des Mr. Poe einer der schwächeren Filme von Scott Cooper, der nach dem grandiosen Hostiles und dem guten Antlers hier weitgehend enttäuscht. Lediglich Bale und Melling bekommen die Chance zu glänzen, weitere Stars wie Gillian Anderson oder Robert Duvall haben zu eindimensionale Rollen dafür. Und die Handlung zerfasert nach starken Anfangsminuten bis zum Finale derart deutlich, dass so gut wie keine Spannung aufkommt. Cooper gelingen zwar viele starke Bilder, die im Gedächtnis bleiben. Sein Versuch, den Roman in ein spannendes Script zu übertragen, bleiben aber in Ansätzen stecken. Fans von Christian Bale kommen auf ihre Kosten, wer einen spannenden, düsteren Thriller erwartet, geht hingegen weitgehend leer aus.

Der denkwürdige Fall des Mr. Poe startet am 23. Dezember 2022 limitiert in den deutschen Kinos und ist ab dem 6. Januar 2023 bei Netflix zu sehen. 

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Die Handlung

Es ist das Jahr 1863, wenige Wochen, nachdem US-Präsident Abraham Lincoln die Sklaverei offizielle aufgehoben hat und der Bürgerkrieg bereits im dritten Jahr im Lande tobt. Der Sklave Peter (Will Smith) wird von seinem Herrn für den Bau der Eisenbahn-Linie abgegeben und muss seine Frau Dodienne (Charmaine Bingwa) und seine Kinder verlassen. Im Lager der Eisenbahnbauer gibt es viele Südstaaten-Soldaten und die tuscheln, ohne die lauschenden Sklaven zu bemerken, von den Entscheidungen Lincolns und der Nähe der Nordstaaten-Armee. Und so reift in Peter der Entschluss, durch die Sümpfe Louisanas nach Norden zu fliehen, um die Armee des Nordens zu finden und frei zu werden.

Im richtigen Moment zettelt Peter einen Tumult an, in dessen Verwirrung es ihm und drei weiteren Sklaven gelingt, aus dem Lager in die naheliegenden Sümpfe zu fliehen. Allerdings ist ihnen der ebenso erfahrene wie sadistische Sklavenjäger Fassel (Ben Foster) auf den Fersen. Und treibt die Entflohenen mit zwei weiteren Männern sowie einigen Bluthunden vor sich her. Bald trennt sich das Quartett und Peter versucht alleine, durch die gefährlichen Sümpfe zu kommen, sich gegen hungrige Krokodile und Schlangen zu verteidigen. Doch Fassel sieht es als eine Art heilige Pflicht an, den Sklaven nicht entwischen zu lassen. Und so kommt es tief in den Sümpfen zum tödlichen Duell …

Farblose Gemälde

Die erste Frage, die dem Publikum nach wenigen Augenblicken durch den Kopf schießen dürfte, lautet: Ist das ein Schwarz-Weiß-Film? Denn Regisseur Antoine Fuqua entsättigt seine Bilder derart stark, dass manche Aufnahmen tatsächlich so aussehen. Und der Fokus umso stärker auf wichtigen Farben liegt, wie dem blutigen Rot, das in Emancipation eine große Rolle spielt. Allerdings nutzt Fuqua hier nicht die grellen Kontraste wie das in „Sin City“ getan wurde, sondern setzt auf zarte Pastellfarben, die aus der grauen Masse dennoch stark genug hervorstechen. Die Optik, die Kameramann Robert Richardson (mehrfacher Oscar-Gewinner) hier einfängt, ist in der Tat spektakulär und wirkt in den besten Momenten wie die umwerfenden Aufnahmen in „Roma“.

Es sind Bilder wie Gemälde, in denen an verschiedenen Orten gerade Dinge passieren, nicht nur in der Mitte. Zusammen mit einer wechselnden Tiefenschärfe schafft Richardson Momente, die sich ins Gedächtnis brennen. Und die zwischen der urwüchsigen Schönheit der Sumpflandschaften samt wolkigem Himmel und den Grausamkeiten, zu denen Menschen fähig sind, immer wieder hin- und herschalten. Schönheit und Hässlichkeit geben sich in Emancipation die Klinke in die Hand. Dazu passen die Leistungen der beiden Hauptdarsteller Will Smith und Ben Foster. Wenn die beiden aufeinandertreffen, versteht man, warum der Film früh für Oscar-Würden gehandelt wurde.

Wenig originelle Story

Das Drehbuch hingegen kann mit diesem Spiel nicht mithalten. Denn die Botschaften und Erklärungen, die William N. Collage hier aussendet, sind deutlich flacher als das, was die Schauspieler zu bieten haben. So erzählt Fosters Figur Fassel, wie er vom Freund der Sklaven zu deren Jäger wurde. Und sein Blick sagt dabei viel mehr als der Text, den er spricht. Denn der ist leider alles andere als tiefsinnig oder originell. Ähnlich ergeht es dem Publikum mit der Rolle von Will Smith, die einen tatsächlich existierenden Mann namens Gordon nachempfunden wurde. Smith spielt die Rolle mit allem, was er hat, dennoch erfährt man so gut wie Nichts über den Charakter, wie er wurde, wie er ist, und was in seinem Inneren wirklich vorgeht. Abgesehen von seinem Wunsch, seine Familie wiederzusehen.

Ein Vergleich mit Steve McQueens „12 Years a Slave“ drängt sich auf, ebenso zu Barry Jenkins‘ Serie „The Railroad Underground“. Beide verhandeln wichtige Aspekte des Themas besser als Actionspezialist Fuqua. Der sorgt zwar für furiose Verfolgungsjagden und spannende Momente in seinem historischen Survival-Thriller, über die Menschen hinter dem unmenschlichen System aber erfährt der Zuschauer nichts. Alle Südstaatler waren rassistische Sadisten. Mehr hat Fuquas Film letztlich nicht zu sagen. Das mag man so sehen oder nicht, zu glaubwürdigen Figuren macht das kaum jemanden im Film. Selbst Fassel bleibt ein eiskalter Killer, der sich im Recht fühlt und darüber hinaus offenbar nichts. Für einen interessanten Bösewicht ist das etwas wenig.

Erst spät im Film erfährt das Publikum, warum die Figur des Peter überhaupt Bekanntheit erlangte. Denn erst dann entsteht das Foto von seinem unfassbar vernarbten Rücken, der von etlichem Misshandlungen zeugt. Dieses Foto zeigte damals klar auf, dass die Behauptungen der Südstaaten, den Sklaven würde eine ordentliche Behandlung zuteil, ein Ammenmärchen war. Und ging um die Welt. Noch heute ist es eines der bekanntesten Zeugnisse der damaligen Zeit. Dass Fuqua und Smith diesem Mann nun ein filmisches Denkmal setzen, ist ehrenhaft. Aber diese Verehrung geht mit einem Pathos einher, der in einigen Szenen deutlich zu dick aufgetragen ist. Kamera und Schauspieler, diese Oscar-Nominierungen sind denkbar, das Drehbuch hingegen hat leider keine Auszeichnung verdient.

Fazit:

Obwohl Will Smith in Emancipation eine überzeugende Vorstellung gibt und er mit Ben Foster einen kongenialen Partner gefunden hat, bleibt der Film im Vergleich zu anderen thematischen Beiträgen von schwarzen Filmemachern ein wenig hinter den Erwartungen zurück. Kameramann Robert Richardson kleidet die Story zwar in brillante Bilder, die ein wenig an Alfonso Cuarons Meisterstück Roma erinnern, aber der Inhalt fällt gegenüber der Optik deutlich ab. Regisseur Antoine Fuqua inszeniert hier einen Survival-Thriller, der zwar während der Zeit der Sklaverei spielt, zu dem Thema aber letztlich nichts wirklich Neues zu sagen hat. Aufgrund der Schauspieler und der Optik gibt es aber dennoch eine Empfehlung.

Emancipation startet am 9. Dezember 2022 bei AppleTV+.

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Die Kritik zu Barbaren Staffel 1 gibt es hier.

Die Handlung

Ein Jahr ist vergangen, seit Arminius (Laurence Rupp), der sich jetzt Ari nennt und Anführer der Cherusker ist, die Römer vernichtend geschlagen hat. Nur ein stark befestigtes Lager am Fluss ist von der einst so großen römischen Armee noch übrig. Doch weil er in Rom aufwuchs, kennt Ari den Feind gut und weiß, dass das Imperium mit frischen Legionen zurückkehren wird, um Germanien endgültig zu erobern. Frieden mit Rom, das weiß Ari, wird es nicht geben. Doch die Cherusker und ihre verbündeten Stämme haben allein nicht genug Krieger, um das Lager der Römer zu erobern und sie endgültig aus dem Norden zu vertreiben. Sie brauchen die Hilfe der Markomannen, die angeblich mehr als 70000 Mann unter Waffen haben.

Aber deren Anführer Marbod (Murathan Muslu) hat wenig übrig für den Krieg – und für Ari. Marbod hat ebenfalls in Rom gelebt, kennt die Gepflogenheiten des Imperiums und ist sich sicher, mit den Römern deshalb einen Frieden halten zu können. Und so geht er nur zum Schein auf Aris Angebot ein und zerpflückt dessen Ideen beim Thing, auf dem alle Stammesfürsten zusammentreffen. Aris Frau Thusnelda (Jeanne Goursaud) traut dem Anführer der Markomannen nicht und auch ihr alter Freund Folkwin (David Schütter) sieht Aris Bemühungen, Marbod zu einem Bündnis gegen Rom zu bewegen, eher skeptisch. Und die beiden sehen sich in ihren Befürchtungen bald bitter bestätigt …

Alte Stärken

Die gute Nachricht: Wer die erste Staffel mochte, wird auch mit Barbaren Staffel 2 zufrieden sein. Denn viel hat sich im Vergleich nicht verändert. Mit dem erfahrenen Stefan Rudowitzky („Hinterland„) hat Netflix für die zweite Staffel einen neuen Showrunner eingesetzt, der auch bei vier Episoden Regie führt. Und mit Murathan Muslu auch gleich einen seiner Lieblingsschauspieler mitbrachte. Der spielt den historisch verbürgten Marbod und dürfte vor allem den Zuschauern sauer aufstoßen, die überall Beweise für Woke-Kultur sehen. Den Charakter verbindet ein besonderes Schicksal mit Rom und Ari. Und so sorgt er nun für die Art Verwicklungen und Probleme, die bereits in Staffel 1 für viele Fans das Salz in der Suppe waren.

Wenn sich im Vergleich zu den ersten Episoden etwas geändert hat, dann sind es die Soap-Elemente der Serie. Die haben in Barbaren Staffel 2 zugenommen und spielen nun eine etwas prominentere Rolle als zuvor. Was genau passiert, soll hier nicht verraten werden, aber die Autoren haben hier so manchen Charakter in die Handlung geschrieben, der auch in einer Seifenoper eine gute Figur gemacht hätte. Weil das aber meistens gut in den Hauptplot – den Krieg gegen Rom – eingebettet ist, dürften auch Historien-Puristen damit halbwegs leben können. Denn schließlich läuft auch in Staffel 2 wieder alles auf die große Schlacht in der letzten Folge hinaus. Die, anders als noch Staffel 1, mit einem heftigen Cliffhanger endet. Nach dem Willen von Netflix wird es also weitergehen, wenn die Zahlen stimmen.

Alte Schwächen

Die schlechte Nachricht: Wer die erste Staffel der Serie nicht sonderlich mochte, wird auch mit Barbaren Staffel 2 wenig anfangen können. Denn die meisten Kritikpunkte haben sich nicht geändert. Noch immer sprechen die Römer altes Latein und die Stämme Germaniens modernes Deutsch. Noch immer sind nicht alle schauspielerischen Leistungen auf einem Niveau. Und noch immer versuchen die Autoren mit einigen Plots, eine Art Vikings-Stimmung zu erzeugen, die sich so richtig aber nie einstellen will. Zudem sind einige der Handlungsstränge derart unglaubwürdig oder zumindest unwahrscheinlich, dass die historische Glaubwürdigkeit sehr leidet. Am deutlichsten tritt das bei Folkwins Gefährtin Dido (Cynthia Micas) zutage, ihre Story ist wahrhaft hanebüchen.

Überhaupt haben die Autoren der Serie erneut das historische Geschehen um die Kämpfe der germanischen Stämme gegen Rom, über die ohnehin nur römische Aufzeichnungen existieren, wieder an die Zeit angepasst und erzählen Geschichten, die eher ins Heute als ins Gestern passen. So ist die Story um die tapfere Thusnelda und ihre Gefühle zwischen Ari und Folkwin eher modern interpretiert. Ebenso wie ihre Erfolge als Kriegerin. Weil über den Inhalt der zweiten Staffel im Vergleich zum Vorgänger historisch nichts erhalten ist, hat der Writers Room diesmal auch mehr Freiheiten gehabt, was Nebenhandlungen und dramaturgische Kniffe angeht. Und die reichlich genutzt.

Die Actionsequenzen sind wieder sehr ordentlich geraten, ob das Duelle sind oder die Schlacht im Finale. Zwar hält sich der Gewaltgrad im Vergleich zu Serien wie Game of Thrones in Grenzen. Aber unblutig ist Barbaren Staffel 2 definitiv nicht. Allerdings bleibt Barbaren auch in der zweiten Staffel auf einem Produktionslevel, der zwar ansehnlich ist, mit den Multi-Millionen-Serien aber nicht konkurrieren kann. Wer also tausende von Statisten erwartet, die sich gegenseitig abschlachten, sollte lieber nicht einschalten. Denn so etwas gibt das Budget schlicht nicht her. Fans von Historien-Serien können aber auch die Fortsetzung, der hoffentlich mindestens noch eine weitere folgt, bedenkenlos ansehen. Die Serie bleibt, wie sie war.

Fazit:

Mit Barbaren Staffel 2 bleibt Netflix auf bekanntem Terrain, auch wenn die eine oder andere Neuerung vor und hinter der Kamera stattfand. Wer die erste Staffel mochte, wird auch hier auf seine Kosten kommen. Und wem die Serie nicht gefallen hat, bekommt mit der zweiten Runde keine neuen Gründe, sie plötzlich zu mögen. Wenn sich etwas geändert hat, dann sind es mehr Soap-Elemente um Verrat und Familie, die den Plot bestimmen und ein fehlender historischer Bezug auf die konkrete Handlung. Abgesehen vom Cliffhanger, der historisch verbürgt ist. Ein Game of Thrones darf man von dieser Produktion nach wie vor nicht erwarten. Als kurzes und kurzweiliges historisches Abenteuer mit vielen dramaturgischen Freiheiten funktioniert aber auch die neue Staffel recht ordentlich.

Barbaren Staffel 2 startet am 21. Oktober 2022 bei Netflix.

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Die Kritik zu Babylon Berlin Staffel 1+2

Die Kritik zu Babylon Berlin Staffel 3

Die Handlung

In der Silvesternacht von 1930 auf 1931 bricht eine Kinderbande in ein Berliner Kaufhaus ein. Mit dabei ist auch Toni (Irene Böhm), die kleine Schwester von Charlotte Ritter (Liv Lisa Fries). Da es nicht ihr erster Einbruch in ein Kaufhaus ist, sind die Jugendlichen bereits routiniert und haben ihren Spaß beim Klauen. Doch auch die Polizei hat aufgerüstet und heimlich Alarmsysteme installiert. So wissen die Beamten, dass der Einbruch läuft und schicken Einheiten los, um die Diebe endlich dingfest zu machen. Gleichzeitig findet ganz in der Nähe eine Aktion der Sturmabteilung (SA) der NSDAP statt. Denn die will unter dem Kommando von Walther Stennes (Hanno Kofler) nicht länger die Befehle von Adolf Hitler aus München folgen. Sie zerren jüdische Kaufleute aus ihren Geschäften und verprügeln sie auf offener Straße.

Als die Polizisten von Abschnitt 14 im Kaufhaus eintreffen, beginnt eine Jagd auf die Jugendlichen im Inneren. Toni kann sich mithilfe von Moritz (Ivo Pietzcker), dem Neffen von Gereon Rath (Volker Bruch) zwar retten. Aber sie muss mit ansehen, wie einer der Polizisten ihren Freund vom Dach abstürzen lässt – und sie wird dabei von ihm entdeckt. Während Toni vom Tatort flieht, kommt Charlotte als diensthabende Assistentin der Mordkommission dort an. Sie soll den Toten untersuchen, fotografieren und entscheiden, ob die offizielle Version der Kollegen, der Junge sei ohne Fremdeinwirkung auf der Flucht abgestürzt, ihre Richtigkeit hat. Dabei läuft sich Gereon in die Arme, der sich mittlerweile der SA angeschlossen hat und auf jüdische Mitbürger losgeht. Charlotte ist völlig geschockt …

Noch immer die beste deutschen  Serie

Vieles hat sich in Babylon Berlin Staffel 4 im Vergleich zu den Vorgängern nicht verändert. Noch immer ist die komplexe Erzählstruktur Teil der Serie, dazu kommen die handwerklich hochwertig gemachten Sets sowie die grandiosen Schnitte, mit denen die Macher zwei Szenen parallel zu erzählen pflegen – und die ein echtes Markenzeichen der Serie geworden sind. So sind auch die zwölf neuen Folgen wieder ein Rausch aus Bildern, interessanten Charakteren und guter Schauspiel-Leistungen. Zudem erzählen die Autoren, die sich mit Einverständnis des Schriftstellers Volker Kutscher nur sehr grob an Handlung und Charakterisierung aus den Romanen halten, gewohnt dicht eine Mischung aus tatsächlichen Ereignissen wie dem Stennes-Aufstand, clever platzierten Thesen wie der Nyssen-Raketenforschung und reiner Fiktion.

Hier offenbart sich aber auch eine Schwäche der neuen Staffel – sie ist etwas überladen. Denn diesmal haben die Macher derart viele Handlungsstränge in die zwölf Episoden eingeflochten, dass es die Serie kaum schafft, alle zufriedenstellend zu beenden. Dabei ist ausgerechnet die Story um Toni Ritter, obwohl für die Haupthandlung extrem wichtig, die langweiligste und bisweilen auch nervigste von allen. Denn sie bringt nicht nur einzelne Figuren der Serie dazu, höchst unglaubwürdige Dinge zu tun. Sie vermittelt auch den Eindruck, die bereits damalige Millionenstadt Berlin sei ein Dorf, indem man sich alle Nase lange über den Weg läuft. Dass dieser Teil der Handlung auch noch so abrupt endet, fühlt sich ebenfalls ein wenig unbefriedigend an. Da wäre mehr möglich gewesen.

Chicago in Berlin

Sehr viel stärker gerät hingegen der Bandenkrieg zwischen den Berliner Ringvereinen, die bereits in Staffel 3 eine Rolle spielten. Dieser Erzählstrang sorgt nicht nur für die meisten Überraschungen der Staffel, sondern ist auch von allen am spannendsten inszeniert. Den Regisseuren gelingt es hier, den Gangsterfilm aus dem Hollywood der 30er Jahre wieder aufleben zu lassen. Und sie verbeugen sich damit in dieser Staffel nicht vor dem deutschen, sondern vor dem US-Kino der damaligen Zeit. Dazu erzählt die Staffel einen von Politik getragenen Handlungsstrang, in dem Gereon und Moritz als Teil der NSDAP fungieren, während zwischen den Nazis und den Kommunisten ein Wettlauf um sensible Daten tobt. Und dann ist da noch Goldstein, der Namensgeber des Romans.

Dabei handelt es sich um einen jüdischen Gangster aus New York, der aufgrund eines wiederentdeckten Schatzes, der einst seinem Vater gehört, nach Berlin reist. Und mit rabiaten Methoden gegen die Familie Nyssen vorgeht, die diesen Schatz nun als ihr Eigentum betrachtet. Auch diese Story hat Höhen und Tiefen. Dazu passt fast als eigene Geschichte die allgemeine Stimmung der Serie, die bereits mit einem starken Foreshadowing auf das Jahr 1933 und die Machtübernahme durch Hitler aufwarten kann. Und das Publikum so auf eine noch düstere fünfte Staffel einstimmt, auch wenn die bislang noch nicht bestellt wurde. Babylon Berlin war immer politisch, einen so breiten Raum wie diesmal hatten die verschiedenen Parteien und Strömungen aber nie.

Letztlich ist es aber diese Fülle an Themen, von denen einige nicht wirklich gut zu Ende gebracht werden, die Babylon Berlin Staffel 4, noch immer auf hohem Niveau, dennoch zur bisher schwächsten Staffel macht. Das liegt aber ausdrücklich nicht an den Hauptdarstellern, die erneut einen großartigen Job machen. Volker Bruch überzeugt ein weiteres Mal als von Schuldgefühlen und emotionalem Scheitern zerrissener Kommissar Rath. Liv Lisa Fries spielt die clevere und emotionale Charlotte Ritter von der Straße ebenfalls so intensiv wie zuvor und bleibt das schlagende Herz von Babylon Berlin. Und schließlich ist Lars Eidinger als leicht größenwahnsinniges Muttersöhnchen mit starkem Emanzipationswunsch und König Ludwig-Allüren unbedingt einen Blick wert.

Fazit:

Obwohl Babylon Berlin Staffel 4 wegen ihrer Themenüberfrachtung die bislang schwächste der Serie ist, bleibt das Jammern auf hohem Niveau. Denn sie Schauwerte sind wie immer immens, das handwerkliche Können aller Beteiligter beeindruckend und einige der Storylines extrem spannend. Selbst wenn manches nicht mehr so frisch wirkt wie noch zu Beginn der Serie, so ist das von starken Charakteren geprägte Gemälde der Zeit zwischen den Weltkriegen noch immer fast so hypnotisch und aufwühlend wie zu Beginn. Das macht das Mitfiebern mit Gereon Rath und Charlotte Ritter fast unvermeidlich. Da Volker Kutscher bereits acht Romane um das Ermittlerduo verfasste und dabei im Jahr 1936 angekommen ist, hätte die Serie noch Stoff. Und sollte eine fünfte Staffel kommen, man müsste dafür wohl Hitler casten.

Babylon Berlin Staffel 4 startet am 8. Oktober 2022 bei Sky und vermutlich im Herbst 2023 bei der ARD.

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Die Handlung

Der neunjährige Buddy (Jude Hill) lebt 1969 in Belfast in einer typischen Arbeitergegend. Sein Vater (Jamie Dornan) ist für seinen Job fast immer in England, so dass Buddys Mutter (Caitriona Balfe, „Outlander“) sich allein um ihn und seinen älteren Bruder kümmert. Hilfe hat sie nur von Granny (Judi Dench) und Pop (Ciaran Hinds), ihren Schwiegereltern, die Buddy abgöttisch liebt. Eines Tages, als Buddy auf der Straße spielt, wird sein Viertel von Protestanten überfallen, es fliegen Steine und Fäuste. Zwar verschwinden die Angreifer schnell wieder, doch die Nachbarschaft, die aus Protestanten und Katholiken besteht, ist danach nicht mehr dieselbe. Das merkt auch Buddy, der den Konflikt aber nicht versteht.

Denn er als Protestant hat sich nicht nur unsterblich in eine katholische Mitschülerin verliebt, er kann auch mit den gegenseitigen Anschuldigungen der beiden Konfliktparteien wenig anfangen. Viel lieber genießt er seine Zeit mit den Großeltern, Kinobesuchen, seiner Cousine Moira und den wenigen Stunden im Monat, die er mit seinem Vater verbringen kann. Doch der merkt bald immer deutlicher, dass Buddys Kindheit im zunehmend gewalttätigen Konflikt in der Stadt in Gefahr gerät. Schließlich denken Buddys Eltern über eine für die Familie folgenschwere Entscheidung nach. Und mitten hinein platzt eine Hiobsbotschaft …

Das Leben – wenn man neun Jahre alt ist

Die vielen Preise, die Belfast schon gewonnen hat, unter anderem den Golden Globe für das beste Drehbuch, finden manche Kritiker richtig und andere haben wenig Verständnis dafür. Das dürfte daran liegen, dass sich Branagh mit seiner Art, die Geschichte zu inszenieren, auf den ersten Blick angreifbar macht. Denn er erzählt seinen Film nicht nur aus der Sicht des Neunjährigen, der ihn selbst als Kind zeigt, sondern er erlaubt sich auch, seine Erinnerungen daran so verklärt zu zeichnen, wie sie bei Erwachsenen nun einmal oft sind. So sehen seine Eltern aus wie Filmstars und bewegen sich auch oft so, weil Buddy und seine Familie oft ins Kino gehen und Filme sehen. Und wenn sie zusammen sind, erscheinen sie Buddy wie das tollste Liebespaar der Welt, auch wenn Branagh die dunklen Seiten der angespannten Beziehung nicht ausspart.

Immer wieder zeigt Branagh gleichzeitig Realität und eine idealisierte Version davon und diese Doppelbödigkeit der Bilder können mitunter irritieren. Zudem sorgen sie dafür, dass sich Branagh den Vorwurf einfing, er würde über den Irland-Konflikt nicht angemessen ernsthaft berichten. Ein ziemlich unsinniger Vorwurf, da der Nordire keinen Dokumentarfilm gedreht hat. Und gerade einige Szenen, die direkt mit dem Konflikt zu tun haben, zu den stärksten Momenten des Films zählen. So macht die Anfangsszene mit dem Angriff der Protestanten unmissverständlich klar, wie viel Angst Buddy empfindet. Aber er ist eben ein neunjähriges Kind, das schon am nächsten Tag genauso traurig darüber ist, dass seine Mitschülerin ihn nicht beachtet.

Verklärte Erinnerung statt Kriegsdrama

Dass Branagh sich weigert, aus seiner filmischen Autobiographie ein reines Bürgerkriegs-Drama zu machen, ist Belfast gar nicht hoch genug anzurechnen. Denn der Regisseur und Autor interessiert sich mehr für Menschen als für Meinungen oder Ideologien. Und so zeigt er Buddy nicht als hilfloses Opfer der Umstände, sondern als starkes Kind inmitten einer beschützenden Familie, deren Opfer für ihn er oft gar nicht bemerkt. Der Konflikt ist zwar stets unterschwellig da, weil vor allem das Leben des Vaters davon stark beeinträchtigt wird, aber es bleibt im Film nur ein Teilaspekt, weil Buddys Leben eben auch andere Seiten hat – wie die glücklichen Stunden bei seinen Großeltern. Das ist je nach persönlichem Empfinden emotional packend oder kitschig, aber als Blick auf die eigene Kindheit auch nicht wirklich angreifbar.

Neben der Handlung besticht Branaghs Film aber auch durch seine Bilder. Kameramann Haris Zambarloukos, mit dem Branagh hier bereits zum achten Mal zusammenarbeitet, zeigt Belfast als kulissenhafte Schmuddel-Schönheit in edlem Schwarz-Weiß und unterstreicht damit den fast traumhaften Charakter der verklärten Erzählung. Belfast ist hier schöner als es wohl tatsächlich war. So wie jeder Ort einer glücklichen Kindheit eben schön ist, wenn wir uns daran erinnern. Die Konsequenz, mit der Branagh seine Erinnerungen kindlich überhöht, lässt den Verdacht zu, dass der Regisseur durchaus wusste, was er tat, als er diese Art wählte. Das muss man nicht mögen. Aber es wäre schon vermessen, würde man Branagh deshalb sein Können als Autor und Regisseur absprechen.

Schauspiel-Oscars?

Doch nicht nur Belfast sieht in Zambarloukos Bildern märchenhaft aus, auch die Darsteller stellt der Film auf kleine Sockel. In den kontrastreichen Schwarz-Weiß-Bildern wirken Judi Dench und Ciaran Hinds nicht mehr rein menschlich, sondern fast wie steinerne Denkmäler, die als weise Ratgeber und Anker für Buddy da sind. Und denen ihr wunderbares Spiel je eine Oscar-Nominierung für die beste Nebenrolle einbrachte. Auch Caitriona Balfe und Ex-Model Jamie Dornan überzeugen als Buddys Eltern. Und spielen die leidenschaftlich Liebenden aus Sicht eines Neunjährigen mit viel Freude an Gesten und Drama. Und einer unwiderstehlichem Musical-Nummer. Belfast ist ein sehr persönlicher Film, den der Regisseur mit den Mitteln des Mainstream-Kinos erzählt. Und dagegen ist gar nichts zu sagen.

Fazit:

Mit Belfast arbeitet Regisseur und Drehbuchautor Kenneth Branagh seine eigene Kindheit in Nordirland auf. Und nutzt dabei die Mittel des Films, um aus seinen subjektiven Erinnerungen ein wunderschönes Dankeschön an seine Familie zu verschicken. In edlem Schwarz-Weiß zeigt Branagh eine Kindheit in einer schweren Zeit, die dennoch glücklich war. Und in der es auch andere Dinge gab als nur den Bürgerkrieg. All das erzählt Branagh mit einer melancholischen Leichtigkeit und ohne großes Interesse an Geschichtsunterricht. Branagh hat damit sicher keinen Film für ein großes Publikum gedreht, denn die Superhelden-Generation wird mit Belfast wenig anfangen können. Wer aber optisch und inhaltlich schönes Erzählkino schätzt, dürfte mit einem Lächeln aus dem Kino kommen.

Belfast startet am 23. Februar 2022 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Oxford 1932: Der junge Brite Hugh Legat (George MacKay, „1917„) feiert ausgelassen seinen Abschluss an der Universität mit seinen beiden deutschen Kommilitonen Paul (Jannis Niewöhner) und Leyna (Liv Lisa Fries), die ein Paar sind. Als Hugh seine Freunde einige Zeit später in München besucht, ist Paul ein großer Verehrer von Hitler geworden, während Leyna den Mann für brandgefährlich hält. Es endet im Streit und die Freunde sehen sich sechs Jahre lang nicht mehr.

London 1938: Der britische Premierminister Neville Chamberlain (Jeremy Irons) versucht alles, um einen erneuten Krieg in Europa zu verhindern. Denn Hitlers (Ulrich Matthes) Deutschland will das Sudetenland von der Tschechischen Republik zurück und kündigt deshalb eine Mobilisierung an. Die Tschechen sind aber mit Frankreich verbündet, die wiederum einen Pakt mit Großbritannien haben. Krieg in Tschechien würde halb Europa mit in den Konflikt ziehen. Im letzten Moment kann Chamberlain durch eine Anfrage beim italienischen Diktator Mussolini erreichen, dass die Deutschen ein Treffen akzeptieren, bei dem über die Sudetenland-Frage diskutiert werden soll. Es soll in München stattfinden. Paul ist mittlerweile als Übersetzer für die Regierung in Berlin tätig und hält nichts mehr von den Nazis. Als er ein brisantes Dokument erhält, das die Welt unbedingt sehen muss, lässt er Kontakte spielen, um seinen Freund Hugh, mittlerweile Sekretär Chamberlains, ebenfalls nach München einzuladen …

Geschichte mit Fiktion gemischt

Robert Harris‘ Roman erzählt die fiktive Spionagestory zweier Freunde, die scheinbar auf unterschiedlichen Seiten eines Konflikts stehen, und baut diese Geschichte in die reale Münchner Konferenz 1938 ein. Diesen dramaturgischen Kniff nutzt der Brite nicht zum ersten Mal und schon zuvor wurden seine Stoffe filmisch umgesetzt. Zuletzt tat das Roman Polanaski mit „Intrige“, in der Harris die Dreyfus-Affäre in Frankreich des späten 19. Jahrhunderts als Thema aufgriff. Nun hat also Christian Schwochow sich den „Vorabend des Zweiten Weltkriegs“ von Harris als Stoff für seinen Netflix-Thriller gewählt. Und es gelingt ihm, bei aller Präsenz von Irons als Chamberlain, die Story der beiden Freunde in harten Zeiten in den Mittelpunkt seines Films zu stellen.

Das ist absolut nachvollziehbar. Denn im Gegensatz zu Vaterland, in dem Harris ganz bewusst eine alternative Zukunft beschreibt, soll sich München an die historischen Fakten halten. Und da bleibt für einen Thriller wenig Platz zum Spannungsaufbau. Eine Story über zwei historisch gesehen unwichtige Figuren im Hintergrund bieten mehr Möglichkeiten. Wie die Konferenz damals ausging, wissen Geschichtsinteressierte. Wie die Story von Harris endet, hingegen nicht. Da setzt Schwochow mit seinem Film an. Und hat für seine beiden Hauptrollen richtig gute Schauspieler gewinnen können.

Stark gespielter Plot

Jannis Niewöhner überzeugt als geläuterter Hitler-Fan Paul, der die emotionalere Rolle der beiden spielen darf. Und das liegt dem knapp 30-jährigen Schauspieler sehr. In vielen Rollen, in denen er Gefühle zeigen durfte, überzeugte er sein Publikum. Und das dürfte auch für München gelten. Die Begegnung mit Chamberlain, der in seinem gesetzten Alter und mit seiner politischen Erfahrung die Dinge gänzlich anders bewertet als die beiden jungen Männer, die vor ihm stehen, ist ein Höhepunkt des Films. Denn sie löst nicht nur ein vermeintliches Happy-End brutal auf. Sondern gewährt auch einen intelligenten Einblick in die Beweggründe von Politkern, Dinge zu tun – oder eben nicht.

George MacKay, der zuletzt in Sam Mendes‘ 1917 glänzte, ist als junger Diplomat ebenfalls überzeugend. Seine Rolle als zurückhaltender Brite, der angesichts des Grauens und der Bedrohung, die Paul ihm zeigt, seine Emotion nicht mehr kontrollieren kann, ist ihm auf den Leib geschneidert. Jeremy Irons sowie August Diel, Sandra Hüller und Liv Lisa Fries in kleinen Rollen runden das positive Gesamtbild der schauspielerischen Leistungen ab. Christian Schwochow inszeniert entsprechend zurückhaltend. Und verlässt sich ganz auf die Gesichter seiner Schauspieler, um den emotionalen Teil der Geschichte zu transportieren. Zwar findet Kameramann Frank Lamm durchweg starke Bilder für den Plot, aber besondere inszenatorische Kniffe schenkt sich Schwochow zurecht. Die Story ist auch so fesselnd genug.

Damit liefert der Regisseur nach seiner erfolgreichen Umsetzung von „Deutschstunde“ ein weiteres Kapitel deutscher Geschichte, indem er einen guten Roman entsprechend umsetzt. Er füllt die gut zwei Stunden Laufzeit ohne Längen. Und hält die Spannung, weil das Schicksal der beiden Freunde lange Zeit völlig in der Schwebe hängt und jederzeit ein übles Ende nehmen kann. Weil das immer wieder Thema ist: In der der deutschen Fassung sprechen alle Darsteller deutsch, die englischen Stimmen sind synchronisiert. In der englischen Originalfassung sprechen die Engländer Englisch und die deutschen Figuren deutsch.

Fazit:

Mit der Romanverfilmung München – Im Angesicht des Krieges inszeniert der deutsche Regisseur Christian Schwochow eine im Original englisch-deutschsprachige Geschichte über das Treffen der Staatschefs im Jahr 1938 in München. Und gibt dabei dem fiktiven Teil des Romans, die Aktionen zweier befreundeter junger Männer aus beiden Ländern, die einen Krieg verhindern wollen, breiten Raum zur Entwicklung. Obwohl der Film gar nicht so viel Handlung erzählt, bleibt er auch durch das starke Spiel der Darsteller stets spannend. Vor allem Jannis Niewöhner als aufbrausender Hitler-Gegner tanzt fast den gesamten Film auf der Rasierklinge – und versetzt das Publikum so regelmäßig in Schock. Ein starkes Stück Geschichtsunterricht ohne Längen!

München – Im Angesicht des Krieges startet am 21. Januar 2022 bei Netflix.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen gibt es hier.

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Enola Holmes 2: Kreativ-Team bleibt

Über eine Mitwirkung von Sam Claflin (Mycroft Holmes) und (Eudoria Holmes) ist noch nichts bekannt. Es ist aber nicht ausgeschlossen, dass auch sie wieder dabei sind, falls ihre Charaktere in der neuen Story vorkommen. Der Film basiert auf der sechsteiligen Jugendbuch-Reihe von  Nancy Springer, ob der zweite Film aber auch den zweiten Roman umsetzt oder auf ein anderes Abenteuer der jungen Detektivin setzt, ist zurzeit noch unklar. Da es unrealistisch sein dürfte, alle sechs in den kommenden Jahren fertigzustellen, könnte sich das Produktionsteam von Legendary Entertainment möglicherweise für einen anderen Roman als Fortsetzung entscheiden.

Fest steht hingegen, dass sowohl Drehbuchautor Jack Thorne als auch Regisseur Harry Bradbeer wieder an Bord sind. Drehbeginn für Enola Holmes 2 dürfte allerdings kaum noch im Jahr 2021 sein. So ist mit dem Film nicht vor Ende 2022 bei Netflix zu rechnen. Für Fans des ersten Teils dennoch sicher eine gute Nachricht.

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