Die Kritik zu Staffel 1.

Die Kritik zu Staffel 2.

Hier steht die Kritik zu Staffel 3.

Die Handlung

Endlich sind sie zusammen – und doch auch wieder nicht. Otis (Asa Butterfield) und Maeve (Emma Mackay) haben sich endlich ihre Liebe füreinander eingestanden. Doch Minuten später musste die junge Frau abreisen, um ihr Stipendium in den USA anzutreten. Und seitdem führen Otis und sie eine telefonische Fernbeziehung. Und haben beide mit der sexuellen Spannung zu kämpfen, die sie nicht miteinander ausleben können. Otis hat dazu noch ein weiteres Problem: Seine Mutter Jean (Gillian Anderson) brachte vor ein paar Wochen seine Schwester Joy zur Welt. Doch weil ihr Partner Jakob nicht der Vater des Kindes ist, hat er sie nach ihrem Geständnis verlassen.

Maeve hingegen muss sich in ihrer neuen Umgebung nicht nur mit neuen Schülern auseinandersetzen, sondern auch mit einem alternden Literatur-Jungstar, der als Dozent extrem streng auf Maeves Arbeit schaut. Und die junge Frau mehr als einmal frustriert. Eric wähnt sich hingegen im Paradies. Die neue Schule, auf der die er, Otis, Ruby und all die anderen ihr letztes Schuljahr verbringen, ist dermaßen queer-freundlich, dass Eric sich sofort wie zuhause fühlt. Dennoch quält er sich mit einem anderen Thema herum. Seine Familie wünscht sich, dass er sich taufen lässt, doch die Kirche lehnt ihn als schwulen Mann weiterhin ab. Und Otis muss feststellen, dass es an der neuen Schule mit „O“ (Thaddea Graham, „Die Bande aus der Baker Street“) bereits eine Sex-Therapeutin für Schüler gibt, obwohl das doch seine Idee war …

Gute Geschichten, gut erzählt

In Sex Education Staffel 4 haben die Autoren noch einmal alles hineingelegt, was die Serie bislang so erfolgreich machte. Schließlich galt es, allen Figuren einen würdigen Abschluss zu geben. Das ist tatsächlich beeindruckend gut gelungen. Denn die Drehbuchschreiber beweisen ein ums andere Mal, wie gut und genau sie ihre Charaktere kennen, was sie ausmacht und wohin sie sich entwickeln sollen. Nur selten wirkt eine Entwicklung aufgesetzt und verläuft selbst dann noch in befriedigenden Bahnen. So wirkt beispielsweise der Besuch von Jeans Schwester Joanne, die Otis zur Hilfe gerufen hat, weil er sieht, dass seine Mutter überfordert ist, zu Beginn etwas bemüht. Und entwickelt sich dann zu einer der stärksten Storys der finalen Staffel.

Was die jungen Erwachsenen angeht, da zeigen die Autoren erneut ihr Talent, auch Figuren, die weit außerhalb irgendwelcher Normen agieren, so einfühlsam und lebendig zu gestalten, dass das Publikum kaum anders kann als mit ihnen mitzufiebern, mögen die sexuellen Interessen auch gänzlich andere sein. Und das ist in Sex Education Staffel 4, vielleicht auch durch die Gewissheit des Abschieds, emotionaler denn je. Wer bislang schon beim Zuschauen hin und wieder eine Träne verdrückte, der muss sich auf eine harte Zeit mit den letzten acht Folgen einstellen. Nah am Wasser gebaute Zuschauer dürften einige Taschentücher verbrauchen, bis sie das Ende erreicht haben.

Klare Botschaften

Und ja, die Gründe, die Serie nach Staffel 4 zu beenden, sind nachvollziehbar. Die Schauspieler werden immer älter und unglaubwürdiger als Schüler, Stars wie Emma Mackay starten gerade international durch und möchten sich nicht mehr an eine Serie binden. Und doch lässt es sich nicht anders sagen: Das Ende von Sex Education ist ein herber Verlust für die Serienlandschaft bei Netflix. Denn die Serie ist eben nicht nur ein sehr genaues und sehr liebevoll gezeichnetes Bild einer Generation, sondern erschafft auch die Vision, wie schön es sein könnte, respektvoll und freundlich miteinander umzugehen. Und die Menschen sein zu lassen, wie sie sind, solange niemand darunter leiden muss. Das gelang der Serie nie besser als in Staffel 4.

Dass es den Autoren gelingt, jeder Figur eine starke Story auf den Leib zu schreiben, ist dabei beeindruckend. So berührt die Geschichte um die Familie Groff. Adam will nicht mehr zur Schule gehen und beginnt ein Praktikum auf einem Pferdehof. Sein Vater Michael, nun einfacher Lehrer auf der neuen Schule, bemüht sich weiter, sich von einem Ekel zu einem liebevollen Ehemann und Vater zu werden. Ruby muss lernen, dass sie auf der neuen Schule nicht mehr der uneingeschränkte Star ist. Aber das Herzstück der Serie bleibt die komplizierte Liebe zwischen Otis und Maeve, die wundervoll weitergeht und dem Publikum die Tränen in die Augen treibt (ob vor Rührung oder Mitleid soll hier nicht verraten werden). Mackay und Butterfield sind einfach grandios gut zusammen.

Wie bei jeder außergewöhnlichen Serie hat man am Ende das Gefühl, dass sie zu früh endet. Da wären doch noch so viele Geschichten zu erzählen, so viel ist ungesagt oder verdiente eine Fortsetzung. All das ist richtig. Und doch finden die Autoren einen Moment, der sich als Schlusspunkt eignet. Und das Publikum auf einem rekordverdächtigen emotionalen Niveau verabschiedet. Keine Frage, die Serie wird ein Hit bei Netflix bleiben in den kommenden Jahren. Denn Maeve, Otis, Eric und die anderen wird kaum ein Fan von Sex Education so schnell vergessen. Waren sie doch, wenn nicht sogar Freunde, dann zumindest gute Bekannte, um deren Schicksal man sich eben Gedanken macht. Eine Serie, die das schafft, darf sich zu Recht großartig nennen.

Fazit:

Taschentücher raus, letzte Folge läuft! Mit Sex Education Staffel 4 halten die Macher der Serie das hohe Niveau mühelos. Und präsentieren den Fans acht weitere Folgen mit der unwiderstehlichen Mischung aus Drama und Humor. Erneut erfüllen die großartigen Schauspieler wie Gillian Anderson, Asa Butterfield, Emma Mackay und Ncuti Gatwa mühelos die stark geschriebenen Handlungsstränge mit Leben. Darüber hinaus schafft die Serie aber auch die Vision von einem Zusammenleben, das von gegenseitigem Respekt füreinander geprägt ist. Das ist so schön und wirkt dabei so realistisch, dass die meisten Zuschauer sich wohl sofort an dieser Schule anmelden würden. Ein Edelstein von einer Serie, der auch in Jahren noch funkeln wird.

Sex Education Staffel 4 startet am 21. September 2023 bei Netflix.

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Die Kritik zu Sex Education Staffel 1.
Die Kritik zu Sex Education Staffel 2.

Die Handlung

Es ist ganz schön viel, was da emotional auf Otis (Asa Butterfield) einprasselt. Mutter Jean (Gillian Anderson) ist hochschwanger, hat sich aber von Kindsvater Jakob (Mikael Persbrandt) getrennt. Maeve (Emmy Mackay) hat auf seine Liebeserklärung per Sprachnachricht nicht reagiert und Otis weiß nicht, dass Maeve diese nie erhalten hat. Und sein Sex-Abenteuer mit Ruby (Mimi Keene) hat sich zu einem beständigen Casual-Sex-Ding entwickelt, mit dem der 17-jährige ganz gut zurechtkommt, obwohl Ruby in der Öffentlichkeit nach wie vor nichts von ihm wissen will. Eric (Ncuti Gatwa) und Adam (Connor Swindells) versuchen, ihre Beziehung zueinander auf einen gemeinsamen Nenner zu bekommen, doch Eric muss mit seinem unerfahrenen neuen Freund noch sehr geduldig sein, was ihm nicht immer leicht fällt …

Weil das Sex-Musical zum Ausklang des vergangenen Schuljahres hohe Wellen geschlagen und den Schulleiter Michael Groff (Alistair Petrie) den Job gekostet hat, setzen die Förderer der Schule nun die junge Hope Haddon (Jemima Kirke) als neue Rektorin ein, die sich bei den Schülern zu Beginn zwar beliebt macht, sich aber sehr bald als Dolores Umbridge der Moordale High entpuppt und immer abstrusere Möglichkeiten entwickelt, um die Schüler vom Interesse am Sex abzuhalten. Dazu versöhnen sich Jakob und Jean und wollen eine Familie werden. Was für Otis und seine Ex-Freundin Ola (Patricia Allison) nicht gerade einfach ist. Denn plötzlich leben sie unter einem Dach zusammen. Und dann erfährt Otis auch noch die Wahrheit darüber, warum Maeve sich nie gemeldet hat …

So stark wie zuvor

Die Serie steht seit ihrer ersten Episode für eine seltene Mischung aus Komödie, Drama, Coming-of-Age-Themen und sozialkritischen Aspekten. Und auch Sex Education Staffel 3 ändert an diesem Konzept nichts. So erwarten den Zuschauer in den acht neuen Folgen brüllend komische, aber auch anrührende, traurige und zornig machende Momente. Zwar steht wie immer die Comedy im Fokus. Doch gerade die seltenen düsteren Szenen machen aus der Serie etwas ganz Besonderes. Wenn Maeve darunter leidet, dass ihre Mutter nach Maeves Eingreifen zugunsten ihrer kleinen Schwester Elsie nicht mehr mit ihr sprechen will, dann lässt das beim Zusehen wohl nur wenige kalt.

Und auch Hopes ständig schlimmer werdenden Bemühungen kippen von anfangs eher belustigenden Momenten gegen Ende der Staffel in ungewohnt bittere Szenen, in denen einige der Lieblingsfiguren vieler Zuschauer einiges zu erleiden haben. Dafür entfernt sich die Erzählstruktur immer wieder von der recht zentralen Sicht auf Otis, Maeve und Eric und gibt auch anderen Charakteren mehr Raum. So ist in Staffel 3 die schräge Lily (Tanya Reynolds) eine wichtige Figur, Ex-Schulleiter Groff bekommt einen sehr anrührend geratenen Handlungsbogen und auch Jean und Jakob werden zu Hauptfiguren dieser Staffel. Dennoch bekommt man als Zuschauer nie den Eindruck, man würde von Otis, Maeve und Eric zu wenig erfahren. Dafür gebührt den Autoren ein großes Kompliment.

Hot Talk, aber prüde Bilder

Auffällig ist allerdings die Entfernung zwischen Bildern und thematischer Tonalität der Serie. Während die Dialoge eher expliziter werden, was den Sex angeht, so inszenieren die Regisseure der Serie die optischen Sexszenen mittlerweile US-TV-tauglich, blanke Haut gibt es im Vergleich zur ersten Staffel fast gar nicht mehr zu sehen. Sex findet jetzt grundsätzlich in Unterwäsche statt. Warum die Serienmacher sich letztlich dafür entschieden haben, bleibt ein Geheimnis. Hier gab der Beginn der Serie in jedem Fall ein deutlich passenderes und stimmigeres Bild ab, was den Umgang mit dem Hauptthema angeht, als jetzt in Sex Education Staffel 3. Hier dürfte eine mögliche vierte Staffel gern nachjustieren, um die angestrebte Offenheit im Umgang mit Sex selbst wieder besser umzusetzen.

Was die Spielarten der Liebe angeht, bleibt Nunn hingegen auf Kurs. Die Probleme zwischen Ola und Lily stehen ebenso im Zentrum wie die zwischen Adam und Eric. Hetero-Beziehungen wie zwischen Otis und Rubs, Jean und Jakob kommen aber ebenfalls vor. Und mit Jackson Interesse an einer non-binäre Mitschülerin gesellt sich nun noch ein neuer Aspekt von Sexualität hinzu. Der allerdings nie erzwungen oder aufgesetzt wirkt, sondern sich perfekt in die bisherige Story einfügt. Wie immer erzählt die Serie ihre Geschichten mit leichter Hand, sodass die gelegentlichen ernsten Momente umso stärker wirken. Zuschauer aber auch ohne dauernde Schenkelklopfer mit dem großen Rest ihren Spaß haben können. Auch wenn die Musik in dieser Staffel erstmals nicht mehr so brillant als Witzgarant eingesetzt wird wie zuvor.

Langsam unglaubwürdig

Schauspielerisch hingegen stößt Sex Education Staffel 3 langsam an seine Grenzen. Das liegt nicht am Können der Beteiligten, sondern an ihrem Aussehen. Mag man Asa Butterfield den 17-jährigen gerade noch abnehmen, obwohl der Schauspieler 24 ist, so sieht die 25-jährige Emma Mackay definitiv nicht mehr wie eine Schülerin aus. Und der bereits 28-jährige Ncuti Gatwa wirkt beim besten Willen nicht mehr wie ein 17-jähriger. Dadurch neigt sich die Serie vermutlich einem natürlichen Lebensende zu, auch wenn die Autoren genug Material und Cliffhanger liefern, um eine vierte Staffel mit Inhalt zu füllen. Spätestens eine fünfte Staffel müsste wohl an der Universität spielen, um noch glaubhaft zu sein. Dass es auch in diesem Alter noch genug Fragen zum Thema Sex gibt, die dann beleuchtet werden, dürfte als sicher gelten.

Fazit:

Auch Sex Education Staffel 3 hält das hohe Niveau der Vorgänger und bietet erneut eine unwiderstehliche Mischung aus viel Humor, gewürzt mit packendem Drama und einem Hauch von Melancholie. Dazu bewahrt sich die Serie bei allen abstrusen Ideen rund um das Thema Sex die Wärme, die schon die beiden ersten Staffeln zu Publikumsmagneten machten. Der einzige echte Kritikpunkt ist die immer prüder werdende Optik der Serie, die im deutlichen Widerspruch zur Offenheit der Themen steht. Zuschauern zu suggerieren, Menschen hätten alle Sex in Unterwäsche ist nicht gerade die feine englische Art. Ob die dritte Staffel der Serie daher neue Fans gewinnt, ist schwer zu sagen. Wer bereits Fan ist, wird aber auch die acht neuen Episoden lieben.

Sex Education Staffel 3 startet am 17. September 2021 bei Netflix.

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Die Handlung

Cassie (Carey Mulligan) ist fast 30, hat ihr Medizinstudium geschmissen und arbeitet als Bedienung in einem Coffee-Shop. Nachts treibt sich sich in den Clubs der Stadt herum und lässt sich scheinbar so hemmungslos volllaufen, dass manche Männer Mitleid mit der fast bewusstlosen Blondine haben und sie nach Hause bringen wollen. Einige von ihnen haben aber dann doch nicht so ehrenhafte Absichten, wie sie angeben. Und leiten das Taxi stattdessen zu sich nach Hause um, damit sie mit Cassie noch ein wenig Spaß haben können. Was sie nicht wissen: Cassie hat keinen Tropfen getrunken und spielt nur den Lockvogel, um genau solche Kerle zu identifizieren und ihnen einen ordentlichen Schrecken einzujagen.

Als sie nach Jahren den ehemaligen Kommilitonen Ryan (Bo Burnham) wieder trifft, der offensichtliches Interesse an ihr zeigt, enthüllt sich langsam der Grund für Cassies Verhalten. Ihre beste Freundin Nina war auf der Universität auf einer Party abgefüllt und halb bewusstlos von einer Horde Männer um den reichen Al (Chris Lowell) vergewaltigt worden. Weder Ninas Anwälte, noch die Dekanin (Connie Britton) hatten damals etwas für Ninas getan – und das hatte schlimme Konsequenzen. Deshalb verfolgt Cassie schon lange einen Plan, die Männer von damals zu erwischen. Doch ihre Gefühle zu Ryan, der es ernst mit ihr zu meinen scheint, bringen sie dazu, die Sache zu überdenken. Kann sie von ihrer Rache ablassen und endlich wieder ihr eigenes Leben führen?

Viel Lärm um – viel

Die Regisseurin, Autorin und Nebendarstellerin Emerald Fennell hat mit Promising Young Woman einen Film geschaffen, an dem sich die Geister scheiden werden. Und das aus mehreren Gründen. Zum einen dürfte es sicher Leute geben, die den Film als reines Männerbashing wahrnehmen, da es hier wirklich nur eine männliche Figur gibt, die nicht unangenehm ist – Cassies Vater (Clancy Brown). Zum anderen werden sich Leute auch an der Radikalität der Geschichte stören. Denn es gibt immer jemanden, der sich Sorgen macht, eine gezeigte Filmhandlung könnte irgendwen dazu bringen, das Gesehene zu wiederholen – und das wünschen sich beim Sehen des Films wohl die wenigsten.

Gegen eine dieser Meinungen zu argumentieren, ist müßig, denn natürlich lässt Promising Young Woman so eine Interpretation zu. Andererseits stellt sich bei all den durchaus radikalen Dingen, die Cassie hier erlebt und tut, auch immer die Frage, ob das Ganze aus einer neutralen Sicht erzählt wird – oder nicht. Ist es Cassies Sicht, und an einigen Szenen im Film könnte man auf diesen Gedanken kommen? Dann stellt sich durchaus die Frage, wie sie mit ihrem Hintergrund etwas wahrnimmt – und wie es tatsächlich ist. Denn dass sie alle Männer als Dreckschweine erkennt, lässt sich damit durchaus als subjektive Wahrnehmung verbuchen. Natürlich kann man den Film auch einfach ganz anders wahrnehmen: als einen von schwarzem Humor durchsetzten Thriller, der möglicherweise gar keine weltenschwere Botschaft vermitteln will.

Mulligan ist pures Gold

Denn Promising Young Woman ist in erster Linie mal unterhaltsam. Carey Mulligan spielt ihre Rolle großartig und ist allein den Eintritt wert. Als ebenso scharfsinnige wie emotional durch den Wolf gedrehte Rächerin darf sie nicht nur auf den Punkt geschriebene Monologe vortragen, sondern auch mit vollem Körpereinsatz die Sturztrunkene spielen. In den besten Momenten des Films kann man ihr dabei zusehen, wie sie fast die Beherrschung verliert. Aber eben nur fast. Dass Mulligan für den Oscar nominiert war, dürfte nach Ansicht des Films also niemanden überraschen. Doch obwohl sie viel von der Qualität des Films ausmacht, gibt es doch noch andere erwähnenswerte Dinge an Promising Young Woman.

Beispielsweise die Kulissen und Farbgebung. Fennell erschlägt ihre düstere Heldin fast in Pastelltönen, die ihre Harmlosigkeit unterstreichen sollen. Und im Lauf des Films schließlich das genaue Gegenteil tun. Und weil das noch nicht reicht, setzt die Regisseurin Cassie oft in Kulissen, die aussehen wie Kitschpostkarten und in denen sie wie eine Prinzessin thront. Hier bedient Fennell gleichzeitig das Klischee der dummen und harmlosen Blondine und führt es durch die Filmhandlung ad absurdum. Denn nett oder harmlos ist an der bis in die Grundfesten ihres Seins tief verletzten Cassie gar nichts. Das zeigt sich auch im radikalen Finale, das im Vergleich zu Cassies bisherigen Taten auch eine Zäsur darstellt. Und klarmacht, wie ernst es ihr wirklich damit ist, ihre Sicht der Dinge zu belegen.

Aus Spoilergründen verbieten sich hier Vergleiche mit Figuren aus der Weltliteratur. Doch allein auf weiter Flur ist Cassie mit ihren Aktionen kulturell gesehen wahrlich nicht. Und Fennell gelingt mit ihrem Drehbuch und ihrer Regie eben nicht nur eine klare (subjektive) Aussage zum Verhältnis zwischen Männern und Frauen, sie bietet auch die Charakterstudie einer ebenso kämpferischen wie tragischen Figur, die auch dann nicht von ihrer Wut ablassen kann, wenn es längst ratsam wäre. 

Fazit:

Mit Promising Young Woman legt Drehbuchautoren und Regisseurin Emerald Fennell bei ihrem Regiedebüt einen ebenso kontroversen wie unterhaltsamen Film vor. Der von galligem Humor durchzogene Thriller, der sich aus einer sehr subjektiven Sichtweise mit dem Verhältnis von Männern und Frauen beschäftigt und zu radikalen Antworten kommt, ist nicht nur glänzend gespielt, sondern auch gut geschrieben (Drehbuch-Oscar!) und inszeniert. Und deshalb unterhält der Film auch dann richtig gut, wenn man als Zuschauer auf die großen Fragen, wie viel feministische Botschaft und Kritik an Männern im Allgemeinen hier nun drinsteckt, gar keine Lust hat.

Promising Young Woman startet am 19. August 2021 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Ruby (Emilia Jones, „Locke and Key„) ist 17 Jahre alt und hat schon jede Menge Verantwortung. Weil sowohl ihr Vater Frank (Troy Kotzur), ihre Mutter Jackie (Marlee Matlin) und ihr großer Bruder Leo (Daniel Durant) gehörlos sind, muss sie als diejenige, die hören kann, viele Dinge für die Familie regeln. Zum Beispiel frühmorgens vor der Schule mit Vater und Bruder raus aufs Meer vor Gloucester, Massachusetts, fahren, um Fisch zu fangen, das Familiengeschäft seit Generationen. In der High School ist Ruby daher eine krasse Außenseiterin und hat lediglich eine Freundin, die freundliche Gertie (Amy Forsyth). Von normalen Aktivitäten wie andere Teenager kann Ruby hingegen meist nur träumen. Aber weil sie ihren Mitschüler Miles (Ferdia Walsh-Peelo, „Sing Street“) ziemlich süß findet und Singen ihr Hobby ist, meldet sie sich wie er zum Chor an.

Nach Startschwierigkeiten mit dem strengen Lehrer Bernardo Villalobos (Eugenio Derbez) wird bald klar, dass Ruby ein außergewöhnliches Talent fürs Singen besitzt. Leider etwas, das ihre Eltern und ihr Bruder nie verstehen können. Und so versucht die 17-jährige, sich zwischen ihrem Hobby, dem langsam an ihr interessierten Miles und ihren Verpflichtungen für die Familie, die sich nicht nur finanziell gerade in schwerem Fahrwasser befindet, zu zerreißen. Natürlich geht das nicht lange gut …

Nicht originell, aber sehr authentisch

So richtig originell und frisch ist die Story von CODA nicht, das lässt sich bereits daran ablesen, dass der Film ein Remake ist. Aber manchmal geht es eben nicht nur um die Geschichte, sondern auch darum, wie sie erzählt und gespielt ist. Und hier leisten die Regisseurin Sian Heder, die auch das Drehbuch schrieb, und ihr Cast Erstaunliches. Denn CODA schlägt den Zuschauer ab der ersten Minute in seinen Bann. Und entlässt ihn daraus die folgende 110 Minuten auch nicht mehr.  Das gelingt Heder durch den hohen Grad an Glaubwürdigkeit und Authentizität, die sie in den Film packt. Das beginnt bei Rubys Familie, deren Darsteller alle tatsächlich taub sind und deshalb so glaubhaft eine Familie von Gehörlosen spielen können. Und die Marlee Matlin gegen den Willen der Produzenten durchdrücken musste.

Obwohl Ruby im Mittelpunkt des Geschehens steht, gibt Heders Drehbuch auch den anderen Familienmitgliedern interessante Nebenhandlungen, sodass sie nie zu Stichwortgebern verkommen, sondern eigene Charaktere werden können. So sind die Eltern nach vielen Jahren noch immer scharf aufeinander und bringen Ruby deshalb manchmal in peinliche Situationen. Leo hingegen leidet darunter, dass seine Eltern immer alles Wichtige Ruby überlassen. Und ihm nicht zutrauen, mit Problemen fertig zu werden. Ruby hingegen, die ohnehin nie eine normale Kindheit hatte, droht unter der Last der Verantwortung für die Familie und ihr eigenes leben und ihre Träume zu zerbrechen. Gerade diese kleinen Dramen, die so alltäglich sind, dass sie fast jeder kennt, fängt Heder fast schmerzhaft dicht ein und berührt deshalb so sehr.

Ein neuer Star in Sicht

Das liegt zum großen Teil an Emilia Jones. Die mittlerweile 19-jährige spielt die Rolle der Ruby so leicht und dabei doch so intensiv, dass der Zuschauer in jeder Szene mit ihr fühlen kann. Sie hält mühelos den Film zusammen. Und ist sowohl im Zusammenspiel mit ihren Kollegen als auch allein vor der Kamera absolut sehenswert. Gerade weil sie in vielen Szenen so uneitel agiert, bleibt ihre Performance im Gedächtnis. Und im großen Finale, bei dem Joni Mitchells Klassiker „Both Sides Now“ eine wichtige Rolle spielt, dürfte sie manch einen Zuschauer zu Tränen rühren. Keine Frage, Emilia Jones dürfte zu den kommenden Stars in Hollywood zählen, wenn sie weiterhin solche Leistungen abliefert. Ein nettes Wiedersehen gibt es auch mit Ferdia Walsh-Peelo, der seit Sing Street im Kino abgetaucht und nur in „Vikings“ dabei war. 

Heder mischt in ihrem Script gekonnt eine ungewöhnliche Coming-of-Age-Geschichte mit interessanten Figuren, eingebettet in einen glaubwürdigen Mikrokosmos der amerikanischen Küsten-Kleinstadt. Mit dem Gesangslehrer Bernardo oder den Eltern von Ruby erschafft Heder auch echte Typen, die aber stets so zurückgenommen agieren, dass sie den Zuschauern nie auf die Nerven gehen. Ganz im Gegenteil: Zwischen Vater und Tochter spielen sich ein paar der schönsten Szenen des gesamten Films ab. Dass Heder ganz nebenbei einen Blick auf den Alltag von Gehörlosen wirft und aufzeigt, wie wichtig wenigstens ein funktionierendes Paar Ohren für eine Familie sein kann, ist ein weiterer Aspekt, der CODA so sehenswert macht.

Fazit:

CODA ist ein echter Glücksfall. Ein Film, den man nicht nur sieht, sondern auch fühlt. Stark geschrieben und inszeniert, grandios gespielt und immer nah an der Realität, erzählt Regisseurin Sian Heder die Geschichte einer 17-jährigen, die zwischen Pflichtgefühl und eigenen Träumen fast zerrissen wird. Das ist nie peinlich, immer anrührend und ganz schon oft auch witzig. Würden alle Remakes so aussehen wie dieses, Hollywood dürfte gern häufiger auf bereits verfilmt Stoffe zurückgreifen. Leider bildet CODA die überaus gelungene Ausnahme.

CODA startet am 13. August 2021 bei Apple TV+.

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Die Handlung

Andrea Singer (Iliza Shlesinger) ist auf dem Sprung. Als Stand-Up-Comedienne hat sie bereits regelmäßige Auftritte in Bars und Clubs des Landes. Doch nun wird auch das Fernsehen auf die schlagfertige Blondine aufmerksam und es winkt eine Hauptrolle in einer Comedy-Serie. Es gibt also durchaus etwas zu feiern mit ihrer besten Freundin Margo (Margaret Chao), einer Bar-Besitzerin. Aber in der Liebe hat Andrea bislang noch keinen Treffer gelandet. Statt großer Liebe hält sie sich daher mit gelegentlichen Verabredungen über Wasser. Doch dann schlägt das Schicksal an unerwarteter Stelle zu – auf dem Flughafen.

Dort findet Dennis (Ryan Hansen) das Ticket von Andrea, das sie im Terminal verloren hat. Wie es der Zufall will, sitzt der freundliche Helfer auf dem Flug auch noch neben Andrea – und die beiden lernen sich kennen. Und aus zwei Reisenden werden über die nächsten Wochen und Monate Freunde. Und eines Tages offenbart Dennis dann seine wahren Gefühle: Er hat sich in Andrea verliebt. Eigentlich fühlt sie nicht das gleiche für ihn, aber nach einem schweren Schicksalsschlag, den Dennis erleiden muss, kommen sich die beiden doch noch näher und werden ein Paar. Doch immer wieder passieren Dinge im Umfeld der beiden, die Andrea misstrauisch machen. Stimmen die ganzen Geschichten, die Dennis ihr erzählt, tatsächlich? Oder ist ihr Lover zu gut, um wahr zu sein?

Stand-Up-Humor ergibt noch keinen Film

Bei Netflix gibt es relativ viele Stand-Up-Comedian-Solo-Programme. Und das ist auch sinnvoll, weil mancher Humor eben nur auf der Bühne vor Publikum funktioniert. Ein Gag für einen Film und ein Lacher live – das sind oft zwei paar Schuhe. Das muss nun auch die durchaus witzige Iliza Shlesinger erfahren. Zwar darf sie in ihrem eigenen Film mehr tun als nur hysterisch zu kreischen wie noch neben Mark Wahlberg. Aber sie baut in ihr Drehbuch immer wieder auch kurze Momente auf der Bühne mit ein, in denen sie als Andrea Singer die Story des Films kommentiert. Das macht den Eindruck, also würde sie ihrem Humor im Script nicht trauen. Und tatsächlich sind die Witze in Good on Paper nicht alle lustig.

Das Positive zuerst: Good on Paper ist weit entfernt von manchem Netflix-Film, der vor Pipi-Kaka-Witzen und extrem albernen Figuren nur so wimmelt. Shlesinger bliebt mit ihrem Charakteren deutlich näher an der Realität und arbeitet nur mit geringer Übertreibung – Skalpell statt Holzhammer. So ist die lesbische Beste Freundin Margo zwar etwas zu schrill, um komplett glaubhaft zu sein. Und auch eine von Dennis‘ Mitbewohnerinnen hat mindestens eine kleine Schraube locker. Aber das sind Figuren, die dennoch in der Realität funktionieren und nicht komplett stereotyp geraten sind. Leider wirken Shlesingers kurze Monologe über Männer und Frauen auf der Bühne, aber nicht innerhalb einer Filmhandlung als Vortrag an Partner oder Freundin. Und so entlockt die Komödie dem Zuschauer meist höchstens ein Schmunzeln, aber kaum Lacher.

Komplett überraschungsfrei

Denn auch eine Komödie kann sowohl einen Spannungsbogen als auch die eine oder andere Überraschung vertragen. Beides fehlt Good on Paper. Denn dass Dennis nicht ganz der ist, für den er sich ausgibt, ist bereits in den ersten Szenen überdeutlich. Und überrascht dementsprechend niemanden bei der vermeintlichen Auflösung dieses Geheimnisses, das nie eines war. Und auch die Handlung selbst, die sich im Wesentlichen um Andreas Beziehung zu Dennis dreht, aber auch den Stress mit einer vermeintlichen Konkurrentin für gute Rollen thematisiert, gibt es kaum einmal einen Ausschlag nach oben. Der Film plätschert mehr, als das er fließt.

Schauspielerisch tun  sich auch keine Offenbarungen auf. Shlesinger, Hansen und Chao spielen ihre Rollen ordentlich, aber es gibt keine Szene im Film, die aufgrund der Charaktere im Kopf bliebe. Immerhin legt Shlesinger in ihrem Drehbuch-Debüt ein flottes Tempo an den Tag, sodass Good on Paper zumindest keine nennenswerte Längen aufweist. Schauspielerin Kimmy Gatewood, die hier zum ersten Mal als Regisseurin fungiert, ist es auch nicht gelungen, mehr Spaß in den Film zu packen, innovative Regie-Ideen sucht man hier vergebens. Das macht Good on Paper nicht zu einem schlechten Film, denn er unterhält die meiste Zeit ganz ordentlich. Wer aber auf eine durchgehend witzige Rom-Com hofft, dürfte ein wenig enttäuscht sein.

Fazit:

Mit Good on Paper präsentiert Netflix eine weitere Komödie, die nie so richtig zündet. Zwar hat sie mit Rohrkrepierern wie „The Wrong Missy“ oder „Hubie Halloween“ nicht viel zu tun und müht sich um realistische Handlungen und Figuren. Allerdings funktioniert der von Iliza Shlesinger geschriebene Stand-Up-Comedy-Humor in einer Filmhandlung auch nur bedingt. Und wenn eine Komödie nicht durchgehend lustig ist und auch kaum überraschende oder spannende Handlung zu zeigen hat, bleibt am Ende wenig übrig, an das man sich nach dem Abspann noch erinnern würde. Keine Katastrophe, aber auch nichts Besonderes.

Good on Paper startet am 23. Juni 2021 bei Netflix.

Mehr Kritiken zu Netflix-Filmen gibt es hier.

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Die Handlung

Drama pur! Am Ende der ersten Episoden hatte sich ein Handlanger des fiesen Pellegrini sich Assane Diops (Omar Sy) Sohn Raoul (Etan Simon) geschnappt. Während seine Mutter Claire (Ludivine Sagnier) fast wahnsinnig wird vor Sorge, schnappt sich Assane kurzerhand einen Wagen und verfolgt den Mann. Denn der Pariser Cop Guedira (Soufiane Guerrab) hatte Assane verfolgt und dabei zufällig die Entführung gesehen – samt dazu gehörigem Fahrzeug. Nun nimmt er gemeinsam mit Diop die Verfolgung auf, um den Jungen zu retten. Natürlich glaubt er, dass Assane nicht weiß, wer er in Wirklichkeit ist. Aber ob das auch stimmt? In aller Regel ist Assane seinen Verfolgern doch immer einen Schritt voraus.

Mehr soll an dieser Stelle nicht verraten werden, da die restlichen fünf Folgen ohnehin nicht mehr allzuviel Story beinhalten und zügig auf das Finale zusteuern. Fans der ersten Folgen müssen sich allerdings ein wenig umstellen, ganz so wild und phantasievoll wie in Episode eins bis fünf geht es in sechs bis zehn nicht zu, auch wenn die Ideen aus den Arsene Lupin-Romanen natürlich trotzdem noch hin und wieder vorkommen …

Omar Sy ist Lupin

Wenn man es nicht besser wüsste, müsste man Lupin eigentlich für ein Werbevideo für Urlaub in Paris halten. Denn auch im zweiten Teil der Staffel gelangt Assane an fast magische Orte. Wie etwa die Katakomben tief unter der Stadt. Aber auch ans nächtliche Seine-Ufer in all seiner Schönheit. Lupin sieht auch im zweiten Teil der Staffel richtig gut aus. Und das macht schon einen Teil des Reizes der Serie aus. Ein anderer Aspekt des Erfolgs dürfte in der Leichtigkeit liegen, mit der die Story erzählt wird. Natürlich wird sie dadurch oft genug unrealistisch und würde den Check auf glaubhafte Polizeiarbeit sicher nicht bestehen, dazu entkommt Assane seinen Häschern immer wieder zu leicht. Aber es macht schlicht und ergreifend Spaß, Omar Sy bei seinen Gentleman-Gauner-Kapriolen zuzusehen.

Und somit ist der Hauptgrund für den Erfolg der Serie erreicht. Ohne den megasympathischen Schauspieler wäre Lupin nicht, was sie ist. Sein Lächeln, seine Körperlichkeit und sein Charme sorgen dafür, dass der Zuschauer auch die eine oder andere holprige Stelle im Drehbuch hinnimmt, einfach, weil Sy sie so hinreißend spielt. Das wissen auch die Macher der Serie, die die Anzahl der Szenen ohne den Superstar auf ein Minimum beschränken. Und so trägt Omar Sy die Serie auch im zweiten Teil fast allein. Was gar nicht an den anderen Schauspierlern liegt, die machen allesamt ihren Job ordentlich. Aber keiner von ihnen hat eben eine annährend so interessante Rolle wie der Star, der längst über Frankreich hinaus bekannt ist.

Nicht ganz so originell wie Teil 1

Dennoch leidet Lupin Teil 2 stärker als der erste Schwung der Story an vorhersehbaren Plots. Die Tricks von Assane sind eben nicht unendlich, in der zweiten Hälfte schleicht sich so manche Variation bereits bekannter Gaunereien ein. Und überrascht entsprechend weniger als vorher. Auch die Schurken bekommen in den neuen Folgen kein stärkeres Profil und bleiben beliebig. Welche dunklen Motive Pellegrini antreiben, bleibt ebenso im Dunkeln wie der eine oder andere Storyplot. Auch einen sicheren Abschluss der Geschichte kann man zwar im Finale vermuten, die Macher halten sich aber deutlich sichtbar Möglichkeiten offen, Assanes Story weiterzuspinnen.

Ob die zahlreichen Verweise und Anspielungen auf Geschichten aus den Lupin-Romanen, die in Lupin Teil 2 reichlich vorhanden sind, die Serie spannender und besser machen, lässt sich wohl nur beurteilen, wenn man die Vorlagen kennt. Und davon dürfte es in Deutschland nicht sonderlich viele Zuschauer geben. Möglicherweise funktioniert die Serie in Frankreich, wo mutmaßlich mehr Krimifans sich mit Arsene Lupin auskennt, noch besser. Doch auch ohne dieses Wissen unterhält Lupin Teil 2 ebenso gut wie die ersten fünf Folgen – wenn man seine Ansprüche nicht zu hoch schraubt.

Fazit:

Lupin Teil 2 setzt nicht nur die Story nahtlos fort, sondern auch die Stimmung und den Tonfall der Serie. Es wurde eben alles am Stück gedreht und das merkt man der Serie trotz der Zweiteilung auch an. Leider fällt die zweite Hälfte in Sachen Spannung ein wenig ab, auch die Story wird ein wenig vorhersehbarer. Omar Sy ist allerdings genauso großartig, charmant und witzig wie in den fünf ersten Episoden. Und das dürfte letztlich das sein, was den meisten Fans der Serie am wichtigsten ist. Wer also schon den ersten Teil der Serie mochte, kann guten Gewissens auch den Rest ansehen – und wird seinen Spaß haben.

Lupin Teil 2 startet am 11. Juni 2021 bei Netflix.

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Hier gibt es die Kritik zu Lucifer Staffel 5a.

Mehr zu Staffel 4 steht hier.

Wie alles begann: Die Kritik zu Staffel 1.

Die Handlung

Lucifer (Tom Ellis) und Amenadiel (D.B. Woodside) kämpften auf dem Polizeirevier gerade gegen Michael (Tom Ellis) und Mazikeen (Lesley-Ann Brandt), als Gott (Dennis Haysbert) erschien und seine Kinder zur Ordnung rief. Sofort wird der Kampf eingestellt und Gott redet seinen Kindern ins gewissen und beruft ein Familiendinner ein. Das soll ausgerechnet bei Linda (Rachael Harris) stattfinden, weil Gott sein Enkelkind Charlie kennenlernen möchte. Aber es läuft alles andere als gut und endet im Streit. Mit Konsequenzen: Gott schickt Michael, den Verursacher der aktuellen Probleme, zurück in die silberne Stadt und beschließt, mit seinen anderen Söhnen Amenadiel und Lucifer noch ein wenig mehr Zeit zu verbringen. Lucifer ist davon allerdings gar nicht begeistert, auch weil er endlich mit Chloe (Lauren German) glücklich werden will.

Weil sein alter Herr Musik und Tanz so schätzt, dass er die Leute in seiner Umgebung dazu bringt, genau das zu tun (die zweite neue Folge „Verdammte, himmlische Karaoke-Session“ ist die lang angekündigte Musical-Folge der Serie), stößt er nicht nur Lucifer vor den Kopf. Dennoch scheint es zwischen Lucifer und Gott langsam wieder eine Art Annäherung zu geben. Tatsächlich versucht Gott ganz offensichtlich, den Teufel und sein neues Leben auf der Erde zu verstehen und nachzuvollziehen – nicht immer, ohne seinem Sohn dabei gehörig auf die Nerven zu gehen. Umso überraschender trifft die Engel auf Erden die Nachricht ihres Vaters, dass der sich mit Ruhestandgedanken trägt. Aber wer sollte dann der Nachfolger auf dem himmlischen Thron werden?  

Ellis so gut wie nie

Obwohl die Serie noch in eine sechste und damit letzte Staffel geht, stand die lange auf der Kippe. Angeblich lag es an den Gehaltsforderungen von Tom Ellis, die hart mit dem Star verhandelt wurden, ehe es zu einer Einigung kam. Weitere Folgen könnten aber womöglich daran gescheitert sein, dass Netflix Ellis nicht für mehr Staffeln – und vermutlich noch höhere Gage – buchen wollte. Dass der Brite sein Geld allerdings wert ist, zeigt er in den Folgen von Lucifer Staffel 5b mehr als eindrucksvoll. Tom Ellis IST Lucifer, daran gibt es schon eine Weile keinen Zweifel mehr. So spielfreudig wie hier haben die Fans den Schauspieler aber lange nicht gesehen. Und es gibt Rückkehrer: Inbar Lavi als Eve schaut vorbei und auch Tricia Helfer kommt noch einmal zurück zur Serie.

In den neuen Folgen darf Ellis nicht nur deutlich mehr singen als in den vorherigen Staffeln, was er mit offensichtlicher Freude und entsprechender Qualität auch tut, er ist auch erneut in einer Doppelrolle zu sehen. Und den fiesen Michael spielt er ebenso gut wie den Titelhelden der Serie. Allerdings stehen ihm seine Kollegen da in nichts nach, die Schauspieler beherrschen mittlerweile ihre Rollen im Schlaf und setzen deshalb in vielen gemeinsamen Szenen neue Maßstäbe innerhalb der Serie. Egal, ob besonders witzige oder besonders tragische Momente. Denn beides spielt in Lucifer Staffel 5b eine ausgeprägte Rolle. Die emotionale Achterbahnfahrt, die seit dem Wechsel der Serie von Fox zu Netflix und den damit einhergehenden, deutlich kürzeren Staffeln begann, geht in den neuen Episoden weiter.

Weniger Krimi, mehr Fantasy

Was in Staffel 4 begann, wird in Lucifer Staffel 5b ganz extrem weiterforciert – das Eindampfen der Krimistorys zugunsten der Hauptgeschichte um Lucifer und seine Probleme mit Gott. Das geht zu Lasten der Qualität der Fälle, so einfallslos und durchschnittliche waren die Mordermittlungen selten. Meist präsentieren die Autoren überhaupt nur einen Verdächtigen. Obwohl die Folge alle länger sind als die früheren FOX-Episoden, so gut wie alle laufen 50-60 Minuten, ist der Krimianteil so gering wie nie. Und dann stehen die Fälle auch noch in direktem Zusammenhang zu Lucifers aktueller Gefühlslage. Und sind so geschrieben, dass die Verbrechen stets eine Botschaft an den gefallenen Engel enthalten. Wer die Serie also wegen des Krimiaspektes schätzte, dürfte mit Lucifer Staffel 5b endgültig unzufrieden sein.

Allerdings war dieser Bereich nie die Stärke der Serie. Die lag von der ersten Folge an unter anderem an der Chemie zwischen Ellis und German. Und die ist in den neuen Folgen besser denn je. Dass der sprunghafte Lucifer immer wieder neue Probleme aus unterschiedlichen Gefühlslagen aus dem Ärmel schüttelt, ist ja nicht neu. Aber so dramatisch wie in den neuen Episoden war es bislang nie. Denn wie schon zuvor bleibt die Liebe zwischen dem gefallenen Engel und der vom Himmel gezeugten Detektivin schwierig. Allerdings zeigen sich in den ständigen Schwankungen in Lucifers Benehmen auch langsam Abnutzungserscheinungen, so richtig viele neue Gründe, warum Lucifer nicht mit Chloe zusammenkommen kann, scheinen den Autoren nicht mehr einzufallen.

Dafür traut sich das Team der Drehbuchautoren allerdings immer wieder, auch Fanlieblinge zu bedrohen. Und im Zweifelsfall zugunsten des dramatischen Effekts und der Glaubwürdigkeit der Story aus der Handlung zu schreiben. Da bildet auch Lucifer Staffel 5b keine Ausnahme – um die eine oder andere Figur muss gezittert werden. Wer sich schon immer mehr von Lucifers und Amenediels Geschwistern wünschte, darf dafür jubeln. Haben die vergangenen Staffeln neue Engel eher in homöopathischen Dosen eingeführt, gibt es in Lucifer Staffel 5b gleich eine ganze Wagenladung voller unterschiedlicher Engel auf Erden. Ein weiterer Grund, warum die Serie momentan so gut ist und der Abschied, obwohl noch zehn Folgen entfernt, bereits jetzt anfängt zu schmerzen.

Fazit:

Auch mit Lucifer Staffel 5b bleibt die Serie eine der originellsten Fantasy-Dramedys, die es gibt. Das liegt immer noch zu einem guten Teil an Tom Ellis, der vor allem im englischen Original weiterhin eine derart hinreißende Vorstellung gibt, dass er allein bereits das Einschalten rechtfertigt. Aber auch seine Kollegen bekommen immer wieder starke Szenen von den Autoren geliefert und machen daraus ebenfalls Höhepunkte der Serie. Und dieses Mal schlagen die emotionale in beide Richtungen aus, Sternstunden des Humors wechseln sich mitunter recht abrupt mit wirklich traurigen Momenten ab. Das Finale der beiden letzten Folgen ist dann an Dramatik kaum zu überbieten. Und  läutet die letzte Wartezeit bis zur finalen Staffel im kommenden Jahr ein. Ob Lucifer dann noch besser wird? Kaum vorstellbar.

Lucifer Staffel 5b startet am 29. Mai 2021 bei Amazon Prime (in der Schweiz auf Netflix bereits am 28. Mai 2021).

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Die Handlung

Schon als kleines Kind hat Estella (Emma Stone) ihre seltsamen Haare, die auf der einen Seite schwarz und auf der anderen weiß sind. Das macht ihre ohnehin schwere Kindheit nicht leichter. Denn ihre Mutter Catherine (Emily Beecham) muss ihre Tochter allein aufziehen und das Geld ist ständig knapp. Als Estella in der Schule zu viele Probleme macht, will Catherine mit ihr nach London ziehen und hält auf dem Weg bei einem geheimnisvollen Herrenhaus. Dort will sie sich finanzielle Hilfe holen. Estella soll zwar im Wagen warten, doch die Kleine ist einfach zu neugierig. Und so schleicht sie sich während einer gerade stattfindenden Modenschau ins Haus. Hier wird sie zwar vom Bediensteten John (Mark Strong) erwischt, erkennt aber vorher ihr Talent zur Designerin.

Doch als sie im Garten des Hauses Zeugin einer Tragödie wird, liegt ihr Leben in Scherben. Nachdem sie ihren Weg bis nach London gefunden hat, lächelt ihr aber auch das Glück einmal zu: Sie lernt Horace und Jasper kennen! Die beiden Jungs sind ebenfalls allein und bilden Estella in den kommenden Jahren zur begnadeten Diebin und Trickbetrügerin aus. Und erfüllen ihr eines Tages ihren größten Wunsch: einen Job in der Modebranche. Dort kommt sie bald mit der berühmten Baroness (Emma Thompson) in Kontakt, die Estellas Talent für sich ausbeuten will. Doch die junge Frau merkt schnell, welche Ziele ihre fiese Chefin verfolgt. Und legt sich eine neue Identität zu, um sich dagegen zur Wehr zu setzen – Cruella de Vil ist geboren …

Im Rausch der Sinne

Cruella ist kein Film, sondern ein Schauspiel! Und das meint nicht nur die beiden weiblichen Stars. Hier ist einfach alles vom Feinsten. Regisseur Craig Gillespie war vor Beginn seiner Karriere bei Film und TV Werbefilmer – und das sieht man Cruella auch an. Hier wird nichts dem Zufall überlassen, jedes Kostüm, jede Kulisse ist ein Augenschmaus. Wie hier die Set-Designer und Kostümbildner die wilden 70er Jahre in London wieder zum Leben erwecken, ist fast schon allein Grund genug, sich den Film anzusehen. Unterstützt wird das von einem grandios zusammengestellten Soundtrack, der in der ersten Hälfte des Films fast pausenlos Hits der späten 60er und 70er Jahre über die Szenerie streut und so die Atmosphäre und den Style dieser Zeit nochmals deutlich verstärkt.

Diese Kollektion braucht sich hinter den beiden „Guardians of the Galaxy„-Filmen definitiv nicht zu verstecken und gibt mit der Songauswahl oft die Grundstimmung in einer Szene bereits vor. Wenn Estella als Cruella zu den Klängen von „I wanna be your dog“ von den Stooges auf dem Laufsteg ihre Fans böse anfunkelt, ist das ein bleibender Moment des Films. Erst im Finale des 130 Minuten langen Films setzt sich der eigens für den Film komponierte Score durch und der Pop und Rock tritt in den Hintergrund. Bis dahin haben Davie Bowie, die Rolling Stones oder die Zombies allerdings schon ganz Arbeit geleistet. Auch weil Kameramann Nicolas Karakatsanis die Songs mit einigen wundervollen und sehr sehenswerten Plansequenzen verknüpft.

Duell auf Augenhöhe

Im Kern des Films stehen dennoch die zwei Emmas. Und beweisen einmal mehr, dass sie zurecht als großartige Schauspielerinnen gelten. Was Emma Thompson gänzlich ohne Text, nur durch das kurze Anheben einer Augenbraue oder das Runzeln der Nase an Angst und Bösartigkeit auf der Leinwand verbreiten kann, muss man gesehen haben. Die Britin, die meist etwas nettere Rollen spielt als die der Baroness, tobt sich in Cruella so richtig aus. Und präsentiert dem Publikum ein bemerkenswertes, eiskaltes Biest. Emma Stone, wie Kollegin Thompson bereits mit einem Schauspiel-Oscar geehrt, ist ihr stets ebenbürtig und spielt Estella/Cruella mit genau der richtigen Mischung, um die eine zu mögen und die andere zu fürchten.

Dabei zeigen beide Schauspielerinnen auch, wie traumhaft sicher sie sich zwischen den Genres Komödie und Drama bewegen können. Denn das Drehbuch von Comedy-Spezialistin Dana Fox und Drama-Experte Tony McNamara („The Favourite„) deckt beide Bereiche ab und ist für einen Disney-Film ungewohnt düster und schwarzhumorig. Hin und wieder liefert Cruella Szenen, die auch aus einer Roald Dahl-Story, verfilmt von Tim Burton, stammen könnten. Die FSK-Freigabe ab sechs Jahren scheint da grenzwertig. Denn sogar in den sonst eher lockeren USA bekam der Film eine PG-13, vergleichbar mit der deutschen Freigabe ab 12 Jahren. Immerhin mildern die hinreißenden, wenn auch computergenerierten Hunde in der Story die größten Schocks mit ihren zuckersüßen Auftritten ein wenig ab. Vor allem der winzige Chihuahua mir der Augenklappe reißt jede Szene an sich, in der er vorkommt.

Schwachpunkte zeigt der Film einzig und allein bei der Charakterentwicklung. Denn so spaßig es ist, sich Estellas Entwicklung hin zu Cruella anzusehen, so richtig schlüssig erzählt das Script dem Zuschauer nicht, warum die Heldin des Films sich zu der Frau entwickelt, die später unschuldige Dalmatiner-Welpen töten lassen will. Auch wenn der Film am Ende noch eine Szene präsentiert, die als Anschluss an den Zeichentrickfilm passt. Dazu agieren einige der Nebenfiguren für das Publikum wenig nachvollziehbar. Hier hätte der Film noch die eine oder andere Szene der Erklärung gut vertragen können.

Fazit:

Inhaltlich ist der neue Disneyfilm Cruella nicht ganz frei von Schwächen, vor allem bei der Charakterentwicklung bleiben Fragen offen. Doch das wird überstrahlt vom grandiosen Look des Films und der tollen Musik. Und natürlich vom spektakulären und oftmals funkensprühenden Duell zwischen Emma Stone und Emma Thompson, die sich mit diebischer Freude zumindest im übertragenen Sinne an die Gurgel gehen. Als reiner Kinderfilm geht Cruella allerdings nicht durch, dazu ist die Story zu düster und der Humor mitunter etwas zu schwarz. Wer nicht unter eine Mode-Allergie leidet oder mit Design so gar nichts anfangen kann, sollte sich diesen Film aber nicht entgehen lassen.

Cruella startet, wo es möglich ist, am 27. Mai 2021 in den Kinos und am 28. Mai 2021 mit VIP-Zugang bei Disney+.

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Hier finden Sie die Kritik zu The Boys Staffel 1.

Comics gelten für viele noch immer als nette, leichte Unterhaltung, speziell im Superhelden-Bereich. Während in Frankreich Comics längst als eigene Kunstform verehrt werden, ist Deutschland diesbezüglich noch immer Entwicklungsland. Natürlich gibt es auch eine Menge Comics, die einfach nur unterhalten wollen, aber Autoren wie Alan Moore („Watchmen“, „V für Vendetta“) oder auch Garth Ennis haben oft bewiesen, dass gute Schriftsteller auch das Medium Comic für komplexe Storys nutzen können. Wie sieht das bei The Boys aus?

 The Boys Staffel 2: Die Handlung

Es sieht nicht gut aus für The Boys: Nach den Ereignissen der vergangenen Tage landet die Gruppe um Billy Butcher (Karl Urban) und Hughie (Jack Quaid, Sohn von Dennis Quaid) auf der Liste der meist gesuchten Verbrecher des Landes und muss untertauchen. Butcher selbst gilt als verschollen. Was seine Kameraden noch nicht wissen: Butcher hat seine totgeglaubte Frau Rebecca (Shantel VanSanten) gefunden – und ihren Sohn, der aus der Vergewaltigung durch den Homelander (Anthony Starr) stammt. Nun will er unbedingt seine Frau befreien.

Hughie hingegen hat andere Pläne. Gemeinsam mit Annie alias Starlight (Erin Moriarty) versucht er, an Compound V heranzukommen, die Droge, die Superhelden erschafft, und sie den Medien zuzuspielen. So wollen die beiden den finsteren Konzern Vought auffliegen lassen, der seit Jahrzehnten Babys mit Compound V impft, um immer neue Superwesen, die „Supes“, zu erhalten. Der übermächtige, aber hochgradig psychopathische Homelander hat derweil andere Sorgen: Das neue Mitglied der Sieben, Stromfront (Aya Cash), will seinen Platz als Anführer …

Blutig und mit viel schwarzem Humor

Auch in The Boys Staffel 2 müssen Comic-Kenner den Machern ihre Änderungen der Story verzeihen. Das fällt diesmal aber leichter, denn die zweite Staffel beginnt furios und zieht das Tempo im Vergleich zum Vorgänger deutlich an. So zeigt die Serie ab jetzt viele parallel laufende Erzählstränge, die manchmal erst im Finale wieder zusammengeführt werden – oder bereits die Richtung für Staffel 3 festlegen. Dabei beweist Serienschöpfer Erik Kripke, der schon für die ersten fünf Staffeln von „Supernatural“ verantwortlich war, großes Geschick.

Denn obwohl immer wieder übertrieben brutale Szenen mit viel düsterem Humor vorkommen, gelingt es dem Autorenteam dennoch, ein bisweilen bitter ernstes Drama unterzubringen. Einfach deshalb, weil dem Zuschauer die Charaktere ans Herz wachsen. Und bei den übermächtigen Gegnern auch sehr regelmäßig die Protagonisten oder deren Angehörige ins Fadenkreuz der Sieben geraten. Und es auch in The Boys Staffel 2 nicht ohne Tote abgeht. Weil Kripke und sein Team das sehr schnell klar machen, sind die neuen Folgen noch spannender als die alten.

The Boys Staffel 2: Das Ende des amerikanischen Traums

Zudem ist der Subtext der Serie, ein böser Abgesang auf amerikanische Werte im Zeitalter der Lügen und Manipulationen, deutlich politischer, als es auf den ersten Blick den Anschein hat. Immer wieder zeigt The Boys Staffel 2, wie einfach sich die Massen durch rhetorisch geschulte Personen und gezielt gefälschte Nachrichten beeinflussen lassen. Dazu gehört auch die konsequente Fortsetzung des Aufbaus von Vought als dem großen Übel. Gegen das sogar der Massenmörder Homelander fast harmlos wirkt. Der in Sachen Beliebtheit auch noch einiges von Stormfront lernen kann.

Wie bereits in Staffel 1 entfaltet die Serie auch deshalb eine solche Wirkung, weil die Schauspieler erstklassig sind. Karl Urban ist als Billy Butcher wie den Comic-Seiten entrissen und spielt den desillusionierte, zynischen und bis ins Mark für seine Aufgabe brennenden Soldaten wieder großartig. Anthony Starr steht ihm als Super-Psychopath mit mehr Macken als Muskeln in nichts nach. Und das heimliche Traumpaar der Serie, Erin Moriarty und Jack Quaid, sind ebenfalls erneut sehr sehenswert. Wie auch Karen Fukuhara als Kimiko, die in Staffel 2 deutlich mehr zu tun bekommt.

Kripke hält sich in Staffel 2 erneut nur grob an die Story der Comics, baut aber zumindest wichtige Ereignisse wie Stormfront mit ein. So halten auch die neuen acht Episoden Kurs auf das Ende, das Ennis in seinem knapp 90 Ausgaben laufenden Comic ausgedacht hat. Dennoch schafft Kripke mit seiner Vision der Geschichte eine weitgehend eigenständige Serie, die dem Geist des Comics verbunden bleibt, ohne ihm auf Schritt und Tritt zu folgen. Und schafft auch für Zuschauer ohne großes Interesse an den politischen Aussagen eine extrem unterhaltsame Serie.

Fazit:

The Boys Staffel 2 macht nahtlos dort weiter, wo die erste endete. Und verbessert dabei fast jeden positiven Aspekt der Serie. Die ausufernde Gewalt ist nach wie vor so übertrieben blutig, dass sie für jede Menge Lacher gut ist. Und die politische und gesellschaftliche Botschaft der Serie arbeitet Erik Kripke mit seinem Team stark und dabei stets unterhaltsam heraus. Dazu machen die Schauspieler alle zumindest einen guten, wenn nicht herausragenden Job. The Boys bleibt so auch in der zweiten Staffel ein Glücksfall für Serienfans. 

The Boys Staffel 2 startet am 4. September 2020 bei Amazon Prime (mit drei Folgen, danach jeden Freitag eine weitere)

Gesehen: acht von acht Folgen

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(Mittlerweile liegt die Serie mit deutscher Tonspur vor!)

Die Kritik zu Staffel 1 finden Sie hier.

Zwei Dinger gelten als sicher: der Tod und die Steuern. Und auch wenn Jen und Lucy durchaus Probleme mit dem lieben Geld haben, so ist doch der Grimme Schnitter ihr ständiger Begleiter. Nachdem Jen in Staffel 1 ihren Mann durch einen Autounfall verloren hat, ist seit dem Finale der ersten Episoden auch Lucy nicht mehr länger mit einem Ex-Mann gesegnet – oder gestraft, wie man will. Wie verändert sich das Leben der beiden Frauen durch die neuesten Ereignisse? Weniger als man denkt, wie die Kritik zeigt.

Dead To Me Staffel 2: Die Handlung

Nach Jens (Christina Applegate) Tat muss sie sich wohl oder übel wieder mit Lucy (Linda Cardellini) arrangieren, um die Folgen der Nacht abzumildern. Gemeinsam gelingt ihnen das auch, doch bald muss Jen feststellen, dass die Nachbarn viele wichtige Beweise für die Geschehnisse am Pool ohne deren Wissen auf Band haben. Aber wie soll sie die zerstören, ohne dabei aufzufallen? Und damit hören Jens Probleme noch nicht auf, denn ihr älterer Sohn Charlie will nun endlich erwachsen sein und fordert seine damit verbundenen Rechte ein – wie Autofahren. Eine schlechte Idee …

Währenddessen muss Lucy feststellen, dass sie nach dem Krach mit Jen Probleme hat, ein Bett für die Nacht zu finden, denn im vermeintlich leer stehenden Zimmer ihres ehemaligen Lieblingspatienten Abe soll bereits eine neue Patientin einziehen. Und die kann Lucy überhaupt nicht leiden! Also muss Lucy wohl oder übel in einem Auto übernachten, als Jen anruft. Während Jens Jungs langsam irritiert darüber sind, ob Lucy nun bei ihnen wohnt oder nicht, steht plötzlich ein bekanntes Gesicht vor der Tür, dass Jen fast um den Verstand bringt …

Dead To Me Staffel 2: Nahtlos

Die neuen Folgen wirken nicht wie eine neue Staffel, sondern eher, als würde Netflix den zweiten Teil der ersten Staffel senden, wie etwa bei „Chilling Adventures of Sabrina“. Denn die Handlung geht so nahtlos weiter, als hätte kein Jahr zwischen den Folgen zehn und elf gelegen. Und auch sonst sind keinerlei Änderungen festzustellen. Die Chemie zwischen Jen und Lucy stimmt immer noch und die schräg-kaputte Beziehung der beiden bildet weiterhin das Herz der Dramedy – und es schlägt genauso kräftig weiter wie vorher.

Was eindeutig an den beiden Schauspielerinnen liegt. Linda Cardellinis bebende Unterlippe und ihre beiden Lieblingssätze „Ich weiß“ und „Es tut mir leid“ sorgen auch in den neuen Folgen für Spaß. Denn sie wirken immer dann besonders gut, wenn der Zuschauer sie zusammen mit Applegates Gesicht sieht, das ständig wirkt, als habe Jen seit drei Jahren durchgehend Migräne. Dass die beiden Frauen durch die Vorkommnisse aus dem Staffelfinale nun noch enger und auf Gedeih und Verderb aneinander hängen, ist für das Publikum in jedem Fall ein Gewinn.

Dead To Me Staffel 2: Die heile Welt bröckelt heftiger

Ein langsam von innen heraus bröckelndes Bild der heilen Welt, das einem völlig chaotischen Leben in Dauerpanik Platz macht, das hat Netflix dem Zuschauer mit „Santa Clarita Diet“ bereits in der untoten Spaßvariante gezeigt. Und so ganz weit weg davon sind Jen und Lucy auch ohne Zombies nicht. Immer wieder geschieht ein neues Unglück oder prallen verspätete Ausläufer früherer Ereignisse noch an die Hauswand der ehemals so stabilen Festung kleinbürgerlichen US-Lebens. Feldman seziert mit viel Spaß und durchaus auch etwas Grausamkeit den Alltag der beiden Mittvierzigerinnen.

Wie in der ersten Staffel setzen die Autoren auch diesmal weniger auf kurze flache Gags, sondern auch eine sich langsam steigernde Spirale in den Wahnsinn, die nicht dauerhaft lustig ist, dafür aber einige wunderbare Lacher mit sehr langem Anlauf liefert. Allerdings fokussiert sich Dead To Me Staffel 2 erneut sehr stark auf seine beiden Heldinnen. Und so bleibt nur wenig Platz für andere Figuren, die deshalb oft zu bloßen Stichwortgebern verkommen. Lediglich Jens Schwiegermutter Lorna (Valerie Mahaffey) legt immer einen großen Auftritt hin, egal, wie selten sie zu sehen ist.

Die Reise in den Wahnsinn und der Kampf gegen die Windmühlenflügel des Zerfalls bürgerlichen Lebens geht also auch in der zweiten Staffel ungebremst weiter. Wer an den ersten zehn Folgen seinen Spaß hatte, kann auch hier gefahrlos wieder einschalten. Es wird im vorkommen, als sei das Gespann Jen und Lucy nie weg gewesen.

Fazit:

Die Hölle der Kleinstadt und der grassierend Irrsinn angesichts nicht zu realisierender Lebenswentwürfe hat auch in Dead To Me Staffel 2 nichts von ihrem Charme verloren, leidet aber auch noch unter den gleichen Problemen. Manch ein Lacher bleibt im Hals stecken und nicht jede Folge ist wirklich witzig. Als Dramedy an der Grenze zwischen Spaß und Ernst balanciert die Serie aber sicher ins Ziel – auch in Staffel 2.

Dead To Me Staffel 2 startet am 8. Mai 2020 bei Netflix.

Gesehen: Sechs von zehn Folgen.

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