Die Handlung

Es ist das Jahr 1969 in dem verschlafenen Nest Ludlow, Maine. Der junge Jud Crandall (Jackson White) und seine Freundin Norma (Natalia Alyn Lind) haben große Pläne. Sobald wie möglich wollen sie das Nest verlassen und ins Friedenscorps eintreten, etwas von der Welt sehen und ihre Liebe genießen. Doch es kommt anders. Jud hört davon, dass sein Kumpel Timmy angeblich aus dem Vietnamkrieg zurück ist und nun wieder bei seinem Vater Bill (David Duchovny) lebt. Ein Besuch auf der Baterman-Farm endet in einem schrecklichen Vorfall, der Jud daran hindert, Ludlow zu verlassen. Auch Juds Freund Manny (Forrest Goodluck), einst gemeinsam mit ihm und Timmy ein unzertrennliches Trio, erlebt mit seinem alten Kumpel Unheimliches.

Während Jud von seinem Vater Dan (Henry Thomas) Antworten einfordert, da der offenbar über geheimes Wissen verfügt, gerät die Lage im Dorf immer mehr außer Kontrolle. Denn Timmy ist nicht einfach nur verändert, er scheint einem inneren Plan zu folgen, der immer weitere Kreise zieht und zahlreiche Menschen mit hineinzieht. Schließlich erfährt Jud Dinge über seine Heimat, die er sich in seinen dunkelsten Alpträumen nicht hätte ausmalen können. Aber es scheint, als kämen diese Offenbarungen zu spät, um noch etwas retten zu können …

Nur ein Kapitel des Romans

Die bisherigen Verfilmungen waren qualitativ zwar durchaus unterschiedlich, dem Buch gerecht wurde bislang aber keine. Das mag daran liegen, dass in Kings Roman gar nicht viel an Handlung passiert, große Teile des Buches handeln von inneren Konflikten und Entscheidungsprozessen, die sich in aller Regel nicht so einfach auf die Leinwand bringen lassen. Der letztlich eher durchschnittliche erste Film von Regisseurin mary Lambert hat da noch die Nase vorn, Fortsetzung und Remake machten nichts besser. Und nun versucht sich Drehbuchautorin und Regie-Debütantin Lindsey Anderson Beer an der Vorgeschichte, die den alten Jud als jungen Mann ins Zentrum stellt. In vielen Bereichen wiederholt sie aber die Fehler ihrer Vorgänger.

Für King-Fans vielleicht am wichtigsten: Pet Semetary Bloodlines widerspricht dem Inhalt des Buches an einigen Stellen. In Sachen Todesopfer legt Beers Version gegenüber dem Roman deutlich zu. Und verändert auch die Ereignisse, wie King sie den alten Jud beschrieben lässt. Daneben erweitert Beer aber auch den Background von Kings Roman und fügt einiges an Lore hinzu, das man mögen kann oder nicht, in jedem Fall dem Film aber guttut. So gibt es einen noch tieferen Blick in die Vergangenheit zu den Ursprüngen der bösen Magie. Und auch Ludlow erscheint im Film plötzlich nicht mehr komplett als verschlafenes Nest, sondern als Ort, in dem manchen mehr wissen als andere.

Gesunde Härte

Auch in Sachen Blut dürften die meisten Horrorfans zufrieden sein. Pet Semetary Bloodlines ist sicher kein Splatterfest, hat aber ein paar Gewaltspitzen, die der Film dann auch konsequent zeigt. Auch hier unterscheidet sich die Filmhandlung vom Roman. Die dort erzählte Story hätte aber auch ehrlicherweise höchstens für einen Kurzfilm genügt. Noch wichtiger als das: Die Schauspieler sind durchgehend ordentlich und besser und sorgen so relativ schnell dafür, dass sich das Publikum mit den Protagonisten identifizieren kann. Auch wenn beim Helden klar sein dürfte, dass er nicht ernsthaft in Gefahr geraten kann, ohne die Vorlage komplett ad absurdum zu führen, gibt es genug andere Symapthieträger, um die man mittzittern kann.

Zum Beispiel Natalie Alyn Lind als Juds Freundin Norma, die zum Spielball der dunklen Mächte wird, die über Ludlow hereinbrechen. Oder auch Mannys Schwester Donna (Isabella Star LaBlanc), die ebenfalls in den Fokus des Bösen gerät. In Momenten, in denen Beer ihre eigenen Ideen umsetzt, hat der Film seine stärksten Szenen. So richtig überzeugend sind aber die Veteranen, die in Pet Semetary Bloodlines vor der Kamera stehen. David Duchovny als verzweifelter Vater, der seinen toten Sohn in der unheiligen Erde des Micmac-Begräbnisplatzes verscharrt, ist dabei sonders zu erwähnen. Sein innerer Kampf zwischen Verweigerung und Akzeptanz dessen, was er getan hat, gehört zu den besten Leistungen im Film.

Dass auch Henry Thomas, der durch seine regelmäßigen Auftritte in Mike Flanagans Arbeiten immer mehr zur Horror-Ikone wird, ist ebenfalls stark. Und Pam Grier als wehrhafte Postbotin ist die Sahne auf der Torte für Kinofreunde. Macht das alles Pet Semetary Bloodlines zu einem guten Film? Nicht wirklich. Aber zu einem zumindest soliden Horror-Abenteuer, das sich hinter vielen Verfilmungen von Kings Werken – oder davon inspirierten Fortsetzungen oder Prequels – nicht verstecken muss. Als weitere Werbung für eine erneute Rückkehr nach Ludlow taugt der Film aber nicht. Bloodlines erzählt genug Vorgeschichte, um es damit auch gut sein zu lassen.

Fazit:

Ein Meisterwerk hat wohl niemand erwartet, der zum ersten Mal von Pet Semetary Bloodlines gehört hat. Aber eine derartige Totalkatastrophe, die man eigentlich erwarten müsste, wenn man die US-Kritiken liest, ist der Film wahrlich auch nicht. Das liegt zum einen an einigen zumindest originellen Ideen, die Regisseurin und Drehbuchautorin Lindsey Anderson Beer entwickelte. Außerdem am durchweg guten Cast, der seinen Job immer zumindest ordentlich erledigt, mit einigen Ausreißern nach oben wie David Duchovny oder Natalie Alyn Lind. So kann der Film trotz einiger unnötiger Abweichungen von Kings Originalmaterial als solider und gar nicht so unblutiger Horrorfilm bestehen.

Pet Semetary Bloodlines startet am 7. Oktober 2023 bei Paramount+.

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Die Handlung

2003 in einer Kleinstadt in Neu England. Der junge Craig, der früh seine Mutter verlor und allein mit seinem Vater lebt, fällt beim Vorlesen in der Kirche dem Milliardär Johan Harrigan (Donald Sutherland) auf. Denn der sucht jemanden, der ihm Werke der Weltliteratur vorliest, die Harrigan aufgrund seiner schlechten Augen nicht mehre allein lesen will oder kann. Der Junge willigt ein und besucht nun Mr. Harrigan dreimal in der Woche, um ihm Bücher vorzulesen. Das geht viele Jahre so, mittlerweile ist Craig (Jaden Martell) in die Highschool. Neben seinem Lohn bekommt er auch viermal im Jahr zu besonderen Feiertagen einen Brief von Mr. Harrigan, in dem immer ein Los enthalten ist. Und zu Weihnachten gewinnt eines dieser Lose tatsächlich 3000 Dollar.

Weil Craigs größter Wunsch, ein iPhone, bereits von seinem Vater erfüllt wurde, beschließt Craig, Mr. Harrigan auch eines zu kaufen. Zuerst ist der alte Mann sehr abwehrend. Doch als Craig ihm zeigt, dass der Dinge wie Börsenkurse und Wirtschaftsnachrichten in Echtzeit lesen kann, entwickelt Mr. Harrigan bald reges Interesse an dem kleinen Smartphone. Als der Milliardär schließlich nach einem langen Leben stirbt, ändert sich auf für Craig vieles. Denn durch eine spontane Idee am Grab seines Freundes hat der Schüler plötzlich einen ganz besonderen Draht zu einer dunklen Macht, mit der er nicht gerechnet hatte. Doch was fängt er nun damit an?

Nicht die stärkste Vorlage

Stephen King hat in seiner langen Karriere einen Wandel vollzogen. Waren es zu Beginn hauptsächlich die Story-Ideen, die sich von anderen Autoren abhoben und ihn zum „König des Horrors“ machten, so hat sich im Lauf der zeit sein Stil so weiterentwickelt, dass er von manchen Kritikern inzwischen als großer Erzähler und Chronist des US-Kleinstadtlebens anerkannt wird. Viele seiner jüngeren Romane und Erzählungen leben mehr von seiner brillanten Schreibe als von den hochoriginellen Ideen. Zudem verabschiedete sich King auch immer mehr von reinen Horror-Storys und schreibt mittlerweile auch Krimis, Fantasy-Sagas und immer wieder auch Coming-of-Age-Geschichten. Das begann bereits mit „Carrie“ und hat den 75-jährigen bis heute als Thema nie ganz verlassen.

Mr. Harrigans Phone ist so eine Coming-of Age-Geschichte. Denn als Horror-Story, von Netflix selbst mit frei ab 12 Jahren versehen, wird der Film wohl kaum jemandem den Schlaf rauben. Allzu harmlos ist die Story, allzu wenig passiert in den 105 Minuten. Denn die lange Kurzgeschichte ist erst 2020 erschienen und lebt von der Art, wie King sie erzählt und nicht von dramatischen Ereignissen oder gar Schockmomenten. Und so dürften sich reine Horrorfans schon in den ersten 30 Minuten von dieser Verfilmung verabschieden. Beinharte King-Fans und Zuschauer, die mehr für Dramen als für Horror übrig haben, könnten mit Mr. Harrigans Phone aber ganz zufrieden sein.

Grund zum Einschalten: Sutherland

Das liegt auch am starken Cast. Donald Sutherland, inzwischen 87 Jahre alt, spielt den ebenso enigmatischen wie mitunter sogar leicht furchteinflößenden John Harrigan mit all seiner Erfahrung. Und hält das Publikum lange im Unklaren darüber, was von diesem alten Mann wirklich zu halten ist. Und Jaden Martell, der mit „ES“ bereits Erfahrungen mit Stephen King-Stoffen gesammelt hat, spielt den heranwachsenden Craig mit all seinen Gewissensbissen und Gefühlswallungen so glaubhaft und grundsympathisch, dass ihm schnell die Herzen zufliegen. Martell macht den Konflikt greifbar, in dem er sich befindet. Ein wenig wie bei Peter Parker muss er einsehen, dass mit großer Macht auch große Verantwortung kommt.

Regie und Drehbuch übernahm der erfahrene Regisseur und Autor John Lee Hancock und diese Erfahrung merkt man dem Film positiv wie negativ an. Mit großer Routine baut Hancock die Situation spannend auf und beweist auch beim Drehbuch gutes Gespür für Timing und den richtigen Moment, das Publikum zu verunsichern. Aber mehr als routiniert wird es eben auch nie. Hancock erzählt die Geschichte sehr genau nach der Vorlage. Und die wurde in einem Format geschrieben – der sehr langen Kurzgeschichte – aus der bereits ein paar großartige King-Verfilmungen hervorgingen. Ob „Die Verurteilten“, „Stand By Me“ oder „Der Nebel“, alles waren genau diese um die 100 Seiten langen Storys. Aber: Mr. Harrigans Phone ist einfach nicht sonderlich originell oder packend. Und weil sich Hancock so eng daran hält, ist es der Film auch nicht.

Hier fehlen eindeutig filmische Impulse, die der recht harmlosen Geschichte vielleicht noch neue Wendungen oder Aspekte hätten geben können. Doch hier war offenbar die Ehrfurcht vor King zu groß, denn die neueste Verfilmung ist eine ordentlich erzählte, aber insgesamt weitgehend zahme Umsetzung, die den dramatischen Aspekt der Story deutlich über den unheimlichen stellt und die Entwicklung Craigs in den Fokus nimmt. Und das gelingt Hancock auch sehr ordentlich. Ein wenig mehr Thrill hätte es, gerade für King-Fans, aber ruhig sein dürfen.

Fazit:

Mit Mr. Harrigans Phone kommt eine weitere Umsetzung einer Stephen King-Story zu Netflix, von denen bisher keine wirklich Eindruck hinterlassen konnte. Das gilt auch für diesen Film, denn in seiner Konzentration auf den jugendlichen Protagonisten bleiben die ohnehin spärlich gesäten Momente des Horrors in der Vorlage im Film fast komplett auf der Strecke. Einschalten sollten daher eher harte King-Fans, die sich ohnehin jede Adaption des Meisters ansehen. Außerdem Zuschauer, die sich an gutem Schauspiel erfreuen können denn die lebende Legende Donald Sutherland spielt den ambivalenten Namensgeber des Films sehr sehenswert. Insgesamt ist diese Umsetzung aber leider nur ein durchschnittlicher Film geworden.

Mr. Harrigans Phone startet am 5. Oktober 2022 bei Netflix.

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Die Handlung

Wir schreiben das Jahr 1978. Der junge Finney Shaw (Mason Thames) und seine jüngere Schwester Gwen (Madeleine McGraw) leben bei ihrem alkoholkranken Vater (Jeremy Davies) und haben unter ständiger Prügel zu leiden. Auch in der Schule ist Finney ein Außenseiter, der von einer Grippe Jungs regelmäßig gemobbt wird. Weil ausgerechnet der Junge, der Finney gegen die Bande geholfen hat, plötzlich verschwindet, wird Finney hellhörig. Und bald stellt er fest, dass schon länger Kinder aus der armen Gegend Denvers entführt werden und nicht wieder auftauchen. Trotz der Warnungen durch die Polizei und fieberhafter Suche gehen die Entführungen weiter. Eines Tages auf dem Heimweg von der Schule hilft Finney einem Clown, dem etwas heruntergefallen ist – und findet sich in der Gewalt des Entführers (Ethan Hawke) wieder.

Während der sich als echter Psychopath erweist, sucht Finneys Schwester Gwen mit ihren ganz eigenen Möglichkeiten nach ihrem Bruder. Denn das Mädchen hat von ihrer Mutter die Fähigkeit geerbt, im Traum Visionen zu sehen. Dadurch kommt sie dem Entführer immer weiter auf die Spur. Mittlerweile erlebt Finney die Hölle auf Erden. Denn als ein schwarzes Telefon in seiner Kerkerzelle klingelt, obwohl es an keinem Kabel hängt, wird dem Jungen klar, dass hier Geister am Werk sind. Und zwar nicht irgendwelche, sondern die Opfer des Entführers. Um sein Leben zu retten, muss er den toten Jungs in seiner Zelle ganz genau zuhören …

Deutliche King-Vibes

Ein Mädchen mit übersinnlichen Fähigkeiten. Ein Clown, der Kinder jagt. Und ein Vorstadtambiente der 70er Jahre irgendwo in den USA. Nicht wenige würden bei dieser Aufzählung wohl auf den Namen Stephen King kommen. Und damit ist Black Phone die erste Umsetzung einer Joe Hill-Vorlage, die wirklich an den Vater erinnert, statt komplett eigenständig zu sein wie die vorherigen Werke. Aber das muss ja kein Fehler sein – und in diesem Film ist es das auch nicht. Denn besonders die King-Elemente funktionieren gut, allen voran die furios aufspielende Madeleine McGraw als Gwen. Was die bei Drehbeginn vermutlich 12 Jahre alte Schauspielerin hier an Gefühlen in ihr Spiel packt, lohnt alleine schon die Sichtung des Films.

Aber auch Ethan Hawke, der sich nach „Moon Knight“ erneut als Bösewicht präsentiert, spielt seine Rolle stark und sorgt allein durch seine Präsenz in einigen Szenen schon für leichten Schauder. Seine Performance eines Psychopathen enthält nicht nur Spuren von James McAvoys aus „Split„, sondern ist auch unter der Maske noch gruselig. Regisseur Scott Derrickson, der mit Hawke bereits in „Sinister“ zusammengearbeitet hatte, wusste offenbar, was der Schauspieler zur Rolle beitragen würde. Auch wenn vieles an der Figur im Dunkeln bleibt, ist das nach längerer Zeit mal wieder ein Bösewicht, der wirklich unter die Haut geht. Ganz besonders natürlich, weil er ausschließlich Kinder umbringt.

Emotionaler Horror

Das Schauspieler-Duell, auf das sich Mason Thames einlassen musste, war also kein Pappenstiel. Doch der beim Dreh 13-jährige überzeugt vor allem deshalb, weil er den cleveren und tapferen Finney genauso überzeugend spielt wie den ängstlichen und hilflosen Jungen. Dadurch macht er es dem Publikum fast unmöglich, nicht emotional von Finneys Schicksal berührt zu werden. Und das ist auch das große Plus der Story. Alle Charaktere lösen beim Zuschauer die eine oder andere Emotion aus, weil sie glaubhaft geschrieben und gespielt sind. Das unterscheidet Black Phone massiv von vielen anderen Horrorfilmen, wo dem Publikum die erschreckend dumm agierenden Protagonisten schnell völlig egal sind.

Darauf allein ruht sich Derrickson aber nicht aus, sondern setzt wohl dosiert auch gute Jump-Scares, selbst wenn er es dabei mitunter in der Lautstärke der einsetzenden Musik übertreibt. Und der Regisseur, der auch am Drehbuch mitarbeitete, versteht etwas von Atmosphäre. Langsam aber stetig baut er eine fast greifbare Bedrohung auf, bis die sich schließlich in Finneys Entführung entlädt. Danach greift Derrickson immer wieder auf kurze Terror-Elemente zurück, die ihre Wirkung nicht verfehlen. Und er spielt gekonnt mit der Erwartungshaltung der Zuschauer, wenn er bestimmte Personen und Orte als etwas gänzlich Anderes zeigt als zuerst angenommen. Von Blumhouse, die Horrorfilme am Stück produzieren, ist Black Phone jedenfalls klar der beste Film dieses Jahr und einer der besten der vergangenen Jahre.

Und der Film macht ebenfalls Appetit darauf, sich etwas eingehender mit dem bestehenden Werk von Joe Hill zu beschäftigen, falls man zu den Leuten gehört, die noch Bücher in die Hand nehmen. Denn filmisch gibt es bei Hill-Adaptionen bislang noch keinen Totalausfall zu beklagen. Mal sehen, welche Produzenten hier demnächst noch zugreifen.

Fazit:

Mit The Black Phone kommt ein Horror-Thriller in die Kinos, der das Thriller-Element stark mit dem Horror-Teil verbindet und so Fans beider Lager etwas zu bieten hat. Dazu gesellen sich durchweg starke Darsteller-Leistungen, wobei die junge Madeleine McGraw ganz besonders herausragt. Aber auch Mason Thames und Ethan Hawke spielen ihre Rollen glänzend. Und so sorgt Hawke dafür, dass der Film einen starken Bösweicht bekommt, der in seiner Unberechenbarkeit und seinem offenkundigen Wahnsinn wirklich Angst macht. Eine Meilenstein des Genres ist The Black Phone sicher nicht, aber eine immer grundsolide, manchmal sogar richtig gute Umsetzung einer spannenden Story.

The Black Phone startet am 23. Juni 2022 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Kapitän Charles Boone (Adrien Brody) muss seine Frau, die ihm drei Kinder gebar, auf hoher See bestatten. Sie fiel einer Krankheit zum Opfer. Daraufhin beschließt er, mit seiner ältesten Tochter Honor (Jennifer Ens), der verschlossenen, gehbehinderten Loa (Serena Gulamgaus) und dem kleinen Tane (Ian Ho) ins Dorf Preacher’s Corner in Neu-England zurückzukehren, wo seine Familie einen Landsitz namens Chapelwaite und ein Sägewerk besitzt. Nach dem überraschenden Tod seines Onkels, seines Cousins und dessen Tochter steht das Haus leer und gehört von Rechts wegen ihm. Charles will mit seinen Kindern dort neu anfangen. Und ein florierendes Geschäft aufbauen, um sich und seinen Kindern den Schmerze des Verlustes ein wenig zu erleichtern.

Doch die Einwohner des Ortes begegnen ihm und seiner Familie mit unverhohlener Abneigung. Sie machen die Boones für eine geheimnisvolle Krankheit verantwortlich, die seit einiger Zeit vor allem Mädchen und Frauen dahinrafft. Und es interessiert sie wenig, dass Charles lange Jahre auf hoher See gelebt hat und mit dieser Sache eigentlich gar nichts zu tun haben kann. Als auch seine Kinder von den Einwohnern angegriffen werden, ist für Charles das Maß aber voll. Lediglich die Gouvernante Rebecca Morgan (Emily Hampshire), die Boone eingestellt hat und die aus Preachers’s Corner stammt, kann eine totale Eskalation verhindern. Doch bald muss auch Charles einräumen, dass mit Chapelwaite etwas nicht stimmt. Es scheint riesige Ratten in den Wänden zu geben. Und vielleicht auch noch etwas anderes …

Werkgetreue Umsetzung

Kings Story Briefe aus Jerusalem ist nicht nur ungewöhnlich geschrieben, sondern für eine Kurzgeschichte auch ungewöhnlich lang, um die 50 Seiten. Dennoch wissen Fans des Autors: Viele der Verfilmungen seiner kurzen Storys bieten eigentlich nicht einmal genug Stoff für einen 90-minüten Spielfilm, geschweige denn für eine Serie. Und trotzdem hat der zu MGM gehörende Streaming-Dienst Epix nun eine zehnteilige Serie aus dem Stoff gemacht. Kann das funktionieren? Abgesehen von genau den Schwächen, die man bei einem solchen Projekt auch erwarten würde – ja! Denn das Autoren- und Brüder-Duo Peter und Jason Filardi lassen in Chapelwaite eine Welt zum Leben erwachen, in der Leser der Story vieles wiedererkennen.

Tatsächlich hält sich die Umsetzung des Stoffes recht eng an die Vorlage und liefert, wenn auch manchmal in etwas abgewandelter Form, die Inhalte der Kurzgeschichte auch in der Serie. An einigen Stellen erweitern die Autoren auch das Original, allerdings stets auf sinnvolle Art und Weise, die King vermutlich gefallen dürfte. Denn auch die aufgebohrte Version des Stoffes bleibt immer dem Geist der Vorlage treu. Und damit ist aus Sicht der sorgfältigen Umsetzung Chapelwaite eine der besten Serien, die je nach Material von Stephen King entstanden sind. Wer die Story mochte, wird auch die Serie zumindest in Ordnung finden. Die macht zwar vieles richtig, hat aber einen Grundfehler.

Kein Serienstoff

Zu den Dingen, die Chapelwaite definitiv richtig macht, gehört das Engagement von Adrien Brody. Der Oscar-Preisträger beherrscht seinen Job und spielt hier den von Trauer und Angst zerrütteten Hauptcharakter Charles Boone mit viel Gefühl und einem guten Gespür für die richtige Menge an Fassungslosigkeit gegenüber dem schleichenden Grauen, sodass es dem Zuschauer schwer fällt, nicht zumindest Mitleid mit ihm zu empfinden. Zudem ist die Rolle auch sehr gut geschrieben, ihre Taten jederzeit nachvollziehbar, die Worte passend. Für Fans des Schauspielers lohnt schon deshalb das Einschalten. Zweiter großer Pluspunkt ist die gute Ausstattung und die damit zusammenhängende starke Atmosphäre der Serie. Chapelwaite nimmt man die 1850er jederzeit ab, weil hier einfach alles gut zusammenpasst.

Die einzige, wirkliche Schwäche der Serie ist somit die, die Leser der Story bereits erwarten konnten: Sie ist schlicht zu lang. Zwar bauen die sechs verschiedenen Regisseure der Staffel die Atmosphäre und Spannung gut auf und der Gothic-Novel-Touch ist überaus gelungen. Aber die Geschichte wird derart gemächlich erzählt, um die zehn Episoden zu füllen, dass es immer wieder Momente gibt, die ein wenig langweilen, weil sie erneut Dinge zeigen und erzählen, die das Publikum eigentlich schon längst weiß. Die Trippelschrittchen, die man dem Zuschauer hier zum Teil zumutet, machen Chapelwaite ein wenig schwächer, als die starke Story das eigentlich erwarten lässt. Hier hätten etwas weniger Episoden der Erzählung garantiert mehr Schwung verliehen.

Mit blutigen Szenen hält sich sich die Serie dafür weitgehend zurück. Und setzt mehr auf die Phantasie des Zuschauers als auf explizite Bilder. Dennoch ist Chapelwaite nicht unbedingt etwas für ganz Zartbesaitete, denn so ganz ohne Schocks und Blut geht es bei einer Stephen King-Verfilmung natürlich nicht ab.

Fazit:

Mit Chapelwaite machen die Autoren Peter und Jason Filardi vieles richtig. Die Atmosphäre wird mit jeder Folge unheimlicher und bedrückender. Das Grauen hält langsam Einzug in das Haus der Protagonisten und das Dorf in der Nähe. Dazu trägt die feine Ausstattung ebenso bei wie das gute Spiel der Darsteller, allen voran Adrien Brody als gegen den Wahnsinn kämpfenden Helden der Story. Das manchem Zuschauer die Serie dennoch nicht gefallen wird, liegt an einer offensichtlichen Schwäche. Selbst wenn man noch gute Inhalte hinzufügt, wie es den Filardis gelungen ist, lässt sich aus 50 Seiten Vorlage keine Serie mit zehn Episoden machen, wenn man die nicht sehr langsam erzählt. Für harte King-Fans ist Chapelwaite dennoch eine absolute Empfehlung.

Chapelwaite startet am 11. November 2021 bei Magenta TV.

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Die Handlung

Riley Flynn (Zach Gilford) kommt nach vier Jahren im Gefängnis nach Hause auf die winzige Insel Crockett Island. Er hatte unter Alkoholeinfluss ein junges Mädchen bei einem Unfall tödlich verletzt. Noch immer von Schuld geplagt, versteht er die kühle Begrüßung durch seinen Vater Ed (Henry Thomas), genießt aber aber über die Erleichterung seiner Mutter Annie (Kristin Lehman), die sich über die Rückkehr des verlorenen Sohnes freut. Nur einen Tag nach ihm erreicht auch ein neuer Priester die Insel. Pater Paul Hill (Hamish Linklater) ist als Ersatz für Pater Pruitt gekommen, der sich auf einer Pilgerreise verletzt hat und noch eine Weile im Krankenhaus bleiben muss.

Schnell gewinnt der charismatische Priester einige der Gläubigen auf Crockett Island für sich, darunter die glühende Katholikin Beverly (Samantha Sloyan). Und als er beginnt, vor den Augen der Gemeinde Wunder zu vollbringen, wenden sich ihm die Herzen der meisten Einwohner zu. Doch Riley und seine Jugendfreundin Erin Green (Kate Siegel) bleiben misstrauisch, denn auch unheimliche Dinge geschehen. So werden Dutzende toter Katzen am Strand angespült und bald werden auch Menschen vermisst. Weiß Hill etwas darüber, ist er vielleicht sogar der Grund für all die seltsamen Dinge, die geschehen? Die Antwort, die Riley findet, erschüttert ihn mehr als er je erwartet hätte …

Inhalt zu 100 Prozent Stephen King

Stephen King äußerte sich in der Vergangenheit stets wohlwollend über Flanagans Umsetzungen seiner Stoffe. Zudem mochte der Meister des Horrors auch Flanagans andere Arbeiten. Das dürfte auch der Grund sein, warum King Midnight Mass vorab sehen durfte und in höchsten Tönen lobte. Denn eigentlich hätte er Flanagan wegen des Plagiats verklagen müssen. Diese Mini-Serie basiert zu fast 100 Prozent auf Storys von King. Aus Spoilergründen werden diese hier zwar nicht aufgeführt. Doch Kenner des Autors werden nach wenigen Minuten schon erkennen, wo sich Flanagan bedient hat. Und das macht Midnight Mass eine ganze Ecke unorigineller, als Horrorfans sich das wünschen würden. Zwar lässt sich aus den Vorlagen nicht das Finale der Serie herauslesen. Doch der Weg dorthin wird King-Fans bald klar sein.

Denn bereits in Folge eins werden Horror-affine Zuschauer alle Hinweise erkennen und das Geheimnis von Crockett Island weitgehend gelöst haben. So ist die Aufdeckung für das Publikum in Folge drei für viele wahrscheinlich keine große Überraschung mehr. Die Spannung bezieht Midnight Mass dann ausschließlich aus dem Suspense, dass der Zuschauer mehr weiß als die Protagonisten der Serie. Und hier spielt Flanagan seine Qualitäten als Regisseur voll aus. Langsam baut er das Unbehagen auf, das den Zuschauer bald ständig begleitet, auch wenn er noch nicht die ganze Wahrheit kennt. Und zieht am Ende der Serie die Spannungsschraube dann mächtig an. Auch hier macht er King alle Ehre, dessen Romanaufbau (von  zumindest einigen Werken) er mustergültig kopiert.

Abrechnung mit religiösem Eifer

Dem Meister dürfte Flanagans knallharte Abrechnung mit den dunklen Seiten von Religion und blindem Gehorsam gefallen haben, den der Regisseur hier mit einer Deutlichkeit präsentiert, die keine Fragen offen lässt. Denn die Figur des charismatischen Priesters, so nuancenreich sie sich auch entwickelt, steht doch für eine klare Botschaft des Regisseurs. Die Figur der Beverly hingegen darf wohl als tiefe Verbeugung vor King verstanden werden. Denn dessen Leser kennen die religionsfanatische Jungfer aus verschiedenen Werken des Autors nur zu gut. Was Flanagan als Drehbuchautor in der Hauptstory verschenkt, indem er dreist bei Stephen King abkupfert, so stark sind dafür seine kleinen Szenen, die zwischenmenschliche Teile der Geschichte erzählen.

Wenn Riley und Hill sich bei einem Zwei-Personen-AA-Meeting über Gott und die Welt unterhalten und ihre Glaubensideen austauschen, dann ist das großes Kino. Und auch Rileys Gespräch mit Jugendliebe Erin über den Tod und wie er sich ihn vorstellt, gehört zu den stärksten Momenten der ganzen Serie. Wie Flanagan ohnehin in der zweiten Hälfte ein paar kleine Twists setzt, die der Zuschauer nicht unbedingt kommen sieht. Bedanken kann sich Flanagan dafür auch bei seinem starken Ensemble. Angefangen bei seiner Ehefrau Kate Siegel, die abermals umwerfend spielt, über den beeindruckenden Hamish Linklater als Pater Paul Hill bis zu Zach Gilford als schuldgeplagter Riley sind die Hauptfiguren alle stark besetzt und überzeugen in jeder Szene.

Top gespielt

Auch der Nebencast mit Namen wie Henry Thomas, Kristin Lehman oder Michael Truoco erledigt seinen Job durchgehend auf hohem Niveau. Selbst wenn mancher Charakter trotz der sieben Stunden Laufzeit nicht genug Szenen bekommt, um wirklich zu glänzen. Und weil Flanagan das Erfolgsrezept von Hill House hier wiederholt, echtes Drama in seinen Horror einfließen zu lassen, lässt sich auch die Story von Midnight Mass nicht so einfach abschütteln. Und wer die betreffenden Romane von Stephen King nie gelesen hat, wird vielleicht sogar die Story originell finden. Flanagan kehrt bereits im kommenden Jahr mit der Serie „The Midnight Club“, die inhaltlich nichts mit Midnight Mass zu tun hat, zu Netflix zurück. Nach diesem Siebenteiler durchaus ein Grund zur Freude.

Fazit:

Mike Flanagan bringt in Midnight Mass bekannte Tugenden ein, die er schon früher gezeigt hat. Das Drehbuch enthält starke Dialoge abseits von Horror, die Darsteller bringen unter seiner Regie Höchstleistung und die Inszenierung bietet sowohl wunderschöne als auch gruselige Momente. Schade nur, dass er bei seiner Story so derartig dreist bei Stephen King-Werken abkupfert und somit bei Horrorfans etliche Deja-Vus auslösen dürfte. Dabei steht ein Frühwerk Kings besonders im Fokus von Midnight Mass, etwa 80 Prozent der Story findet sich in Flanagans Serie wieder. Wer Kings Roman nicht gelesen hat (der aus Spoilergründen hier nicht genannt wird) dürfte die Serie deutlich besser finden als Kenner des Buches. Mehr als das lässt sich an Flanagans neuer Serie allerdings kaum kritisieren.

Midnight Mass startet am 24. September 2021 bei Netflix.

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Die Handlung

Lisey (Julianne Moore) hat vor zwei Jahren ihren Mann Scott (Clive Owen) durch ein Attentat verloren. Der berühmte Schriftsteller war während einer Preisverleihung an einer Universität erschossen worden. Seitdem kämpft Lisey gleich an mehreren Fronten. Ihr ältere Schwester Amanda (Joan Allen) ist in eine Art Katatonie versunken und lebt in der Näher in einem Heim. Lisey wechselt sich mit ihrer Schwester Darla (Jennifer Jason Leigh) bei den Besuchen ab, eine Besserung scheint aber nicht mehr in Sicht. Dazu leidet die Witwe weiterhin unter ihrer nicht enden wollenden Trauer, in die sich in letzter Zeit auch immer wieder seltsame Flashbacks von Ereignissen mischen, an die sie sich nicht erinnern kann, aber real zu sein scheinen.

Und dann muss Lisey noch noch die zahlreichen Anrufer von Universitäten und Hochschulen des Landesabwehren, die nach unveröffentlichtem Material ihres Mannes fragen, um es auswerten zu können. Der hartnäckigste davon ist Professor Dashmiel (Ron Cephas Jones), der sogar so weit geht, einen glühenden Verehrer des Autors auf die Witwe anzusetzen, um sie zum Einlenken zu bewegen. Doch Jim Dooley (Dane DeHaan) ist nicht einfach nur ein Fan, er ist ein waschechter Psychopath. Und das bekommt Lisey bald sehr schmerzhaft zu spüren. In ihrer Not muss sich sich mit den Erinnerungen auseinandersetzen, die sie vielleicht retten können: die Reisen mit Scott an einen Ort namens Boo’ya Mond, der sich nicht auf der Erde befindet. Dort wartet möglicherweise Hilfe auf sie, vielleicht aber auch ein grauenvoller Tod …

Kings Liebling – kein Wunder!

Dass Liseys Story Kings Liebling ist, verwundert nur auf den ersten Blick. Denn er bearbeitet in diesem Roman gleich ein paar seiner Lieblingsthemen. Zwar ist die Hauptrolle diesmal kein Schriftsteller, aber dessen Witwe – und damit noch nah genug an Romanen wie „Stark – The Dark Half“, „Sara“ oder „Das geheime Fenster“. Dazu kommt der Bereich Wahnsinn, den er bereits in Werken wie „Shining“ oder „Duma Key“ behandelte. Auch die schwierige Kindheit, wie in „ES“, „Carrie“ oder „Feuerkind“ spielt in dem Roman eine wichtige Rolle. Und schließlich fehlt noch der unheimliche Fan, den er mit „Misery“ unsterblich machte. Nach Liseys Story beendete King auch für längere Zeit das Thema Schreiben. Erst in „Blutige Nachrichten“ aus dem Jahr 2020 lässt er erneut einen Schriftsteller als Hauptfigur agieren.

Liseys Story scheint für King also durchaus eine Art Essenz seiner Werke über Schriftsteller darzustellen und in der Tat ist der Roman für King-Verhältnisse überraschend mehrdeutig. Denn das Land Boo’ya Mond, das für die Phantasie und Kreativität eines Autors steht, aber eben auch für die Gefahren, sich darin zu verlieren, ist für den Horror-König, der seine Romane selbst einmal als „literarisches Pendant zu Burgern mit Pommes“ bezeichnete,  eine Spielwiese, die er bewusst wenig erklärt und dem Leser Platz für die eigenen Vorstellungen lässt. Dass die Mini-Serie Schwächen aufweist, muss sich Stephen King auch auf die eigenen Fahnen schreiben, denn sie sind King-typisch.

Als Drehbuch-Autor kein Genie

In den frühen 2000ern, in denen auch Liseys Story entstand, begann King häufiger damit, Storys auf eine unfassbare Länge aufzupusten, die gar nicht die Substanz dazu hatten. Als Negativbeispiel mag hier „Der Buick“ gelten, der auf mehr als 500 Seiten so gut wie keine Handlung erzählt. Auch Liseys Story ist mit (auf deutsch) mehr als 700 Seiten schlicht zu lang geraten. Und King ist es nicht gelungen, das bei seinen acht Drehbüchern für die Episoden der Serie in den Griff zu bekommen. Liseys Story hätte sich in fünf oder sechs Folgen wunderbar ausführlich erzählen lassen – acht Episoden sind definitiv zu viele. King schrieb bislang 20 Drehbücher in seiner Karriere – aus keinem davon wurde ein Film oder eine Serie, die man mit dem Prädikat großartig versehen würde. Meist sind Kings Adaptionen für Leinwand oder TV bestenfalls solide.

So ist auch der neue Schluss der Mini-Serie „The Stand“, den er für das Projekt schrieb, keine Offenbarung. Der Meister kann vieles, Drehbücher sind allerdings nicht sein größtes Talent. Auch in Liseys Story füllt er die Überlänge immer wieder mit Dialogen und Monologen, die bereits offensichtliche Fakten nochmals erklären. In seinem Sachbuch „Das Leben und das Schreiben“ erzählt King, wie er selbst mit einem Roman-Manuskript umgeht, es immer wieder kürzt, bis er es für verdichtet genug hält, um es zu veröffentlichen. Das hat er im Fall des Drehbuchs für die Mini-Serie augenscheinlich nicht getan. Doch die Fans haben Glück: Die anderen kreativen Köpfe, die an diesem Projekt beteiligt waren, holen mit ihrer Arbeit etliche Kohlen für King aus dem Feuer.

Düstere, aber auch schöne Bilder

Das beginnt bei Kameramann Darius Khonji, der einst für David Fincher den Look von „Sieben“ schuf. In kühlen, fahlen Bildern fängt er die Gesichter der Protagonisten ein, entlockt ihnen ihre Emotionen ohne Text. Und sorgt so für einen der stärksten Aspekte der Mini-Serie: Liseys Story sieht großartig aus. Ohne große Tricks weiß der Zuschauer beispielsweise allein aufgrund der Optik, ob er sich gerade in der Erinnerung einer der Figuren, dem Hier und Jetzt oder dem Reich von Boo’ya Mond befindet. Zudem erschafft er mit dem Haus aus Scotts Kindheit eine echte Horror-Kulisse aus Dreck, Regen und Angst. Wozu auch die stringente Regie des Chilenen Pablo Lorrain beiträgt, die in den acht Folgen für einen einheitlichen, düsteren Look sorgt, wenn er auch dem Stoff nicht mehr Tempo zu geben vermag.

Den größten Beitrag zur Qualität von Liseys Story steuern aber die Schauspieler bei. Julianne Moore spielt die verletzliche Lisey, die weiß, dass mit ihrer fehlenden Erinnerung auch ihre Stärke kommen wird, in jeder Szene intensiv, überträgt ihre Trauer auf den Zuschauer. Ihre beiden Schwestern werden von Jennifer Jason Leigh und Joan Allen ebenfalls toll verkörpert. Und Clive Owen ist als genialer, aber innerlich tief verletzter Autor eine Idealbesetzung. Richtig erstaunlich ist aber Dane DeHaan, der einen wirklich beeindruckenden Psychopathen zum Leben erweckt. Liseys Angst vor diesem kranken Geist lässt sich daher mehr als nachvollziehen.

Fazit:

An Liseys Story ist vieles beeindruckend. Die Darsteller liefern eine starke Performance ab, die Kameraarbeit ist grandios und auch die Regie sorgt für eine stetig spannender werdende Story und einige denkwürdige Momente. Leider ist ausgerechnet der Meister selbst die Schwachstelle, denn Stephen Kings Drehbuch nach seinem eigenen Roman, den er auch noch als seinen besten bezeichnet, ist deutlich zu langatmig. Statt fünf oder sechs knackigen Folgen beschert King dem Publikum acht Episoden – und die füllt er nicht adäquat. Dennoch ist die Mini-Serie sehenswert, eine neue Referenz ist die Mischung aus tragischer Love-Story, düsterer Fantasy und ein paar harten Horror-Momenten aber nicht. Dazu fehlt ihr schlicht der Drive.

Liseys Story startet am 4. Juni 2021 mit einer Doppelfolge bei Apple TV+, weitere Folgen jeden Freitag.

Der Beitrag Serienkritik: Liseys Story erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Grundidee von Castle Rock mutet ein wenig seltsam an. Obwohl Stephen King inzwischen mehr als 60 Romane und gut 200 Kurzgeschichten geschrieben hat, basiert die Serie auf keinem Werk speziell. Stattdessen schwebte Abrams pro Staffel eine neue Story vor, die den Geist von King atmet und sich aus seinem Werk bedient, was Orte, Personen und Ideen angeht. So spielt in der ersten Staffel Sheriff Pangborn eine Rolle, außerdem das Gefängnis Shawshank aus „Die Verurteilten“. Was haben sich die Macher der Serie für Staffel 2 überlegt?

Castle Rock Staffel 2: Die Handlung

Annie Wilkes (Lizzie Caplan) ist mit ihrer Tochter Joy (Elsie Fisher) auf der Flucht vor etwas und wechselt daher seit Jahren ständig den Wohnort. In der Nähe von Castle Rock baut Annie einen Unfall, der sie zwingt, eine Weil in der kleinen Stadt zu bleiben. So quartieren sie sich im Häuserpark von Ace Merill (Paul Sparks) ein und Annie versucht, in ihrem Job als Krankenschwester Arbeit im Hospital von Castle Rock zu finden. Sie brauchen das Geld, und Annie zusätzlich Medikamente, um ihre Angstzustände und Wahnvorstellungen zu kontrollieren.

Aces Onkel Reginald, aber von allen nur Pop genannt (Tim Robbins), versucht mittlerweile, den Streit zwischen Ace und dessen Adoptivbruder Abdi (Barkhad Abdi) zu schlichten. Pop zog Ace und dessen Bruder Chris, seine Neffen, gemeinsam mit Abdi und dessen Schwester Nadia (Yusra Warsama) auf, zwei Waisen aus Somalia, die Pop adoptiert hat. Durch einen Zufall gerät Annie bald in Kontakt mit einigen Mitgliedern der Familie und sorgt unabsichtlich für Streit. Denn Abdi macht im Nachbarort Salem’s Lot eigene, dunkle Geschäfte …

Castle Rock Staffel 2: Wilder Mix aus King-Werken

Für traditionelle King-Fans ist Castle Rock Staffel 2 sicher erst einmal ein Schock. Denn die Autoren um die Showrunner Dustin Thomason und Sam Shaw mischen hier Werke des Meisters, die eigentlich wenig Berührungspunkte haben. Der Psycho-Thriller Misery, in dem die ältere Annie Wilkes den Schriftsteller Paul Sheldon gefangen hält, hat nichts mit dem Örtchen Jerusalem’s (Salem’s) Lot zu tun, deren hauptsächlich untote Einwohner in einigen von Kings Werken vorkommen, darunter dem Roman gleichen Namens und auch einigen Kurzgeschichten.

Dazu packen die Autoren den Castle Rock-Schläger Ace Merill, den sie diesmal gleich mit einer ganzen kriminellen Sippe versehen. Und natürlich dürfen auch Orte wie die Mellow Tiger-bar oder das Marsten-Haus nicht fehlen. Aber lässt sich aus diesen Versatzstücken tatsächlich eine neue Story erzählen, die den Geist der diversen Vorlagen ehrt und trotzdem funktioniert? Möglicherweise ja, denn vorab wurden nicht alle Folgen zur Verfügung gestellt. Der Anfang lässt zumindest auf einiges hoffen, was auch an den guten Schauspielern liegt.

Castle Rock Staffel 2: Eine würdige Annie Wilkes

Lizzie Caplan spielt die Annie Wilkes bereits weitgehend so, wie sie später auch von Kathy Bates interpretiert wurde. Die freundliche, stille Person, die bei passender Gelegenheit zur Wutfurie werden kann, meistert Caplan mühelos. Und versetzt schreckhafte Zuschauer vermutlich allein damit schon in Angst. Dazu liefert die Serie viel (fiktiven) Background zur Figur, denn offizieller King-Kanon dürfte Castle Rock Staffel 2 wohl nicht sein. Welche Gründe sich die Serien-Autoren für Annies Zustand ausgedacht haben, ist dennoch sehenswert.

Und auch die Mischung aus Psycho-Horror und übernatürlichen Elementen geht, wenn überhaupt, noch am wahrscheinlichsten in einer von Stephen King inspirierten Story auf. So auch hier: Die Idee, dass Annie Dinge sieht, die sie für Halluzinationen hält, obwohl es keine sind, hat ihren Reiz und in den ersten Folgen nutzen die Macher diese Idee auch sehr gut. Und heizen damit die ohnehin schwierige Mutter-Tochter-Beziehung noch weiter an. Gut möglich, dass die Story bis zum Ende so spannend bleibt, wie sie anfängt.

Wer noch nie etwas von Stephen King gelesen hat, kann Castle Rock Staffel 2 dennoch genießen, denn die zahlreichen Anspielungen sind dann zwar unverständlich, aber auch nicht notwendig, um die Geschichte zu verstehen. Denn die funktioniert auch, wenn man Annie Wilkes noch nicht kennt und nicht weiß, welche Kreaturen in Salem’s Lot zuhause sind. Mehr Spaß haben aber natürlich die Kenner der Materie, die nicht nur die spannende und straff erzählter Handlung mögen werden, sondern auch andauernd nach Easter-Eggs suchen können.

Fazit:

Castle Rock Staffel 2 ist keine herausragende Serie, aber eine gute. Für King-Fans sind die vielen Verbeugungen vor den Werken des Meisters schon der halbe Spaß. Die Story um die psychisch kranke Annie Wilkes, die im Zentrum der Handlung steht, ist aber auch für Neulinge spannend und sehenswert. Das liegt an einer tollen Lizzie Caplan, die den unberechenbaren Vulkan von einer Frau großartig spielt. Aber auch das Wiedersehen mit Tim Robbins dürfte nicht nur King-Fans freuen. Castle Rock ist jedenfalls eine Serien-Reise wert.

Castle Rock Staffel 2 startet am 13. Februar 2020 bei Starzplay (Amazon Video Channel)

Gesehen: Drei von zehn Folgen

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Horrorfans ist er längst ein Begriff. Mike Flanagan hat sich in den vergangenen Jahren durch einige herausragende Arbeiten im Horrorbereich einen guten Namen gemacht. Ob Stephen Kings „Das Spiel“ oder die großartige Serie „Spuk in Hill House“ (beide für Netflix)  – Flanagan gilt bei den Fans als beste Adresse für gute Storys und viel Spannung. Mit Doctor Sleep hat er sich allerdings fast unlösbare Schwierigkeiten aufgehalst. Welche das sind, erfahren Sie in der Kritik. 

Doctor Sleep: Die Handlung

Danny Torrance (Ewan McGregor) ist mittlerweile in seinen 40ern, über die Ereignisse im Overlook-Hotel des Jahres 1980 ist er allerdings nie ganz hinweggekommen. Nachdem er Jahre seines Lebens seine Gabe im Suff etränkt hat, wagt er einen Neuanfang in einer Kleinstadt in New Jersey. Dort findet er neue Freunde und auch einen Job im Hospiz. Mit seinem Shining kann er dort sterbende Patienten bei ihrem letzten Weg unterstützen. Doch der Frieden währt nur ein paar Jahre.

Denn auch andere haben Fähigkeiten. Eine davon ist Abra Stone (Kyliegh Curran), ein junges Mädchen mit fast grenzenlosen psychischen Fähigkeiten, das telepathisch Kontakt zu Danny aufnimmt. Eine andere ist Rose the Hat (Rebecca Ferguson). Sie führt den True Knot an, eine Gruppe von Menschen mit Fähigkeiten. Die entführen Kinder mit dem Shining, quälen sie und ernähren sich vom „Dampf“, der dabei entsteht und den True Knot jung erhält. Als Abra in den Fokus von Rose gerät, muss Danny handeln …

Doctor Sleep: Schon verloren

Eigentlich hatte Mike Flanagan von Anfang an verloren. Denn es stand außer Frage, dass er die ikonischen Szenen aus Kubricks Film Shining in seiner Fortsetzung nutzen musste. Andererseits gab Kubrick nicht viel auf den Roman und ließ sein Werk komplett anders enden. Doctor Sleep bezieht sich aber auf Kings Roman, der mit dem Buch-Ende von Shining arbeitet. Daher musste Flanagan den gesamten dritten Akt seines Films ändern, damit er zu Kubricks Film passte. Romanleser bekommen also ein Finale, dass auch sie nicht kennen.

Nun ist Flanagan wahrlich kein schlechter Autor, aber zwei Herren gleichzeitig gerecht zu werden, überfordert auch ihn. Beide Vorlagen übereinander zu bringen, erforderte Änderungen an der Handlung, die dem Film nicht unbedingt gut getan haben. So dürfte Flanagan sowohl King-Puristen als auch die zahlreichen Verehrer des Kubrick-Films nicht restlos glücklich machen. Das US-Publikum strafte den Film trotz guter Kritiken bereits mit Nichtachtung. Dass Doctor Sleep floppt, hat der Film allerdings auch nicht verdient.

Doctor Sleep: Mehr Dark Fantasy als Horror

Denn die Hauptstory des Buches hat nur wenig Berührungspunkte mit Shining und schildert den Kampf zwischen Danny und Abra auf der einen und dem True Knot auf der anderen Seite. Und das ist zwar nicht sehr gruselig, aber doch spannend und manchmal auch erschreckend in Szene gesetzt. Hier beweist Flanagan, dass er das Genre beherrscht und weiß, wie man unheimliche Atmosphäre erzeugt. Vor allem die Unausweichlichkeit des Kampfes zwischen den beiden Gruppen baut er stark auf und lässt sie als gleichwertige Gegner erscheinen.

Die Schauspieler unterstützen ihn dabei gut. Sowohl Ewan McGregor als auch die junge Kyliegh Curran spielen ihre Rollen nah am Roman und sehr glaubhaft. Die stärkste Leistung zeigt aber Rebecca Ferguson, die die charismatische, aber bis ins Mark bösartige Rose großartig auf die Leinwand bringt. Die restlichen Figuren bleiben fast zwangsweise blass, da Flanagan trotz 150 Minuten Laufzeit so viel zu erzählen hat, dass er nur drei Figuren in den Fokus rückt. Denn die Romanvorlage ist mehr als 600 Seiten dick.

Deshalb bleibt, wie so oft bei King-Verfilmungen, vieles auf der Strecke, was die Geschichte so lesenswert machte. Den Preis dafür bezahlt Flanagan mit fehlender emotionaler Tiefe beim Zuschauer, der die ganze Tragik mancher Figuren hier nicht wiederfindet – und Doctor Sleep daher weitgehend ungerührt ansieht. Hätte sich Mike Flanagan entschieden, die Verbindungen zu Shining stärker zu kappen, sein Film wäre wohl ein besserer geworden, als er es jetzt ist. Und schlecht ist der schon so keineswegs.

Fazit:

Doctor Sleep ist nicht unbedingt Stephen Kings stärkster Roman – aber seine erste offizielle Fortsetzung. Den Spagat zwischen der Buchvorlage und den Vorgaben aus Kubricks Shining-Verfilmung bekommt Regisseur und Autor Mike Flanagan aber nur bedingt hin. Trotz guter Schauspieler drückt die Überlänge von 152 Minuten und zu viele Erzählstränge, für die dennoch keine zeit bleiben, auf die Spannung und den Horrorfaktor. Für King-Fans mit Roman-Hintergrund dennoch ein Muss, für den Rest nicht unbedingt.

Doctor Sleep startet am 21. November 2019 in den deutschen Kinos.

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Schon bevor „ES“ zum erfolgreichsten Horrorfilm aller Zeiten wurde, hatte Netflix den erfolgreichen Autor auf dem Zettel. So setzten sie Regisseur Mike Flanagan („Spuk in Hill House“), der bald auch mit der King-Verfilmung „Doctor Sleep“ in die Kinos kommt, auf den Roman „Das Spiel“ an. Vicenzo Natali, der nun Im hohen Gras adaptierte, ist ebenfalls kein unbeschriebenes Blatt für Horror-Fans, den von ihm stammt der sehr originelle Cube aus dem Jahr 1997 – und auch „Splice“ von 2009. Wie gut ist seine King-Version geworden?

Im hohen Gras: Die Handlung

Die Geschwister Becky (Laysla de Oliveira) und Cal (Avery Whitted) sind mit dem Auto auf dem Weg durch Amerikas Mittelwesten. Becky ist hochschwanger, hat sich aber entschieden, das Kind zu einer wohlhabenden Familie zu bringen, die es adoptieren wollen. Bei einer Pause auf dem Highway, der scheinbar endlos durch ein hohes Grasfeld führt, hören die beiden plötzlich Hilfeschreie eine kleinen Jungen. Kurz darauf ruft eine Frau, sie sollen nicht näherkommen. Ohne zu zögern, gehen die Geschwister dennoch ins hohe Gras, um das Kind zu finden.

Doch schon nach wenigen Metern haben sich Becky und Cal aus den Augen verloren. Bald stellen sie fest, dass die Naturgesetze in diesem Grasfeld offenbar nicht gelten- Obwohl sie sich nicht bewegen, sind sie mal näher aneinander, mal weiter voneinander entfernt. Als es dunkel wird, dämmert den beiden, dass sie in eine tödliche Falle geraten sind, die sie sich nicht erklären können. Da trifft Cal auf den Familienvater Ross (Patrick Wilson), der nach seiner Frau und seinem Sohn Tobin (Will Buje Jr.) sucht. Und scheinbar das Geheimnis des Feldes entschlüsselt hat …

Im hohen Gras: Schwierige Vorlage

Mit der Vorlage hat sich Natali nicht unbedingt eine typische King-Story vorgenommen. Denn die Novelle hat wenig Inhalt und setzt mehr auf eine stetige Steigerung der Angst machenden Ereignisse. Mysteriös und blutig erzählen Vater und Sohn eine Geschichte ohne große Erklärungen oder richtiges Ende. Nicht gerade perfekte Voraussetzungen für einen Film. Somit musste Natali, der auch das Drehbuch für seinen Film schrieb, viel hinzufügen, um eine 100-minütige Story zu erzählen. Das hat nicht unbedingt gut funktioniert.

Denn zunächst setzt Natali durchaus auf die Idee der Autoren, statt vieler Erklärungen einfach ein möglichst unheimliches Szenario zu entwerfen. Die Stimmen aus dem Feld, ein toter Hund, die der Physik trotzenden Effekte innerhalb des Grasfeldes. Das fängt Natali nicht nur in erstaunlich unterschiedlichen Bildern dafür ein, dass letztlich fast alles im hohen Gras spielt. Sondern ihm gelingen in den ersten 30 Minuten auch ein paar Szenen, die echten Horror erzeugen, indem sie dem Zuschauer den Boden unter den Füßen wegziehen.

Im hohen Gras: Neues Material schwächer

Doch nach etwa 30 Minuten geht Natali der Originalstoff aus und er muss mit eigenen Ideen seinen Film auffüllen. Und die sind klar schwächer als das, was die King-Sippe sich überlegt hat. Denn Natali gibt im Lauf seiner Story doch Hinweise und Erklärungen, was nun genau mit diesem Feld aus hohem Gras nicht stimmt. Das ist zwar durchaus originell, aber nicht sonderlich gruselig. Was auch daran liegt, dass Natali seinen Figuren relativ wenig Hintergrund spendiert und sich allein darauf verlässt, dass der Zuschauer immer mitfiebert.

Weil aber die Story nicht unbedingt logischem Verhalten folgt und immer wieder Geschehnisse passieren, die nicht erklärbar sind, funktioniert Im hohen Gras auf emotionaler Ebene nicht durchgehend. Das Interesse an möglicher Aufklärung bleibt zwar, aber je länger der Film dauert, desto klarer wird, dass es so etwas nicht geben wird. Und für 90 Minuten reicht nur Atmosphäre nicht aus, um die Spannung zu halten. Wer überlebt, wer stirbt, das ist nicht nur wenig überraschend, sondern in der zweiten Filmhälfte auch weitgehend egal.

Die außer Wilson weitgehend unbekannten Schauspieler schaffen es auch nicht, an ihren Figuren echtes Interesse zu wecken. So lässt Im hohen Gras kühl, was für einen Horrorfilm kein Qualitätsmerkmal ist. Lediglich die wirklich exquisite Kameraarbeit dürfte auch Cineasten gefallen, der Rest ist zu durchschnittlich, um länger im Gedächtnis zu bleiben. Der dritte Film von Netflix nach einem Werk von Stephen King ist der schwächste.

Fazit:

Interessant und originell, aber für Spielfilmlänge gibt die Vorlage von Stephen King und Sohn Joe Hill nicht genug her. Und Vincenzo Natalis eigene Ideen in seinem Script überzeugen nicht durchgehend, um aus Im hohen Gras einen wirklich spannenden Horrorfilm zu machen. Die Versprechen, die der Film in der ersten halben Stunde gibt, hält er danach nicht ein. Die extrem sehenswerten Bilder, die das Gras zu heimlichen Hauptfigur der Story machen, lohnen aber dennoch das Einschalten.

Im hohen Gras startet am 4. Oktober 2019 bei Netflix.

Welche Stephen King-Verfilmungen auch in Arbeit sind, erfahren Sie hier.

Kritiken zu weiteren Netflix-Filmen finden Sie hier.

 

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Für viele Fans von Stephen King gehört ES zu seinen besten Werken – und für viele gilt es bis heute als unverfilmbar. Zu viel Handlung passiert auf den mehr als 1000 Seiten, zu viele innere Monologe lassen sich kaum adäquat auf die Leinwand bringen. Dennoch gelang Andy Muschietti mit dem ersten Teil der Verfilmung ein Welterfolg, der bis jetzt mehr als 700 Millionen Dollar eingespielt hat. Und der zumindest in weiten Teilen auch anspruchsvolle Romanfans überzeugen konnte. Ist ihm das erneut gelungen?

Es Kapitel 2: Die Handlung

27 Jahre, nachdem der Club der Verlierer um Bill (James McAvoy) und Beverly (Jessica Chastain) den mörderischen Clown scheinbar getötet hatten, beginnt eine neue Mordserie in der Stadt. Ein junger homosexueller Mann wird nach einer Schlägerei in den Fluss geworfen – und vor den Augen seines Freundes von ES getötet. Mike, der als einziger der sieben Kinder in Derry geblieben ist, kontaktiert daraufhin die anderen Mitglieder: Bill, Beverly, Richie (Bill Hader), Stan, Eddie und Ben. Keiner von ihnen erinnert sich wirklich, was damals passiert ist – und einer von ihnen erscheint gar nicht erst.

Nun müssen die verbliebenen Mitglieder der Gruppe schnellstens ihre Erinnerungen an ES zurückerhalten und sich für den gemeinsamen Kampf gegen das Monster in der Kanalisation bereitmachen. Doch der Clown hat sie nicht vergessen und lauert jedem einzelnen von ihnen auf, als sie durch ihre alte Heimat ziehen und sich an die schicksalsschweren Tage ihrer Kindheit zurückerinnern, die Bills Bruder Georgie das Leben kosteten und sie alle in Lebensgefahr brachte. Haben die Verlierer überhaupt eine Chance gegen das uralte Wesen?

Es Kapitel 2: Tolles Casting, kaum Chemie

Wie man einen Horrorfilm inszeniert, das hat Andy Muschietti auch beim zweiten Teil seines Projekts nicht vergessen oder verlernt. Für sich genommen, gelingen dem Regisseur einige wirklich furchterregende Szenen, allen voran der Beginn des Films, der konsequent das zweite Kapitel des Buches erzählt, so wie Teil eins das erste Kapitel als Eröffnung hatte. Der Tod des jungen Mannes setzt wie schon im Vorgänger die Latte hoch. Doch während Kapitel eins das Niveau halten konnte, entgleitet Muschietti und Dauberman im zweiten Teil einiges.

Das fängt bei der Besetzung an. Die erwachsenen Darsteller sind zwar unglaublich gut gecastet und sehen ihren jungen Versionen erstaunlich ähnlich. Aber während die Kids eine grandiose Chemie untereinander hatten und man im Kino jederzeit die Stärke dieser Freundschaft fühlen konnte, gilt das für die Schauspieler der gealterten Verlierer nur in sehr geringem Maße. Dass diese sieben wirklich füreinander durchs Feuer gehen würden, diese Botschaft transportiert Es Kapitel 2 so gut wie nie. Dabei ist das eine der Schlüssel-Aussagen des Romans.

Es Kapitel 2: Nur handwerklich gut

Überzeugend ist hier nicht viel. Wirklich gut ist beispielsweise die ganze Optik. Die deutlich teurere Produktion im Vergleich zum ersten Teil sieht man in jeder Szene. Einen so opulent ausstaffierten Horrorfilm hat es vermutlich noch nie vorher gegeben. Und auch die Kamera-Arbeit hat Muschietti jederzeit im Griff, wie schon im Vorgänger sitzen die Jump-Scares und die Bilder können sich jederzeit sehen lassen. Dennoch verliert der Regisseur im Lauf des Films sein Gespür dafür, wann es genug ist. Und verdirbt eigentlich starke Szenen, weil er zu viel will.

Ein gutes Beispiel dafür ist die Szene, in der Beverly in ihre alte Wohnung zurückkehrt. Im Roman extrem gruselig und auch der erste Trailer nutzt einen Teil dieser Sequenz. Doch wo der abbricht, zeigt Muschietti im fertigen Film eine Kreatur, die nicht furchterregend, sondern fast schon albern aussieht. Und je länger der Film läuft – und das sind immerhin stolze 165 Minuten – desto mehr entwickelt sich ES Kapitel 2 zu einer filmischen Geisterbahn, der immer weiter von der Vorlage abweicht und die Essenz von Kings Story aus den Augen verliert.

Es Kapitel 2: Dauberman schafft es nicht

Natürlich kann niemand ernsthaft erwarten, dass ein Film die ganze Story Kings ohne Änderungen auf die Leinwand bringt. Das hat schon Teil eins nicht getan. Aber worum es im Kern der Geschichte geht, das sollte ein Drehbuchschreiber schon verstehen und auch im Film unterbringen. Hier versagt Dauberman kläglich. Statt tatsächlich angsteinflößende Momente zu schaffen, versucht er es immer stärker mit Monsterattacken, und verhaut das starke Finale des Romans dann völlig. Der Autor klebt viel zu sehr an Pennywise, um die ganze Bandbreite von ES darstellen zu können.

Manche Handlungsstränge des Buches, wie Bills Frau oder Beverlys Mann, wirft Dauberman komplett aus dem Film. Andere wie Henry Bowers sind drin – haben aber für die Handlung überhaupt keine Bedeutung. Und das die sechs Verlierer tatsächlich gegen eine ganze Stadt antreten müssen, die von ES kontrolliert wird – was im ersten Film auch recht gut erzählt wurde – fehlt hier völlig. Die psychologische Tiefe, die der Roman besitzt und den Horror so viel schlimmer macht, ist auch nicht zu finden. Zuschauer, die das Buch nicht gelesen haben und den ersten Film mochten, werden möglicherweise dennoch auf ihre Kosten kommen. Wer Stephen Kings epischen Roman liebt, wird hingegen beim Kinofinale der Saga nur den Kopf schütteln. Muschietti gab mit Teil eins ein Versprechen, das er mit ES Kapitel 2 in keiner Weise einlösen kann.

Fazit:

Oberflächlicher Grusel statt psychologischer Tiefe, optisch stark, aber emotional wenig packend: ES Kapitel 2 bleibt vieles von dem schuldig, was den ersten Film so stark machte. Während Muschietti immerhin eine gefällige und manchmal starke Inszenierung gelingt, hapert es bei Gary Daubermans Drehbuch an allen Ecken und Enden. Und so bleibt am Ende nur eine vage Idee eines großartigen Romans auf der Leinwand. Dauberman setzt auf eine Geisterbahnfahrt statt auf echten Terror. Nur wer das Buch nicht kennt, hat hier vielleicht seinen Spaß.

ES Kapitel 2 startet am 5. September 2019 in den deutschen Kinos.

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