Die Handlung

Mason Kane (Richard Madden) und Nadja Singh (Priyanka Chopra Jonas) sind die Topagenten einer streng geheimen und keinem Land unterstallten Geheimdienst-Agentur namens Citadel. Sie liegen schon lange im internationalen Clinch mit einer ebenso geheimen Verbrecher-Organisation, die sich Manticore nennt. Und ganz offensichtlich  hat Manticore auf verschlungenen Wegen von der Identität aller Citadel-Agenten erfahren, denn mehr oder weniger zeitglich werden alle auf der Erde attackiert. Mason und Nadja, die sich gerade in einem Einsatz in einem Schnellzug in Italien befinden, werden kalt davon erwischt, dass die ganze Operation nur getrickst wurde, um die beiden Agenten hervorzulocken und zu eliminieren. Das klappt auch beinahe.

Denn wenig später wacht Mason in einem Krankenhaus auf – und hat keinerlei Erinnerungen mehr daran, wer er eigentlich ist. Das bessert sich auch nicht. Viele Jahre später hat er eine Frau (Ashleigh Cummings, „NOS4A2„) und eine kleine Tochter und führt ein ruhiges Leben. Doch das ändert sich, als plötzlich ein Mann namens Bernard (Stanley Tucci) in sein Leben tritt und ihm eröffnet, dass er in Wirklichkeit ein Top-Agent ist. Und ihm das auch noch beweisen kann. Mason bleibt keine Wahl, als Bernard zu folgen, denn schon bald bemerkt er, dass Elitekiller sich auf seine und die Spuren seiner Familie gesetzt haben. Für Mason beginnt eine lebensgefährliche Reise zurück in die Erinnerung, bei der er auch auf Nadja trifft …

Wo wollen sie bloß hin?

Wie so oft haben die Briten für eine Serie wie Citadel den am besten passenden Begriff: „all over the place“. Denn die Serie, die von David Weil („Hunters“, „Solos„) geschaffen und von den Russo-Brüdern produziert wurde, kann sich in den ersten drei, vorab gezeigten Folgen überhaupt nicht entscheiden, was sie denn nun genau sein möchte. Der Beginn zeigt eine durchaus gut gemachte Actionsequenz in einem Hochgeschwindigkeitszug und ähnelt nicht nur deshalb der „Mission Impossible“-Reihe. Danach beginnt dann mit dem Gedächtnisverlust die „Jason Bourne“-Phase von Citadel, bevor sie in Episode drei eine wie aus einem Bond-Film gerissene Willi Bogner-gedächtnis-Ski-Verfolgung präsentiert.

Dabei lässt sich aber der übergeordnete Plot so an, als würde Prime Video dem Publikum hier eine etwas gehobenere Version von „G.I. Joe“ präsentieren. Denn in vielen Momenten bleibt offen, ob das Publikum das Ganze noch Ernst nehmen soll oder gerade eine durchaus gelungenen Parodie auf Agentenfilme sieht. Denn manchmal sind die gezeigten Kämpfe so übertrieben, dass es schwierig wird, hier noch an eine düstere Spionage-Serie zu glauben. Der Plot hilft dabei nicht, denn nach der Hälfte der kurzen ersten Staffel (sechs Folgen) ist kaum jemand das, was er zu Beginn der Serie zu sein schien. Eine derart übertriebene Doppel- und Dreifachagenten-Story hat man lange nicht gesehen.

Coole, aber eindimensionale Helden

Gibt es denn gar nichts Gutes? Doch. Richard Madden läuft recht gelungen Probe für eine mögliche Rolle als nächster James Bond, macht sowohl im Smoking als auch blutend im Kampf eine gute Figur. Und taugt auch als mehr oder weniger einziger Fixpunkt des Vertrauens für das Publikum, weil man ihm die Sorge um Frau und Tochter wirklich abnimmt. Stanley Tucci ist gewohnt gut als kühler Citadel-Boss mit unklarer Agenda. Und Priyanka Copra Jonas ist nicht nur hübsch anzusehen, sondern darf auch in Sachen Action und Undurchsichtigkeit zeigen, was sie kann. Ihr Charakter könnte einer der interessanteren werden in einer Serie, die mit arg vielen Klischees operiert und dem Publikum daher bislang wenig Neues zu bieten hat.

Auch die Actionsequenzen, die Citadel seinem Publikum zeigt, können sich mit teuren Filmproduktionen durchaus messen und überzeugen auch mit dynamischen Kamerafahrten und gut choreographierten Prügeleien. Und daher kann die Serie Fans solcher Stoffe schon Spaß machen, wenn man sich dazu durchringen kann, möglichst wenig über die Story nachzudenken. Denn bleibt in den ersten drei Episoden leider verdächtig oft auf der Erzählqualität einer Kinderserie. Langweilig wird es dennoch nie, weil die Episoden zum einen recht kurz sind, einige gerade einmal 30 Minuten, und zum anderen mit Dauerkrawall auch dafür sorgen, dass immer irgendetwas passiert. Zwar sind erklärende Dialoge selten, aber soviel soll der Zuschauer zu Beginn ja auch gar nicht verstehen.

Spin-Offs der Serie dürften von weiteren Citadel-Agenten handeln, die den Angriff von Manticore überlebt haben und möglicherweise irgendwann auch in eine gemeinsame Erzählung überführt werden. Vielleicht kommen aus Indien oder Italien ein paar originellere Figuren als in der Hauptserie. Schaden würde das nicht.

Fazit:

Citadel ist unterhaltsam schnell und actionreich erzählt, kann mit schönen Menschen, ordentlichen Actionsequenzen und guten Darstellern aufwarten und ist daher als leicht zu konsumierender Serienhappen für Zwischendurch auch gut geeignet. Für eine richtig gute Serie fehlt es aber an zu vielen Zutaten. So scheint Citadel alle gängigen  Filme und Serien abzuklappern, in denen Agenten vorkommen und kann sich dabei nicht auf einen eigenen Kurs festlegen. Zudem ist die comichafte Vereinfachung des Konflikts zwischen zwei streng geheimen Agenturen teilweise so platt, dass es fast albern wirkt. Aber vielleicht kann Citadel sich in den verbleibenden drei Folgen von einem netten Appetithappen doch noch zu einer sättigenden Mahlzeit entwickeln. Warten wir es ab.

Citadel startet mit zwei Folgen am 28. April 2023 bei Prime Video, danach immer freitags eine neue.

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Die Handlung

Niemand weiß genau, warum. Aber der ebenso brillante wie versoffene Jackson Lamb (Gary Oldman) leitet in London das Slough House, eine Unterabteilung des Geheimdienstes MI 5, in die wenig brauchbare oder nutzlose Agenten strafversetzt werden – die dann spöttisch als „Slow Horses“ geführt werden. Und Lamb lässt seine Leute auch regelmäßig spüren, wie wenig er von ihnen hält. Der neue im Team, der junge River Cartwright (Jack Lowdon) will sich allerdings nicht mit seiner Rolle abfinden. Denn er hält sich für einen guten Agenten und für zu Unrecht auf die Strafbank gesetzt. Als er sich mit dem rechtsgerichteten Journalisten Robert Hobdon (Paul Hilton) beschäftigen und sogar dessen Müll untersuchen soll, platzt Cartwright der Kragen – und er beginnt auf eigene Faust eine Ermittlung.

Die wird plötzlich mächtig heiß, als ein paar rechte Terroristen einen asiatisch-britischen Studenten entführen und damit drohen, ihm 24 Stunden später den Kopf abzuschlagen – live im Internet. Offenbar weiß Hobdon etwas darüber, denn Cartwright soll Informationen dazu in Den Park übermitteln, das Hauptbüro des MI 5, wo die fähigsten Leute arbeiten. Es gelingt ihm, selbst an die Infos zu kommen, bevor er sie abliefert und ist schon bald auf der Spur möglicher Täter. Das bringt ihm nicht nur den Respekt und die Begleitung seiner Kollegin Sid (Olivia Cooke) ein, sondern auch bald die Aufmerksamkeit seiner ehemaligen Chefin Diana (Kristin Scott-Thomas). Und die steckt tiefer in dem Fall, als sie zuzugeben bereit ist. Das bringt Jackson Lamb dazu, aus seiner Lethargie zu erwachen …

Fortsetzung schon bestellt

Die sechsteilige erste Staffel von Slow Horses basiert auf dem gleichnamigen Roman des britischen Autoren Mick Herron, der mittlerweile bereits neun Romane um Lamb und sein ungewöhnliches Team geschrieben hat. Band 2 namens „Dead Lions“ ist bereits als zweite Staffel der Serie in Arbeit. Danach soll aber, Stand heute, Schluss ein. Und das ist jetzt schon schade. Denn was Apple TV+ da in Großbritannien hat produzieren lassen, gehört zu den besten und ungewöhnlichsten Spionage-Serien der vergangenen Jahre. Dafür sind gleich mehrere Dinge verantwortlich. Ein Star ist hier sicherlich die Story, die nicht nur gut durchdacht und nachvollziehbar ist, sondern auch mit lebendigen und oft recht skurrilen Figuren aufwarten kann. Nachdem die beiden ersten Folgen im Aufbau noch eher gemütlich wirken, zieht die Spannung ab Episode 3 deutlich an.

Den Autoren gelingt dabei das Kunststück, die Story auf verschiedenen Ebenen zu erzählen, ohne in Widerspruch mit der Prämisse der Helden zu geraten. Denn von denen sind einige wirklich nicht sonderlich fähig. Besonders auffällig wird das in der fast tragischen Figur des Struan Loy. Der sucht verzweifelt im Slough House nach Anschluss, und wird doch von niemandem gemocht. Die Ausreden seiner Kollegen, warum sie mit ihm nicht auf ein Bier in den Pub gehen können, sind fast ein Running Gag der Serie. Ebenso wie der trotz der eigentlich ernsten Story immer wieder durchscheinende galligen Humor, der von der anderen großen Säule der Serie ausgeht: Gary Oldman.

Oldman ist eine Bank

Der mittlerweile 64-jährige Schauspieler legt seine Rolle des Jackson Lamb an wie eine träge alte Katze. Die zwar auf den ersten Blick völlig verwahrlost und lethargisch wirkt, im Kopf aber immer noch so schnell ist wie eh und je, wenn es darauf ankommt. Und damit mit jeder Folge gefährlicher und unberechenbarer wirkt als zuvor. Ohne seine Kotzbrocken-Attitüde dabei jemals auch nur für einen Moment abzulegen. Eine fieseren Helden als Jackson Lamb gab es lange nicht zu sehen. Auch weil die Figur weitaus mehr dunkle Ecken und unangenehme Eigenheiten hat als nur seine heftige Flatulenz. Oldman, der in seiner Karriere schon häufiger ambivalenten oder schurkische Figuren spielte, meistert auch diese Rolle mühelos und adelt jede Szene,  in der er vorkommt.

Besonders die wenigen Duelle mit Kristin Scott-Thomas als eiskalte Geheimdienstleiterin gehören zu den absoluten Highlights von Slow Horses. Hier sitzt jeder Satz, jede Geste, jeder Blick so präzise, als hätten beide seit Jahren nichts anderes getan, als sich auf diese Rolle vorzubereiten. Wie zwei Fechter belauern sich die Charaktere, um dann blitzschnell verbal zuzustoßen, wenn sie eine Lücke erkannt haben. Das lässt den Zuschauer beim Zusehen frösteln. Die stets mit einem gewissen Abstand inszenierte Story erinnert nicht nur deshalb an andere starke britische Serien wie „The Bodyguard“. Oder an Verfilmungen vom Spionage-Roman-Großmeister John le Carre. Denn nicht hinter jedem, aber doch hinter einigen Figuren der Serie verbirgt sich mehr, als der Zuschauer zunächst durchschaut.

Dass neben dem spannenden Plot auch noch Zeit bleibt, die chaotischen Helden der Slow Horses auch als Charaktere zu entwickeln, ohne deshalb auch nur einen Moment langweilig zu werden, ist ebenfalls ein großes Plus der Serie. Denn das Gefühl, verstoßen worden zu sein, weckt in den meisten von Lambs Agenten auch ein Gefühl von Solidarität und Zugehörigkeitsgefühl. Und so lässt sich das Slough House auch als Alltag einer dysfunktionalen Familie lesen. Die irgendwie versucht, die Macken der einzelnen Mitglieder zu ertragen. Fans von gutem britischen Fernsehen kommen daher an Slow Horses eigentlich nicht vorbei.

Fazit:

Mit Slow Horses präsentiert Apple TV+ einen weiteren potenziellen Hit in ihrem Programm. Die einerseits typische, andererseits aber durch die sehr speziellen Helden auch frisch wirkende Spionage-Serie kann sich neben Gary Oldmans grandiosem Spiel auch auf Kristin Scott-Thomas verlassen. Und verfügt darüber hinaus auch über eine gute Story, die von Episode zu Episode spannender wird. Auch deshalb, weil der Zuschauer keiner Figur komplett vertrauen kann und ihm stets suggeriert wird, dass er weniger weiß als manche der Charaktere. Und so das Gefühl allgegenwärtig bleibt, einer der Helden könnte sich doch noch als Schurke entpuppen. Eine tolle Serie, von der man nur hoffen kann, dass die bereits bestellte zweite Staffel ähnlich gut wird.

Slow Horses ist komplett bei Apple TV+ zu sehen.

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Diane Krugers Karriere hat die mittlerweile 43-jährige perfekt auf die Rolle der Rachel in Die Agentin vorbereitet. Denn durch ihre Modelkarriere in Paris und ihre Jobs als Schauspielerin spricht Kruger neben Deutsch auf Englisch und Französisch fließend. Was sie in diesem Film auch braucht. Ist die Schauspielerin der Rolle auch ansonsten gewachsen? Eine knallharte Spionin spielte Kruger in ihrer Karriere bisher nicht, wie schlägt sie sich?

Die Agentin: Die Handlung

Geheimdienstmann Thomas (Martin Freeman), der als britischer Jude für den israelischen Mossad arbeitet, erhält einen Anruf. Es ist Rachel (Diane Kruger), mit der er seit Jahren zusammenarbeitet. Nach nur einem kurzen Satz legt sie wieder auf – und Sekunden später ist der Mossad in der Leitung. Die Vorgesetzten verlangen Antworten: Ist Rachel übergelaufen? Wo steckt die Agentin? Und welche Pläne hat sie? Thomas reist zu einem Versteck des Mossad in Köln und erzählt dort die Geschichte der Agentin, soweit er sie kennt.

Thomas wirbt Rachel als Agentin für den Mossad an, obwohl sie weder Jüdin noch Israelin ist. Als Sprachlehrerin geht sie nach Teheran und baut sich diese Tarnidentität dort sorgfältig auf. Eines Tages erhält sie den Befehl, sie mich dem iranischen Geschäftsmann Farhad (Cas Anvar) anzufreunden. Doch Rachel verliert bald ihre professionelle Distanz und entwickelt Gefühle für den pro-westlichen Freigeist. Weil ihre Befehle aber anders lauten, muss sie den Mann, den sie möglicherweise liebt, ausspionieren – welche Folgen hat das für sie?

Die Agentin: Spröde, aber spannend

Mit Hollywood-Hochglanz-Thrillern hat diese Produktion nicht viel zu tun. Die Geschichte, die auf einem Roman basiert, wurde von Adler deutlich zurückgenommener geschrieben und inszeniert, als das wohl ein US-Regisseur getan hätte. Daher wirkt der Film optisch auch eher wie ein europäischer Autorenfilm. Eine meist ruhige Kamera, grobkörniges Bild und gedeckte Farben unterstreichen den Eindruck, dass hier statt einer „Larger than Life“-Story eine sehr viel realistischere und glaubwürdigere Geschichte erzählt werden soll.

Denn Kruger spielt ihre Agentin nicht als eiskalte und kopfgesteuerte Spionin, die über Leichen geht. Stattdessen erlaubt sie sich Gefühle – und die sind in diesem Geschäft bekanntlich nicht ungefährlich. Die Agentin bezieht seine Spannung daher auch nicht aus minutiös geplanten Einsätzen mit Supertechnik, sondern aus Situationen, in denen Rachel durchaus in Gefahr schwebt, weil sie sich in einem fremden Land befindet, in dem ihr nicht alle wohlgesonnen sind. Dieses Gefühl der ständigen Bedrohung fängt Adler sehr gut ein.

Die Agentin: Kein Schwarz-Weiß

Dennoch ist der israelische Regisseur weit davon entfernt, den Erzfeind seines Landes als blutrünstigen, fundamentalen Mob zu zeigen. Stattdessen begegnet Rachel in Teheran meistens sehr freundlichen und hilfsbereiten Menschen und legt – im Gegensatz zum Zuschauer – ihre Angst in der Fremde bald ab. Dass Adler diese Entwicklung ebenso nachvollziehbar wie subtil erzählt, gehört zu den größten Stärken seines Films. Mit seinen Landsleuten geht Adler dagegen härter ins Gericht. Seine Mossad-Agenten sind alle kalt bis ins Mark und nur ihrem Job verpflichtet.

Und so bleibt die Rolle des gefühlvollen Agenten an Martin Freeman hängen, der sie gewohnt souverän verkörpert und Thomas als klugen, aber auch mitfühlenden Vorgesetzten Rachels anlegt, bei dem man durch sein gutes Spiel aber auch nie genau weiß, ob er im Ernstfall auf ihrer Seite stehen oder sie zugunsten seiner Karriere fallen lassen würde. Schwächen zeigt der Film daher auch am meisten in der Charakterisierung der Hauptfigur Rachel.

Diane Kruger spielt die ambivalente Figur zwar gut, aber das Script lässt einige wichtige Fragen offen. So wird die Motivation Rachels, überhaupt für den israelischen Geheimdienst zu arbeiten, nie wirklich klar. Daran krankt im Verlauf des Films die Anteilnahme des Zuschauers an ihrem Schicksal. Das Geheimnisvolle, dass Adler seiner Figur zuschreibt, sorgt zwar für manchen spannenden Moment, richtiges Mitfiebern mit einer sympathischen Heldin wird dadurch aber ein wenig schwerer. Wer so etwas mag, ist bei Die Agentin genau richtig.

Fazit:

Die Agentin ist ein über weite Strecken spannender Spionage-Thriller mit einer starken, aber recht kühlen Hauptfigur. Dennoch gelingt Regisseur und Autor Yuval Adler ein Film, der sehr viel glaubhafter und realistischer wirkt als viele andere Agenten-Abenteuer. Leider lässt er aber das Publikum gerade beim Charakter seiner Hauptfigur etwas zu sehr im Dunkeln, um echte Emotionen bei den Zuschauern zu entfachen. Ein paar Momente zum Nägelkauen hat der Film aber trotzdem zu bieten. Ein sehenswerter Thriller abseits des Hollywood-Hochglanzes.

Die Agentin startet am 29. August 2019 in den deutschen Kinos.

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Völkermord als Filmthema ist selten. Zwar gibt es einige Filme über den Holocaust, aber ansonsten ist das schreckliche Thema bislang nicht sehr häufig von Filmemachern umgesetzt worden. Obwohl dabei großartige Werke wie „Hotel Ruanda“ entstanden, schrecken die meisten Studios und Kreativen davor zurück, sodass manchmal sehr reiche Betroffene Werke wie „The Promise“ finanzierten, um auf großes Unrecht in der Vergangenheit aufmerksam zu machen. Auch Red Sea Diving Resort sucht sich ein Thema solcher Geschehnisse heraus – die Rettung der Opfer.

Red Sea Diving Resort: Die Handlung

1979: Der israelische Mossad-Agent Ari (Chris Evans) und der einheimische Kebede (Michael K. Williams) versuchen, äthiopische Juden aus dem vom Bürgerkrieg zerissenen Land nach Israel zu schaffen, wo sie vor weiterer Verfolgung sicher wären. Doch obwohl sich auch die USA in Form des CIA-Agenten Walton (Greg Kinnear) hilfreich einmischt, endet die Flucht der Menschen im Sudan – Ari hat in seinen Augen versagt. Deshalb klügelt der Geheimdienstmann mit Unterstützung seines Vorgesetzten Ethan (Ben Kingsley) einen neuen Plan aus.

Für seine kühne Idee sucht Ari zuerst Mitstreiter wie Rachel (Hayley Bennett), Jake (Michiel Huisman, „Spuk in Hill House“) und Sammi (Alessandro Nivola), der ihn schon einmal bei einem Rettungseinsatz unterstützt hat. Dann kauft er als US-Bürger getarnt ein leer stehendes Hotel am Roten Meer im Sudan und beginnt, mit diesem Tauch-Hotel als Tarnung Flüchtlinge per Lkw an den Strand zu schaffen, wo sie mit Schlauchbooten zu einem vor der Küste wartenden, israelischen Frachter gebracht werden. Doch es droht ständige Entdeckung …

Red Sea Diving Resort: Emotion statt Hintergrund

Gut gemeint ist zwar nicht immer das Gegenteil von gut. Aber oft brechen Filme, die sich zum Ziel gesetzt haben, ein besonders schlimmes oder heroisches Kapitel der Geschichte zu erzählen, unter dieser Last zusammen. Auch Red Sea Diving Resort ist nicht frei von Problemen, obwohl mit Regisseur und Drehbuchautor Gideon Raff („Homeland“) ein erfahrener Mann am Ruder saß. Aber Raff versucht, einen relativ langen Zeitraum von mehreren Jahren in seiner Erzählung abzudecken. Und hat deshalb sowohl emotional als auch bei der Spannung immer wieder Durchhänger.

Was auch daran liegt, dass dem Zuschauer keinerlei Hintergründe für die Flucht der Menschen aus Äthiopien gezeigt werden. Statt den Konflikt von mehreren Seiten zu beleuchten, konzentriert sich Raff auf den zugegebenermaßen heldenhaften Rettungseinsatz der Israelis. Das schmälert zwar den emotionalen Teil der Story nicht, zeigt die Flüchtlinge mit Ausnahme des ebenfalls heldenhaften Embede als verängstigte Masse, mit der man Mitleid haben soll. Das hat der Zuschauer sicher – aber die Distanz zur gesichtslosen Menge bleibt.

Red Sea Diving Resort: Zu wenig Highlights

Zwar baut Raff mit einem kleinen Jungen und einer vergewaltigten Frau kurz Charaktere auf, an deren Schicksal Raff mehr von der Flüchtlingsseite hätte zeigen können. Aber er schreibt beide auf sehr unterschiedliche Arten schnell wieder aus der Handlung – und verpasst diese Chance. Auch sorgfältig gesetzte, kurze Actionszenen wie ein Überfall am Strand oder die Auseinandersetzung mit dem fiesen, sudanischen Colonel Ahmed (Chris Chalk) können nicht darüber hinwegtäuschen, dass Raff zu wenig wirklich Akzente in seinem 130 Minuten langen Film setzt.

An den Schauspielern liegt das nicht. Denn Chris Evans und seine Kollegen machen hier alle einen gutem Job – im Rahmen ihrer Möglichkeiten. Denn außer dem Charakter des Ari bekommt niemand die nötige Tiefe, um sich in den Vordergrund spielen zu können. Zwar vermeidet Raff ganz plumpe Szenen mit den „edlen Weißen“, die dem „armen schwarzen Volk“ helfen. Auf einer tieferen Ebene bleibt dieses Gefühl aber bestehen, weil schlicht eine andere Perspektive fehlt. Raffs Heldenverehrung, so legitim sie auch ist, fehlt dramaturgischer Drive.

Dennoch ist Red Sea Diving Resort kein schlechter Film. Seine bekannten Gesichter, allen voran „Captain America“ Chris Evans laden zum Einschalten ein und der Film hat auch immer wieder starke Momente. Aber vieles wirkt zu kurz abgehandelt, zu viele Rettungsversuche will Raff zeigen – und verwässert so eine mögliche emotionale Erschütterung beim Zuschauer, für die der düstere Konflikt ganz sicher das Potenzial gehabt hätte. Als Unterhaltung mit Bildungsauftrag geht Raffs Red Sea Diving Resort aber durch.

Fazit:

Ein in Deutschland weitgehend unbekanntes Stück aktueller Zeitgeschichte möchte Regisseur und Autor Gideon Raff in seinem Film Red Sea Diving Resort erzählen. Obwohl er bei vielen Zuschauern sicher ein grundsätzliches Interesse dran weckt, will Raff aber einfach zu viel erzählen. Und vernachlässigt dabei nicht nur eigentlich notwendige Hintergrund-Informationen, sondern verzettelt sich auch in zu vielen Rettungsmissionen. Hier wäre weniger mehr gewesen. Dennoch gelingen ihm Momente, die nachhallen, leider nicht genug für einen richtig guten Film.

Red Sea Diving Resort startet am 31. Juli 2019 bei Netflix.

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Wird Luc Besson im Alter vergesslich? Oder hat der 60-jährige mit voller Absicht den Plot seines eigenen Films „Nikita“ von 1990 deutlich kopiert? Fest steht, dass Fans des Regisseurs die Story von Anna schon mindestens einmal gesehen haben. Besson hat schon immer gern starke Frauen als Heldinnen seiner Filme inszeniert. Ob Milla Jovovich in „Das Fünfte Element“, Anne Parillaud in Nikita oder die junge Natalie Portman in „Leon, der Profi“. Und natürlich Scarlett Johansson als „Lucy“. Kann sich Anna mit diesen Filmen messen?

Anna: Die Handlung

Die junge Russin Anna (Sasha Luss) wird auf einem Moskauer Markt von einem Pariser Mode-Agenten entdeckt und vom Fleck weg engagiert. Bald hat die schön Blondine erste Shootings und macht sich in der Modewelt einen Namen. Doch Anna trägt ein Geheimnis mit sich herum, das einige Jahre in der Vergangenheit liegt und mit dem Geheimdienst-Agenten Alex (Luke Evans) zu tun hat. Denn der fand die junge Frau als Freundin eines drogensüchtigen Kriminellen und macht ihr ein Angebot, das sie nicht ausschlagen konnte.

Und nun ist Anna für den KGB als Killerin in der ganzen Welt unterwegs, ihr Pariser Modelleben ist auch nur eine Deckung für weitere Tötungsaufträge. Allerdings will Anna mit dem Killen auf Befehl endlich aufhören. Doch ihre Vorgesetzte Olga (Helen Mirren) will ihre beste Agentin nicht so einfach gehen lassen. Und als sich der CIA-Agent Leonard (Cillian Murphy) auf ihre Spur setzt, wird Annas Leben gleich aus mehreren Richtungen bedroht. Kann sie die Agentin aus dieser Falle herausfinden oder endet sie wie ihre Opfer?

Anna: Pralle Optik

Luc Bessons Filme sind bis auf wenige Ausnahmen in erster Linie auf Optik getrimmt – und dann erst auf Inhalt oder Tiefgang. In dieses Schema passt auch Anna, der optisch keinerlei Schwächen hat und einfach immer gut aussieht. Besson hat aber während seiner Arbeit an dem Film auch die Konkurrenz stets im Auge gehabt. Denn die Actionszenen sind ähnlich blutig wie die von „John Wick“ oder „Atomic Blonde“ – und auch ähnlich stark choreographiert. Ganz an die Originale von David Leitch und Chad Stahelski kommen sie nicht heran, aber viel fehlt nicht.

Ein wenig anders sieht es bei der Story aus. Hier packt Besson als Drehbuchautor wesentlich mehr Inhalt hinein als ein John Wick-Film das tut und orientiert sich neben Atomic Blonde, der dazu in der fast gleichen Zeit spielt, auch am im vergangenen Jahr erschienenen „Red Sparrow“. Den Realismus, den letzterer ausstrahlt, lässt Besson allerdings zugunsten einer immer schnellen und wendigen Story außen vor – Anna ist trotz historischen Bezügen reine Fiktion ohne irgendeinen Anspruch auf Glaubwürdigkeit. Anna will unterhalten – nicht mehr.

Anna: Story nichts Neues

Dennoch bleibt die Frage, warum sich Besson derart dicht an seinen eigenen Film Nikita gehalten hat. Denn „Junkie gerät durch Raubüberfall in die Hände der Regierung, die die Frau zum Killer ausbilden“, das ist hier nahezu deckungsgleich erzählt. Allerdings erzählt Besson seine neue Story ein wenig vertrackter, arbeitet mit Zeitsprüngen, die anfangs irritieren und erst ganz am Ende ihren Sinn enthüllen. Unterm Strich haben Nikita, das US-Remake „Codename: Nina“ und zwei TV-Serien ähnlichen Themas die Grundidee mehr als auserzählt.

Daher fehlt Anna ein wenig die Grundspannung, denn den Thrillerfreund erwartet schlicht nichts Neues. Weil aber ein Besson-Film eben auch viel Optik mitbringt, unterhält Anna dennoch fast durchgehend gut. Ein wenig Kritik muss Hauptdarstellerin Sasha Luss einstecken, die zwar als Archetyp der kühlen Blonden die exakt gleiche Rolle im Film durchaus ordentlich spielt und auch in den Actionsequenzen keine ganz schlechte Figur macht. Aber eben jede Szene, in der sie ein wenig wehr sein sollte als die eiskalte Killerin, nicht überzeugend spielen kann. Da hat eine ebenfalls kühle blonde Jennifer Lawrence in Red Sparrow deutlich mehr überzeugt. Wer über diese Limitierung hinwegsehen kann und sich einfach zwei Stunden lang tempo- und actionreich unterhalten lassen will, sitzt bei Anna definitiv im richtigen Film.

Fazit:

Zum ganz großen Wurf fehlt Anna ein wenig Frische, denn was Luc Besson hier auftischt, ist alles andere als neu. Er selbst hat die fast identische Story schon vor 30 Jahren verfilmt. Aber die ausnehmend hübsche Sasha Luss gibt eine coole Killerin ab, die Schauwerte reichen fast an John Wick oder Atomic Blonde heran. Und das Tempo hält Besson auch die ganze Zeit hoch. Dazu kommen, wie immer bei Besson, großartige Bilder, die einfach für das Kino geschaffen sind. Wer Spaß an einer altmodischen Story in frischer Inszenierung hat, wird bei Anna also auf seine Kosten kommen. Wer Realismus oder Tiefgang sucht, eher nicht.

Anna startet am 18. Juli 2019 in den deutschen Kinos.

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Kinder und Jugendliche, die nicht sind, was sie zu sein scheinen, sind ein beliebtes Horror- und Thriller-Motiv. Meist bleiben sie aber als unheimliches Element im Dunkeln und die Story wird aus der Warte andere Figuren erzählt. Hier geht Hanna einen anderen Weg, denn der Zuschauer ist von Beginn an an Hannas Seite und erlebt das Geschehen aus ihrer Perspektive mit. Und so wird aus  dem bösen Agenten-Thriller auch noch eine Coming of Age-Geschichte. Funktioniert das?

Hanna: Die Handlung

Ein großer, muskulöser Mann schleicht sich in eine offenbar geheime, streng bewachte Forschungsstation in Rumänien ein und holt dort ein Neugeborenes heraus. Doch er wird entdeckt. Nur mit Mühe kann er entkommen und wird von einer Frau mit einem Auto aufgesammelt. Doch die Flucht dauert nur einige Stunden, dann wird das Paar aufgescheucht und muss erneut fliehen. Schließlich zerstört ein Hubschrauber per MG den Wagen. Während der Mann mit dem Baby entkommen kann, wird die Frau tödlich getroffen und verbrennt im Auto.

15 Jahre später lebt der Mann von damals, EX-CIA-Agent Erik Heller (Joel Kinnamon, „Altered Carbon“), mit seiner Tochter Hanna (Esme Creed-Miles) tief in den Wäldern Polens und hat das Mädchen zur perfekten Kämpferin erzogen. Doch eines Tages begegnet Hanna einem jungen Waldarbeiter, mit dem sie sich anfreundet. Als sie entdeckt werden, müssen Erik und Hanna fliehen. Denn die Leute, die vor 15 Jahren die Station leiteten, suchen noch immer nach dem Kind. Allen voran Eriks ehemalige Chefin Marissa Wiegler (Mireille Enos, „World War Z“) …

Hanna: Starke Darsteller

Die Spielfilm-Version ist nicht nur mit Stars gespickt, sondern auch sehr spannend. Hier kann die neue Serie von Amazon aber durchaus mithalten. Gerade die ersten drei Folgen, die sich inhaltlich kaum vom ersten Drittel des Films unterscheiden, erzählen die Story gekonnt und aufregend, was auch an den guten Schauspielern liegt. Kinnamon ist als stoischer Agent mit Herz vor allem durch seine körperliche Präsenz überzeugend und Mireille Enos spielt die eiskalte Marissa ähnlich gut wie vor ihr Cate Blanchett. Zum Star wird hier aber eine andere.

Denn die 19-jährige Esma Creed-Miles tritt in der Serie mühelos in die sehr großen Fußstapfen einer Saoirse Ronan und spielt die beiden Seiten von Hanna sehr überzeugend. Den tödlichen Killer verkörpert sie ebenso gut wie das verletzliche Kind, das sich in der Welt überhaupt nicht auskennt und erst mühsam zurechtfinden muss. Wenn sich Hanna in der zweiten Folge mit ihrer neuen Freundin Sophie ins spanische Nachtleben stürzt und das Leben förmlich aufsaugt, sind das starke Momente der Serie, die ihre Wirkung entfalten.

Hanna: Viel Spannung, wenig Neues

Dennoch: Wer den Kinofilm kennt, sollt sich das Ansehen der Serie zweimal überlegen. Trotz einiger neuen Wendungen, vor allen in der zweiten Hälfte der Story, bleibt Hanna im Kern genau die Geschichte, die dann schon bekannt ist. Viel Neues ist David Farr hier nicht eingefallen. Das ist einerseits verzeihlich, weil das Original wirklich gut funktioniert und Agenten-Thriller gekonnt mit dem Comig of Age-Aspekt kreuzt, andererseits aber eben für Kenner des Films auch deutlich langweiliger als für Neulinge. 

Dazu zeigt Creed-Mils in den Action-Szenen ihre einzige Schwäche. Obwohl gut durchtrainiert und glaubhaft in Form, ist die Schauspielerin im Nahkampf offenkundig unerfahren und die Zeit reicht wohl nicht aus, um sie zur Kämpferin zu trainieren. Obwohl die Szenen dynamisch eingefangen und bestmöglich geschnitten wurden, sieht der Action-Fachmann doch  schnell, dass hier viel getrickst werden musste, um die Illusion der fast unbesiegbaren junge Frau zu erzeugen. Das lässt sich aber wegen der sonst durchgehend hohen Qualität der Serie verschmerzen.

Zumal Farr in der zweiten Hälfte auch ein paar neue Erzählstränge in das bekannte Gewebe integriert. Und Kenner des Films so zumindest bei der Stange hält. Sicherlich um eine mögliche Fortsetzung etwas interessanter zu machen, aber auch, um das Hanna-Universum im Vergleich zum Film ein wenig zu vergrößern. Berliner Zuschauer haben dazu noch den Bonus, viele Drehorte der Serie wiederzuerkennen. Hanna wurde größtenteils an Originalschauplätzen gedreht – vieles davon auch in der Hauptstadt.

Fazit:

Die Serienadaption Hanna nach dem Kinofilm Wer ist Hanna? ist stark gespielt, rasant inszeniert und baut eine durchgehend hohe Spannung auf. Allerdings bietet die achtteilige Serie trotz der deutlich höheren Laufzeit vor allem in der ersten Hälfte kaum Unterschiede zum Film. Und könnte so Kenner der Vorlager ein wenig langweilen. Erst die Folgen fünf bis acht bieten tatsächlich ein paar Neuigkeiten. Auch wenn Showrunner David Farr an den Grundpfeilern der Story nicht rüttelt. Für Action- und Thrillerfans, die das Original nicht kennen, eine klare Empfehlung.

Hanna startet am 29. März 2019 bei Amazon Prime.

Gesehen: Fünf von acht Folgen

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Lothar-Günther Buchheims Roman diente als Vorlage zum Kinofilm, die Serie basiert aber nicht direkt auf einem seiner Bücher. Dennoch war das Buch natürlich eine Inspiration für die Serie, zumal sie sich in Teilen deutlich am Originalfilm orientiert. Buchheims Geschmack hätte sie wohl trotzdem nicht getroffen, denn die Drehbuchautoren Tony Saint und Johannes W. Betz machen aus dem ehemals klaustrophobischen Alptraum eine Serie, die viele, unterschiedliche Geschichten erzählt – zu Wasser und zu Land. Geht das auf?

Das Boot: Die Handlung

Herbst 1942. Während ein deutsches U-Boot mit Mann und Maus versenkt wird, werden im französischen La Rochelle bereits neue Boote für den Einsatz gegen die Alliierten klar gemacht. Doch Deutschland verfügt kaum noch über erfahrene Matrosen und Offiziere. Und so wird die U-612 weitgehend mit Grünschnäbeln bestückt – wie dem jungen Kapitän Klaus Hoffmann (Rick Okon), dessen Vater im Ersten Weltkrieg ein großer Kommandant war. Sein erster Offizier Tennstedt (August Wittgenstein) fühlt sich dadurch übergangen und intrigiert, wo er kann.

Zeitgleich erreicht Simone Strasser (Vicky Krieps) die Stadt, um einen Job als Dolmetscherin anzutreten und ihren Bruder Frank (Leonard Scheicher) zu sehen, der als Funker Dienst tut. Doch der wird noch am selben Tag auf die U-612 abkommandiert und bittet Simone, in seinem Namen eine gefährliche Transaktion abzuwickeln. Offenbar ist ihr Bruder in einen Spionagefall verwickelt, anders lässt sich die Anwesenheit der Amerikanerin Carla (Lizzie Caplan) kaum erklären. Während Gestapo-Mann Forster (Tom Wlaschiha) an Land die Spione jagt, läuft die U-612 aus …

 Das Boot: Internationale Qualität

Ganze 25 Millionen Euro flossen in die Produktion von acht Folgen, damit ist Das Boot pro Episode noch teurer als „Babylon Berlin“, das für 16 Folgen 40 Millionen Budget hatte. Doch das Geld ist auch hier gut angelegt. So überzeugen die Kulissen von La Rochelle ebenso wie die Aufnahmen aus den engen, dunklen Booten, mit denen der Film 1981 so überzeugen konnte. Dazu haben die Produzenten mit Stars wie Lizzie Caplan („Masters of Sex“) oder Vincent Kartheiser („Mad Men“ ) auch international bekannte Gesichter verpflichtet. All das tut der Serie gut.

Und sie ist im Gegensatz zu der Fünf-Stunden-Version des Kinofilms, die im TV als Serie lief, eine echte Serie mit vielen verschiedenen Handlungssträngen und jeder Menge Dramatik. So gerät Simone in la Rochelle immer mehr zwischen die Fronten von Geheimpolizei und Resistance. Während ihr Bruder auf dem Schiff stärker unter Druck gerät, weil er als geborener Franzose jede Menge Misstrauen erweckt. Und der interne Machtkampf auf U-612 die gesamte Mannschaft mit hineinzieht und so zur größten Gefahr zu werden droht.

Das Boot: Drama statt Horror

Wer sich von der Serie aber regelmäßig Momente wie im Kinofilm erwartet, in denen die Männer sich fast nicht zu atmen trauen, damit über ihnen kreisende Zerstörer sie nicht entdecken und mit Wasserbomben eindecken, der wird enttäuscht. Was im Film breiten Raum einnimmt und auch die Intention Buchheims war – den Schrecken des Unterwasser-Kriegs zu zeigen -, das spielt zumindest in den ersten vier Folgen der Serie kaum eine Rolle. Von den ersten fünf Minuten einmal abgesehen.

Dafür kann Das Boot aber mit mehr Vielfalt punkten. So ist das Geschehen recht gleichmäßig auf das U-Boot und La Rochelle aufgeteilt. Und die Serie kann es sich daher auch erlauben, mit Simone und Carla starke Frauenfiguren in die Handlung zu schreiben. Das wäre in einer reinen U-Boot-Story historisch unmöglich gewesen. Der Serie hingegen tut diese Abwechslung sehr gut, da sie nicht nur die Zielgruppe erweitert, sondern auch mit Cliffhangern und mehr Spannungsbögen arbeiten kann. 

Die Stars bleiben dennoch die Männer im Boot, deren fragilem Burgfrieden angesichts so vieler unterschiedlicher Einstellungen und Ansichten in den Drehbüchern besondere Aufmerksamkeit zukommt. Da gibt es die kriegsgeilen, ideologisch noch immer verblendeten Vorzeige-Nazis ebenso wie die desillusionierten Veteranen, die eigentlich nur noch nach Hause wollen – und alles dazwischen. Deshalb bleibt Das Boot da am stärksten, wo es hingehört – unter Wasser. Denn dass U-612 auch ohne Kampfeinsatz in den möglichen Tod fährt, daran gibt es wenig Zweifel.

Fazit:

Hohe Schauwerte, gute Schauspieler, spannende Handlungsstränge: Das Boot setzt den Trend qualitativ erstklassiger Serien aus Deutschland weiter fort. Wer einen Abklatsch des Kinofilms von 1981 erwartet, wird vielleicht enttäuscht. Den Rest erwartet ein immer spannender werdender, historischer Querschnitt, der sich dem Seekrieg ebenso widmet wie dem Kampf der Resistance gegen die verhassten deutschen Besatzer. Regisseur Andreas Prochaska („Das finstere Tal“) liefert eine Serie mit Eckten und Kanten ab – die sich auch eine klare Aussage leistet. Gut so!

Das Boot läuft ab dem 23. November 2018 bei Sky.

Gesehen: 4 von 8 Folgen.

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Der Schriftsteller Tom Clancy wurde nur 66 Jahre alt, er starb 2013. Aber er hat der Welt einen üppigen Stock an Romanen, Filmen und Videospielen hinterlassen, die auf seinen Werken basieren. Allerdings haben vor allem die Filmemacher in Hollywood Clancys sehr konservatives Weltbild immer wieder abgemildert und den Helden Jack Ryan häufig zu einem fast unpolitischen Menschen gemacht, was angesichts seines Jobs gar nicht so einfach zu vermitteln ist. Wie steht es um Ryans Gesinnung und Weltanschauung in der neuen Amazon-Serie?

Jack Ryan: Die Handlung

Seit vier Jahren arbeitet Dr. Jack Ryan (John Krasinski) als Analyst bei der CIA. Nach seiner Zeit beim Militär und daraus resultierenden Traumata ist er froh über den Schreibtisch-Job. Ausgerechnet zu dem Zeitpunkt, als Ryan einem Geldstrom durchs Internet zu einem geheimnisvollen Mann namens Suleiman folgt, bekommt er mit James Greer (Wendell Pierce) einen neuen Vorgesetzten vor die Nase gesetzt, der sich für Ryans Theorien überhaupt nicht interessiert.

Doch dann gibt es handfeste Spuren, die auf einen möglichen Terroranschlag hindeuten und Ryan muss ausgerechnet mit dem ungeliebten Greer in den Jemen fliegen, um zwei gefangene Verdächtige zu verhören. Denn nur er hat sich so tief ins Finanz-Netzwerks der Terroristen vorgearbeitet, dass er Lügen darüber sofort erkennen würde. Aber der vermeintliche harmlose Ausflug entpuppt sich als Reise in die Hölle, die Ryan fast das Leben kostet. Und nun weiß er, dass ein gefährlicher Terrorist ein großes Ding plant …

Jack Ryan: 24 ohne Echtzeit

Auch wenn sich die Helden nicht unbedingt ähneln, so erinnert Jack Ryan doch stark an die Abenteuer von Jack Bauer in „24“. Zwar wird die neue Amazon-Serie nicht in Echtzeit erzählt, aber thematisch haben beide Shows große Schnittmengen. Und genau das, was schon bei 24 für ordentlich Spannung sorgt, funktioniert auch bei Jack Ryan sehr gut: die Jagd nach einer fast unsichtbaren Bedrohung. Krasinski nimmt man die Rolle des klugen und analytischen, aber auch menschlichen und mitfühlenden Kopfes dabei jederzeit ab.

Und so filtern die Macher Carlton Cuse und Graham Roland, die gemeinsam unter anderem „Lost“ schrieben, über Krasinskis Rolle die reaktionären Spitzen der Vorlagen gut ab. Und geben den „Guten“ ein Gesicht, mit dem sich der Zuschauer identifizieren kann. Weil Krasinkis Ryan zwar clever ist, aber nicht kalt. Und mache Dinge mit Herz und Bauch entscheidet, statt sich an die Statuten zu halten. Dabei bleibt er aber stets glaubwürdig normal, wird nie zum coolen Helden.

Jack Ryan: Kinoreife Inszenierung

Neben der Hauptfigur sorgt noch ein weiterer Faktor für die hohe Qualität der Serie: die kinoreife Action. Dynamische Kamerafahrten und saubere Schnitte, die auch schnelle Schusswechsel oder Nahkämpfe nachvollziehbar machen, lassen den TV-Ryan in einer Liga mit den Kino-Ryans spielen. Jede der drei gezeigten Folgen hat dazu mindestens einen emotionalen Höhepunkt, der die meisten Zuschauer wohl nicht kalt lassen wird. Dass sich das alles sehr real anfühlt, verstärkt diesen Eindruck noch.

Die Serie macht außerdem nicht den Fehler, die Terroristen allesamt als blutrünstige Schlächter ohne Moral darzustellen. So ist der grausame, aber dabei sehr charismatische Suleiman (Ali Suliman) mit einem starken Motiv für seine Taten ausgestattet, das sich nicht so einfach wegschieben lässt. Cuse und Roland fühlen sich in den Grauzonen der Politik und Geheimdienste sichtlich wohl und bringen das in starken Dialogen und Szenen auch sehenswert zum Ausdruck. Die Frage, wer hier im Recht ist, lässt sich mitunter nur schwer beantworten.

Obwohl die erste Staffel mit acht Folgen eher kurz ausfällt, nehmen sich Cuse und Roland trotzdem die Zeit, ihre Figuren zu entwickeln und sie zu mehr als nur bloßen Archetypen zu machen. So überrascht der vermeintlich so harte Greer zu Beginn von Folge 3 mit einer unerwarteten Offenbarung. Und auch nicht jeder Terrorist geht jederzeit und ohne Zögern über Leichen. Die Differenziertheit – bei aller Hollywood-Tauglichkeit – ist denn auch eine der größten Stärken von Jack Ryan.

Fazit:

Ein gelungener Einstand des neuen Jack Ryan als Serie, auch wegen Hauptdarsteller John Krasinski. Aber die Serienmacher Cuse und Roland haben mehr zu bieten: einen starken Plot, gute Darsteller und kinoreife Action. Hier stimmt das Gefühl der Bedrohung ebenso wie der Eindruck, dass manche dieser Bedrohungen durchaus hausgemacht sind. Spannende und mitunter sogar kluge Unterhaltung, die auch ohne einen Superhelden wie Jack Bauer funktioniert.

Gesehen: 3 von 8 Folgen

Jack Ryan startet am 31. August 2018 bei Amazon Prime.

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Die Kino-Karriere der gebürtigen Ukrainerin Mila Kunis ist bisher ein Auf und Ab. Während sie im TV mit „Die 70-er Show“ recht erfolgreich war und ihren damaligen Co-Star Ashton Kutcher mittlerweile geheiratet hat, läuft es auf der großen Leinwand noch nicht rund. Zwar konnte sie mit den beiden „Bad Moms“-Filmen wirklich ansehnliche Komödien abliefern, allerdings wirkte sie auch in dem schier unsäglichen „Jupiter Ascending“ mit. In welche Kategorie gehört Bad Spies?

Bad Spies: Die Handlung

Geheimagent Drew (Justin Theroux) ist auf der Flucht und schwebt in ständiger Lebensgefahr. Von all dem ahnt seine frische Ex-Freundin Audrey (Mila Kunis) noch nichts, als sie Besuch vom britischen Geheimdienst in Form des gut aussehenden Sebastian („Outlander“-Star Sam Heughan) bekommt. Der sucht nach etwas, dass Drew, der inzwischen als tot gilt, ihr hinterlassen haben könnte. Doch dann bekommt Audrey eine Nachricht, dass sie einen gewissen Pokal aus Drews Besitz nach Wien bringen und niemandem trauen soll.

Gemeinsam mit ihrer nervtötenden Freundin Morgan Freeman (!) (Kate McKinnon) macht sich die junge Frau tatsächlich auf den Weg, gerät in einem Wiener Kaffeehaus aber in eine wüste Schießerei und weiß bald nicht mehr, was sie tun soll. Denn auf ihrer Flucht mit Morgan durch halb Europa heften sich bald diverse Agenten und Killer an ihre Fersen, darunter auch die ehemalige Turnerin Nadedja (Ivanna Sakhno) und weitere Kollegen von Sebastian und Drew. Können die beiden Frauen diese Jagd tatsächlich mit heiler Haut überstehen?

Bad Spies: Mehr Blut als Spaß

Wer sich über die Freigabe ab 16 Jahren wundern sollte: Die bekam Bad Spies nicht wegen nackter Haut oder derben Sprüchen. Sondern wegen einiger explizit blutiger und düsterer Mord- und Folterszenen. Die obendrein auch nicht im Mindesten lustig sind. Der ganze Tonfall des Films soll wohl an Vorgänger wie „Kick-Ass“, „Killer’s Bodyguard“ oder „Kingsmen“ erinnern. Die Mischung aus derber Gewalt und Humor funktioniert hier aber noch wesentlich schlechter. Denn lustig ist Bad Spies so gut wie nie.

Und das muss man zu weiten Teilen Regisseurin und Mitautorin Susanna Fogel anlasten. Denn die zeigt in ihrer zweiten Regie-Arbeit so gut wie gar kein Talent für Timing oder Sprachwitz und versenkt viele Szenen des Films mit panischem Herumkreischen und richtig doofen Dialogen der Heldinnen. Selbst Kate McKinnon, die in „Saturday Night Live“ schon oft gezeigt hat, was für eine begnadete Komödiantin sie ist, darf hier nur die nervige und schrullige Freundin spielen, die sie im Kino so häufig geben muss. Und ist völlig verschenkt.

Bad Spies: Im Geheimdienst nichts Neues

Die Grundidee der unerfahrenen Spionin wider Willen, die sich dann doch viel besser schlägt, als zu erwarten war, ist auch alles andere als neu. Agenten-Persiflagen gibt es einige – und viele sind gelungener als Bad Spies. Was man den Schauspielern aber gar nicht so recht ankreiden kann. Denn die bewegen sich in ihren limitierten Rollen noch ganz gut und retten den einen oder anderen Gag nur durch Gesichtsausdruck oder dem Fehlen eines solchen.

Königin ist hier eindeutig Gillian Anderson, die als Chefin des britischen MI 6 zwar nur eine kleine Rolle hat, aber mit Abstand die meisten Lacher produziert. Die ständig leicht genervte und fast ungläubige Mimik angesichts der beiden kulturlosen Amerikanerinnen gehört zu den wenigen Highlights des Films. Und auch Heughan als genau richtig glatter Agent, um nicht ganz aus dem Kreis möglicher Verdächtiger ausgeschlossen werden zu können, macht einen sehr ansehnlichen Job.

Wirklich gelungen ist bei Bad Spies aber nur die Action. Wenn sich die beiden Frauen im Taxi durch Wien kämpfen oder hoch in der Luft ein Trapezkampf auf Leben und Tod stattfindet, dann lauft Bad Spies kurz zu richtig guter Form auf. Die mäßige Komödie mit vielen müden Gags rettet das aber auch nicht.

Fazit:

Wieder kann man Mila Kunis zu ihrer Rollenwahl nicht gratulieren. Bad Spies wimmel nur so von Agenten-Gags, die andere Film schon deutlich besser erzählt haben und ist als Story zutiefst unoriginell. Dazu kommt eine ungewöhnlich brutale Handschrift der Regisseurin und viele schwache Dialoge oder Szenen, die einfach kein Ende nehmen, obwohl die Pointe schon lange durch ist. Eine maue Komödie von der Hollywood-Stange, die man höchstens wegen der gelungenen Action-Momente halbwegs ertragen kann.

Bad Spies startet am 30. August 2018 in den deutschen Kinos.

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Wer nicht alt genug ist, um sich noch an die Ausstrahlung der TV-Serie „Kobra, übernehmen Sie!“ zu erinnern, auf der die Kinoreihe basiert, der wird beim Ansehen einer Folge wenig Parallelen entdecken. Denn wo der erste Film sich noch halbwegs dicht an die Vorlage hielt, hat sich die Reihe mittlerweile zu einer der besten Actionfilm-Serien gemausert, die es gibt. Allerdings ist vom unbemerkten Täuschen, der Haupthandlung jeder Serienfolge, auch nicht mehr viel übrig. Oder doch?

Mission Impossible Fallout: Die Handlung

Weil sich Ethan Hunt (Tom Cruise) bei einer brisanten Mission für die Rettung seines Teams aus Luther (Ving Rhames) und Benji (Simon Pegg) entscheidet, verliert er den Grund des Einsatzes aus den Augen: drei Kugeln waffenfähiges Plutonium. Prompt hält die CIA Hunt für ein Sicherheitsrisiko und stellt ihm in Form des Agenten August Walker (Henry Cavill) einen Aufpasser an die Seite. Und mit dem muss Hunt gleich einen lebensgefährlichen Fallschirmsprung über dem nächtlichen Paris absolvieren, um einen Termin nicht zu verpassen.

Denn die Waffenhändlerin White Widow (Vanessa Kirby) wartet bei einem Rave in der Stadt auf ihren Kunden, der das Plutonium kaufen will. Hinter dem ist aber nicht nur Hunt und sein Team vom IMF her, wie sich zeigt, sondern auch die undurchsichtige Ilsa (Rebecca Ferguson). Und schließlich mischt auch der britische Terrorist Solomon Lane (Sean Harris) mit, obwohl der eigentlich seit Jahren in Gewahrsam der US-Regierung ist. Für Ethan wird die Rettung der Welt auch zum einer Reise in die eigene Vergangenheit …

Mission Impossible Fallout: Neue Maßstäbe

Dass Tom Cruise die Mission Impossible-Reihe Stück für Stück immer weiter zur führenden Actionserie gemacht hat, wissen Fans der Filme längst. Doch auch ihnen dürfte angesichts des neuen Films streckenweise der Mund offen stehen. Denn was Mission Impossible Fallout an Action bietet, hat man so noch nie auf der Leinwand gesehen. Zum einen in der Masse, denn im Film gibt es kaum einmal zwei Minuten am Stück ohne Verfolgungsjagden, Kämpfe oder Flugeinlagen. Und zum anderen wegen der Qualität. 

Denn was McQuarrie hier mit seinem Stunt-Team und Kameramann Rob Hardy an Bildern liefert, ist schlicht und ergreifend atemberaubend. Ob der Fallschirmsprung über Paris, die Prügelei im Waschraum direkt danach oder die gefühlt halbstündige Verfolgungsjagd durch die Stadt – in der Qualität und Masse gab es das bisher nicht. Da Tom Cruise immer noch viele der Stunts selber macht, sieht das Publikum seinen Helden dabei auch sehr deutlich. Außer „Avengers: Infinity War“ kann hier kein Film 2018 auch nur annähernd mithalten.

Mission Impossible Fallout: Emotional, aber nicht brillant

Für die Story von McQuarrie, der immerhin so brillante Scripts wie „Die üblichen Verdächtigen“ schrieb, gibt es aber kein uneingeschränktes Lob. Denn als Autor setzt McQuarrie vor allem auf Verwirrung des Zuschauers, um sich nicht so schnell in die Karten sehen zu lassen. Und dennoch ist der Plot nach einer Stunde eigentlich schon aufgelöst. Das hätte ruhig noch ein wenig raffinierter und spannender bleiben dürfen. Denn tatsächlich ist die Story des neuen Films lange nicht so komplex, wie er es seinem Publikum vorgaukelt.

Dass es trotzdem immer spannend bleibt, dafür sorgt neben der spektakulären Action auch ein beachtliches Maß an echter Emotion. Denn McQuarrie gelingt das Kunststück, Storyfäden aus den vorangegangenen Teilen wieder aufzunehmen und sie so in seine Handlung zu integrieren, dass sie Fans der Reihe kaum kalt lassen können. Das macht den eigentlichen Plot nicht stärker, bindet das Publikum aber dennoch und lässt es glaubhaft um seine Helden zittern. Damit schafft McQuarrie mit seinem Star Tom Cruise ein ähnliches dichtes Finale wie bei Teil drei.

Was auch den Schauspielern zu verdanken ist, die ihre Rollen allesamt mit so viel Leben und Charme füllen, dass Mission Impossible Fallout keine einzige Minute langweilig oder uninteressant wird. Das macht Teil sechs unter dem Strich zum bisher besten der gesamten Reihe.

Fazit:

Unglaubliche Action mit einer vernünftigen Story und sympathischen Charakteren – was schon immer den Reiz von Mission Impossible ausmachte, treibt Regisseur und Autor Christopher McQuarrie im sechsten Teil auf die Spitze und liefert das bisherige Prunkstück der Reihe ab. Diesen Film muss man nicht in 3D sehen, aber unbedingt im Kino.

Mission Impossible Fallout startet am 2. August 2018 in den deutschen Kinos.

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