Die Handlung

Sechs Folgen erzählen jeweils eine andere Geschichte, die allerdings alle im gleichen Universum angesiedelt sind.

Evie/Joe

Der Prepper Joe (Terry Crews) verlässt seinen Bunker, nachdem sein geliebter Hund gestorben ist und macht sich auf den Weg zu Sara, einer anderen Prepperin, mit der er schon vor der Apokalypse in Kontakt stand. Auf dem Weg begegnet er der esoterisch angehauchten Evie (Olivia Munn), mit der ihn ein gemeinsames Ziel verbindet. So reisen die beiden für eine Weile zusammen durch das Land der Untoten …

Blair/Gina

Die fiese Maklerin Blair (Parker Posey) und ihre Angestellte Gina (Jillian Bell) geraten an einer Tankstelle in eine Zeitschleife und sind dazu verdammt, immer wieder gemeinsam zu sterben …

Dee

Ein bekanntes Gesicht taucht auf! Die Episode erzählt einen Teil der Vorgeschichte von Dee alias Alpha (Samantha Morton). Dee tut alles, um ihre Tochter Lydia am Leben zu halten, als es zwischen ihrer Gruppe und einer anderen Bande zum Kampf kommt …

Amy/Dr. Everett

Der Wissenschaftler Chauncey Everett (Anthony Edwards) untersucht schon viele Jahre lang den Homo Mortus, wie er die Untoten nennt. Bei einer seiner Feldstudien beobachtet er den Überlebenskampf von Amy (Poppy Liu), die sich gegen eine Gruppe Untoter zur Wehr setzt. Everett greift ein, allerdings nicht aus den Gründen, die Amy vermutet …

Davon

Davon (Jesse T. Usher, „The Boys“) erwacht in einer Kleinstadt mit einer Kopfverletzung, Gedächtnisschwund und einer toten Frau neben ihm. Hat er sie getötet? Und ist er auch für das Verschwinden einiger Kinder verantwortlich? Um sein Leben zu retten, muss Davon seine eigenen Spuren verfolgen …

La Dona

Idalia (Daniella Pineda) und Eric (Danny Ramirez) retten sich auf der Flucht vor Untoten in ein mit Mauern umsäumtes Haus, in dem eine ältere Frau lebt. Die lädt beide zum Essen ein, macht aber klar, dass sie danach wieder verschwinden müssen. Doch Eric hält das Haus für einen guten Ort zum Überleben und weigert sich zu gehen …

Wilder Genre-Mix

So grotesk es sich im ersten Moment anhören mag, aber Tales of the Walking Dead erinnert von der Machart ein wenig an die Comedy-Crime-Serie „The Afterparty„. Denn hier wie dort werden die Geschichten in verschiedenen Genres erzählt. Während die Apple TV+-Serie allerdings dabei eine lange Story erzählt, sind die sechs Episoden von Tales of weitgehend autark, lediglich Dee bildet ein Prequel zur Hauptserie. Während aber bei The Afterparty jedes Genre ein Volltreffer ist, gibt es bei der Zombie-Anthologie doch Ausfälle zu beklagen – obwohl es ohnehin nur sechs Folgen sind. So hat Dee dem Publikum eigentlich nicht viel Neues über Alpha zu erzählen. Und auch La Dona, die das Zombiethema mit Hexen-Horror mischt, funktioniert so gut wie gar nicht. Das Wiedersehen mit Julie Carmen (Fright Night 2) ist immerhin nett.

Evie/Joe hingegen ist ein herzliches, mitunter sogar witziges Roadmovie-Setting, das weder mit seiner Story noch mit seinen Darstellern enttäuscht und zu den besseren Episoden gehört. Auch Blair/Gina ist in seiner Art niedlich, allerdings wirkt die Zeitschleifen-Thematik sehr aufgesetzt, diese Story hätte keinen Walking Dead-Hintergrund benötigt, um gut zu funktionieren. Die Folge um Dr. Everett und Amy dreht sich in erster Linie um moralische Fragen, beinhaltet reichlich Zombies und passt daher am besten zur Hauptserie, gut gespielt ist sie außerdem. Für viele mag es auch ein Wiedersehen nach längerer Zeit mit Anthony Edwards sein, der mit der Serie „Emergency Room“ in den 90ern zum Weltstar wurde. Die ordentliche Psycho-Thriller-Folge Davon rundet das vielfältige Angebot der Serie dann ab.

Wenig Verbindung zur Hauptserie

Aufgrund dieser speziellen Eigenheiten der Serie könnte sich Tales of the Walking Dead tatsächlich für ein Publikum eignen, das mit der Hauptserie aufgrund der Brutalität und des Horrors nicht so viel anfangen kann. Denn hier fließt zwar auch mal Blut, insgesamt kommen die Geschichten aber leichtfüßiger daher als in den langen Serien. Zwar ist die Qualität ebenso variabel wie die Themen. Aber drei bis vier der sechs Episoden sollten den meisten Fans der Serie ebenso gefallen wie Neulingen im Universum der wandelnden Toten. Getrickst ist das wie immer ordentlich. Die typischen Wald-Kulissen der Mutterserie müssen aber auch hier wieder in einigen Folgen herhalten . Und langjährige Fans dürften die mittlerweile wirklich oft genug gesehen haben.

Bislang ist unklar, ob es mit dieser Serie weitegeht, da sie schon einige Monate alt ist, stehen die Chancen wohl nicht gut. Auch die Tatsache, dass keiner der großen Streamingdienste die Serie für Deutschland lizensiert hat, so dass sich letztlich bei Magenta TV landete, spricht scheinbar gegen Tales of the Walking Dead. Allerdings ist das Grundkonzept mit der Möglichkeit, hier eigentlich alle möglichen Geschichten erzählen zu können, durchaus nicht ohne Reiz und in einigen der sechs Episoden blitzen diese Möglichkeiten gut auf. Auch wenn nun eine Comedy- oder Musical-Folge nicht wirklich notwendig wären, ist doch die denkbare Vielfalt dieser Anthologie-Serie im Prinzip eine coole Sache. Und Staffel eins ist definitiv gut genug, um eine weitere mit neuen Episoden zu rechtfertigen. Auch wenn es die wohl leider nicht geben wird.

Fazit:

Nett ist ja bekanntlich der kleine Bruder von Scheiße, wie es im Volksmund heißt. Doch man täte Tales of the Walking Dead Unrecht, würde man das Prädikat nett, das auf die Serie gut zutrifft, so negativ auslegen. Denn ein paar der sechs Episoden können sich wirklich gut sehen lassen und machen im Rahmen der vorgegebenen Welt das Beste aus ihrer Prämisse. Die Zeitschleifenfolge etwa, oder auch die Episode mit dem moralischen Dilemma eines Wissenschaftlers. Daneben gibt es aber eher enttäuschende Experimente wie der Versuch, die Untoten mit anderem Horror zu kreuzen. Unter dem Strich sind die sechs Episoden als kleiner Zombie-Happen für zwischendurch und in verschiedenen Geschmacksrichtungen durchaus empfehlenswert.

Tales of the Walking Dead startet am 19. Februar 2023 bei Magenta TV.

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Die Folgen in der Einzelkritik

Los 36

Kriegsveteran Nick (Tim Blake Nelson) bestreitet seinen Lebensunterhalt damit, auf abgelaufene Lager zu bieten und mit etwas Glück wertvolle Dinge darin zu finden, die er verkaufen kann. Sein neuestes Lager enthält allerdings ganz besondere Dinge, für die sich ein Händler interessiert, der sich mit schwarzer Magie beschäftigt. Nick ist sicher, hier das ganz große Geschäft machen zu können …

Regisseur Guillermo Navarro inszeniert hier eine Kurzgeschichte von del Toro handwerklich sauber, allerdings ohne jegliches Gespür für Spannungsaufbau oder Dramatik. Wer schon ein paar Horrorstorys gesehen hat, der weiß nach fünf Minuten, wie die Sache hier ausgeht. Immerhin ist del Toros Liebe zu H.P. Lovecraft hier in Ansätzen zu sehen. Ein guter Start ist es dennoch nicht.

Friedhofsratten

In Salem, dem Ort der bekannten Hexenverfolgungen, betreibt Friedhofswärter Masson (David Hewlett) in den 1920ern ein lukratives Geschäft – er plündert Leichen aus. Schmuck und Goldzähne sind dabei der Hauptanteil seiner Beute und er kann es kaum erwarten, bis ein jüngst verstorbener, reicher Kaufmann unter der Erde liegt, der ein ganzes Gebiss aus Gold im Mund trägt. Als er nachts das Grab öffnet, sieht er, wie Ratten die Leiche durch ein Loch im Sarg zerren. Wegen immenser Schulden wagt er die Verfolgung …

Auch die zweite Folge ist kein Highlight der Serie, da sie wie eine Blaupause der ersten wirkt und ebenso vorhersehbar bleibt. Eine klassische moralinsaure Story von einem Schurken, dem durch ein größeres Übel als er selbst ist, die gerechte Strafe zukommt. Das gibt esw in hunderten von Variationen, die sich alle kaum voneinander unterscheiden. Regisseur Vincenzo Natali („Cube“, „Im hohen Grass“) bietet zwar ordentlich Creature-Horror und Blut, aber nur wenig Suspense oder Raffinesse. Eine maue Episode.

Die Autopsie

Der alte Sheriff Nate (Glynn Turman) bittet seinen ebenso alten Freund Carl (F. Murray Abraham), einen Gerichtsmediziner, in ein Dorf in der Nähe einer Mine. Dort hat es eine Explosion gegeben, bei der zehn Bergleute starben – und Carl soll den Grund dafür herausfinden. Das gelingt ihm auch, allerdings fällt die Lösung so ganz anders aus, als der alte Mann das erwartet hatte …

Das Highlight der ersten Staffel! nach einer Kurzgeschichte von Michael Shea entfesselt Regisseur David Prior („The Empty man“) hier eine furiose Folge mit fast allem, was der Horrorfan sich nur wünschen kann. Schnell baut sie eine unheimliche Atmosphäre auf, dennoch weiß man selbst nach 30 Minuten noch nicht, worum es eigentlich geht – und die Auflösung haut böse und blutig rein, mit einem brillanten Twist am Ende. F. Murray Abraham, sonst abonniert auf fiese Rollen, glänzt hier als eigenwilliger Held. Die einzige Episode mit Höchstwertung.

Das Äußere

Die unscheinbare Stacy (Kate Micucci) würde so gern auch zum Kreis ihrer Kolleginnen gehören, die sich in jeder freien Minute unterhalten und Spaß miteinander haben. Doch Stacy bleibt außen vor, weil sie zu hässlich ist, wie sie denkt. Als sie auf einer Weihnachtsfeier eine neue Creme bekommt und ihr der Mann in der TV-Werbung (Dan Stevens) ihr versichert, dass diese Creme alle Probleme löst, sind ihr auch die Einwände ihres Gatten Keith (Martin Starr) völlig egal …

Ein Webcomic der Autorin Emily Caroll diente als Vorlage für diese Episode, die von Ana Lily Amipour (A Girl walks Home Alone at Night“) in Szene gesetzt wurde. Dass den Zuschauer hier ein fieses Ende erwartet, ist früh klar, wie das tatsächlich ausfällt, allerdings nicht. Die wohl witzigste Episode der Staffel, wenngleich der Humor natürlich eher dunkel ist. Aufgrund der starken Schauspieler und der guten Inszenierung ist auch diese böse Satire eine bessere Folge der Staffel.

Pickmans Modell

Anfang des 20. Jahrhunderts studiert der begabte Maler Will (Ben Barnes, „The Punisher„) an der Miskatonic Universität in Arkham. Dort lernt er den unheimlichen Richard Pickman (Crispin Glover) kennen, der ganz besonders düstere und verstörende Bilder malt. Bald kommt Will der Verdacht, das sich Pickman die Motive dieser Gemälde nicht ausdenkt, sondern Modelle dafür trifft, wahrhaftige Monster, die im Dunkeln existieren …

Diese Episode dürfte die Geister scheiden. Sie ist unstrittig gut gespielt und von Regisseur Keith Thomas („The Vigel“) sauber inszeniert. Und sie bietet mit recht viel Blut und derben Effekten auch Freunden härterer Gangart einiges. Allerdings hat sie mit Lovecrafts Vorlage, bis auf das Grundthema des Malers, fast nichts zu tun. Und das dürfte vor allem die Fans des Autors enttäuschen, die seine Werke gelesen haben. Wer die nicht kennt, wird wohl auf seine Kosten kommen.

Träume im Hexenhaus

Seitdem der junge Walter (Rupert Grint) als Kind miterleben musste, wie seine Zwillingsschwester Epperley starb und als Geist in eine Art Wald gezogen wurde, ist er auf der Suche nach einer Möglichkeit, Kontakt mit ihr aufzunehmen. In einem alten Haus, das der Legende nach einmal ein Hexenhaus war, hofft er, einen Durchgang in die Geisterwelt öffnen und seine Schwester befreien zu können. Doch er hat die Rechnung ohne die Hexe gemacht …

Diese Episode nach einer Kurzgeschichte von Lovecraft schafft das Kunststück, noch weniger mit dem Original zu tun zu haben als Pickmans Modell. Ja, es gibt ein Hexenhaus, damit hören die Gemeinsamkeiten zwischen Kurzgeschichte und Episode aber auch schon auf. Dass ausgerechnet Guillermo del Toro als bekennender Fan des Autors solche mauen Umsetzung ermöglichen würde, hätten die an wohl nicht erwartet. Wer die Vorlage nicht kennt, den erwartet eine akzeptable inszenierte Geisterbahn-Episode, die immerhin einen netten finalen Twist liefert, der allerdings von einem Horrorfilm mit Denzel Washington inspiriert wurde.

Die Besichtigung

Ein exzentrischer Millionär (Peter Weller), der mit einer jungen Ärztin (Sofia Boutella) zusammenlebt, lädt vier Gäste in sein Designerhaus ein, um ihnen eine ganz besondere Erfahrung zu ermöglichen. Nachdem er der Wissenschaftlerin, dem berühmten Musiker, dem bekannten Medium und dem Bestseller-Autor reichlich Drogen aufgezwungen hat, will er ihnen eine unglaublich Kostbarkeit zeigen. Doch das geht ordentlich nach hinten los …

Regisseur Panos Cosmatos ist für Filme wie „Mandy“ verantwortlich und hat auch hier nicht nur Regie geführt, sondern auch die Story geschrieben. Und das merkt man. Optisch wie ein Film aus dem 70ern gemacht, einschließlich matter Farben und alt wirkendem Filmmaterial, tobt sich Cosmatos hier richtig aus und bricht mit gängigen Erzählformen und typischen  Inhalten. Je nach eigenem Geschmack ist das also vermutlich entweder die beste oder die schlechteste Folge der Serie.

Das Rauschen

Anfang der 50er Jahre muss das Forscherehepaar Edgar (Andrew Lincoln) und Nancy (Essie Davis) einen persönlichen Verlust hinnehmen. Ein Jahr später begeben sich beide zum Studieren von Vögeln auf eine einsame Insel. Während Edgar mit seinen Annäherungsversuchen an seine Frau immer wieder scheitert, entdeckt diese in den schlaflosen Nächten, dass es in dem einsamen Haus auf der Insel offenbar spukt …

Auch die finale Story stammt von del Toro selbst, adaptiert und inszeniert hat sich die australische Regisseurin Jennifer Kent, die seit „The Babadook“ zu den neuen Horror-Hoffnungen zählt, hier allerdings nach diesem Erfolg erstmals wieder Horror inszeniert. Und das tut sie wie erwartet langsam und mit viel Background zu den Figuren. Ein Ghost-Story-Slowburner, den man mögen muss, der aber mit einer ebenso schönen wie starken Schlussviertelstunde punkten kann und sehr atmosphärisch ist. Eine der besseren Episoden – wenn man auf Blutfontänen nicht angewiesen ist.

Fazit:

Cabinet of Curiosities weist Licht und Schatten auf. Gerade die beiden Episoden nach Kurzgeschichten von H.P. Lovecraft sind absolut enttäuschend umgesetzt, dafür sind Highlights wie Die Autopsie oder Das Rauschen dabei, die die ganze Bandbreite von guten unheimlichen Storys zeigen. Das Grundkonzept, verschiedene Autoren und Regisseure für verschiedene dunkle Visionen zu nutzen, geht aber insgesamt auf, wie vor allem Die Besichtigung von Panos Cosmatos deutlich macht. Auch wenn nicht jede Folge überzeugt, so ist doch genug Schön-Schreckliches dabei, um eine weitere Staffel herbeizuwünschen. Dazu muss die erste aber erst einmal genug Zuschauer haben. Also: Einschalten!

Cabinet of Curiosities startet am 25. Oktober mit zwei Episoden und wächst bis zum 28. Oktober täglich um zwei neue Folgen.

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Die Episoden

Drei Roboter: Rückzugsstrategien

Der Auftakt der neuen Folgen und die erste Fortsetzung innerhalb der Serie: Die Drei aus Staffel 1 bekannten Roboter untersuchen weiter die untergegangene Zivilisation der Menschen und begleiten ihre Entdeckungen mit bissigen Kommentaren. Das ist genauso witzig und treffend wie beim ersten Mal und somit eine der gelungenen Folgen von Love Death and Robots 3.

Schlechte Reise

Regisseur David Fincher inszeniert hier einen knallharten und sehr blutigen Horrortrip auf hoher See. Allerdings bleibt die Story auch etwas oberflächlich und belässt es bei Splatter und Intrigen an Bord.  Eine gigantische, fleischfressende Mörderkrabbe attackiert einen Walfänger und setzt sich in den unteren Decks fest. Der Kapitän muss mit dem Scheusal einen Deal eingehen, um das Schiff zu retten.

Der Puls der Maschine

Bei einer Reise auf einem Jupitermond verunglückt das Raupenfahrzeug mit seinen beiden weiblichen Insassen. Nur eine von beiden überlebt und versucht nun, mit der Leiche im Schlepptrau rechtzeitig einen Rendezvous-Punkt zu erreichen, bevor ihr der Sauerstoff ausgeht. Eine der wenigen neuen Episoden, die trotz cooler Optik wie in französischen Comics für Erwachsene, auch auf Inhalt setzen und echte Science Fiction präsentieren.

Die Nacht der winzigen Toten

Der Humor-Snack der Staffel: Kurz, witzig und ohne bleibenden Eindruck. Ein winziges Paar auf einer winzigen Erde entweiht mit wildem Sex einen Friedhof, was die Apokalypse der winzigen Zombies zur Folge hat. Eine nette Idee, die aber nie über das hinausgeht, was der Zuschauer zu sehen bekommt. Ganz in Ordnung, gegen die Humor-Highlights der Vorgänger wie Alternative Zeitachsen oder Bescherung aber etwas flach.

Töte es, Team!

Eine Elite-Einheit in irgendeinem Krieg bekommt es mit Forschungsergebnissen der eigenen Regierung zu tun. Und die sind absolut tödlich. Mit viel Blut und Splatter garnierter Action-Trip. Nett gezeichnet, aber ohne jeglichen Tiefgang. Hier ist nur das Auge mit, der Geist bleibt hungrig. Wer daran Spaß hat, kommt hier auf seine Kosten.

Schwärmer

Zwei Wissenschaftler untersuchen im All eine gigantische Kolonie aus insektenähnlich strukturierten Aliens – mit überraschenden Ergebnissen. Optisch eines der Highlights der Staffel in fast fotorealistischer Optik. Auch inhaltlich interessant, wenngleich die Form einer Kurzgeschichte dem Stoff nicht wirklich entgegenkommt, weil die Zeit nicht reicht. Für Sci-Fi-Fans aber zumindest einen Blick wert.

Masons Ratten

Der alte Mason, eindeutig schottischer Abstammung, betreibt irgendwo eine Farm. Und die wird immer mehr von intelligenten Ratten übernommen. So ordert Mason einen Roboter, der als gnadenloser Kammerjäger die Nagetiere blutig dezimiert. Doch da entdeckt Mason etwas Interessantes. Blutig, witzig und mit einer guten Pointe ist diese Episode eine klassische Kurzgeschichte im besten Sinn. Eine gute Folge der Reihe.

Begraben im Gewölbe

Ein Elite-Team aus Soldaten verfolgt eine Gruppe Terroristen in eine Höhle und findet dort weit mehr als erwartet. Die Lovecraft-Episode der Staffel. Hier ballt sich die meiste Starpower im Original, denn Joe Manganiello, Christian Serratos („The Walking Dead“) und Jai Courtney sind die englischen Sprecher der Figuren. Optisch stark bietet der Inhalt der Story klassisches Lovecraft-Gedankengut, was sich sogar in der Optik einer der Figuren deutlich niederschlägt. Für Fans des Autors die vielleicht beste Folge der neuen Staffel.

Jibaro

Eine Gruppe von Konquistadoren treffen tief im Dschungel auf ein magisches Wesen der Ureinwohner, das mit den Eindringlingen kurzen Prozess macht. Doch einer der Eroberer ist taub und deshalb gegen die Kräfte der Sirene geschützt. Optisch das absolute Highlight der Staffel! Die Mischung aus Fotorealismus und Aquarellzeichnung ist zum Niederknien schön. Und auch inhaltlich bietet diese Episode den meisten Grund zur Diskussion darüber. Denn die komplett ohne Text auskommende Geschichte lässt viel Raum für Interpretationen und hat gleichzeitig einen der stärksten Bezüge zu realen Ereignissen.

Zu wenig Bandbreite

Love Death and Robots 3 ist zwar minimal länger (eine Folge) als die vorherige, aber nicht besser. Optisch gibt es hier wenig zu meckern, denn die unterschiedlichen Animations-Stile sind auch hier wieder eine der Stärken der Staffel. Aber es fehlt diesmal der ruhige Pol wie beispielsweise „Der ertrunkene Riese“ in Staffel 2, lediglich Der Puls der Maschine geht etwas in diese eher philosophische Richtung.  Diesmal geht es meist extrem blutig zu und ab und zu schimmert ein wenig Humor durch. Aber von allen Staffeln bislang ist diese definitiv die Splatter-Season. Nicht dass nicht schon früher sehr blutige Folgen dabei waren, so dominant wie diesmal fiel das da aber nicht aus.

Ein absolutes Highlight der ersten Staffel war „Die Augenzeugin“ vom Studio pinkman.tv. Sexy, cool und mit einer Story, die in der Einfachheit der Erzählung doch ein klassisches Sci-Fi-Thema gut umsetzte. Das Studio pausierte in Staffel 2 und räumt nun mit Jibaro erneut zumindest den optischen Sieg ab. Wunderschöne Bilder stehen in hartem Kontrast zum blutigen und interessanten Inhalt, der ein dunkles Kapitel der Menschheits-Geschichte grandios bearbeitet. David Fincher liefert mit Schlechte Reise die vielleicht ekelhafteste Folge der Staffel ab, die für Horrorfans wohl neben Begraben im Gewölbe das Highlight sein dürfte. Insgesamt ist die Serie aber weiterhin spannend und gut genug, um fortgesetzt zu werden. Es gibt noch viele tolle Horror- und Sci-Fi-Short-Storys da draußen!

Fazit:

Auch Love Death and Robots 3 kann nicht an die bislang beste erste Staffel anknüpfen und präsentiert sich im Schwerpunkt als blutiges Splatterpaket der Reihe. Neben Highlights wie Jibaro gibt es auch viel Mittelmaß, das über eine nette Pointe oder einen interessanten Ansatz nicht hinauskommt. Dennoch ist auch die neue Staffel zumindest optisch wieder über jeden Zweifel erhaben und präsentiert nicht nur sehr unterschiedliche Animationsstile, sondern auch sensationelle Bilder. Wer die Serie bislang mochte, wird auch diesmal genug Episoden finden, die das Ansehen lohnen. Die erste und längste Staffel bleibt in ihrer Abwechslung aber ungeschlagen.

Love Death and Robots 3 startet am 20. Mai 2022 bei Netflix.

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 Die Handlung

Jenna

Die junge Jenna (Britt Robertson) leidet seit langer Zeit unter Depressionen und Angstzuständen infolge eines schlimmen Vorfalls in der High School. Weil ihre Mutter sei deswegen einweisen lassen will, schnappt sich die junge Frau Geld und verschwindet aus dem Haus. Weil sie ständig einen Stalker sieht, der sie verfolgt, steigt sie zu früh aus dem Bus nach Los Angeles und findet sich in der Provinz wieder. Dort quartiert sie sich in der Pension eines netten alten Ehepaares ein. Doch dort gibt es eine merkwürdige Kakerlaken-Plage …

Simon

Die Wissenschaftlerin Mary (Anna Friel) ist am Boden zerstört, seit vor einigen Monaten ihr kleiner Sohn Miles an Krebs gestorben ist. Da taucht eines Tages ein junger Mann namens Simon (Rafi Gavron) in ihrem Büro auf und behauptet, ein Medium zu sein, das mit den Toten in Kontakt steht. Vor allem mit Marys Sohn Miles, der sich ganz in ihrer Nähe aufhält und unbedingt mit ihr sprechen will. Mary geht auf das Experiment ein – mit verblüffendem Ergebnis …

Bennett

Gangster Bennett (Yul Vazquez) ist nicht zimperlich, wenn es ums Geschäft geht. Weil ein Buchhändler seine Schulden nicht zahlen kann, verrät der Bennett das Versteck eine ungemein wertvollen Buches. Bennett tötet ihn dennoch, plant aber mit Kollege Steve (Andy McQueen), sich den Schatz zu holen, der in einer verlassen Kleinstadt auf ihn wartet. Doch Bennett findet dort viel mehr, als er erwartet hatte …

Nur zwei von drei

Gleich zu Beginn müssen Fans des Autors eine bedauerliche Nachricht zur Kenntnis nehmen. Obwohl Barkers Bücher des Blutes in sechs Bänden insgesamt 30 Kurzgeschichten beinhalten, haben die Filmemacher es nicht geschafft, drei zu finden, die sie für eine Verfilmung für gut genug hielten. Und so stammt die Story um Jenna nicht aus der Feder des britischen Schriftstellers, sondern von Brannon Braga und Adam Simon. Braga, der bislang hauptsächlich als Star Trek-Autor und Produzent in Erscheinung trat, hat bei Books of Blood auch Regie geführt. Horrorerfahrung sammelte Braga lediglich bei der von ihm mitentwickelten Serie „Salem“. Und ein wenig merkt man dem Film auch an, dass er von einem erfahrenen TV-Regisseur und Autor, nicht aber von einem Horrorspezialisten gedreht wurde.

Denn obwohl hier und da durchaus auch ein blutiger Effekt im Film auftaucht, fehlt ihm doch vor allem die Barker-typische Abgründigkeit. Die Produktion wirkt für die Umsetzung von Barker-Material schlicht ein wenig zu glatt und brav. Der Meister selbst hätte wohl deutlich rabiatere Bilder auf den Bildschirm gebracht. Wobei der Film für den in den USA wichtigen Disney-Streamingdienst Hulu produziert wurde und deshalb eine Einflussnahme auf den Gore-Gehalt des Films durchaus vorstellbar ist. Dennoch: Was Clive Barkers Horror von anderen unterscheidet, das haben Braga und Simon nicht unbedingt überrissen.

Wenig Barker, viel Durchschnitt

Immerhin adaptiert Braga die mittlere Geschichte relativ eng am Original, auch wenn in der Kürze der Zeit nicht jede Facette der Story den Weg in den Film findet. Aber schon Story Nummer 3, die in den Büchern als Fortsetzung von Book of Blood gilt, erzählt seinen Inhalt sehr frei und hat lediglich das Finale gemein mit der Kurzgeschichte. Zugute halten muss man Braga und Simon immerhin, dass ihre selbst geschriebene Story um die junge Jenna mit einem Schluss aufwarten kann, der den Geist von Barkers Werk ganz gut trifft. Den Fans wäre eine echte Barker-Story vermutlich trotzdem lieber gewesen.

Positiv zu erwähnen ist auch das Casting der Rollen. Mit ihren großen Kulleraugen erweckt Britt Robertson sofort den Beschützerinstinkt im Zuschauer und zieht ihn so schnell und direkt in die Geschichte hinein. Anna Friel nimmt man jederzeit die von Trauer überwältigte und dennoch kluge Wissenschaftlerin ab, die sich trotz vermeintlich besseren Wissens an einen Strohhalm der Hoffnung klammert. Und Yul Vazquez ist als über Leichen gehender Gangster ebenfalls gut besetzt. Da aber die zweite und dritte Story zusammen nicht so viel Zeit bekommen wie die erste, leiden die Darbietungen dort schlicht ein wenig unter Zeitmangel – die Charaktere erreichen nie die tiefe, um sie wirklich interessant zu machen.

Typische TV-Produktion

So ist Books of Blood vor allem für Barker-Fans eine kleine Enttäuschung, denn sonderlich viel Typisches oder Bekanntes ist hier nicht zu sehen. Es gibt ein paar derbe Momente, aber es kommt beim Ansehen viel zu oft ein TV-Seriengefühl auf. Dabei hätten sich alle drei Stories durchaus angeboten, etwas expliziter erzählt zu werden, als Braga das hier getan hat. Immerhin kann sich Darstellerin Britt Robertson nun damit brüsten, sowohl in einer Stephen King-Adaption („Under the Dome“) als auch in einer Cliver Barker-Verfilmung dabei gewesen zu sein. Denn auch wenn die Schauspielerin oft nur mit Love-Storys in Verbindung gebracht wird, hat sie schon einige Horrorfilme in ihrer Vita.

Fazit:

Brannon Bragas Books of Blood ist zwar keine Katastrophe, wird in den meisten Momenten dem Werk Clive Barkers aber auch nicht wirklich gerecht. Zu harmlos, zu unspektakulär inszeniert und die längste Story der Anthologie nicht einmal von Barker – da sind die Fans des Autors zurecht nicht sonderlich beeindruckt. Die Schauspieler schlagen sich zwar wacker, können dem oft auf TV-Niveau agierenden Film aber auch keine entscheidenden Impulse verleihen. Für die ebenfalls für Hulu produzierte Neuauflage von Barkers Hellraiser verheißt das nicht unbedingt Gutes. Weitere Anthologien mit Barker-Material sind auch nicht angekündigt. Books of Blood ist kein komplett missglücktes Experiment, aber auch kein Film, zu dem man sich dringend eine Fortsetzung wünscht.

Books of Blood startet am 29. Oktober 2021 bei Disney+ (Star).

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Die Handlung

Rubber (Wo)Man 1+2

Die einzige Doppelfolge der Staffel bringt AHS-Fans wieder dorthin zurück, wo alles begann: ins Mordhaus der ersten Staffel. Diesmal zieht das schwule Paar Michael (Matt Bomer) und Troy (Gavin Creel) mit seiner 16-jährigen Tochter Scarlett (Sierra McCormick) dort ein. Ihr Plan ist es, nach der Renovierung eine Art Gespenster-Café zu eröffnen, in dem die Leute essen und sich gleichzeitig ob der Historie des Hauses gruseln können. Während die beiden Männer sich schnell in die neue Umgebung eingewöhnen, fällt Scarlett das bedeutend schwerer. Als lesbisches Mädchen fühlt sie sich von ihren Mitschülern gemobbt und unglücklich verliebt in Klassenschönheit Maya (Paris Jackson) ist sie auch noch. Umso erstaunlicher, dass die Blondine auch für sie Interesse zeigt. Doch das Murder-House schläft nie …

Drive In

Chad (Rhenzy Feliz) würde zu gern bei Freundin Kelly (Madison Bailey) landen – und zwar zwischen ihren Schenkeln. Doch bislang wehrt sie ihn immer wieder ab, bevor es zu mehr kommt als wilden Küssen. Seine Kumpels raten Chad daraufhin, doch mit Kelly am Abend in eine Sondervorstellung eines Horrorfilms ins Drive-In-Kino zu fahren, denn Angst würde die Höschen der Mädchen schneller nach unten gleiten lassen. Und für „Rabbi Rabbit“ soll das besonders gelten. Die Legende besagt, dass der Film nur einmal aufgeführt worden sei und die Vorstellung in einem Blutbad geendet hätte. Chad glaubt das nicht, selbst dann nicht, als eine ältere Dame mit nur einem Auge sich am Zaun als Überlebende dieser Vorstellung outet und die neuen Zuschauer eindringlich warnt. Hätte Chad mal auf sie gehört …

Zwei unterschiedliche Stile

Die drei Folgen, die Disney vorab aus einer mit ohnehin nur sieben Episoden nicht gerade üppigen Staffel zeigte, beweisen vor allem eines: Hier ist Vielfalt Trumpf. Denn während sich die Doppelfolge wie eine Fortsetzung von Murder House sieht – und de facto auch ist, wandelt Drive-In auf ganz anderen Wegen, inhaltlich wie formal. Und auch die weiteren Episoden sollen sich deutlich voneinander unterscheiden. Bis es in Folge sieben nochmals ins Murder House zurück geht. Das Konzept geht auch deshalb so gut auf, weil sich Ryan Murphy und Brad Falchuk, die AHS-Macher, sowohl vor als auch hinter die Kamera einige Veteranen des Genres holten, die ihren Job einfach können.

So ist in Drive-In Adrienne Barbeau dabei, einst Gattin und Muse von Regie-Legende John Carpenter und Star in „The Fog“. In einer weiteren Episode schaut „From Dusk Till Dawn“-Türsteher Danny Trejo vorbei. Dazu kommen Virginia Gardner („Halloween“ 2018) und Tom Lenk („Buffy“). Für insgesamt vier der Drehbücher gewann das AHS-Duo Manny Coto, der schon seit den 90er Jahren als Autor von Horror- und Spannungsserien wie „Tales from the Crypt“ oder „Dexter arbeitete. Und dessen Ideen für eine coole Horrorstory sich von denen Murphys und Falchuks einfach grundlegend unterscheiden. Und so dürfte die erste Staffel von American Horror Stories künstlerisch zweigeteilt sein.

Stylish kühl oder blutig-witzig

Rubber (Wo)Man hält sich dabei stilistisch sehr an die Vorlage, die Kamerawinkel- und Fahrten sowie Beleuchtung und Farbgebung bleiben auf dem Standard der ersten AHS-Staffel. Und auch die stark sexualisierte Handlung, bei der viele Charaktere von ihren Trieben gesteuert werden, findet hier breiten Raum. Und im Kern steht, wie schon in Staffel 1, oft die Frage, wer von den handelnden Personen eigentlich noch lebt, und wer schon längst vom Haus umgebracht wurde und nun als Geist seinen Aufenthalt für die Ewigkeit verlängert hat. Zudem ist diese Doppelfolge offenbar berühmten Töchtern gewidmet. Denn nicht nur Michael Jacksons Tochter Paris ist hier zu sehen, auch Cindy Crawfords Model-Nachwuchs Kaia Gerber übernimmt eine größere Rolle. Stars aus der ersten Staffel von AHS sucht man allerdings in der ersten Doppelfolge vergeblich, das soll sich erst im Finale von American Horror Stories ändern.

Drive In präsentiert dagegen eine tiefe Verbeugung vor einem von John Carpenters unbekannteren Werken: Cigarette Burns. Dort sucht Kinobetreiber Sweetman nach einem Film, der angeblich bei seiner einzigen Aufführung die Zuschauer in den Wahnsinn trieb und für ein Blutbad sorgte. In der AHS-Folge ist das im Prinzip die gleiche Story-Idee. Nur dass die Episode die Aufführung und dessen Auswirkungen zum Kernthema hat. Der Regisseur des Films heißt hier übrigens Bitterman, falls bis hierhin noch jemand Zweifel an der Hommage des Carpenter-Films hatte. Die Mitwirkung von Barbeau ist da nur ein weiterer Baustein. Im Vorspann zur Folge kommt dann auch noch Christine vor, die King-Story über ein Horror-Auto, die Carpenter 1983 verfilmte. So darf die neue Serie gerne weitergehen.

Fazit:

Mit den ersten Folgen von American Horror Stories hält die Art von Vielfalt in einzelnen Folgen Einzug, die die Mutter-Serie sonst nur innerhalb einer Staffel schafft. Und das tut den sonst oft sehr kühlen und in Hochglanz-Bildern erzählten Plots sehr gut. Ist die erste Doppelfolge noch typische AHS reinsten Wassers, hebt sich Folge drei schon wohltuend vom Standard ab und präsentiert eine für AHS neue Richtung: Blutiger, witziger, mit einer tiefen Verbeugung vor einem Altmeister und entsprechend vielen Anspielungen. Trotz gemischter Kritiken in den USA hat Disney bereits eine zweite Staffel geordert. Wenn die Folgen die bisherige Qualität halten, gibt es dagegen für Horrorfans auch gar nichts einzuwenden.

American Horror Stories startet am 8. September mit einer Folge pro Woche bei Disney+Star.

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Die Handlung

Im Marvel-Comic-Universum gibt es ein Volk, dass sich die Beobachter nennt. Einer von ihnen hat seit ewigen Zeiten die Erde im Auge und erzählt in What If Geschichten, die so nicht passiert sind, aber hätten passieren können. Daraus ergeben sich neue Blickwinkel auf bekannte Ereignisse und Helden.

Episode 1: Captain Carter

Weil Steve Rogers kurz vor seiner Umwandlung zum Supersoldaten von einem Spion verletzt wird, muss Peggy Carter einspringen und lässt die Prozedur über sich ergehen. Als Captain Carter kämpft die brünette Britin nun mit dem Schild, das Howard Stark schuf, gegen die Nazis und den Red Skull …

Episode 2: Ein anderer Starlord

Es ist nicht Peter Quill, den Yondus Leute von der Erde entführen, sondern der von Wakandas Isolationspolitik gelangweilte junge T’Challa. Jahre später tritt er als bekannter Ravanger Star-Lord gegen die Machenschaften des Collectors an …

Episode 3: Keine Avengers auf der Erde

Bevor Nick Fury das mächtigste Heldenteam der Erde zusammenraufen kann, wird ein potenzielles Mitglied nach dem anderen von einer geheimnisvollen Macht getötet. Wer steckt hinter dem Komplett, die Avengers zu töten?

Weitere Inhalte sind noch nicht genau bekannt, allerdings gibt es eine liste von Charakteren, die noch vorkommen. So wird es eine Episode mit Marvel-Zombies geben, auch eine Folge mit Thor als Hauptfigur scheint noch zu kommen Auch eine Dr. Strange-Folge ist sicher. Die meisten Schauspieler aus dem MCU haben ihre Figuren auch in What If gesprochen, allerdings nicht alle. Prominente fehlende Stimmen sind Robert Downey Jr. Chris Evans und Scarlett Johansson – zumindest im englischen Original.

Aus den Comics ins MCU

Neu ist die Idee von What If nicht, schon seit den 70er Jahren gab es immer wieder Comic-Reihen dieses Namens, insgesamt 13. Darin wurden und werden, ganz wie in der TV-Serie, große Momente des Marvel-Universums variiert. So gab es eine Story darüber, dass eine andere Figur die Kräfte von Spider-Man erhält oder was geschehen wäre, wenn Peter Parker Mitglied der Fantastic Four geworden wäre. Die zehnteilige, erste Staffel der TV-Serie bezieht sich natürlich nicht auf die Comics, sondern auf das MCU. Und behält eine wichtige Eigenschaft der bisherigen Marvel-Filme und Serien bei: den Humor. Wenn beispielsweise Thanos als Teil der Ravanger-Crew immer wieder von seinen Plänen zur Vernichtung des halben Universums erzählt und alle sich darüber lustig machen, ist das für Kenner des MCU schon sehr witzig.

Grundsätzlich gilt: Je mehr Filme und Serien bekannt sind, desto mehr Anspielungen und Witze wird der Zuschauer verstehen. Komplette Neulinge im MCU dürfte What If deshalb auch weitgehend kalt lassen. Wer die Vorbilder nicht kennt, wird diese zum Teil sehr originellen Variationen der Storys auch nicht zu schätzen wissen. Wer allerdings den Durchblick hat, wird dafür mit vielen Insider-Gags und Anspielungen belohnt.

Starke Ideen in eigener Optik

Natürlich sind die meist etwa 20 Minuten langen Episoden kein Ersatz für die Originalstorys und raffen die Vorlagen arg zusammen. Dennoch schrieben die Autoren in jeder Folge einige starke Szenen, die die Grundidee der Serie – das Aufzeigen der großen Konsequenzen bei Änderungen von Details – gut herausarbeiten und einfach Spaß machen. Dabei sollte man allerdings nicht immer ein Happy-End erwarten. Und das MCU ist auch nicht die einzige Quelle, aus der die Autoren ihre Inspiration bezogen. So enthält beispielsweise Captain Carter eindeutig eine Verbeugung vor del Toros „Hellboy“ und Lovecrafts Cthulhu-Mythos. Insgesamt liefern die Autoren hier starke Ideen ab, die das MCU um interessante Aspekte erweitern.

Stilistisch sind die Folgen aus einem Guss und erinnern im Look ein wenig an Spiele-Grafiken im Stil des „Cel-Shading„. Das ist ein ganz besonderer Grafikstil, der vor allem durch kräftige Außenlinien der Figuren definiert ist. Für Fans ist es sicher ungewohnt, ihre Helden zum ersten Mal als Trickfilm zu sehen, Comic-Leser hingegen dürften mit dem Look weniger Probleme haben. Auch wenn der Stil nicht unbedingt eng an klassische Comic-Optik angelegt ist. Die vor längerer Zeit in Aussicht gestellte unterschiedliche, künstlerische Bearbeitung der einzelnen Folgen ist nach drei Episoden hingegen nicht zu sehen, der Look der Serie bleibt gleich.

Und die Veröffentlichung zum jetzigen Zeitpunkt, also nach „Loki“ und vor „Doctor Strange 2“, ist absolut sinnvoll, denn What If stellt einen gelungenen Ausblick darauf dar, auf was sich die Fans in einem Multiversum so alles einstellen können. Schon die Bandbreite der ersten drei Folgen zeigt das deutlich auf. Wer sich also von der Animations-Optik der Serie nicht abschrecken lässt, für den ist What If eigentlich ein Pflichttermin.

Fazit:

Wer sich als glühender Fan des MCU sieht, für den ist What If nicht weniger als ein Geschenk. Denn die seit bald 50 Jahren funktionierende Grundidee aus den gleichnamigen Comics passt auch sehr gut ins MCU. Die Variationen an Charakteren und Handlungen, die gleichzeitig vertraut und doch frisch daherkommen, sind ein großer Spaß für Marvel-Fans und auch optisch schön anzuschauen. Dass sich im Original viele Schauspieler bereit erklärt haben, ihre MCU-Rollen auch in der Serie einzusprechen, ist da nur die Sahne auf der Torte. Eine zweite Staffel ist bereits in Arbeit.

What If …? startet am 11. August 2021 mit wöchentlich einer neuen Folge bei Disney+.

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Die einzelnen Folgen

Tom

Die Handlung: Der erfolgreiche Geschäftsmann Tom (Anthony Mackie) unterhält sich mit seinem Klon, der einige wichtige Fragen an ihn hat. Dabei reflektiert Tom allmählich über sein Leben …

Fazit: Stark gespieltes, kleines Drama mit früher, tragischer Pointe.

Erwähnenswert: Anthony Mackie scheint sich langsam zum Charlton Heston des neuen Jahrtausends zu entwickeln. Heston drehte in den 60er und 70er Jahren viele Science-Fiction-Filme („Soylent Green“, „Planet der Affen“, „Der Omega-Mann“) und Mackie wandelt seit einigen Jahren auf dessen Spuren. „IO“, „Altered Carbon“-Staffel 2, „Black Mirror“-Folge 5.1, „Outside The Wire“ und „Synchronic“ gehören zu den aktuellen Arbeiten des Schauspielers, den die Welt als Sam Wilson alias The Falcon kennt.

Peg

Die Handlung: Während die Rentnerin Peg (Helen Mirren) in einer Raumkapsel durchs All schwebt, erzählt sie der KI des Schiffes von ihren Kindheits- und Jugenderinnerungen – und den Dingen, die sie bereut …

Fazit: Toll gespielte, bittere Geschichte um verpasste Gelegenheiten.

Jenny

Die Handlung: Die junge Jenny (Constance Wu) findet sich allein auf einem Fest wieder und erinnert sich, zu welch unerwarteten Ereignissen ihr ausgeprägter Kinderwunsch geführt hat …

Fazit: Starke Story mit böser Pointe am Ende. Constance Wu spielt großartig.

Sasha

Die Handlung: Um einer tödlichen Pandemie zu entgehen, hat sich Sasha (Uzo Aduba) bei einer Firma namens „Forever Home“ auf Lebenszeit in freiwillige Isolation begeben. Nun möchte die KI sie unbedingt ins Freie locken …

Fazit: Gute Story über Angst und krankhafte Formen davon, mit allerdings früh gezogener Pointe.

Leah

Die Handlung: Leah (Anne Hathaway) forscht in ihrem Keller nach Möglichkeiten, durch die Zeit zu reisen. Das hat aber nicht nur wissenschaftliche Gründe …

Fazit: Anne Hathaway darf hier gleich mehrere Rollen übernehmen, die Folge hat aber auch inhaltlich viel zu bieten.

Nera

Die Handlung: Durch einen Blizzard von der Außenwelt abgeschnitten, ist die junge Nera (Nicole Beharie) gezwungen, ihr Baby allein zur Welt zu bringen. Doch ihr Sohn ist nicht wie andere Kinder …

Fazit: Die schwächste der sieben Storys. An den Haaren herbeigezogener Plot, der auch inhaltlich nicht überzeugt.

Stuart

Die Handlung: Ein alter Mann (Morgan Freeman), der unter starker Demenz leidet, erhält Besuch von einem jungen Mann (Dan Stevens), der eine alte Schuld einfordern will …

Fazit: Grandios gespielte Episode um die Dinge, die im Leben wirklich von Bedeutung sind.

Erwähnenswert: Obwohl die Geschichten für sich stehen, hat Chefautor David Weil mit dieser Episode eine lose Klammer geschaffen, denn hier werden einige Ereignisse erwähnt, die der Zuschauer in vorangegangenen Episoden bereits gesehen hat.

Sci-Fi-Philosophiestunde

Auch wenn Parallelen zu Black Mirror durchaus vorhanden sind, so  unterscheiden sich beide Serien in anderen Belangen auch deutlich. Bei Black Mirror spielt die Technik meist eine sehr wichtige Rolle. Sie bringt oft eine Story erst ins Rollen und zeigt Probleme auf, die es ohne sie vielleicht gar nicht gäbe. Auch bei David Weil spielt Technik eine Rolle, schließlich ist Solos eine Sci-Fi-Serie. Aber hier steht der Mensch deutlich mehr im Vordergrund, Technik ist nur Mittel zum Zweck, aber meist nicht das Problem, um das es in der entsprechenden Episode geht. So ist es in der Folge Tom offenkundig möglich, Menschen zu klonen. Da es aber nicht wichtig ist, wie genau das funktioniert, spielt es in der Episode auch keine Rolle mehr. Auch das Raumschiff in der Folge Peg ist als Handlungsort vorhanden, ansonsten aber nicht von Belang.

Und auch die Künstlichen Intelligenzen, die in zwei Episoden wichtig sind, dienen als Gesprächspartner, ihre technischer Hintergrund ist aber egal. So setzt Weil als Serienschöpfer andere Prioritäten in seinen Storys und Ideen als sein Kollege Charlie Brooker, der Kopf hinter Black Mirror. Eine Frage, die sich beim Vergleich nicht stellt, ist, welche die bessere Serie ist. Denn die deutlichen Unterschiede verbieten das. Weil beschränkt sich auf einen bis zwei Figuren und einen Raum oder Ort, in dem sich alles abspielt – nicht umsonst heißt die Serie Solos. Black Mirror hat solche Vorgaben nie gehabt. Und wo sich Brooker die Frage stellt, wie die Technik den Menschen verändert, fragt sich Weil, welche Eigenschaften des Menschen ihn prägen und was Menschsein letztlich ausmacht. Beides dürfte seine Fans finden.

Gespielt ist jede einzelne Folge stark, auch wenn die letzte durch das Zusammentreffen von Morgan Freeman und Dan Stevens ein wenig herausragt. Aber auch Stars wie Helen Mirren oder Anne Hathaway zeigen großartige Leistungen und fesseln den Zuschauer von der ersten Minute an. Was fehlt, ist Humor – und das ist Absicht. Alle Geschichten von Solos sind zumindest melancholisch, manche auch wirklich traurig. Das sollte aber kein Grund sein, sich Solos nicht anzusehen.

Fazit:

Mit Solos liefert Serienschöpfer David Weil eine Sci-Fi-Anthologie ab, die sich bewusst in vielen Bereichen einschränkt. Die Fokussierung auf eine Person und einen Raum pro Episode sorgt für ein Gefühl von Essenz und schafft Momente, die im Gedächtnis bleiben. Das liegt zu einem guten Teil auch an den durchweg tollen Schauspielern, die hier vor der Kamera stehen. Lediglich eine Episode, die inhaltlich auch am ehesten eine Black Mirror-Folge sein könnte, fällt ein wenig ab. Mit der finalen Folge, die man auch zuletzt sehen sollte, bringt Weil dann noch einmal seine Antworten auf die großen Fragen des Lebens auf den Punkt. Für Zuschauer, die in Science-Fiction immer mehr gesehen haben als Raumschlachten oder Alien-Invasionen, ist Solos ein echter Leckerbissen.

Solos startet am 25. Juni 2021 bei Amazon Prime.

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Hier gibt es die Kritik zu Staffel 1.

Die einzelnen Episoden

Automatisierter Kundenservice

Inhalt: Auf der Erde der Zukunft hat sich die Menschheit gemütlich eingerichtet und die ganze Arbeit den Robotern überlassen. Was das für ein Problem sein kann, lernt eine alte Dame samt Pudel, als ihr Saugroboter Amok läuft und der automatisierte Kundendienst des Unternehmens ebenfalls höchst eigenwillige Ansichten an den Tag legt …

Fazit: Ein guter Staffelauftakt mit schwarzem Humor, einer guten Pointe und einem schrägen, aber recht coolen Animationsstil. Die witzigste Folge der Staffel.

Eis

Inhalt: Zwei Brüder müssen sich nach einem Umzug in der neuen Umgebung zurechtfinden. Dem optimierten kleinen Bruder gelingt das besser als dem naturbelassenen älteren. Doch ein perfekter Körper ist nicht alles …

Fazit: Eine optisch überaus stylische, mangaesk anmutende Folge, die inhaltlich aber reichlich belanglos bleibt. Eine der schwächeren Episoden.

Jäger und Gejagte

Inhalt: In der Zukunft hat die Menschheit einen Weg gefunden, sich selbst unsterblich zu machen. Allerdings gibt es einen hohen Preis, die sie dafür zahlen müssen. Ein erfahrener Cop und seine Kollegin sind dabei die ausführenden Organe …

Fazit: Die „Blade Runner“-Folge der Staffel. In fast fotorealistischer Optik stellt diese Episode moralische Fragen, die je nach Blickwinkel unterschiedliche Antworten liefern. Eine komplexe Welt, mit schnellem Strich beeindruckend zum Leben erweckt und konsequent erzählt – ein Highlight!

Snow in der Wüste

Inhalt: Der Einsiedler Snow lebt abgeschieden mitten in der Wüste eines fremden Planeten. Nur einmal im Monat sucht er die Stadt auf, um sich besondere Vorräte zu verschaffen. Auch dieses Mal lauern ihm Kopfgeldjäger auf, denn seine DNA ist eine Menge Geld wert. ALs eine geheimnisvolle Fremde ihm hilft und sich ihm später anschließt, denkt er sich erst nichts Böses …

Fazit: Obwohl der Wortwitz des Titels auf deutsch nicht ganz zündet, die beste Folge der Staffel! Brutal und blutig, aber auch mit cooler Grundidee ungleich mehreren Twists ist diese Folge Sci-Fi pur. Dazu kommt die wohl beste fotorealistische Optik der Staffel.

Im hohen Gras

Inhalt: Als der Zug kurz hält, steigt ein Fahrgast aus, um kurz eine Zigarette zu rauchen. Dabei fallen ihm seltsame Lichter im hohen Gras auf und er geht den Leuchtsignalen nach. Das hätte er mal lieber nicht getan …

Fazit: Die Horrorfolge der Staffel. Obwohl sie auf deutsch so heißt wie eine Kurzgeschichte von Stephen King, hat sie damit nichts zu tun. Inhaltlich erinnert sie eher an einen anderen Großmeister des Horrors. Ob es Zufall ist, dass der Protagonist Ähnlichkeit mit H.P. Lovecraft aufweist? Vermutlich nicht. Auch die ganz eigene Optik überzeugt, eine gute Folge.

Bescherung

Inhalt: Bruder und Schwester hören am Weihnachtsabend in ihrem Zimmer Lärm von unten und beschließen, sich den Weihnachtsmann einmal aus der Nähe anzusehen. Was sie entdecken, hätten sie aber nicht erwartet …

Fazit: Die kürzeste Folge von Love, Death and Robots Staffel 2 ist ganz in Ordnung. Sie hat zwar nur eine Idee, aber für die fünf Minuten Laufzeit ist das auch genug. Und ein leichter Beigeschmack bleibt zurück und beweist die Qualität.

Rettungskapsel

Inhalt: Ein Pilot (Michael B. Jordan) sucht nach dem Absturz auf einem fremden Planeten nach der abgeworfenen Rettungskapsel. Die hat den Aufprall aber nicht so gut überstanden, wie der Pilot es gehofft hatte …

Fazit: Optisch ebenfalls beeindruckend, belässt es diese Episode auch bei einer Idee, die die kurze Story antreibt. Eine ganze nette Folge, aber nichts Besonderes.

Der ertrunkene Riese

Inhalt: Ein mehr als 50 Meter großer Mensch wird tot am Strand angespült. Während ein Wissenschaftler immer wieder dorthin geht und sich den Riesen ansieht, lässt er seine Gedanken fließen …

Fazit: Ruhiger, fast zenhafter Ausklang der Staffel. Optisch ebenfalls sehr stark, inhaltlich eher ein Essay als eine Kurzgeschichte, denn eine Handlung im eigentlichen Sinn gibt es nicht.

Love, Death and Robots Staffel 2-Fazit:

Love, Death and Robots Staffel 2 enttäuscht gleich mehrfach. Zum einen bietet sie nicht einmal halb so viele Folgen wie die erste Staffel, zum anderen fällt die Auswahl deutlich harmloser aus als im Vorgänger. Wo diese noch echte (wenn auch meist leicht morbide) Erotik und reichlich Blut bot und auch mit ein paar ganz starken Ideen punkten konnte, ist Staffel 2 in allen Bereichen schwächer. Keine neue Episode ist so blutig wie „Sonnies Vorteil“, keine so lustig wie „Drei Roboter“ und keine so innovativ wie „Die Augenzeugin“ oder „Alternative Zeitachsen“. Es bleibt zu hoffen, dass Netflix vielleicht mehr schwache Episoden in Staffel zwei gepackt hat und die angekündigte dritte Staffel noch ein paar Highlights bereithält. Gute Unterhaltung ist Love, Death and Robots Staffel 2 immer noch, ein Knaller wie Staffel eins ist sie nicht mehr.

Love, Death and Robots Staffel 2 startet am 14. Mai 2021 bei Netflix.

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Viele bekannte Kurzgeschichten stammen aus dem Bereich Horror oder Thriller. Meister ihres Fachs wie Edgar Allan Poe, H.P. Lovecraft, Stephen King oder Roald Dahl setzen auf Storys, die häufig im letzten Moment einen Twist aufweisen, der die Geschichte plötzlich in einem anderen Licht darstellt. Wie im Fall von Dahl müssen das nicht unbedingt übernatürliche Elemente sein, auch die Boshaftigkeit der menschlichen Natur reicht oft aus, um eine fiese, kleine Idee zu einer coolen Story zu machen. Kann das auch Blutiger Trip beweisen?

Blutiger Trip: Die Handlung

Sechs Kurzgeschichten ohne Zusammenhang umfasst die erste Staffel. Einzige Gemeinsamkeit: Zu Beginn jeder Folge sitzen die Helden der Story gemeinsam in einem unheimlichen Bus und fahren – möglicherweise – in die Hölle. In der ersten Folge zieht ein Paar aus der Großstadt aufs Land und erlebt dort eine ungewöhnliche Methode, zu viel Geld zu kommen, allerdings mit tödlichen Folgen. Danach kommt ein junger Mann nach drei Jahren Behandlung in der Psychiatrie endlich auf freien Fuß. Doch beim gemeinsamen Ausflug mit seinen beiden älteren Brüdern treten dunkle Geheimnisse aus der Vergangenheit ans Licht.

Episode drei befasst sich mit einer jungen Frau aus reichem Hause, die unbedingt Schriftstellerin werden möchte. Als sie beim Seminar einer berühmten Autorin einen unscheinbaren Mann kennen lernt, denkt sie sich nichts dabei. Doch bald läuft ihr Leben komplett aus dem Ruder – wie in einem schlechten Roman. Ob es da einen Zusammenhang gibt? Weitere Storys: Ein Abendessen mit Industrie-Spionage, die Wiedereröffnung einer gruseligen Schule und eine Büroparty mit Geistern als besondere Überraschung …

Blutiger Trip: Kein Black Mirror

Um keine falschen Erwartungen aufkommen zu lassen: Mit Black Mirror kann die norwegische Serie nicht mithalten. Dazu fehlen schlicht die bahnbrechenden neuen Ideen, denn die sechs Folgen von Blutiger Trip sind in ihrem Ursprung allesamt nicht neu. Schon eher erinnern sie an „Geschichten aus der Gruft“, die sich wiederum an alten US-Horrorcomics orientieren. Denn meist geht es um schlechte Menschen oder Personen, aus denen die Gelegenheit schlechte Menschen macht. Und die daher das meist böse Ende ihrer Geschichte moralisch verdienen.

In ihrer Qualität sind die einzelnen Folgen auch recht unterschiedlich. Von relativ öde bis ganz ansehnlich ist alles vertreten. Einen Ausreißer nach oben sucht der Fan allerdings vergeblich. Das liegt meist an den Storys, die mit ihren knapp 30 Minuten oft entweder zu lang für die kleine oder zu kurz für eine größere Idee sind und so thematisch oft zwischen den Stühlen sitzen. Dafür stimmt für Horrorfans der Blutgehalt. Zwar feiern die Macher hier keine Gore-Orgien ab, aber die eine oder andere böse Stelle weist eigentlich jede Folge auf.

Blutiger Trip: Gut für Einsteiger

Und somit eignet sich die Serie weniger für gestandene Horrorfreunde als vielmehr für Neulinge oder empfindliche Zuschauer. Denn die 30 Minuten sind besser durchzuhalten als ein ganzer Spielfilm. Der Grad an Gewalt ist nicht übertrieben hoch. Und die Storys selbst sind auch eher böse und makaber als wirklich unheimlich. Hin und wieder kommt sogar ein Schuss Humor, wenn auch aus der dunklen Kategorie, dazu. Und so erinnert die Serie tatsächlich zumeist an die „Küsschen, Küsschen“-Sammlungen des Briten Roald Dahl und weniger an die Klassiker des Genres.

Fans dürften auch deshalb Probleme mit der Serie haben, weil jede Idee schon einmal in ähnlicher Form Verwendung fand. So orientiert sich Folge eins lose am Märchen vom Fischer und seiner Frau, Episode zwei verbeugt sich vor Hitchcocks „Psycho“ und so weiter und so fort. Das ist alles dennoch ganz nett, mehr aber eben auch nicht. Dazu kommt, dass die deutscher Synchronisierung zwar stets ordentlich ist, aber auch nie mehr als das. Richtig mitreißende Momente schaffen die Sprecher so nicht – und Emotion gehört zum guten Horror nun einmal dazu.

Als kleine Gemeinheit für zwischendurch taugt Blutiger Trip schon, Genre-Freunde sollten ihre Erwartungen aber nicht zu hoch hängen. Das liegt zum einen am Budget, dass sichtbar nicht sonderlich hoch war, zum anderen auch an Schauspielern, die in ihren Rollen nicht wirklich überzeugend agieren. Wer aber seinen Spaß an kleinen, fiesen Storys ohne große Nachhaltigkeit oder Tiefgang hat, der sollte sich ruhig auf Verdacht einmal eine Folge ansehen. Unser Tipp: Drei kranke Brüder.

Fazit:

Im Norden nichts Neues! Die Anthologie-Serie Blutgier Trip aus Norwegen macht zwar nichts völlig falsch, bleibt aber zu sehr in bekannten Ideen und Klischees verhaftet, um dem Horror-Sektor etwas Neues hinzuzufügen. Zum Teil durchschnittliche Schauspieler und eine routinierte deutsche Synchronisation ohne Highlights machen die Sache auch nicht besser. Als kleiner fieser Genre-Happen mit mehr oder weniger gelungener Schluss-Pointe taugen die sechs Episoden aber durchaus – und für Horror-Neulinge ohnehin.

Blutiger Trip startet am 13. März 2020 bei Netflix.

Gesehen: Drei von sechs Folgen.

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So richtig als Serie geht Black Mirror bei vielen Zuschauern gar nicht durch. Denn außer dem Grundthema Mensch und Technik haben die einzelnen Episoden auf den ersten Blick nichts gemeinsam. Allerdings sind die meisten Drehbücher vom Serienerfinder Charlie Brooker verfasst worden. Und daher gibt es schon so etwas wie einen roten Faden. Auch wenn der nicht sonderlich dick ist. Aber der stets kritische Grundtenor der einzelnen Episoden ist doch ähnlich. Trifft das auch für die drei neuesten Folgen zu?

Black Mirror Staffel 5: Die Handlung

Smithereens

Der ehemalige Lehrer Chris (Andrew Scott, der Moriarty-Darsteller aus „Sherlock“) hat nach einem tragischen Ereignis seinen Job aufgegeben und arbeitet nun als Taxi-Fahrer in London. Er steht immer am selben Platz und fragt jeden seiner Gäste, ob sie bei „Smithereen“ arbeiten, einer Social-Media-Plattform in der Nähe. Als er endlich einen Fahrgast hat, der dort arbeitet, entführt er den jungen Mann und setzt sich mit der Firma in Verbindung. Er droht, den Mann zu töten, wenn er nicht mit Firmenchef Billy (Topher Grace) sprechen darf …

Rachel, Jack and Ashley Too

Die junge Rachel (Angourie Rice, „The Nice Guys“) ist ein großer Fan der Sängerin Ahsley O (Miley Cyrus). Und weil sie anch einem Umzug noch keine neuen Freunde gefunden hat, wird die Sängerin ihre große Stütze. Als die eine Social-Media-KI-Puppe namens Ashley Too auf den Markt bringt, muss Rachel unbedingt eine haben – sehr zum Ärger ihrer älteren Schwester „Jack“ (Madison Davenport). Als die echte Ashley eine Tragödie erleben muss, entwickelt Rachels Ashley Too plötzlich ein seltsames Eigenleben …

Striking Vipers

Einst waren Danny (Anthony Mackie, der Falcon aus dem MCU) und Carl (Yahya Abdul Mateen II, Black Manta aus „Aquaman“) enge Freunde. Die nächtelang zockten und dabei sogar manchmal Dannys Freundin Theo (Nicole Beharie, „Sleepy Hollow“) vergaßen. Jahre Später haben Danny und Theo geheiratet, gute Jobs und ein gemeinsames Kind. Doch für Spaß bleibt wenig Zeit. Als Carl zu Dannys Geburtstag ein neues virtuelles Spiel mitbringt, fangen die beiden wieder mit dem Zocken an – mit unerwarteten Folgen …

Black Mirror Staffel 5: Keine Highlights

Obwohl die Serienmacher verkündet hatte, durch das Einschieben der interaktiven Folge „Bandersnatch“ zu Weihnachten nur eine verkürzte fünfte Staffel machen zu können, freuten sich die Fans in aller Welt nach der starken vierten Staffel auf die drei neuen Episoden. Aber die Redaktion lehnt sich hier schon einmal aus dem Fenster. Keine der drei Folgen wird es bei vielen Fans in die Top drei der besten Episoden schaffen. Keine davon ist schlecht, aber eine echte Innovation oder einen Kracher wie „U.S.S. Callister“ sucht man vergebens.

Emotional am stärksten ist dabei noch Smithereens, da sie sich mit Themen wie Verlust und Schuld beschäftigt, die zeitlos sind und deshalb eigentlich immer funktionieren. Die tragische Geschichte von Chris nimmt das Publikum vor allem deshalb mit, weil immer wieder Hoffnung aufkeimt, die Sache könnte ein gutes Ende nehmen. Und diese Hoffnung auch immer wieder sauber zerstört wird. Zudem sind Scott und Topher Grace als Milliardär mit schlechtem Gewissen in ihren Rollen sehr stark. Eine gute Folge.

Black Mirror Staffel 5: Der Mut zu heiklen Fragen

Inhaltlich am mutigsten ist hingegen Striking Vipers, denn sie beschäftigt sich nicht nur mit Sexualität an sich. Sondern auch mit virtueller Sexualität – und der Frage nach deren Bedeutung. Weil die beiden Freunde sich mit ihren virtuellen Avatars (ein Mann, eine Frau (Pom Klementieff)) lieber ihrer Lust hingeben als auf einander einzuschlagen, wie das Spiel es eigentlich vorsah, stellen sich beide die Frage, ob sie nun deshalb schwul sind oder nicht. Und das hat auch Auswirkung auf das Sexleben in Dannys Ehe.

Optisch nimmt sich die Folge dabei relativ zurück. In Sachen nackter Haut war Black Mirror schon freizügiger als in dieser Folge. Aber die Frage nach sexueller Identität und die erstaunliche Antwort, die alle Beteiligten darauf finden, macht Striking Vipers zur innovativsten Episode der neuen Staffel. Solches Lob lässt sich für die Folge Rachel, Jack and Ashley Too leider nicht finden. Denn was ganz einfallsreich beginnt, entwickelt sich im Verlauf der Episode zu einem lauen Thriller, der die sonst so einfallsreiche Serie nicht wirklich bereichert.

Die Idee der künstlichen Lebensform als Back-Up für einen echten Menschen ist nicht neu. Und das hat „Altered Carbon“ beispielsweise deutlich spannender erzählt. Dazu kommt der arg vorhersehbare Plot, der ebenfalls den mitunter so großartigen Twists mancher Folgen (zum Beispiel „Crocodile“) nicht zur Ehre gereicht. Dass Miley Cyrus hier mitspielt, ist gar nicht das Problem. Die drei jungen Frauen sind in ihren Rollen sogar sehr sympathisch. Aber die Story macht diese Folge trotz einiger gelungener Seitenhiebe auf das Musik-Business zur schwächsten.

Fazit:

Obwohl die Staffel-Länge auf nur drei Episoden gesenkt wurde, kann die Qualität mit den starken Staffeln drei und vier nicht ganz mithalten. Zwar greift Brooker noch immer kontroverse Themen auf, bedient sich aber inzwischen auch bei ausgelutschten Ideen, die selbst mit starker Besetzung nicht mehr so recht zünden. Richtig schwach ist keine der Episoden von Black Mirror Staffel 5, richtig stark aber auch nicht. Vielleicht sollte sich Serienerfinder Charlie Brooker mehr Zeit für Ideen gönnen – oder sich ein paar Autoren dazu holen. Potenzial hat Black Mirror noch immer.

Black Mirror Staffel 5 startet am 5. Juni 2019 bei Netflix.

Gesehen: Drei von drei Folgen

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