Die Kritik zu Der Pass Staffel 1 gibt es hier.

Die Kritik zu Der Pass Staffel 2 gibt es hier.

Die Handlung

Ellie Stocker (Julia Jentsch) ist noch immer wütend. Ihr Kollege Gedeon Winter (Nicholas Ofczarek) hat ein wichtiges Beweismittel im Fall der toten Kollegin Yela Antic verschwinden lassen und damit dem Täter die Flucht ermöglicht. Dass Gedeon dadurch eine Spur zu einem verschwundenen Maler bekam, der ihn als Kind missbraucht hatte, weiß Ellie nicht. So setzt sie all ihre Kräfte ein, um den ehemaligen Freund und Lebensretter ans Messer zu liefern. Doch das muss zurückstehen, als im Grenzgebiet zwischen Deutschland und Österreich ein Serienmörder grausam zuschlägt. Und seine Opfer unsagbaren Qualen aussetzt, bevor sie sterben.

Und so müssen sich Gedeon Winter und Ellie Stocker noch einmal zusammenraufen, um den Killer zu stoppen, bei dem selbst Profiler kaum ein Motiv erkennen können. Mit jedem weiteren Opfer gerät die Sonderkommission weiter unter Druck. Erste Spuren scheinen in eine Richtung zu deuten, die normalerweise in Ermittlungen keine Rolle spielen: das Reich der Mythen und Sagen. Offenbar orientiert sich der Mörder an einer Gestalt, die angeblich im Mittelalter in der Gegend lebte. Und sich gegen die Herrschenden stellte. Während Gedeon Winter somit gleich zwei Verbrecher jagt, muss sich Ellie schließlich entscheiden, wo ihre Prioritäten liegen …

Neue kreative Köpfe

Für die finale Staffel wurden die Showrunner und Autoren Cyril Boss und Philipp Steinert abgelöst. Christopher Schier und Thomas W. Kiennast, Macher der „Ibiza-Affäre“ wurden von Sky zu den neuen kreativen Chefs gemacht, um die Geschichte um Winter und Stocker zu einem Ende zu bringen. Auch neue Autoren wurden verpflichtet. Wer die bisherigen Staffeln gesehen hat, wird die Veränderungen auch bemerken. Sie sind aber nicht so groß, dass aus Der Pass Staffel 3 eine grundlegend andere Serie werden würde. Die grundlegende, düstere Atmosphäre bleibt bestehen, wird sogar fast noch dunkler als zuvor. Das führt manchmal sogar dazu, dass es in einigen Momenten fast wie eine Parodie wirkt. Hier wäre weniger vielleicht mehr gewesen.

Denn in einigen Szenen wirkt die Brutalität der Serie, die in den beiden ersten beiden Staffeln als sparsames Stilmittel eingesetzt wurde, diesmal eher wie ein Selbstzweck, um zu vermitteln, wie grausam der Killer vorgeht. Das wird sicher nicht jedem gefallen, denn die vorherigen Showrunner erreichten die manchmal eiskalte Stimmung der Serie auch ohne expliziten Einsatz von blutigen Bildern. Während die erste Staffel sich mit einem glaubhaften Psychopathen beschäftigte, schlug die zweite Staffel als Psychogramm einer dysfunktionalen Familie eine andere Saite an, die ebenfalls gut funktionierte. Der Pass Staffel 3 schielt hingegen mehr auf Vorbilder wie „Sieben“, ohne ganz dessen Qualität zu erreichen.

Grandios gespielt – schon wieder

Dennoch bleibt die Serie auch in ihrer finalen Staffel auf hohem Niveau. Denn Julia Jentsch und der nach wie vor grandios aufspielende Nicholas Ofczarek spielen ihre Rollen mit einer Intensität, die es so im deutschen Fernsehen nicht oft zu sehen gibt. Die innere Zerrissenheit, die der körperlich kernige Ofczarek hier zeigt und die Art und Weise, wie er sich in einigen Szenen wieder in ein verängstigtes Kind verwandelt, bleibt auch nach Ende der Staffel noch lange im Gedächtnis. Schauspielerisch gibt es aber auch in Der Pass Staffel 3 keinen einzigen Ausfall. Besonders erwähnenswert sind Lucas Gregorowicz als schmieriger Journalist. Und August Diehl als undurchsichtiger Einsiedler.

Auch inszenatorisch können die neuen  Folgen überzeugen. So fängt die Kamera Gedeon Winter, dessen Schicksal sich in dieser Staffel anhand von Gemälden entwickelt, immer wieder in einer Art Rahmen ein. Mal sind es schroffe Felswände, mal sind es Türrahmen, aber immer steht Winter auf eine falsche Art im Zentrum eines mehr oder weniger bizarren Bildes. Das ist wohltuend subtil gemacht. Eine Eigenschaft, die man Der Pass Staffel 3 leider nicht durchgehend attestieren kann. Gerade der Beginn vieler Episoden, in der das Publikum Kinder zu sehen  bekommt, die seltsame Rituale vollziehen, ist eher redundant als verstörend. Und bringt auch die Handlung nicht wirklich voran. Auch die Suche nach dem Killer wird durch einige sehr unglaubwürdige Kandidaten nicht spannender.

Denn erstmals haben die Autoren tatsächlich die Auflösung nicht in die Mitte der Staffel gesetzt, sondern ans Ende. Und sind damit der klassischen Mörderjagd deutscher Krimis einen großen Schritt näher gekommen. Spannender als die Vorgänger ist die finale Staffel dadurch zwar nicht. Aber zumindest wirkt sie anders als die Vorgänger, was auch einen gewissen Grad an Frische durch die nach wie vor nachtschwarzen Wälder der Grenzregion wehen lässt. Und so ist Der Pass Staffel 3 inhaltlich vielleicht die schwächste, emotional aber vielleicht auch die stärkste Staffel dieser zu kurzen, aber stets fulminanten Serie.

Fazit:

Mit Der Pass Staffel 3 hält die großartige Serie nicht mehr ganz das Niveau ihrer Vorgänger, punktet dafür aber mit besonders emotional ergreifenden Momenten. Bleibende Elemente wie die entsättigten Farben und die wilde, gefährliche Natur, die das zarte Pflänzchen Zivilisation umgibt, prägen erneut das Erscheinungsbild, während die letzte Staffel inhaltlich etwas bekanntere Pfade wählt, ohne deshalb zu langweilen. Denn die abermals großartigen Schauspieler machen auch aus der etwas weniger innovativen Story noch ein Fest für Serienfans. Auch mit den finalen Folgen verteidigt Der Pass den Ruf als eine der besten Thriller-Serien, die je in Deutschland entstanden sind. Chapeau!

Der Pass Staffel 3 startet am 4. Mai 2023 bei Sky und WOW.

Der Beitrag Serienkritik: Der Pass Staffel 3 erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Kritik zu Staffel 1 gibt es hier.

Die Kritik zu Staffel 3 gibt es hier.

Die Handlung

Seit Ellie Stocker (Julia Jentsch) dem Tod knapp von der Schippe gesprungen ist – und Gedeon Winter (Nicholas Ofczarek) Opfer eines Attentats wurde – ist einige Zeit vergangen. Ellie ist wieder in ihren alten Job bei der Kripo Traunstein zurückgekehrt. Und jagt mit ihrem Team weiterhin Mörder und andre Gewaltverbrecher. Doch mit den Ereignissen von damals hat sie trotz Therapien nie ganz abgeschlossen. Und deshalb noch heute mitunter Panikattacken. Gedeon Winter liegt seit seinem Verrat an einem Verbrecher-Clan und der darauf folgende Strafe mit einer Kugel im Kopf im Koma. Als er daraus erwacht, bekommt er eine niederschmetternde Diagnose. Das Projektil ist so gut wie inoperabel, er wird seinen Beruf als Polizist nicht mehr ausüben können.

Als in Österreich eine junge Frau aus Deutschland brutal ermordet aufgefunden wird, hat Ellie gerade einen schweren Rückfall und kann die Ermittlungen daher nicht übernehmen. Deshalb schickt sie ihre junge Kollegin Yela Antic (Franziska von Harsdorf) über die Grenze, um den Kollegen vor Ort bei den Ermittlungen zu helfen. Doch die tut sich mit den männlichen Kollegen ebenso schwer wie mit dem Fall. Als sie eher zufällig mitbekommt, dass Gedeon Winter erwacht ist, besucht sie ihn deshalb im Krankenhaus und bittet um seine Mithilfe. Und tatsächlich erwacht im erst noch zögerlichen Schnüffler erneut der Jagdinstinkt. Die Spur führt zu einem Brüderpaar in einflussreicher Position. Ist einer von ihnen der Killer?

Starkes Drehbuch

Wie bereits im ersten Fall liegt auch in Der Pass Staffel 2 der Schwerpunkt der Story nicht auf dem klassischen „Whodunnit“ für das Publikum. Noch früher als in der ersten Staffel geben die Macher die Identität des Killers preis. Und wie in der ersten Staffel tut das der Spannung überhaupt keinen Abbruch – ganz im Gegenteil. Allerdings hat die neue Story zu Beginn etwas mehr zu kämpfen, bis sie richtig in die Gänge kommt. Das hat Staffel 1 mit ihren düsteren Bildern, den düsteren und unheimlichen Traditionen und der eiskalten Stimmung etwas besser gemacht. Aber ist Staffel 2 erst einmal so richtig gestartet, entwickelt auch sie schnell den alten Sog, der es dem Zuschauer kaum möglich macht, nach einer gesehenen Episode abzuschalten. Zu spannend ist der Moment, zu sehr möchte man wissen, wie es weitergeht.

Wie im Vorgänger liegt der Erfolg dabei auf vielen Schultern. So haben die Drehbuch-Autoren erneut einen tollen Job gemacht und liefern eine facettenreiche und doch glaubhafte Geschichte ab, deren einzelne Facetten so gut ineinandergreifen, dass es kaum einmal Langeweile gibt. Zudem präsentieren sie einen ganz anderen Typ Serienkiller als noch den Krampusmörder aus Staffel 1. Und sie entwickeln die beiden gebrochenen Helden glaubhaft weiter und führen interessante neue Figuren ein. Ihre Arbeit bildet das Rückgrat der zweiten Staffel, denn ohne eine gute Story kommt kaum eine Krimi-Serie aus, die den Zuschauer fesseln will. Dass dabei auch noch aktuelle und ewige Probleme der Gesellschaft und des Kapitalismus aufs Korn genommen werden, ist die Sahne auf der Torte.

Grandioser Cast

Es ist allerdings nicht so, dass der Plot von Der Pass Staffel 2 vor Originalität strotzt. Alles, was dem Zuschauer präsentiert wird, hat der Thriller-Fan auf die eine oder andere Art schon einmal gesehen. Auch die von Küchenpsychologie durchsetzte Motivation der Charaktere ist wahrlich nicht neu. Aber es ist dramaturgisch so gut zusammengefügt, dass es dennoch stets interessant und bedrohlich bleibt. Das liegt auch in der gewohnt guten Inszenierung der Serie. Auch diesmal haben Cyrill Boss und Philipp Stennert als Autoren, Produzenten und Regisseure einen beeindruckenden Job gemacht. Denn die Atmosphäre der Serie trägt maßgeblich zu ihrer Qualität bei – und die haben die beiden Macher perfekt eingefangen.

Und doch wäre alles nichts ohne die Schauspieler, die den Charakteren Leben einhauchen. Erneut spielt Nicholas Ofczarek die Figur des Gedeon Winter grandios. Wohl auch deshalb steht der korrupte Gesetzeshüter in Der Pass Staffel 2 noch stärker im Mittelpunkt als zuvor. Ellie Stocker tritt dadurch ein wenig in den Hintergrund, was dem Charakter aber durchaus gut tut. Julia Jentsch hat diesmal einige extrem intensive Szenen. Die auch dem zurückhaltenden Einsatz ihres Charakters geschuldet sind. Dominic Marcus Singer und Christoph Luser als dubioses Brüderpaar und die relative Newcomerin Franziska von Harsdorf runden den starken Cast ab.

Das Zusammenspiel all dieser Faktoren sorgt auch in der zweiten Auflage für ein Thriller-Erlebnis, das dem typisch deutschen Durchschnitts-Krimi um Lichtjahre voraus ist. Und sich mit den großen skandinavischen und britischen Thriller-Serien durchaus messen kann. In Qualität der Story, Atmosphäre und Kälte, die eine Serie verströmen kann. Zwar muss es nicht wieder drei Jahre dauern, aber wenn Sky weiterhin auf diesem Niveau liefern kann, dann sollte die dritte Staffel möglichst schnell bestellt werden. Etwas Besseres aus Deutschland haben Fans von düsteren Krimis und Thrillern sicher lange nicht gesehen.

Fazit:

Auch Der Pass Staffel 2 ist wieder eine Serie von Sky, die zum Besten gehört, was an deutschen Produktionen in diesem Jahrtausend zu sehen war. Nach „Babylon Berlin„, deren letzte Staffel die Qualität der beiden ersten halten konnte, gelingt da Kunststück auch diesem eiskalten Thriller. Das liegt sicher zum großen Teil daran, dass das Team zusammenblieb – vor und hinter der Kamera. Und das sich dort außergewöhnlich begabte Kreative gefunden haben, um eine Serie zu schaffen, die unter die Haut geht. Ja, die Grundidee geht auf Die Brücke zurück, aber Der Pass hat sich inzwischen längst emanzipiert und ist zu etwas Eigenem geworden. Hier können neben Krimifans der gehobenen Sorte auch Thriller- und Horrorfreunde unbesorgt einschalten – es lohnt sich!

Der Pass Staffel 2 startet am 21. Januar 2022 bei Sky (diverse Möglichkeiten).

Der Beitrag Serienkritik: Der Pass Staffel 2 erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Handlung

Hannah Faber (Angelina Jolie) ist eine Feuerspringerin, eine Lösch-Expertin, die mit dem Fallschirm in Waldbrandgebieten abspringt, um am optimalen Ort die Flammen bekämpfen zu können. Doch seit bei einem Einsatz drei Kinder vor ihren Augen verbrannten und sie sich die Schuld daran gibt, ist sie kaum noch in der Lage, ihren Job auszuüben, denkt sogar an Selbstmord. Daher wird sie, sehr zur Freude ihres Ex-Freundes Ethan (Jon Bernthal), einem Cop, auf einen Aussichtsturm versetzt, von dem aus sie nach Bränden Ausschau halten soll. Doch auch dort werden die Erinnerungen an den Tod der Kinder nicht blasser.

Gleichzeitig ziehen die zwei Killer Jack (Aidan Gillen) und Patrick (Nicholas Hoult) durch die Gegend, um unliebsame Mitwisser eine politischen Affäre zu beseitigen. Während sie ihr erstes Opfer, einen Staatsanwalt, noch problemlos in die Luft jagen können, ist ihr zweites Opfer schlauer. Der Buchhalter Owen (Jake Weber) erfährt aus den Nachrichten vom Anschlag auf den Staatsanwalt und zieht die richtigen Schlüsse. Er packt seinen Sohn Connor (Finn Little) ins Auto und flieht. Doch die Killer stellen ihn in den Bergen von Montana. In seiner Not schickt Owen seinen Sohn in die Wälder, um ihn vor dem Killern zu schützen. Und dort trifft er nach kurzer Zeit auf Hannah, die schnell merkt, dass mit dem Jungen etwas nicht stimmt. Sie weiß aber nicht, dass Owens Spur, der die Killer folgen, auch zu Ethan und seiner Frau führen …

Retro-Charme mit frischem Wind

Der Plot klingt vertraut: Ein Held (in diesem Fall eine Heldin) mit Problemen muss in der Stunde der Not über sich hinauswachsen, um inmitten wilder Naturgewalt die Schurken zu besiegen. Das erinnert an Stallones Bergsteiger-Actioner „Cliffhanger“ oder an „Am wilden Fluss“ mit Meryl Streep. Und die Ähnlichkeiten zwischen diesen Filmen und They Want Me Dead lassen sich auch nicht wegdiskutieren. Dass der Film dennoch eine ganz andere Tonart anschlägt und sich trotz leichten Retro-Charmes von den 90er-Actionhits abhebt, liegt an Taylor Sheridans Inszenierung. Denn wie schon in seinen vorherigen Filmen dampft der Regisseur und Autor seine Geschichten auf das Nötigste zusammen. Wie Wind River läuft auch They Want Me Dead deshalb deutlich unter zwei Stunden.

Das gelingt, indem er Charakterzeichnung und Handlung miteinander verbindet. So lässt er das Killer-Duo zu Beginn des Films fast gelangweilt über die weiteren Reisepläne sprechen, während hinter ihnen das Haus des Staatsanwaltes explodiert. Nach Ansicht Sheridans ist das alles, was man als Zuschauer über Jack und Patrick wissen muss – und er hat Recht. Als gnadenlose, eiskalte Mörder ohne Gewissen funktionieren beide ausgezeichnet. Das wundert bei Aiden Gillen, der mit Littlefinger einen der meistgehassten Charakter in „Game of Thrones“ spielte, nicht wirklich. Aber dass auch der sonst meist in Heldenrollen eingesetzte Nicholas Hoult hier als absoluter Fiesling brilliert, erstaunt dann doch.

Die Natur als Star

Dazu spielt wie in allen Drehbüchern und Filmen Sheridans die Natur eine Hauptrolle. War das in Sicario die Wüste an der Grenze zu Mexiko, zeigte er in Wind River den Norden Wyomings in erhabenen Bildern. In They Want Me Dead sind die Berge und Wälder von Montana neben Angelina Jolie und Jon Bernthal die Hauptdarsteller. Ihnen zollt Sheridan in wunderschönen Aufnahmen seinen Tribut. Und ihnen weist er auch die Verantwortung für die Charaktere seiner Helden zu. Ob Ethan, seine hochschwangere Frau Allison oder Hannah, es sind wortkarge, aber in sich ruhende Menschen, die wenig heldenhafte Ambitionen in sich tragen, sondern einfach nur das Richtige tun wollen. Geerdete Typen inmitten überwältigend schöner Natur, die demütig werden lässt. Pathos hat da nur wenig Platz. 

Ein weiteres Markenzeichen von Taylor Sheridan ist die Art, wie er Gewalt darstellt. Bei ihm gibt es keine minutenlangen Schießereien, Kugeln sind schnell tödlich und Sheridan zeigt Gewalt fast naturalistisch, weder blendet er sie aus, noch überzeichnet er sie. Auch das verleiht They Want Me Dead einen realistischeren Touch als den meisten Actionfilmen. Dennoch gibt es auch Kritikpunkte. Denn auch wenn Sheridan hier durchaus seine Duftmarken setzt, ist der Plot eben nicht sonderlich originell. Und so dürften erfahrene Filmfans den Großteil der Handlung bereits nach zwanzig Minuten voraussagen können. Keine besonders gute Eigenschaft bei einem Thriller. Allerdings lässt sich nicht sagen, ob Sheridan daran die Schuld trägt oder ob es an der literarischen Vorlage von Michael Koryta liegt, der auch am Script mitarbeitete.

Spannung bezieht der Film daher auch mehr aus dem durchweg guten Spiel der Darsteller und dem Überlebenskampf einiger Nebenfiguren, dessen Schicksal nicht so klar auf der Hand liegt wie das der Heldin. Und auch hier geht Sheridan typische, eigene Wege. Dass alle Bösen sterben und alle Guten überleben ist nichts, was man als Zuschauer in einem Taylor Sheridan-Film erwarten darf. Daher muss das Publikum tatsächlich um einige Figuren fürchten. Und das ist, bei aller sonstigen Überraschungsarmut, eben nicht im Vorfeld zu sagen. So entschädigt das emotionale Finale dann auch ein wenig für die schablonenhafte Story.

Fazit:

Mit They Want Me Dead werden vor allen Fans von Actionfilmen der 90er Jahre ihren Spaß haben. Regisseur und Autor Taylor Sheridan lässt hier seine Helden nie überlebensgroß werden, sondern zeigt eine weitgehend realistische Story vor dem monumentalem Hintergrund eines Waldbrandes. Sheridans Inszenierung unterscheidet sich allerdings deutlich von denen typischer Actionfilme, er setzt ganz andere Akzente, stellt andere Szenen seines Films ins Zentrum der emotionalen Story und inszeniert auch Gewalt anders als viele seiner Vorgänger. Daher besitzt They Want Me Dead eine Frische, die den sehr vorhersehbaren Plot deutlich erträglicher macht. Für Fans des Regisseurs dürfte er trotzdem eine leise Enttäuschung sein, denn mit Wind River oder Yellowstone kann er nicht konkurrieren. 

The Want Me Dead startet am 3. Juni 2021 bei Sky und als VoD.

Der Beitrag Filmkritik: They Want Me Dead erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Hierzulande kennt den Namen Greg Rucka kaum jemand, der nicht regelmäßig Superhelden-Comics liest. Doch der Amerikaner gehört zu den bekanntesten Comic-Autoren der USA, schreibt seit vielen Jahren vor allem für DC und gilt als besonderes talent, wenn es um Krimi-Plots geht. Im Juli feiert seine eigene Comic-Serie „The Old Guard“ als Netflix-Film Premiere, und Stumptown, die in seiner eigenen Heimatstadt Portland/Oregon angesiedelt ist, wurde vor wenigen Tagen für eine zweite Staffel verlängert – trotz mäßiger Quoten. Ist die Serie besser als ihre Zahlen?

Stumptown: Die Handlung

Dex Parios (Cobie Smulders) ist nach ihrem Einsatz für die Army in Afghanistan nicht mehr ganz sie selbst. Durch ein furchtbares Erlebnis mit PTSD gezeichnet, kann sie keinen geregelten Rhythmus in ihr Leben bringen. Sie säuft, meist in der Bar ihres Kumpels Grey (Jake Johnson), angelt sich Kerle oder Frauen für die Nacht und lebt in den Tag hinein. Nur die Fürsorge für ihren an Down-Syndrom leidenden kleinen Bruder Ansel (Cole Sibus) nimmt sie sehr ernst. Mit Gelegenheitsjobs finanziert sie auch ihre immer wieder ausbrechende Spielsucht.

Eines Tages wird sie im Casino von Mitarbeitern der Besitzerin Sue Lynn (Tantoo Cardinal) aufgelesen und zur Chefin gebracht. Dex und Sue Lynn verbindet eine alte Hassliebe, denn Sue Lynns Sohn Benny war einst Dex‘ große Liebe. Nachdem Bennys Familie die beiden als Teenager auseinander brachte, besann sich Benny als Erwachsener eines besseren, folgte ihr als Soldat nach Afghanistan – und starb dort in ihren Armen. Und nun ist Nina, Bennys Tochter, plötzlich verschwunden. Sue Lynn bittet Dex, sie zu finden – um der alten Zeiten willen …

Stumptown: Eine Detektivin am Rande aller Klischees

Es ist immer gut, wenn man weiß, was man tut. Wie die Macher dieser Serie. Denn Dex Parios ist eigentlich ein wandelndes Klischee – allerdings ein männliches. Schon Ruckas Wahl, aus dem versoffenen, heruntergekommenen Detektiv eine Frau zu machen, zeugt von augenzwinkerndem Witz. Dennoch merkt man dem Stoff jederzeit auch Ruckas Liebe zu den alten Hardboiled-Krimis eines Raymond Chandler oder Dashiell Hammett an. Diese Verehrung versetzt Rucka hier mit genug sarkastischem Humor, um den Spring ins 21. Jahrhundert zu schaffen.

Ältere Zuschauer dürfte Stumptown vor allem an die James Garner-Serie „Detektiv Rockford: Anruf genügt“ erinnern, in der die Ausgangssituation ganz ähnlich war. Rockford lebte in einem Wohnwagen, kümmerte sich um seinen alten Vater und löste Fälle mit Herz und Verstand. Allerdings musste sich das TV in den 70ern in Sachen Alkoholsucht und Gewalt ein wenig mehr zurückhalten als heute. Und so darf Dex eine ganz Ecke kaputter sein als Garner. Da die Serie aber eine Network-Serie ist, gibt es nur Gewalt, aber keinen Sex zu sehen.

Stumptown: One-Woman-Show mit Gästen

Im Gegensatz zu den Zuschauern lieben die Kritiker in den USA die Serie, was ein Grund für die Verlängerung sein mag. Und tatsächlich zeigen bereits die beiden ersten Folgen der Serie, welches Potenzial sie hat. Denn Dex hat nicht nur in jeder Situation einen trockenen Spruch auf den Lippen und kassiert dafür regelmäßig Prügel. Sie fährt auch ein Wunderauto, aus dessen kaputtem Kassettenrekorder stets Hits der 70er und 80er kommen – die wohl längste Kassette der Welt! Dieser Soundtrack bestimmt auch das Tempo der Serie, die flott auf den Punkt kommt.

Dreh- und Angelpunkt dabei ist Cobie Smulders, die ihre Rolle brillant spielt. Als clevere Detektivin, die immer aufs Beste hofft und das Schlimmste annimmt, verkörpert Smulders Dex Parios als gebrochene Frau, die immer wieder lauwarme Versuche startet, sich endlich wieder ein richtiges Leben aufzubauen. Auch ohne Text lässt sie den Zuschauer an ihren Überlegungen teilhaben, Blicke und Gesten reichen ihr dazu völlig. Und so gelingen ihr trotz der stereotypen Vorgaben der Rolle immer wieder Momente, die berühren. Auch durch den guten restlichen Cast.

Dennoch ist die Serie nicht frei von Schwächen, die vor allem dem Network-Hintergrund geschuldet sind. Denn das Motto „Show, don’t Tell“ (also zeig es, statt es zu erzählen) funktioniert unter den strengen moralischen Vorgaben für frei empfangbares Fernsehen in den USA nur sehr eingeschränkt. Und macht Stumpland damit deutlich harmloser, als es der Serie gut tut. Von HBO oder einem anderen Pay-TV-Sender produziert. wäre Cobie Smulders furiose Show vermutlich eine echte Perle für Crime-Fans, so ist sie immerhin recht ansehnlich.

Fazit:

 Cobie Smulders als kaputte und sarkastische Privat-Ermittlerin mit mehr Emotion, als gut für sie ist, ist Herz und Seele von Stumpland. Gut geschriebene Fälle und ebenso stimmig geschaffene Nebenfiguren runden den guten Eindruck der ABC-Serie ab. Dem Stoff von Greg Ruckas Comics hätte allerdings eine etwas härtere Gangart bei Sex und Alkohol durchaus gut getan, durch den Network-Sender wird das deutlich weichgespült. Wer ungewöhnliche Ermittler mag und mit dem Spiel der Klischees etwas anfangen kann, sollte dennoch unbedingt mal reinschalten.

Stumpland startet am 19. Mai 2020 bei Sky, immer dienstags mit Doppelfolgen.

Gesehen: Zwei von 18 Episoden.

Der Beitrag Serienkritik: Stumptown erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Kritik zu den beiden ersten Staffeln von Babylon Berlin finden Sie hier.

Es war nicht weniger als ein kleines Wunder. Mit extremem finanziellen Aufwand und einem Trio aus Regisseuren und Autoren hob Pay-TV-Sender Sky im Verbund mit der ARD eine Serie aus der Taufe, die vordergründig eine Krimihandlung erzählte, tatsächlich aber tief ins Herz der Weimarer Republik blickte. Und die Wilden 20er ebenso brillant einfing wie das Erwachen extremer Kräfte, die schließlich zu Nazi-Deutschland und dem Zweiten Weltkrieg mündete. Kann Babylon Berlin Staffel 3 an diese Qualität anknüpfen?

Babylon Berlin Staffel 3: Die Handlung

Berlin, Spätsommer 1929. Der Armenier (Misel Maticevic) holt seinen Geschäftspartner Walter Weintraub (Ronald Zehrfeld) vor dem Gefängnis ab, wo Weintraub eine Haftstrafe verbüßt hat. Gereon Rath (Volker Bruch) lebt inzwischen in einer Wohnung mit Schwägerin Helga (Hannah Herzsprung) zusammen, leidet aber unter der Lüge, die er auf Wunsch seines tot geglaubten Bruders leben muss. Das wirkt sich zunehmend auf die Beziehung aus. Das einst so glückliche Paar driftet auseinander.

Charlotte Ritter (Liv Lisa Fries) ist aus der Wohnung der Familie ausgezogen und lebt mit ihrer kleinen Schwester im eigenen Zimmer. Außerdem macht sie bei der Berliner Kripo ihre Ausbildung zur Ermittlerin unter der wohlwollenden Feder von Ernst Gennat (Udo Samel), dem Chef der Mordkommission. Als es bei den Dreharbeiten zu einem großen Stummfilm in Babelsberg zu einem tödlichen Unfall kommt, fahren Rath und Ritter eher widerwillig zum Tatort. Doch schnell wird beiden klar – hier ist ein Mord geschehen! Und der zieht bald weite Kreise. Währenddessen wartet die arme Greta (Leonie Benesch) nach dem Attentat auf August Benda auf ihren Prozess …

Babylon Berlin Staffel 3: Zeitgeschichte pur

Staffel eins der Serie beschäftigte sich unter anderem mit den Mai-Unruhen 1929 und einem geplanten Putsch des Militärs. In den neuen Folgen sind der Tod Gustav Stresemanns und der Schwarze Freitag an den Börsen der Welt wichtige historische Ereignisse. Sie umkleiden die komplexe Krimihandlung, die wie schon in der ersten Staffel von viel Zeitkolorit durchzogen wird. So ist erneut der Aufstieg der Nazis ein Thema, der diesmal bereits mehr Raum in der Serie einnimmt als in den Vorgängerstaffeln. Das ist zwar sinnvoll, bremst die Erzählung aber immer wieder ein wenig aus.

So geht es beispielsweise in den Folgen fünf und sechs mit den eigentlichen Mordermittlungen gar nicht voran, weil sich Rath und Ritter um andere Dinge kümmern müssen, die mit dem Prozess von Greta zusammenhängen. Das haben die Autoren in den vorherigen Staffeln etwas geschickter gelöst als hier. Spannend sind die Episoden dennoch, weil sie zum großen Teil bereits angefangene Storylines weiterführen und neben der Mordsache auch noch andere Spannungsbögen setzen. So lassen die Autoren unterschiedliche politische Ansichten innerhalb einer Familie aufeinanderprallen, wie bei dem Heerführer Seegers und seiner Tochter.

Babylon Berlin Staffel 3: Gleichbleibende Qualität

Der Lack ist ab, werden manche Zuschauer vielleicht sagen, wenn sie die dritte Staffel sehen. Das ist auch nicht ganz falsch, liegt aber weniger an der Qualität der Staffel, sondern mehr daran, dass das Publikum die erzählerischen und inszenatorischen Zaubertricks der Macher diesmal schon kennt. Und eben nicht mehr ganz so leicht zu begeistern ist wie beim ersten Mal. Denn auch diesmal sind die Figuren großartig und komplex geschrieben, verweben die Autoren klug das Zeitgeschehen mit der fiktiven Krimi-Story. Und glänzen die Schauspieler wie kleine Perlen.

Ob ein Lars Eidinger, ein Volker Bruch oder eine Liv-Lisa Fries – jede Hauptrolle hier ist großartig besetzt und gespielt. Die neuen Gesichter wie Ronald Zehrfeld oder Meret Becker schlüpfen so schnell in ihre Rollen, als würden sie von Beginn an dazugehören. Dazu sind die Kulissen und Kostüme erneut eine Augenweide. Und für Cineasten bilden die Szenen in Babelsberg noch einen besonderen Leckerbissen an grandioser Kamera-Arbeit und tollem Schnitt. Schon die allererste Szene, eine Plansequenz, zeigt, in welch hoher Qualität hier abgeliefert wird.

Neben den technischen Qualitäten besticht Babylon Berlin Staffel 3 aber auch erneut mit dieser ganz speziellen Atmosphäre, die schon die beiden ersten Staffeln auszeichnete. Eine bleierne Schwere liegt über der Stadt und damit über fast jeder Szene. Der Sturm ist noch nicht da, aber die Insekten fliegen bereits tief und die Luft riecht nach Elektrizität. So inszenieren Tykwer und seine beiden Mitstreiter erneut eine fiebrig-hypnotische Staffel. Die sich sogar die eine oder andere witzige Szene erlaubt, ohne ihre Düsternis zu verlieren. 

Wer noch tiefer in den Serienkosmos von Babylon Berlin eintauchen will, findet in diesem Beitrag mehr Informationen zum Aufwand, den Schauspielern und ihren Rollen und vieles mehr.

Fazit:

Auch Babylon Berlin Staffel 3 gehört zum Besten, was ein Publikum aus deutscher Serienproduktion in diesem Jahrtausend gesehen hat. Zwar wirken die neuen Staffeln nicht mehr ganz so frisch und neu wie die ersten Staffeln, aber das Regie- und Autorentrio um Tom Tykwer liefert erneut Story, Dialoge und Inszenierung von ganz hoher Qualität ab. Dazu kommt die Atmosphäre voller Melancholie angesichts des nahen Scheiterns der Freiheit, die in Staffel drei bereits durch alle Ritzen pfeift. Großes Kino fürs TV, dass man nicht so leicht vergisst.

Babylon Berlin Staffel 3 lief ab 24. Januar 2020 bei Sky und ab Herbst 2020 in der ARD.

Gesehen: Sechs von zwölf Folgen.

Der Beitrag Serienkritik: Babylon Berlin Staffel 3 erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Große Fußstapfen sind es schon, in die die neuen Darsteller in der Serie treten. Schließlich hat kein geringerer als Sean Connery im Kinofilm die Hauptrolle des klugen Franziskanermönchs William von Baskerville gespielt. In der neuen Fassung muss John Turturro, Darsteller in zahlreichen Filmen der Coen-Brüder, beweisen, dass er die Rolle stemmen kann. Und während damals der junge Christian Slater Baskervilles Schützling Adson von Melk spielte, darf in der Serie der deutsche Damian Hardung ran. Für wen ist die neue Serie gedacht?

Der Name der Rose: Die Handlung

Wir schreiben das Jahr 1327. Adson (Damian Hardung), Sohn des großen Generals von Melk (Sebastian Koch), soll eigentlich ein großer Feldherr werden. Doch das Töten und Blutvergießen ist dem sensiblen jungen Mann ein Gräuel. Und so entschließt er sich, den Weg eines Mönchs einzuschlagen und Gott zu dienen. Der weit gereiste und erfahrene Franziskanermönch William von Baskerville (John Turturro) liest Adson auf seinem Weg zu einem Kloster in Norditalien auf und nimmt ihn als Novize an. Doch auf Adson warten dunkle Tage.

Denn kaum angekommen, muss sich William auch schon um einen Todesfall im Kloster kümmern. Durch eine Sherlock Holmes-ähnliche Vorführung hat sich der Mönch als Ermittler empfohlen und soll nach dem Willen des Abts (Michael Emerson) den Tod des jungen Mönchs aufklären. Denn der Mord überschattet das hier geplante Treffen zwischen Vertretern des Papstes (Tcheky Karyo) in Person des Inquisitors Bernard Gui (Rupert Everett) und den angeblichen Feinden der katholischen Kirche, dem Franziskaner Bettelorden, zu dem auch William gehört …

Der Name der Rose: Wenig mehr als Krimi

Obwohl die Kinofassung des Stoffes 1986 bei den Kritikern nicht durchgehend gut ankam, war er doch ein Erfolg. Bei etwa 18 Millionen Dollar Kosten spielte er knapp 80 Millionen an der Kinokasse ein, Heimkino-Versionen und TV-Rechte brachten den Film deutlich in die Gewinnzone. Und manches, was die Kritiker bemängelten, ist der Treue zum Roman geschuldet. So hat Eco seinen Helden, der vielen zu modern und klug war, sicher nicht umsonst nach dem bekanntesten Abenteuer von Conan Doyles unsterblichem Detektiv „Baskerville“ genannt.

Und die Krimihandlung hat der Film auch gut umgesetzt. Bei den vielen historischen Einordnung Ecos hingegen schnitt die Verfilmung schwächer ab. Hier hatten Fans des Romans nun die Hoffnung, die Serie könnte dieses Manko ausmerzen und sich auch den anderen Themen widmen, die Eco in seinem 800-Seiten-Mammutwerk behandelt hatte. In den ersten Folgen ist davon aber nicht viel zu sehen. Zwar gibt es immer wieder Rückblenden einzelner Charaktere, ein stimmiges oder gar interessantes Gesamtbild ergeben die bislang aber nicht.

Der Name der Rose: Ein neuer, alter Baskerville

Stattdessen gibt auch hier der Krimiplot um die toten Mönche des Klosters den Ton an. Und schickt einen noch deutlicher an Sherlock Holmes erinnernden John Turturro auf die Mörderjagd inmitten von strengen Tagesabläufen und Verboten, mit denen Eco die Zeit vor der Aufklärung so treffend charakterisierte. Ähnlich wie Connery legt auch Turturro seinen William als hellen Geist an, der nicht nur über ein gewaltiges Allgemeinwissen verfügt, sondern sich auch bereits von den geistigen Ketten verklärter Religionsfanatiker freigemacht hat.

Neben dem Hollywood-Star hält sich aber auch der junge deutsche Schauspieler Damian Hardung wacker, der nicht nur aus „Club der roten Bänder“ einem größeren Publikum bekannt ist, sondern in „Das schönste Mädchen der Welt“ ganz grandios einen wunderbaren Einfaltspinsel spielte. Als Adson von Melk verkörpert der Schauspieler den Geist einer neuen Zeit, der sich oft mit Abscheu von den althergebrachten, grausamen Ritualen des Mittelalters abwendet. Sein Gesicht dient als Gradmesser des Terrors in der Geschichte.

Der Name der Rose: Guter Bösewicht

Deutlich stärker im Aufbau als beim Kinofilm ist das Nahen des großen Bösen der Story, dem fiesen Inquisitor Gui. Den spielt Rupert Everett nicht nur sehr stark, das Drehbuch lässt ihn auch wie eine Naturgewalt langsam, aber unaufhaltsam in Richtung Kloster reisen. Seine Ankunft dürfte den finalen Akt des Dramas einleiten. Die Auseinandersetzung zwischen der reichen katholischen Kirche mit all ihrem Prunk und den Armut predigenden Franziskaner nimmt aber bereits in den ersten Folgen Raum ein und wird als Höhepunkt späterer Ereignisse aufgebaut.

Insgesamt überzeugen die ersten Folgen in Sachen Schauspieler und Sets, denn das tödliche Kloster ist ansprechend düster in Szene gesetzt. Was der Serienumsetzung bislang fehlt, ist Tempo. Denn die Erzählungen außerhalb der Krimistory kommen kaum vom Fleck, der Hintergrund einiger Figuren bleiben zäh und uninteressant, obwohl sie im Lauf der Geschichte noch eine wichtige Rolle spielen werden. Hier muss Der Name der Rose noch nachlegen, um wirklich durchgehend zu fesseln.

Fazit:

Die neue Sky-Serie Der Name der Rose startet gut, hat aber vor allem abseits des Krimiplots noch Luft nach oben. Starke Darsteller wie John Turturro, Damian Hardung oder Rupert Everett halten das Interesse hoch. Und auch die Sets überzeugen durch eine düstere Atmosphäre und beeindruckendem Detailreichtum. Dass die achtteilige Serie durch längere Laufzeit aber tatsächlich besser ist als der Kinofilm von 1986, den Beweis bleibt sie nach ein paar Episoden noch schuldig.

Der Name der Rose startet am 24. Mai auf Sky 1.

Gesehen: Drei von acht Folgen

Der Beitrag Serienkritik: Der Name der Rose erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Einst waren Vampire gefürchtete Wesen, die schon in altertümlichen Mythologien ihren Platz fanden. Heute sind aus den grausamen Monstern Wesen geworden, die meist heldenhafte Züge bekommen und nur noch in sehr seltenen Fällen als reine Bestien skizziert werden. Auch A Discovery of Witches zeigt Blutsauger, die Tageslicht problemlos vertragen (aber nicht glitzern) und trotz ihrer Unsterblichkeit ihrem Tagwerk nachgehen. Wie überhaupt alle übernatürlichen Wesen in dieser Serie doch sehr menschlich wirken. Ist das gut oder schlecht?

A Discovery of Witches: Die Handlung

Die Historikerin Diana Bishop (Teresa Palmer, „Lights Out“) kommt nach Oxford, um dort ihre Forschungen fortzusetzen. Dass sie auch eine Hexe ist, hat die junge Frau recht erfolgreich verdrängt – sie nutzt keine Magie. Doch als sich sich in der Universitäts-Bibliothek ein Buch kommen lässt, das sie sich näher ansehen möchte, geschehen unheimliche Dinge. Die Seiten des Buches scheinen mehrere Schriften übereinander zu besitzen und die Worte  beginnen, sie auf Dianas Haut zu manifestieren. Dazu erleidet sie eine seltsame Verbrennung in einer ihrer Handflächen.

Bald findet sie heraus, dass dieses ganz spezielle Buch seit Jahrhunderten als verschollen gilt – und nach der Rückgabe durch sie auch wieder verschwunden ist. Dafür treten immer mehr Kreaturen in ihr Leben, mit denen sie eigentlich nichts zu tun haben wollte. So ist der mächtige Hexer Peter Knox (Owen Teale, „Game of Thrones“) ganz versessen auf das Buch. Und auch der uralte Vampir Matthew (Mathew Goode) interessiert sich zunächst für den möglichen Inhalt des Folianten. Bald aber noch viel mehr für Diana … 

A Discovery of Witches: Ausgelutschtes Thema

Auch wenn man das Genre mag, muss man doch zugeben: So richtig viel Neues hat sich in der vergangenen Jahren in Sachen Dark Fantasy und Vampire nicht getan. Ob die schnulzige Twilight-Saga oder die etwas kernigere Story um Lestat, vieles haben Fans zu diesem Thema schon gelesen oder gesehen. Gerade zu Love-Storys zwischen Menschen (in der Regel weiblich) und Vampiren (in der Regel männlich) gab es eigentlich mehr als genug Variationen. Und das ist auch eines der Probleme der neuen Sky-Serie A Discovery of Witches: So richtig originell ist sie nicht.

Dass magische Kreaturen unerkannt unter Menschen leben, ist spätestens seit Harry Potter nichts Neues mehr. Und auch Liebesgeschichten zwischen unterschiedlichen Wesen kennt man zur Genüge. Damit so eine Story dennoch unterhält, sollte sie also nach Möglichkeit auch ein paar frische oder zumindest originelle Aspekte beinhalten. In der ersten Hälfte der Serie sucht man die aber vergeblich. Zwar streut die Serie ein paar Brotkrumen hier und da, aber ein richtig neugierig machender Ausreißer ist nicht dabei.

A Discovery of Witches: Guter Cast, edle Optik

 An Optik und Darstellern liegt es nicht. Die Handlungsorte Oxford und Venedig werden in bestechend schönen oder angemessen morbiden Bildern eingefangen. Und auch der Cast kann sich sehen lassen. Matthew Goode, Fantasy- und Comicfans hauptsächlich als Ozymandias aus „Watchmen“ bekannt, aber auch Teil von „Downton Abbey“ und „The Good Wife“, spielt den Vampir weitgehend ohne Make-Up dennoch so ambivalent, dass seine Figur durchaus Unbehagen auslöst – zumindest anfangs. Denn die Chemie mit Heldin Diana ist bald sehr offensichtlich.

Teresa Palmer spielt ihre Rolle gut, hat aber in den ersten Folgen nicht viel mehr zu tun, als verschreckt durch die Gegend zu schauen. Und auch Schauspieler in kleinen Nebenrollen wie Elarica Johnson oder Alex Kingston überzeugen. Die Sets wie die Bibliothek oder Matthews Haus lohnen einen zweiten Blick, sind mit viel Liebe zum Detail arrangiert. Dass die Serie dennoch nicht voll überzeugt, liegt an ihrem Hauptproblem – es passiert arg wenig. Die Story um das geheimnisvolle Buch und den brisanten Inhalt kommt in den ersten Folgen kaum in die Gänge.

Zugegeben, die sich anbahnende Liebesgeschichte zwischen Hexe und Vampir ist in Dialog und Spiel schon über Twilight anzusiedeln, aber insgesamt baut die Serie ihre Story und die dazu wichtigen Figuren doch sehr behäbig auf. Maximal in einer Szene pro Folge gibt es tatsächlich die Magie, von der andauernd die rede ist, auch einmal zu sehen. Ansonsten bringen sie die einzelnen Parteien wie die Vampire, Hexen und Dämonen, auch nach drei Folgen immer noch in Stellung. Und das ist leider nicht übermäßig spannend.

Fazit:

Ja, Vampire sind unsterblich und haben alle Zeit der Welt – Zuschauer aber nicht. Und deshalb wäre es schön gewesen, A Discovery of Witches hätte seinen Story-Aufbau über die Liebe zwischen einem Vampir und einer Hexe und ein magisches Buch ein wenig zügiger betrieben. In den ersten drei Folgen passiert derart wenig, dass sich der Zuschauer schon fragen muss, ob die von Sky bestellten zwei weiteren Staffeln die Romantrilogie komplett erzählen – oder schon gebraucht werden, um das erste Buch zu Ende zu bringen. So hat A Discovery of Witches trotz guter Darsteller und edler Bilder immer wieder Anflüge von gepflegter Langeweile.

A Discovery of Witches startet am 26. April 2019 bei Sky, immer freitags in Doppelfolgen.

Gesehen: Drei von acht Folgen

Der Beitrag Serienkritik: A Discovery of Witches erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Die Idee, von den letzten Tagen der Menschheit zu erzählen, ist nicht neu. So kam 1998 „Deep Impact“ in die Kinos, der ein ähnliches Szenario nutzt wie Acht Tage. Und im gleichen Jahr rettete Bruce Willis in „Armageddon“ sogar die Menschheit vor dem Ende. Die Sky-Serie macht jedoch schnell klar, dass die Katastrophe unabwendbar ist und widmet sich den Taten seiner Protagonisten angesichts des wohl sicheren Endes in einer guten Woche. Dabei erzählt jede Folge genau einen Tag. Lohnt sich das Einschalten?

Acht Tage: Die Handlung

Susanne (Christiane Paul) und Ulli Steiner (Mark Waschke) sind mit ihren Kindern Leonie (Lena Klenke) und Jonas auf der Flucht nach Osten. Denn in acht Tagen soll der Komet „Horus“ an der französischen Küste einschlagen und alles Leben bis ins mittlere Afrika und der Hälfte von Russland auslöschen. Doch die Pläne der Ärztin und des Physiklehrers gehen nicht so auf wie geplant. Susannes Bruder Hermann Meissner (Fabian Hinrichs), ein junger Politik-Star, versucht derweil für sich und seine hochschwangere Freundin Marion (Nora Waldstätten) zwei Tickets für einen der letzten Flüge in die USA zu ergattern.

Leonies Freundin Nora (Luisa Celine Gaffron) wird bereits von ihrem eigenen Vater Klaus (Devid Striesow) in dessen selbstgebautem Bunker festgehalten, damit sie nicht noch verloren geht. Doch der Teenager möchte lieber zu ihrem Freund und flieht. Mit gravierenden Folgen. Susannes und Hermanns Vater Egon (Henry Hübchen) hat hingegen mit seinem Leben bereits abgeschlossen und sitzt verbittert in seinem Haus. Doch da erinnert er sich an etwas aus seinen jungen Jahren, was er vielleicht noch erledigen kann …

Acht Tage: Wenig Action, viel Gespräch

Wer bei dieser Serie einen Katastrophenreißer erwartet, wird enttäuscht. Hier geht es nicht um heldenhafte Männer und Frauen, die sich gegen den Untergang stemmen. Stattdessen beleuchten die acht Folgen der Regisseure Stefan Ruzowitzky und Michael Krummenacher die verschiedenen Umgangsweisen mit der Nachricht, dass bald alles zu Ende sein wird und stellen je eine Figur in den Fokus. Da ist der Fluchtimpuls von Susanne und Hermann. Das gleichgültige Abschenken von Vater Egon. Oder das wenigstens noch eine Woche das Leben in vollen Zügen genießen wollen, wie bei Nora.

Viele dieser Figuren sind glaubhaft ausgedacht, wirken aber aufgrund manchmal rumpeliger Dialoge deutlich weniger lebendig, als es die guten Schauspieler verdienen. Zudem kreieren die Autoren immer wieder Situationen, die so unglaubwürdig sind, dass viele von den eigentlich packenden oder berührenden Momenten der Figuren in der Serie verpuffen. Ob das Susanne ist, die es nicht auf einen rollenden Zug schafft oder Uli, dem der Sohn bei der Flucht abhanden kommt – alles läuft auf eine Regel hinaus.

Acht Tage: Fans von Murphy’s Law?

Und die lautet ganz simpel: Was schief gehen kann, geht schief. Was immer auch Hermann versucht, um sich und seine Freundin zu retten – es klappt nicht. Was immer auch die Steiners planen, um in den vermeintlich sicheren Osten zu gelangen, es geht garantiert etwas in die Hose. Und das bereitet beim Zusehen immer wieder fast körperliche Schmerzen. Zwar ist die dramaturgische Intention dieser Szenen klar und auch nachvollziehbar, aber hier haben die Autoren einfach deutlich überzogen. Irgendetwas hätte allein statistisch mal funktionieren müssen.

Und so hat man beim Ansehen mitunter das Gefühl, die Serie will eine Art göttliche Kraft dafür verantwortlich machen, dass niemand seinem Schicksal entkommen kann. Dazu kommen neben den vielen guten Charakteren auch ein paar, die derart klischeehaft geschrieben sind, dass jede Story mit ihnen sich fast ein wenig wie eine Parodie einer Endzeit-Geschichte anfühlt. Am schlimmsten ist dabei Devid Striesow getroffen, dessen Figur des egoistischen Bauunternehmers, der auf jeden Rock schielt, auch von ihm nicht zu retten ist. 

Doch Acht Tage schafft es auch, einige wirklich wahrhaftige und emotionale Momente zu präsentieren, die länger im Gedächtnis bleiben werden. Und so ist die neue Sky-Serie auch nicht die Katastrophe, von der sie erzählt, allerdings von den bisherigen Formaten des Senders die schwächste. Deutschlands Zuschauer sind in aller Regel mit Krimis und Weltkriegsthemen zu kriegen. Offenbar hat das Auswirkungen auf die Macher von Filmen und Serien, die das mittlerweile auch am besten können. Bei Endzeit-Storys ist jedenfalls noch Luft nach oben.

Fazit:

Mit Acht Tage präsentiert Sky die erste Eigenproduktion, die nicht vollends überzeugen kann. Trotz toller Schauspieler wie Christiane Paul, Devid Stresow oder Henry Hübchen versinkt hier so manches in Klischees oder ist derart unglaubwürdig, dass es für den Zuschauer schwierig ist, mit den Charakteren überhaupt warm zu werden. Das schadet auch den guten Momenten, von denen es durchaus einige gibt. Unterm Strich bleibt so eine recht uneinheitliche Serie von sehr schwankender Qualität.

Acht Tage läuft ab dem 1. März 2019 bei Sky.

Gesehen: Vier von acht Folgen

Der Beitrag Serienkritik: Acht Tage erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Mit schrägen Partnern in düsteren Krimis hat das Fernsehen in den vergangenen Jahren gute Erfahrungen gemacht. Ob in „Die Brücke“, in denen ein schwedisch-dänisches Duo über mehrere Staffeln Killer jagte. Oder das grandiose Team Woody Harrelson und Matthew McConaughey in der ersten Staffel von „True Detective“, das sich eigentlich nicht leiden konnte, aber dennoch einen fiesen Mörder zur Strecke brachte. Wie schlagen sich Julia Jentsch und Nicholas Ofczarek bei ihrem Fall?

Der Pass: Die Handlung

Genau auf dem Grenzstein zwischen Deutschland und Österreich hoch in den Alpen wird die Leiche eines Mannes gefunden, der dort platziert und mit Symbolen bestückt wurde. Kommissarin Ellie Stocker (Julia Jentsch) findet am Tatort Hinweise darauf, dass der Mörder sein Opfer als Bestrafung für schlimme Taten getötet hat. Während sie schnell für den Fall brennt, hat ihr österreichischer Kollege Gedeon Winter (Nicholas Ofczarek) augenscheinlich wenig Interesse an dem skurrilen Verbrechen.

Das ändert sich erst, als in Österreich ein reicher Industrieller offenbar vom selben Täter umgebracht wird, dem aber die Geliebte seines Opfers entkommt. Sie identifiziert den Mörder als den Krampus, eine Sagengestalt der Region, der mit dem Nikolaus umherzieht und die unartigen Kinder mit einem Klaps seiner Rute bestraft. Winter und Stocker finden auch bald eine erste Spur. Sie führt zu einer geheimnisvollen Sekte, die tief in den Wäldern lebt und eine Rückkehr zum harmonischen Miteinander mit der Natur predigt – mit grausamen Mitteln …

Der Pass: Düster und spannend

Dunkler Himmel, eiskalte Luft, mürrische Bewohner. In Der Pass machen die Autoren und Regisseure Cyrill Boss und Philipp Stennert schnell klar, dass sie keine harmlose Story erzählen wollen. Und so hat die Serie mit sonstigen deutschen Krimis auch nur wenig zu tun, in denen junge, adrette Beamte in hellen Büros Verbrechen aufklären. Deshalb ist die Figur des Gedeon Winter nicht nur ein völlig kaputter Typ mit Drogenproblemen. Er trägt auch über weite Teile der Serie das wohl verknitterste Sakko, das je im TV zu sehen war. Heile Welt – das gibt es hier nicht.

Und ist man zu Beginn der Serie noch leicht genervt vom klischeebehafteten Bild des durch den Job zerstörten Cops, so verliert sich das mit jeder Minute, weil der mit Abstand bestentwickelte Charakter der Serie mit Nicholas Ofczarek auch noch hinreißend gespielt wird. Wie McConaughey bei seiner langen Aussage, bei der er sich ein Sixpack Bier hinter die Binde kippt, ist auch Ofczareks Figur an sich selbst offenkundig nur noch wenig interessiert. Und verbeißt sich wie ein wütender Terrier in den Fall – selbst, wenn es ihn das Leben kosten sollte.

Der Pass: Die Mischung macht’s

Gegen diesen Wirbelwind an Flüchen, Dackelblicken und Wutausbrüchen hat Julia Jentsch denn auch kaum eine Chance, was aber nicht an ihr, sondern an der deutlich schwächer geschriebenen weiblichen Hauptrolle liegt. Diese Diskrepanz ist eine der wenigen Schwächen der Serie, die ansonsten ein weiteres Mal nach „Babylon Berlin“ und „Das Boot“ beweist, dass in Deutschland sehr gute Serien auf internationalem Niveau entstehen können, wenn die Finanzen und das Kreativ-Team stimmen. Der Pass kann sich locker mit guten Serien aus England oder Skandinavien messen.

Das liegt auch am gelungenen Genre-Mix, den Boss und Stennert anbieten. So hätte die Story nach den ersten beiden Folgen noch jedes Potenzial, in eine derbe Horrorstory abzukippen. So unheimlich gelingen Kameramann Philip Peschlow viele seiner Bilder, so kalt und abweisend ist das Szenario. Dennoch findet sich der Zuschauer mit Folge drei in einem ganz anderen Genre wieder. Dem Psycho-Thriller, der dem Mörder so nah kommt, dass die kranken Gedanken des Killers fast in den eigenen Kopf kriechen.

Dass die Story dann doch als recht konventioneller Krimi endet, dürfte dem Geschmack des deutschen Publikums geschuldet sein. Das in der Masse auf phantastische Stoffe leider allergisch reagiert und außer Krimis nicht wirklich etwas sehen möchte. Trotzdem bleibt die Atmosphäre in jedem dieser angekratzten Genres der Star von Der Pass. Selten hat sich eine Serie so stark über Bilder und die durchweg gelungene Musik aus dem Hause Hans Zimmer definiert. Und die Spannung hochgehalten, obwohl die klassische Mörder-Rätseljagd hier gar nicht stattfindet.

Fazit:

Das deutsche Serienjahr fängt gut an! Mit Der Pass präsentiert Sky eine durchgehend spannende und gut gespielte Psycho-Horror-Crime-Story, die vom phantastischen Spiel von Nicholas Ofczarek gekrönt wird. Dazu gesellen sich großartig gruselige, aber auch ästhetische Bilder und ein packender Soundtrack, der kaum einen Zuschauer kalt lassen dürfte. Wer die düsteren skandinavischen und britischen Krimis mag, der kommt an Der Pass eigentlich auch nicht vorbei. Auf diesem Niveau darf es gern weitergehen mit deutschen Serien.

Der Pass läuft ab dem 25. Januar 2019 bei Sky.

Gesehen: Acht von acht Folgen.

Der Beitrag Serienkritik: Der Pass erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Schon 2013 begannen die Arbeiten an der Umsetzung von Volker Kutschers Roman „Der nasse Fisch“ zu einer Serie, die nach dem Wunsch von Drehbuchautor und Regisseur Tom Tykwer mit Serien wie „Die Sopranos“, „Boardwalk Empire“ und „The Wire“ mithalten sollte. Hat sich der bekannte deutsche Regisseur damit nicht etwas zu viel vorgenommen? Oder kann sich Babylon Berlin tatsächlich gegen solche Giganten behaupten?

Babylon Berlin: Die Handlung

Berlin 1929: Der Kölner Kommissar Gereon Rath (Volker Bruch) ist hinter einem Gangster her, der den Oberbürgermeister von Köln, einen gewissen Konrad Adenauer, erpresst. Dazu arbeitet Rath bei der Sitte und sucht mit dem Kollegen Wolter (Peter Kurth) nach einem Schmuddelfilmer, der verdächtig ist. Dass Rath nach seinen Erlebnissen im Ersten Weltkrieg ein Nervenleiden hat und nur durch regelmäßige Morphium-Einnahmen funktioniert, darf niemand wissen.

Die junge Charlotte Ritter (Liv Lisa Fries) lebt in ärmsten Verhältnissen und hält sich und die Familie tagsüber als Schreibkraft bei der Polizei über Wasser – und nachts als Edelprostituierte. Durch Rath wird sie bald in einen Fall verstrickt, der internationale Ausmaße annimmt.

Der russische Geiger Karakov ist glühender Verehrer von Trotzki und will ihn statt Stalin in Russland an die Macht bringen. Dazu schmuggelt er Reichtümer aus dem Land, um sie über Berlin nach Istanbul zu bringen. Doch er hat einen Verräter in den eigenen Reihen …

Babylon Berlin: Berechtigte Vorschusslorbeeren?

Wenn es im Vorfeld heißt, hier entstehe für deutsche Verhältnisse etwas ganz Besonderes, dann tut man eigentlich gut daran, erst einmal skeptisch zu bleiben. Im Fall von Babylon Berlin ist das aber tatsächlich unbegründet, denn qualitativ übertrifft die Serie alles, was in den vergangenen Jahren an erwähnenswerten deutschen Produktionen zu sehen war. Und das hat viele Gründe.

Da wären die Regisseure und Autoren. Tom Tykwer schrieb und inszenierte die 16 Folgen der beiden ersten Staffeln mit Achim von Borries und Hendrik Handloegten, zwei erfahrenen Fernseh-Regisseuren. Und diese Ansammlung von Könnern bringt Bilder hervor, die so in einer deutschen Produktion nur selten zu sehen sind. Edel gefilmt, großartig geschnitten und fiebrig-hektisch vertont, ziehen sie den Zuschauer binnen Minuten tief ins Berlin der späten 20er und halten ihn fest. Vor allem die letzten zehn Minuten der zweiten Folge, die fast wie ein Musikvideo funktionieren, verdichten den Plot der frühen Folgen derart gut, dass man nur den Hut ziehen kann. Und auch der Beginn von Folge vier, in der Wolter und Rath mitten in die Mai-Unruhen der Arbeiter geraten und fliehen müssen, erinnert in seiner Brillanz an die Schusswechsel aus „True Detective“. Das gibt es auch im Kino selten besser zu sehen. 

Da wäre das Geld. Mit einem Budget von etwa 40 Millionen Euro liegt Babylon Berlin weit vor allen anderen deutschen Produktionen. Doch Tykwer und seine Kollegen haben dafür gesorgt, dass man dieses Budget auch sieht. Dass Geld keine Tore schießt, ist im Profifußball längst eine Binsenweisheit. Und auch Babylon Berlin beweist, dass Geld nicht das Gegenteil von Kreativität ist. So opulente und edel ausgestattete Sets kann man sich als Zuschauer nur wünschen.

Babylon Berlin: Großartiger Cast

Dazu kommen durchgehend gute Schauspieler. Volker Bruch spielt seinen Gereon Rath als zurückhaltenden, bisweilen arroganten, aber doch zutiefst verletzten Mann, der verbissen nach einem Halt im immer stärker werdenden Chaos um sich herum sucht. Liv Lisa Fries ist als desillusionierte junge Frau in ihrem ständigen Überlebenskampf im Moloch Berlin einfach wunderbar. Mit rotzigem Nora Tschirner-Charme und ihrer Kumpelhaftigkeit verleiht sie ihrer Rolle der Charlotte Ritter einen Mix aus Anziehung und früher Trauer darüber, dass ihr Schicksal womöglich kein gutes Ende nimmt.

Peter Kurth spielt Raths neuen Kollegen Bruno Wolter ebenfalls umwerfend gut. Der erfahrene Cop, der dem Publikum ständig einen wichtigen Teil von sich vorenthält, wird zu einer der spannendsten Figuren in den ersten Folgen. Denn er kann ebenso brutal wie mitfühlend sein, ebenso abweisend und berechnend wie ehrlich Anteil nehmend. Die Liste ließe sich noch fast beliebig fortsetzen. Denn Babylon Berlin bestätigt den alten Spruch, dass es keine kleinen Rollen gibt. Hier ist jeder Charakter passend besetzt und bildet einen Faden im erzählerischen Netz der Serie, in dem man sich als Zuschauer sehr schnell verfängt. 

Babylon Berlin: International deutsch

Und das Beste kommt zum Schluss: Babylon Berlin wirkt in keiner Szene, als habe ein kluger Produzent sich die größten Serienhits der vergangenen Jahre angesehen und sich die besten Teile herausgenommen. Stattdessen suchten sich die Macher eine Vorlage, die in einer der spannendsten Zeiten im Deutschland des letzten Jahrhunderts spielt. Und machten daraus eine packende Serie, die Glanz und Elend der Weimarer Republik als Hintergrund für einen spannenden Plot um Verbrechen und Politik nutzt. Das lässt keinen Platz für Helden, hier sind alle Figuren gebeugt oder gebrochen, hier hat jede Licht- auch eine Schattenseite. So lebendige, glaubhafte Charaktere muss man erst einmal erschaffen – und den Autoren gelingt das oft schon mit ein bis zwei hastig hingerotzten Sätzen. Und das ist sehr beeindruckend.

Ob das nun die beste deutsche Serie ist, die es je gab? Die Frage stellt sich nicht. Weit wichtiger ist die Feststellung, dass Deutschland Serien schaffen kann, die den Vergleich mit den besten internationalen Produktionen nicht scheuen müssen. Ohne deshalb thematisch beliebig oder kantenlos zu werden. Denn Babylon Berlin tritt den Beweis an, dass sich in Deutschland absolut hochkarätiges Fernsehen machen lässt, wenn genug Geld und Können zusammenkommt. Bleibt zu hoffen, dass diese Serie kein Einzelfall ist.

Fazit:

Kaum zu glauben, aber eine der besten Serien des Jahres kommt tatsächlich aus Deutschland! Die jahrelangen Bemühungen der Macher, diese Serie möglich zu machen, hat sich mehr als gelohnt. Babylon Berlin spricht sämtliche Sinne an, reißt sein Publikum in einen emotionalen Strudel und fesselt in jeder Szene. Dafür sorgen großartige Drehbücher, fantastische Sets und Bilder und ein tolles Ensemble. Danke für diesen grandiosen Trip – und bitte mehr davon!

Babylon Berlin läuft ab dem 13. Oktober auf Sky und ab Herbst 2018 in der ARD.

Erste Infos zu Babylon Berlin Staffel 3 gibt es hier.

Der Beitrag Serienkritik: Babylon Berlin erschien zuerst auf lauterfilme.de.