Sowie zuletzt bei „Peter Pan und Wendy“ hagelte es auch an der Realverfilmung vom Disney Klassiker „Arielle, die Meerjungfrau“ schon Kritik, lange bevor der Film auf der Leinwand zu sehen war. Angefangen mit der Besetzung von Halle Bailey, einer schwarzen Frau, als Arielle, bis hin zum Animationsstil der beliebten Sidekicks Fabius und Sebastian hatten die Fans etwas auszusetzen. Disney selber hatte eine größere Nähe zum Märchen von Hans Christian Andersen angekündigt. Auch das traf nicht auf breite Zustimmung im Lager der Fans des alten Zeichentrickfilms. Ist die Sorge der Fans um die Zerstörung ihres Kindheitsfilms berechtigt? Das klärt die Kritik.

Die Handlung

Die abenteuerlustige Arielle, König Tritons jüngste Tochter, ist neugierig auf die Menschenwelt. Sie sammelt alle möglichen Gegenstände, die von Schiffen oder durch Strömungen den Weg zu ihr nach unten finden. Und schwimmt, zusammen mit ihrem Freund Fabius, sogar in gefährliche verbotene Gewässer, um Dinge aus Schiffswracks zu bergen und so der Menschenwelt näher kommen zu können. Doch ihr Vater hat den Kontakt mit Menschen nach dem Tod seiner Frau verboten, was regelmäßig zu Streit zwischen ihm und Arielle führt. Er weist sogar seinen engsten Vertrauten, die Krabbe Sebastian an, seine Tochter zu überwachen.

Aber Arielles Neugierde ist einfach zu groß. Als eines Tages ein Sturm aufkommt schwimmt sie an die Wasseroberfläche und beobachtet, wie das Schiff von Prinz Eric untergeht. Dieser geht zu spät von Bord, um seinen Hund zu retten. Und schafft es nicht mehr auf eines der Rettungsboote. Arielle ist beeindruckt von seiner Selbstlosigkeit, rettet ihn, und verliebt sich in ihn. Als ihr Vater von ihrem Ausflug an die Oberfläche erfährt ist er außer sich vor Wut. Er verbietet ihr, jemals wieder das Riff zu verlassen, was Arielle in tiefe Trauer stürzt. In ihrer Verzweiflung lässt sie sich auf einen Deal mit der Seehexe Ursula, König Tritons Schwester, ein. Die ihr im Tausch für ihre Stimme erlaubt, für drei Tage ein Mensch zu sein. Schafft sie es in diesen drei Tagen nicht, einen Kuss der wahren Liebe mit Prinz Erik zu teilen, so wird sie wieder zur Meerjungfrau und gehört Ursula. Und so macht sie sich auf, das Herz des Prinzen zu gewinnen …

Alles neu?

Ganz klar Nein. Der Film bleibt in seiner Handlung sehr nah an seinem Vorbild von 1989. Die bekannten Lieder sind, im Arrangement fast unverändert, alle an ihrem Platz und die wenigen neuen Stücke sind in Text und Musik passend. Man hört zwar eindeutig, dass diese aus der Feder von Disneys neuen Haus- und Hofkomponisten Lin Manuel Miranda stammen, doch das ist alles andere als negativ. Besonders das neue Stück für Prinz Eric, der im Original kein eigenes Lied bekommen hatte, ist mitreißend und einfach gelungen.

Die Unterwasserwelt sieht, wie der Begriff Realverfilmung schon erahnen lässt, an manchen Stellen nicht ganz so bunt und unecht aus wie in der animierten Vorlage. Hier und da, zum Beispiel wenn Sebastian „Unter dem Meer“ zum besten gibt, lässt es sich Regisseur Rob Marshall nicht nehmen, die fantasievolle Märchenwelt in voller Pracht erstrahlen zu lassen. Warum er das den allseits bekannten Figuren Fabius und Sebastian nicht gönnt, erschließt sich nicht ganz. Wirklich problematisch ist ihr neuer realistischer Look für den Film aber auch nicht.

Stark gespielt – und gesprochen

Das einzige wirklich Neue an diesem Film ist Halle Bailey als Arielle. Und sie macht einen tollen Job. Von purer Verzweiflung über große Freude bis hin zur wahren Liebe: sie spielt alle Emotionen auf den Punkt. Und das über eine recht lange Strecke des Films, ohne auch nur ein Wort zu sprechen, ist das doch die Bedingung, überhaupt an Land gehen zu können. Über ihre fantastischen Gesangsfähigkeiten braucht man gar nicht zu reden. Melissa McCarthy hingegen setzt auf Altbewährtes. Sie hält sich mit ihrer Interpretation der bösen Hexe Ursula genau ans Vorbild. Das wirkt an manchen Stellen fast etwas übertrieben, ist im Gesamtbild aber passend und bietet einen schönen Kontrast zum ruhigen und zurückhaltend agierenden Javier Bardem als König Triton.

Daveed Diggs, Jacob Trembley und Awkwafina hauchen nicht nur den Sidekicks Sebastian, Fabius und Scuttle Leben und viel Humor ein, sondern sorgen den ganzen Film über für die Pointen. Und auch Jonah Hauer-King als Prinz Erik spielt einen sympathischen, heldenhaften und gefühlvollen jungen Mann, in den sich sicherlich viele junge Mädchen vergucken werden. Ob die deutschen Stimmen da mithalten können, muss letztlich ein Besuch im Kino zeigen. Wer die Chance hat, das Original zu sehen, macht in jedem Fall aber angesichts der Stardichte nichts falsch.

Fazit:

Wer Angst vor der Zerstörung des Lieblingsfilms aus Kindheitstagen hatte, kann unbesorgt ins Kino gehen. Die Neuauflage von Arielle, die Meerjungfrau ist genau das: eine Neuauflage, die versucht die neuen Möglichkeiten des Filmemachens zu nutzen, um mit einer großen Verneigung etwas Gutes noch besser zu machen. Auch wenn 10 Minuten weniger nicht geschadet hätten, ist es ein wunderschöner Film für die ganze Familie geworden. An manchen Stellen sehr spannend, teilweise sogar etwas gruselig ist er definitiv auch für größere Kinder noch interessant und die Erwachsenen können sich ein Stück Kindheit zurückholen.

Arielle, die Meerjungfrau startet am 25. Mai 2023 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Die Zeiten ändern sich. Dracula und Ericka van Helsing, die Monsterjägerin und Urenkelin des großen Abraham, sind ein Paar und möchten möglichst viel Zeit miteinander verbringen. Und so denkt der alte Vampir langsam darüber nach, der nächsten Generation sein geliebtes Hotel zu überlassen. Auf einer großen Gala zum 125-jährigen Bestehen will Dracu seinen Freunden und Gästen die Botschaft verkünden, dass Maevis und Johnny an seiner Stelle das Hotel weiterführen sollen. Doch als Johnny Wind davon bekommt und Dracu gleich seine ganzen tollen Ideen zum Umbau präsentiert, bekommt der alte Graf kalte Füße. Und erzählt seinen Schwiegersohn eine fatale Lüge: Angeblich können laut Gesetz nur Monster das Hotel erben.

Johnny würde also seine Maevis unglücklich machen, weil er ein Mensch ist und ihrem Erbe im Wege steht. Und so nimmt er das Angebot von Abraham van Helsing an, ihn per Zauberstrahl in ein Monster zu verwandeln. Nachdem er zum Test seinen goldigen Hamster in eine Bestie verwandelt hat, wendet er den Strahler auch bei Johnny an, der in einen großen grünen Drachen mutiert! Als Dracula sieht, was er angerichtet hat und was seine Tochter ihm dazu erzählen wird, will er den Zauber unbedingt rückgängig machen – und verschlimmert damit die Lage nochmals drastisch. Nicht nur, dass er selbst zum Menschen wird, er verwandelt auch seine ältesten Kumpels in ganz normale Menschen. Und dann geht auch noch der Zauberkristall kaputt …

Finale mit gebremstem ADHS-Schaum

Die Serie war schon immer eher für jüngere Kinder gedacht, denen mit den liebenswerten Monster die Angst genommen werden sollte. Das war eine schöne Idee – und eine erfolgreiche. Die ersten drei Filme brachten Sony mehr als 1,3 Milliarden Dollar ein. Damit die Zielgruppe auch erreicht wurde, waren die Storys schon von jeher etwas durchgeknallter und wilder als andere Animationsfilme, hier sollten Grundschüler Spaß haben. Leider haben es die Macher beim dritten Teil damit aber so übertrieben, dass er für Erwachsene kaum noch auszuhalten war. Erfreulicherweise hat Sony mit Hotel Transsilvanien 4 einen kleinen Gang zurückgeschaltet. Nachdem es zu Beginn auch wieder nach einer knallbunten und hyperaktiven Geschichte aussieht, fängt sich der Film in Hälfte zwei und mutiert zum Familienfilm mit Botschaft.

Denn Dracula stell als Mensch Dinge fest, die ihm als Vampir nie klar waren. Und Johnny, der unerschütterliche Optimist, der seit Teil eins seinem Schwiegervater seinen Wert beweisen will, ist als Monster ganz angetan von seinen neuen Fähigkeiten. Ohne deshalb seinen Markenkern als trotteliger Held zu verleugnen. Und so entstehen auf der gemeinsamen Reise von Dracula und dem Schwiegersohn einige der schönsten und ruhigsten Momente der gesamten Serie. Die der Zielgruppe wegen natürlich nie sehr lange anhalten, bis der nächste überdrehte Part naht – aber immerhin.

Abenteuer mit viel Slapstick

Auch die Story an sich ist im Finale deutlich stärker als im Vorgänger, der vor lauter Tanzszenen und Musikeinlagen kaum voran kam. Hotel Transsilvanien 4 lässt einmal zu Begin die Monster feiern – und danach ist Schluss. Ziemlich bald wird es zwar für ältere Zuschauer mitunter ganz lustig, für Kinder aber ganz schön spannend. Denn die Suche nach einem Ersatzkristall entwickelt sich vom harmlosen Klamauk schnell in ein echtes Abenteuer. Das bleibt zwar stets kindgerecht, ist aber doch deutlich aufregender als die Storys früherer Filme. Und geht auch ein wenig auf Kosten der schrägen Nebenfiguren. Denn der Fokus der Story auf die Familie heißt eben auch, dass neben Maevis, Johnny Dracula und Ericka nicht mehr viel Platz bleibt, den sich die anderen Monster teilen müssen.

Es gibt zwar immer noch nette Ideen wie Frankensteins Monster als hippen Muskelprotz oder den 5000 Jahre alten Murray, den nun keine Mumie mehr ist und mit den Tücken des Alters zu kämpfen hat. Aber der eine oder andere etwas feinsinnigere Spaß vergangener Teile bleibt weitgehend auf der Strecke. Die neuen Regisseure Jennifer Kluska und Derek Drymon setzen hauptsächlich auf Slapstick und nutzen dabei meist Dracula oder Johnny als zentralen Punkt des Geschehens. Aber sie trauen sich eben auch, die beiden Figuren emotionale Szenen erleben zu lassen. Genndy Tartakovsky, der bei allen Teilen davor Regie führte, hat dennoch seinen Anteil daran. Denn er steuerte die Story-Idee bei und arbeitete auch am Script mit.

Fazit:

Hotel Transsilvanien 4 – Eine Monster Verwandlung dürfte die Geister scheiden. Der Kernzielgruppe der Grundschüler ist das Finale der Monstermär möglicherweise etwas zu zahm, wenn man es mit den Vorgängern vergleicht. Älteren Zuschauern hingegen sollte das etwas zurückgenommene Chaos und die etwas geringere Hektik entgegen kommen. Denn lustig ist das Ganze immer noch, weil die Idee des Rollentauschs zwischen Mensch und Monster einige wirklich gute Gags hervorbringt. Und der Abschied von den knuffigen Monstern auch etwas schwer fällt, weil der letzte Film ein wenig emotionaler sein darf als die Anfänge der Reihe. Als Familienfilm ist der Film jedenfalls durchaus gut geeignet, vor allem, wenn kleinere Kinder dazugehören.

Hotel Transsilvanien 4 – Eine Monster Verwandlung läuft ab dem 14. Januar 2022 bei Amazon Prime Video.

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Die Handlung

Das Dorf Derwitte im Jahr 1020: Der Fürst des Landes hört von seinem Hofmarschall (Millan Peschel), dass in den Wäldern in der Nähe ein mächtiger Magier leben soll, der die Nacht zum Tage machen kann. Daher lässt der Fürst diesen Mann holen. Doof nur, dass Magier Catweazle (Otto Waalkes) keine Ahnung davon hat, wie man Licht aus dem Nichts erschafft. Dass er dennoch ein Magier ist, findet er erst auf der Flucht heraus. Nachdem er bei einem Sprung vom Turm der Burg einen Zauber murmelt, findet er sich plötzlich in einem Wald wieder.

Was er noch nicht weiß: Catweazle hat sich tausend Jahre in die Zukunft gezaubert und trifft im Jahr 2020 auf den jungen Benny (Julius Weckauf), der gemeinsam mit seinem Vater Robert (Henning Baum) den Tierpark der Stadt betreibt. Benny findet auch Catweazles Zauberstab im Wald und schickt der Schatzjägerin Metzler (Katja Riemann) ein Foto seines Fundus. Zu spät findet Benny heraus, dass Catweazle seinen Stab für die Heimkehr braucht und Dr. Metzler keine ehrenhaften Absichten verfolgt …

Bekannte Crew

Der bald 73-jährige Komiker und Schauspieler Otto Waalkes überließ in seinem neuen Projekt wenig dem Zufall. Stattdessen holte er sich bekannte Größen wie seinen Haus- und Hofregisseur Sven Unterwaldt, mit dem er bei Catweazle bereits zum sechsten Mal zusammenarbeitet. Pop-Star Mark Foster steuerte musikalische Ideen für Filmsongs bei. Und die Besetzung mit Katja Riemann, Henning Baum und Jungstar Julius Weckauf, der in „Der Junge muss an die frische Luft“ begeisterte, kann sich ebenfalls hören und sehen lassen. Ein sicherer Hit also?

Das bleibt abzuwarten. Zwar gelingt es dem von einem vierköpfigen Team um Waalkes-Intimus Bernd Eilert geschriebenen Drehbuch hin und wieder, ein paar schöne Ideen aus der alten TV-Serie in den Kinofilm zu übertragen. Durchgehend witzig ist der Plot um die Jagd nach Catweazles Zauberstab aber nicht. Ganz im Gegenteil. Wo in der britischen Serie durchaus auch anarchischer Witz durchschimmerte, bleibt die neue Version weitgehend harmlos und stets ein Kinderfilm.

Guter Otto, maues Script

Positiv fällt auf, dass Otto sich in seiner Rolle als Catweazle deutlich zurücknimmt und seine typischen Otto-Elemente hier nur sehr sparsam zum Einsatz bringt. Daher gibt er auch einen überzeugenden Magier aus dem elften Jahrhundert ab, statt wie Otto in einer Verkleidung zu wirken. Wenn es doch einmal Anspielungen auf klassische Gags gibt, sind die deutlich subtiler als sonst eingebaut. Hier eine Zeichnung von Otto, da ein alter Song, aber nichts, was mit dem Holzhammer an frühere Zeiten erinnern würde. Offenbar hatte Otto Respekt vor dem Schaffen von Catweazle-Original Geoffrey Bayldon, der vor einigen Jahren mit 93 Jahren starb, denn der Komiker ist ungewohnt behutsam und zurückhaltend in seinem Spiel.

Leider hilft das nur bedingt. Denn das Drehbuch lässt weder Waalkes glänzen, noch eine der anderen Figuren. Denn die sind derart klischeehaft und kantenlos geschrieben, das es selbst für einen reinen Kinderfilm nicht reicht. Dass Katja Riemann witzig sein kann, hat sie mehrfach bewiesen, nicht zuletzt in „Fack Ju Göhte„. Hier ist ihre Schurkenfigur nur nervtötend. Auch Henning Baum hat mehr drauf, als nur den begriffstutzigen Vater zu geben. Julius Weckauf ist im Vergleich zu Der Junge muss an die frische Luft kaum wiederzuerkennen, so langweilig ist sein Charakter.

Catweazle mag vor allem jüngere Zuschauer trotzdem in der einen oder anderen Szene abholen, ältere Fans der Serie dürften hingegen vom harmlosen Kinder-Klamauk ein wenig enttäuscht sein. Schon die letzten Otto-Filme waren zwar erfolgreich, aber nicht sonderlich gut, dass Catweazle erneut die Kinocharts stürmt, ist angesichts dieses sehr durchschnittlichen Spektakels eher zweifelhaft.

Fazit:

Mit Catweazle huldigt Otto einer britischen Serie aus dem Jahr 1970, die mit skurrilem und zum Teil abgründigen Humor Klein und Groß begeisterte. Jüngere Zuschauer mögen in diesem harmlosen Filmspaß noch auf ihre Kosten kommen. Erwachsene, die das Original noch kennen, dürften sich angesichts der mäßig interessanten Handlung aber nur bedingt unterhalten fühlen. Das liegt nicht an Otto Waalkes, der hier wenig seiner typischen Witze reißt und den Charakter ordentlich spielt. Aber das Drehbuch ist wenig innovativ und streckenweise fast langweilig. Da wird dann auch kein spannender Film draus.

Catweazle startet am 1. Juli 2021 in den deutschen Kinos.

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1967 kam die erste Realverfilmung des Stoffes in die Kinos. Rex Harrison spielte in der Musical-Version von Dr. Dolittle den Arzt, Leser konnten trotz des Gesangs aber ihren Romanhelden noch wiedererkennen. In der zweiten Umsetzung mit Eddie Murphy legten die Macher dann gar keinen Wert mehr auf die Vorlage und behielten nur die Tatsache bei, dass Dr. Dolittle mit Tieren sprechen kann. Die neue Adaption mit Robert Downey Jr., der gemeinsam mit seiner Frau auch als Produzent agierte, liegt wieder näher an den Büchern. Nutzt das etwas?

Dr. Dolittle: Die Handlung

Einst war Dr. Dolittle (Robert Downey Jr.) ein hoch angesehenes Mitglied der feinen englischen Gesellschaft. Doch dann verliert er seine Frau (Kasia Smutniak), die von einer gefährlichen Expedition nicht zurückkehrt. Dolittle wird zum Einsiedler, der sich mit seinen tierischen Gefährten in seinen Landsitz zurückzieht und weder Mensch noch Tier sehen will. Das weiß der junge Stubbins (Harry Collett) allerdings nicht, als er bei der Jagd versehentlich ein Eichhörnchen verletzt und das verletzte Tier zu Dr. Dolittle trägt.

Dort trifft er auf die junge Lady Rose, die ebenfalls zum Doktor möchte. Denn die junge englische Königin ist todkrank und hat persönlich nach Dolittle schicken lassen. Erst weigert der sich standhaft, doch Papagei Polly liefert dem Doktor gute Gründe, warum er helfen sollte. Als Dolittle mithilfe seines Hundes herausfindet, was der Königin fehlt, macht er sich unverzüglich auf zu einer Expedition, um das dringend benötigte Heilmittel zu finden. Doch nicht alle am britischen Hofe wünschen sich die Rettung der Königin …

Dr. Dolittle: Teure Pleite

In dieser Produktion steckte der Wurm. Bereits im Frühjahr 2019 hatte Regisseur Steve Gaghan, der auch am Drehbuch mitgeschrieben hatte, den Film abgedreht. Doch das Studio war unzufrieden, empfand den Film als nicht kindgerecht genug. Und so wurden teure Nachdrehs veranlasst. Und das gleich mit neuem Regisseur und Autor. Dass so ein Stückwerk einem Film selten gut tut, ist hinlänglich bekannt. Und Dr. Dolittle bildet auch keine Ausnahme. Weder ist der Film sonderlich unterhaltsam, noch sieht man ihm das Riesen-Budget an.

Schon die Einführung der Figuren dauert eine gefühlte Ewigkeit. Bis Dolittle sich endlich auf seine Reise macht, ist beinahe schon der halbe Film vorbei. Und auf der passiert dann auch noch erschreckend wenig. Hier haben sich die Drehbuchautoren wahrlich nicht mit Ruhm bekleckert. Noch schwieriger gestaltet sich der Humor des Films. Mal kindlich albern, mal im Bereich von Furzwitzen, mal in der Psycho-Analyse unterwegs, bleibt eine Frage immer offen: Für welche Zielgruppe ist Dr. Dolittle eigentlich gedacht?

Dr. Dolittle: Holpriges Drehbuch

Zudem holpert das Drehbuch auch in den Details. Das Eichhörnchen, das zu Beginn des Films verwundet und von Dolittle gerettet wird, führte beispielsweise eine Art Logbuch der Reise – und plant Rache. Doch eine Auflösung dieses kleinen Spannungsbogens erfolgt nie. Möglicherweise ist es dem Schnitt zum Opfer gefallen, vielleicht gab es aber auch nie eine. Diese schlampige Art, Geschichten zu erzählen, ist eine der großen Schwächen des Films. Auch daran mag das Chaos hinter den Kulissen möglicherweise die Schuld tragen.

Aber auch Superstar Robert Downey Jr. schien letztlich nur wenig Lust gehabt zu haben, Dr. Dolittle zu spielen. Zumindest wirkt er in vielen Szenen wie eine Kopie seiner Darstellungen von Sherlock Holmes in den beiden Guy Ritchie-Filmen. Eine neue Art zu spielen, hat Downey für den Doktor zumindest nicht aus seinem zweifellos vorhandenen Repertoire geholt. Sein Dolittle bleibt häufig emotionslos und bietet nur wenig Möglichkeiten, sich als Zuschauer dem Charakter nahe zu fühlen. Das gilt aber leider für den ganzen Film.

Professionelle Witze-Erzähler werden es kennen. Auf dem Papier sieht ein Gag großartig aus, auf der Bühne wird es aber ein echter Rohrkrepierer. Dr. Dolittle besteht aus zahlreichen solcher Szenen. Irgendwer war sich garantiert sicher – das wird lustig. Geklappt hat das immerhin ein paar Male im Film, weitaus häufiger aber bleiben die Lacher aus. Immerhin können die CGI-Spezialisten ein wenig Boden gut machen: Die Tiere im Film geraten durchgehend überzeugend echt. Was man von manchem Schauspieler nicht sagen kann.

Fazit:

Die Beziehung zwischen der Figur Dr. Dolittle und dem Medium Film bleibt schwierig. Auch der dritte Anlauf kann den Charme der Buchvorlagen nicht auf die Leinwand bringen. Dazu stolpert das teure Effekt-Spektakel, das von Superstar Robert Downey Jr. über die Ziellinie gebracht werden sollte, über ein schwaches Script, uneinheitlichen Humor und eine so gut wie nie mitreißende Geschichte. Universal rechnet angeblich bereits mit einem Verlust von 100 Millionen Dollar. Nach „Cats“ wäre das bereits die zweite Kassen-Katastrophe in kurzer Zeit.

Die fantastische Reise des Dr. Dolittle startet am 30. Januar 2020 in den deutschen Kinos.

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Der große John Lasseter, einst Pionier bei Pixar und bis Ende 2018 Kreativ-Chef des Disney Animation, gab den Regisseuren und Autoren Jennifer Lee und Chris Buck einen Freibrief. Sie durften die Story der Fortsetzung so entwickeln, wie immer sie es für richtig hielten. Das sollte vermutlich ein wenig Druck von den beiden nehmen, ob es geholfen hat, ist aber unklar. Denn dass die beiden auch möglicherweise unausgesprochene Wünsche von Disney nicht ignorieren wollten, zeigt der fertige Film deutlich.

Die Eiskönigin 2: Die Handlung

Drei Jahre sind vergangen, seit Elsa und Anna das Königreich Arendelle gerettet haben und seitdem gemeinsam regieren. Eigentlich läuft alles gut, doch dann beginnt Elsa, eine geheimnisvolle Stimme zu hören, die außer ihr niemand wahrnimmt. Und die sie nach Norden ruft, wo ein geheimnisvoller Nebel seit vielen Jahren den Zugang zum magischen Wald und den mit Arendelle verfeindeten Stamm der Northumbra versperrt. Weil sich die Schwestern an Geschichten über Magie erinnern, die ihre Mutter ihnen als Kind erzählte, reisen die dennoch dorthin.

Gemeinsam mit Olaf, Kristoff und Sven gelingt es ihnen tatsächlich, den Nebel zu durchdringen. Was sie dahinter entdecken, übertrifft nicht nur ihre kühnsten Erwartungen, sondern entwickelt sich auch schnell zur Bedrohung ihres Königreiches. Und schließlich entscheidet sich auch das Schicksal der beiden Schwertern im hohen Norden. Denn endlich erfährt Elsa den Grund, warum sie seit so vielen Jahren schon ihre Kräfte besitzt – und was sie damit anfangen soll. Aber kann sie ihre Aufgabe auch lebend überstehen?

Die Eiskönigin 2: Nur kein Risiko!

Der Vorgänger war nicht nur extrem erfolgreich an den Kinokassen, er schuf auch einen der größten Hits, den je ein Disneyfilm hervorgebracht hat. „Let It Go“ (dt. Lass jetzt los) lässt noch heute die Herzen von Millionen zehnjähriger Mädchen schneller schlagen. Dazu erdachten Buck und Lee mit dem Schneemann Olaf einen der witzigsten und rührendsten Charaktere in der langen Disney-Historie. Kein Wunder also, dass sich genau diese Faktoren im zweiten Teil im Überfluss wiederfinden, freie Hand hin oder her.

Denn natürlich wollte das Regie-Duo keinen Flop riskieren, indem es allzu viele Änderungen und Neuerungen in der Fortsetzung einführte. Und so gibt es hauptsächlich das, was die Fans kennen und lieben – nur mehr davon als in Teil eins. Gefühlt hat der Zuschauer nach zehn Minuten bereits drei Songs hinter sich, von denen allerdings keiner das Zeug dazu hat, das nächste Let it Go zu werden. Das ändert sich auch bis zum Ende des Films nicht. Und es gibt natürlich auch mehr Szenen mit Olaf, denn der ist jetzt ja schon von Anfang an dabei.

Die Eiskönigin 2: Perfekt für die Zielgruppe

Von Anfang an planten die Macher Teil zwei generalstabsmäßig durch. So wurden sämtliche Kreativen des ersten Films erneut verpflichtet. Songschreiber, Autoren, Komponist – alle waren wieder im Boot. Und das mag auch der Grund sein, warum sich Die Eiskönigin 2 trotz neuer Story und sechs Jahre Zeit so wenig neu und frisch anfühlt. Hier sind einfach zu viele Mitwirkende auf Nummer sicher gegangen. Für einen fast sicheren dritten Teil der Reihe würde man sich etwas mehr frisches Blut im Kreativbereich wünschen.

Dennoch ist Die Eiskönigin 2 natürlich kein schlechter Film – ganz im Gegenteil. Vor allem für die Zielgruppe junger Mädchen löst der Film vermutlich nahezu jedes Versprechen ein, das er im Vorfeld gegeben hat. Starke weiblich Identifkationsfiguren, ein wenig Boygroup-Flair, einen knuddeligen und lustigen Stofftier-Kumpel und ganz viel Musik. Besser kann man sein Publikum kaum bedienen. Gleichaltrige Jungs werden mit dem Film aufgrund fehlender Helden dafür schon wesentlich weniger anfangen können. Aber für die war schon Teil eins nicht gedacht.

Und wer sich die Handlung einmal näher ansieht, merkt schnell, wie wenig eigentlich in 103 Minuten passiert und wie vorhersehbar das alles ist. Nun gilt Disney nicht unbedingt als Haus der spannenden Twists und coolen Storys, aber ein wenig mehr als hier hätte es gerne sein dürfen. Der Mäuse-Konzern behält hier eisern seinen Kurs bei, den er mit „Aladdin“ und „König der Löwen“ bereits erfolgreiche gefahren hat. Lieber eine Wiederholung vertrauter Rezepte als etwas Neues mit Risiko.

Fazit:

Auch wenn die Macher im Vorfeld freie Hand hatten, um ein neues Abenteuer um Elsa, Anna und Olaf zu stricken, so ist Die Eiskönigin 2 doch altbackenes Disney-Wohlfühl-Kino geworden, dass keinerlei Risiko eingeht. Und dem Zuschauer genau das gleiche bietet, was in Teil eins bereits so gut funktioniert hat. Wie üblich bei Fortsetzungen ohne echte, eigene Idee, ist diese Wiederholung trotz guter Machart nicht mehr ganz so gut wie das Original. Harten Fans des Vorgängers wird aber auch der Aufguss noch gefallen. 

Die Eiskönigin 2 startet am 20. November 2019 in den deutschen Kinos.

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Fast neun Jahre hat der international erfahrene Animations-Regisseur Sergio Pablos an seiner Idee gearbeitet, bis Klaus endlich fertig war. Denn jahrelang sucht Pablos nach einem Geldgeber, doch alle großen Hollywood-Studios fanden das Projekt zu riskant und lehnten ab. Ende 2017 schlug dann Netflix zu und gab bekannt, den Film für eine Veröffentlichung Ende 2019 eingekauft zu haben. Hat sich für den Streaming-Dienst das Risiko gelohnt?

Klaus: Die Handlung

Jesper ist der verwöhnte Sohn des Postchefs und denkt gar nicht daran, seine Ausbildung zum Postboten ernst zu nehmen. Zur Strafe schickt ihn sein Vater in den hohen Norden auf die Insel Zwietrachting. Dort soll Jesper innerhalb eines Jahres 6000 Briefe abfertigen, um wieder nach Hause zurückkehren zu dürfen. Doch bald muss er einsehen, dass die verfeindeten Einwohner-Clans sich keinerlei Briefe schreiben und er im eisigen Norden festsitzt. So wie die junge Alva, die einst als Lehrerin kam und feststellen musste, dass die Kinder nicht zur Schule kommen.

Als Jesper eines Tages von einem einsam lebenden Holzfäller namens Klaus hört, stattet er dem Haus einen Besuch ab – und verliert dabei durch Zufall die Zeichnung eines Kindes, die er gefunden hatte. Damit macht er denn schweigsamen Handwerker neugierig, denn offenbar war das Kind sehr traurig, als es das Bild gemalt hatte – und das geht Klaus zu Herzen. Also schenken er und Jesper dem Jungen in einer Nacht-und Nebel-Aktion ein selbstgebautes Spielzeug. Eine Tat, die im finsteren Zwietrachting nicht ohne Folgen bleibt …

Klaus: Weder kitschig noch albern

Regisseur und Ideengeber Sergio Pablos hat sich tatsächlich an ein schweres Thema gewagt. Denn Storys rund um Weihnachten sind oft entweder witzig – und dann nicht selten albern. Oder aber gefühlvoll – und dann häufig leider furchtbar kitschig. Beides zu vermeiden ist eine Kunst, die selten zu sehen ist. Doch der im Animationsbereich sehr erfahrene Spanier, der lange für die Tickfilmstudios von Disney und Universal („Minions“) gearbeitet hat, kann mit Klaus einen Film vorweisen, der sowohl gefühlvoll als auch lustig ist – ohne zu nerven.

Das verdankt der Film zu großen Teilen seinem starken Drehbuch der als Autoren eher unbekannten Zack Lewis und Jim Mahoney. Denen es immer wieder gelingt, sehr traditionelle Erzählstrukturen und Charaktere mit Kleinigkeiten und Details so aufzupeppen, dass sie frisch und neu wirken. Und allzu tränenreiche Situationen immer wieder mit schönem Humor aufbrechen. Besonders gelungen ist aber der Aufbau der Story, die von Minute zu Minute nach lediglich ganz nettem Beginn immer stärker und einfallsreicher wird.

Klaus: Tolle Figuren

Denn auch wenn viele Handlungsstränge wenig überraschend enden, so gibt es doch immer wieder auch schöne Momente, die der Zuschauer nicht unbedingt kommen sieht. Dazu schaffen Pablos, Lewis und Mahoney auch Nebenfiguren, die ungemein charmant ausfallen. So wird sich garantiert kaum jemand der entzückenden kleinen Samin Margu entziehen können. Auch weil Jesper mit ihr tolle Gespräche führt, obwohl sie gar nicht die selbe Sprache sprechen. Niedlicher als hier lässt sich so eine Szene kaum umsetzen.

Aber auch das Duo aus Jesper und Klaus, die gemeinsam Gutes für die Kinder tun wollen – wenn auch aus unterschiedlichen Gründen – sind in ihrer Charakterzeichnung absolut gelungen und bieten sowohl slapstickartigen Humor als auch besinnliche Momente, die gut zum Thema des Films passen. Dazu entwirft Pablos seine Story in einem ganz eigenen Look, der, obwohl am Computer entstanden, fast wie von Hand gezeichnet wirkt. Und an die Optik eines Animationsgroßmeisters wie Don Bluth („Mrs Brisby und das Geheimnis von Nimh“) erinnert.

So gelingt ein Familienfilm, der den Namen verdient, weil er für Kinder und Erwachsene gleichermaßen rührende, traurige, aber auch sehr lustige Szenen beinhaltet. Und in seiner Länge von knapp 100 Minuten nicht nur eine ganze Menge Handlung unterbringt, sondern auch ein paar dieser magischen Momente hervorbringt, an die man sich auch nach Jahren noch erinnert, als hätte man sie gestern zuletzt gesehen. Wer das mit animierten Figuren schafft, ist schon ein großer der Zunft. Klaus ist wundervoll – nicht nur, aber vor allem zu Weihnachten.

Fazit:

Netflix hat schon viele, eher durchschnittliche Weihnachtsfilme produziert, aber Klaus gehört ausdrücklich nicht dazu. Regisseur Sergio Pablos inszenierte einen manchmal lustigen, manchmal besinnlichen, aber nie langweiligen Animationsfilm, der nicht nur die Weihnachtsbotschaft transportiert, sondern auch glänzend unterhält. Mit dem Charme und dem Look alter Disney-Produktionen ausgestattet, ist Klaus nicht nur für Kinder ein echter Hingucker, sondern ein toller Film für die ganze Familie.

Klaus startet am 15. November 2019 bei Netflix.

Weiter Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

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von Gastautor Felix Brüggemann

Der Schauspieler und Regisseur Jon Favreau ist für den Disney-Konzern so etwas wie eine eierlegende Wollmilchsau. Als Darsteller machte er Tony Starks Leibwächter Happy Hogan zum beliebten Charakter der Marvelwelt, der zuletzt in „Spider-Man Far From Home“ zu sehen war. Und als Regisseur startete Favreau mit „Iron Man“ nicht nur den Siegeszug der Marvel-Superhelden-Blockbuster. Sondern zeigte auch mit der Realverfilmung von „Das Dschungelbuch“, wie gut neue Versionen der Klassiker funktionieren können. Gelingt ihm erneut ein Hit?

Die Handlung

Mufasa, der König der Tiere, feiert mit seinen Untertanen die Geburt seines neu geborenen Sohnes Simba. Der Junge soll einmal an Mufasas Stelle König werden. Nur Scar, der Bruder des Königs, scheint davon nicht besonders angetan, denn er sieht sich selbst auf dem Thron. Durch die Geburt eines Erben sind seine Chancen aber deutlich kleiner geworden, je über das Königreich zu herrschen. Und so wartet er auf eine Chance, das Schicksal zu seinen Gunsten zu ändern und mithilfe seiner Hyänen-Diener die Macht zu ergreifen.

Die Möglichkeit ergibt sich, als Mufasa mit seinem Sohn allein einen Ausflug macht und Scar eine Stampede von Büffeln auslöst, in der der alte König umkommt. Zudem kann der kluge Schurke die Schuld auch noch Simba in die Schuhe schieben, der von Schuldgefühlen gebeutelt das Weite sucht und nie wieder in das Königreich der Löwen zurückkehren will. Mit seinen neuen Freundin Timon und Pumbaa führt der junge Löwe ein sorgenfreies Leben im Dschungel. Doch dann begegnet er seiner Kinderfreundin Nala … 

Der König der Löwen: Länger, aber vorlagentreu

Wie schon erwähnt, handelt es sich bei Der König der Löwen um eine Realverfilmung des Klassikers aus dem Jahr 1994. Somit gibt es nicht wirklich Raum dafür, die Story zu kritisieren oder die Motivation der unterschiedlichen Charaktere zu beleuchten, ohne Hand an das Original anzulegen. Zum Glück ist das auch gar nicht nötig, denn Disney hat in dieser Version bei der Handlung nichts dazu gedichtet oder weggelassen. Trotzdem ist der Film 29 Minuten länger als das Original: Womit füllt der Film die Zeit?

Der König der Löwen fühlt sich trotz der 118 Minuten Lauflänge zu keiner Zeit zu lang an und die zusätzlichen Minuten wurde geschickt in den Film geschnitten. So gibt es nicht „die eine“ neue Szene, sondern eben mehrere kleine Sequenzen, die manche Situationen klarer machen oder Details zur Story hinzufügen . Die unterschiedlichen Charaktere sind aber unverändert und teilweise bringt die Neuauflage bekannte und berühmte Szenen des Vorgängers komplett gleich auf die Leinwand.

Der König der Löwen: Unglaubliche Bilder

Warum also die Realverfilmung? Die Bilder, die Bilder, die Bilder! Der König der Löwen trumpft mit beeindruckender Animationstechnik auf. Wenn man nicht wüsste, dass sämtliche Tiere am Computer erschaffen wurden, könnte man meinen, dass Disney zwischendurch auch echte Lebewesen vor die Kamera gebracht hat. Bei der Landschaft stellt sich die gleiche Frage: Ist das wirklich nicht echt? Durch gut gesetztes Licht und imposante Kameraeinstellung entstehen Bilder, die das Original so einfach nicht bieten konnte.

Der König der Löwen ist natürlich nichts ohne seine bekannten Lieder, die auch hier wieder Verwendung finden und von Stars wie Beyonce gesungen werden. Disney hat aber auch neue Titel eingebaut, die zum Glück nie fehl am Platz sind. Daneben hat jedes Tier seine perfekte Stimme, jedenfalls in der englischen Sprachausgabe, entsprechend werden auch die Lieder im Originalton gesungen. Es ist zu hoffen, dass Disney auch bei der deutschen Version eine gute Wahl trifft und ähnlich großartige Künstler wie James Earl Jones (Mufasa), Chiwetel Ejiofor (Scar), Beyonce (erwachsene Nala) oder Seth Rogen (Pumbaa) findet.

König der Löwen: Fehlende Intensität

Ist Der König der Löwen also pures Gold? Nein, leider nicht ganz. Gerade die emotionalen Szenen des Films, die die meisten kennen und entsprechend auch mit Spannung erwarten, hätten etwas mehr Intensität vertragen können. Hier mag man sich die Frage stellen, ob solche Momente nicht automatisch an Wirkung verlieren, wenn man den Film bereits gesehen hat. Allerdings gibt es genug Gegenbeispiele in der Film-Historie, wo eine Szene auch bei mehrfacher Inszenierung noch genauso intensiv bleibt.

Die Realverfilmung fällt hier im Vergleich zum Original etwas schwächer aus. Als kleine Entschädigung bekommt der Zuschauer dafür eine gute Prise Humor serviert. Der immer dann seine Höhepunkte hat, wenn Timon und Pumbaa auf der Leinwand auftauchen. Rafiki hätte dagegen etwas effizienter in der Handlung genutzt werden können, wodurch John Kani als Synchronstimme schon fast ein wenig verschwendet wirkt. Emotional kann die neue Version der alten Zeichentrick-Verfilmung nicht das Wasser reichen.

Fazit:

Der König der Löwen ist eine weitgehend gelungene Realverfilmung mit kleinen Schwächen, die aber verschmerzbar sind. Und setzt die Reihe der starken Disney-Neuauflagen damit fort. Die Synchronstimmen verleihen jedem Charakter Authentizität und Tiefe, weshalb sich ein Blick auf die englische Sprachausgabe für Fans definitiv lohnt. Die großartigen Bilder und die Musik runden das Kinoerlebnis ab und wecken die Kindheitserinnerung – oder schaffen ganz neue.

Der König der Löwen startet am 17. Juli 2019 in den deutschen Kinos.

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Dass Pixar sich den Kuchen computeranimierter Filme ganz allein schnappt, wollten die anderen großen Hollywood-Studios nicht zulassen. Warner, Sony, Universal und Fox zogen bald nach, wobei die Fox-Studios mittlerweile, ebenso wie Pixar, zu Disney gehören. Damit dürften bald 50 Prozent aller animierten Film im Jahr vom Mäusekonzern stammen. Doch die Minions geben nicht auf – neben den Pets konnte auch „Sing“ überzeugen. Kann sich auch Pets 2 gegen die starke Konkurrenz des Entertainment-Riesen behaupten?

Pets 2: Die Handlung

Seit dem letzten Abenteuer sind ein paar Jahre vergangen. Max‘ Frauchen Katie hat Chuck geheiratet und ein Baby bekommen, den kleinen Liam. Erst ist Max (dt. Stimme Jan Josef Liefers) von der neuen Konkurrenz um Katies Gunst nicht begeistert. Aber bald verliebt auch er sich rettungslos in den Säugling und weicht ihm von da an kaum von der Seite. Aber der Stress, auf ein kleines Kind aufzupassen, macht Max zu schaffen und so entwickelt er einen nervösen Tic, der ihm einem Tierarzt-Besuch einhandelt – und eine Halskrause. Ein Urlaub auf dem Land soll zudem helfen.

 Während Max weg ist, soll Spitzdame Gidget auf dessen Lieblings-Spielzeug aufpassen – und verliert es prompt an eine Bande Katzen. Und Kaninchen Snowball (Stimme Fahri Yardim) hat als neuer Superheld Captain Snowball alle Hände voll zu tun, als Hundedame Daisy ihn um Hilfe bittet. Ein seltener weißer Tiger wird von einem skrupellosen Tierhändler gefangen gehalten und braucht Hilfe. Ehrensache, dass Snowball das in die Pfoten nimmt. Doch der Gegner ist gerissen und hat ein paar überaus gewalttätige Helfer …

Pets 2: Kurzgeschichten-Sammlung

Während der erste Teil zwar eine mitunter wüste, aber doch stringente Story erzählte, gehen Regisseur Chris Renaud und Drehbuchautor Brian Lynch in Pets 2 andere Wege. Denn sie erzählen mehrere Geschichten parallel. Max‘ Ausflug aufs Land. Gidgets Kampf mit den Katzen. Und Snowballs Rettungsmission für den Tiger, in die alle anderen Storylines am Ende einfließen. Das sorgt zwar für viele Lacher, zerfasert aber ein wenig die Konsistenz des Erzählflusses. Für die Gagdichte sind die kurzen Abenteuer allerdings durchaus förderlich.

Denn gerade Revolver-Mundwerk Snowball (im Original von Kevin Hart gesprochen) sorgt vor allem bei jüngeren Zuschauern garantiert für Lacher. Zudem ist die Superhelden-Parodie recht gut gelungen und wird auch Marvel-Fans zum Grinsen bringen. Und in der Urlaubs-Story mit Max erweist sich Farmhund Rooster als Quelle spritueller Weisheiten – und erinnert sicher nicht ganz unabsichtlich an die Rolle von Jack Palance in „City Slickers“. So ist auch Pets 2 wie sein Vorgänger ein Film, der für jüngere und ältere Zuschauer gleichermaßen gut funktioniert.

Pets 2: Gute Gags, mäßige Story

Autor Brian Lynch schrieb auch schon den ersten Teil sowie den schrägen „Minions“-Solofilm. Und behält auch hier seinen bisweilen leicht hektischen Stil bei. Aber er setzt auch immer wieder wunderbare Pointen in seinen Geschichten. In Sachen Humor ist Lynch klar stärker als im Erzählen von interessanten oder besonders wendungsreichen Storys. Und so wimmelt auch Pets 2 wieder vor kurzen und sehr trockenen Gags über die merkwürdigen Haustiere und ihre zum Teil noch seltsameren Eigenheiten und Rituale.

Daher ist es auch schade, dass die Hauptstory um den weißen Tiger kaum relevante oder originelle Ideen beinhaltet, sonst wäre Pets 2 sicherlich noch stärker ausgefallen. Denn die Charakterzeichnung funktioniert gut und über genug schräge Ideen verfügt Lynch auch. Nur setzt er sie eben nicht zum Wohl der Geschichte(e) ein, sondern ausschließlich für bissige Pointen. Gerade für jüngere Zuschauer ist der Film dennoch ein Riesenspaß, auch weil sich Regisseur Renaud mit seinen Szenen an der YouTube-Generation orientiert und mundgerechte Häppchen serviert.

Für ältere Zuschauer sind es meist die knackigen One-Liner von Nebenfiguren, die Lacher garantieren. Die kurzen, trockenen Kommentare sind für diese Zielgruppe deutlich das Beste am ganzen Film. Denn trotz einiger subversiver Gags ist Pets 2 im Kern doch auch ein typischer Animationsfilm, der die gleichen Werte feiert wie jeder Disney-Streifen der vergangenen Jahrzehnte. Von einem Film, der hauptsächlich für Kinder gedacht ist, sollte man aber auch nichts anders erwarten. 

Fazit:

Pets 2 ist ein würdiger Nachfolger des ersten Teils, der seine Erzählstringenz allerdings zugunsten mehrerer Plotlines aufgibt, von denen keine übermäßig neu oder spannend ist. Dafür passt der Humor. Sowohl die jüngeren Zuschauer, die mit Kaninchen Snowball ihren Spaß haben werden, als auch erwachsene Begleiter, die über trockene One-Linder lachen dürfen, kommen hier auf ihre Kosten. Und so bleibt Illumination Studios auch ohne Minions-Einsatz ein Garant für richtig witzige Animationsfilme.

Pets 2 startet am 27. Juni 2019 in den deutschen Kinos.

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Gerade einmal 64 Minuten brauchte Walt Disney 1941, um die rührende und manchmal traurige Geschichte des kleinen Elefanten mit den viel zu großen Ohren zu erzählen. Regisseur Tim Burton nahm sich für die neue Version fast doppelt so viel Zeit – 115 Minuten lang erzählt er die – zugegeben auch stark erweiterte – Story des Originalfilms nach. Kann Burton, der in der Vergangenheit eher wenig Berührungspunkte mit Disney aufwies, seinen besonderen Stil auch für den Mäusekonzern umsetzen?

Dumbo: Die Handlung

Einst war er ein Star in der Manage, doch das Schicksal hat es mit Trick-Reiter Holt Farrier (Colin Farrell) nicht gut gemeint. Während er im Ersten Weltkrieg kämpft, stirbt seine Frau an der Grippe und lässt die beiden Kinder Milly (Nico Parker) und Joe (Finlay Hobbins) als Halbwaisen zurück. Und dann verliert Holt auch noch einen Arm und kehrt als Krüppel zurück ins Winterquartier des Zirkusbetriebs von Max Medici (Danny DeVito). Um überhaupt Geld zu verdienen, muss er den Job als Elefantenpfleger annehmen, den Max ihm anbietet.

Und dabei entdeckt er eines Tages ein Baby, dass eine neu eingekaufte Elefantenkuh zur Welt gebracht hat. Der Kleine, den die Zirkusfamilie bald auf den Namen Dumbo tauft, hat viel zu große Ohren und kann deshalb kaum laufen. Doch Milly und Joe werden Zeuge eines ganz erstaunlichen Ereignisses. Als Dumbo versehentlich eine Feder in den Rüssel bekommt und niesen muss, hebt er kurz ab und schlägt mit seinen Ohren, dass er fliegt. Bald wird die Weltsensation bekannt, doch sie ruft auch Personen auf den Plan, die Dumbo nicht wohl gesonnen sind …

Dumbo: Mehr Disney als Burton

Regisseur Tim Burton hat eine große, treue Fangemeinde, die sich der 60-jährige vor allem mit zwei Besonderheiten erobert hat. Zum einen gibt er seinen Filmen einen ganz typischen Look, an dem die meisten seiner Werke zu erkennen sind. Zum anderen schlägt er sich gern auf die Seite der schrägen und verschrobenen Figuren und hat es nicht so mit klassischen Heldencharakteren. Warum Burton den Job als Regisseur von Dumbo angenommen hat, ist nicht bekannt, denn er hat sicherlich gewusst, dass er sich bei Disney nicht alle kreativen Freiheiten erlauben kann.

Burton hat durchaus viele seiner typischen Filmzutaten in Dumbo unterbringen können. So ist sein Lieblings-Komponist Danny Elfman an Bord – was man deutlich hört. Und auch der Look des Films entspricht ziemlich genau dem, was die Fans von der Burton-Version eines Zirkusfilms erwarten dürfen. Dazu hat er mit Danny DeVito und Micheal Keaton ein kleines „Batman“-Klassentreffen arrangiert und mit Eva Green seine aktuelle Muse besetzt. Dennoch ist Dumbo weit mehr ein Disney- als ein Burton-Film.

Dumbo: Auf Nummer sicher

Denn das Drehbuch von Ehren Kruger klappert in der ersten Hälfte des Films die ikonischen Szenen ab, die wohl jeder Kenner des Originals noch vor Augen hat. Dumbos Mutter, die in verteidigt und dafür eingesperrt wird. Ihr Wiegenlied, während sie aus ihrem Käfigwaggon heraus ihren Sohn mit dem Rüssel streichelt. Und natürlich die Clownsnummer mit dem brennenden Haus, in dessen Verlauf Dumbo das erste Mal publikumswirksam abhebt. Erste in der neuen, zweiten Hälfte von des Films gibt es ein wenig mehr Burton-typischen Inhalt zu sehen.

Denn wenn mit Michael Keaton („Spider-Man: Homecoming“) als Vandevere endlich der Schurke des Films die Bühne betritt, wird Dumbo gleich eine Ecke düsterer – und mit dem gleichzeitigen Erscheinen Eva Greens auch sinnlicher. Hier darf sich Burton dann auch ein wenig mehr austoben als vorher, wenngleich er die Disney-Werte-Heiligtümer Freundschaft, Familie und Political Correctness nicht anrühren darf. Und deshalb auch eine weitgehend überraschungsfreie Geschichte erzählt. Nur gut, dass er wenigstens seine alten Haudegen dabei hat.

Denn allein wegen dem wundervoll schmierigen Michael Keaton und dem grummelig-knuddeligen Danny DeVito lohnt sich der Gang ins Kino schon. Auch Farrell und Green machen ihren Job prima, lediglich mit den beiden Kinderfiguren können weder Kruger noch Burton sonderlich viel anfangen – sie bleiben für einen Burtonfilm untypisch blass. Tricktechnisch ist Dumbo dagegen – wie schon das Dschungelbuch – State of the Art und zeigt so lebensechte Elefanten aus dem Computer wie nie zuvor. Und der süße Dumbo gewinnt ohnehin schnell alle Herzen.

Fazit:

Als typischer Disney-Kinderfilm ist Dumbo fast ein wenig zu düster geraten, für Burton-Fans dürfte sein neuestes Werk hingegen deutlich zu angepasst und glatt sein, um sie zu begeistern. So präsentiert sich Disneys neueste Realverfilmung eines ihrer Klassiker als etwas seltsamer Hybride, der zwar seine Story gut und temporeich ins Ziel bringt, die Erwartungen an diese Elefantenhochzeit aus Disney und Tim Burton aber nicht ganz erfüllen kann. Spaß macht er aber allein schon durch die unbestreitbar hohen Schauwerte, die für die große Leinwand gemacht sind.

Dumbo startet am 29. März 2019 in den deutschen Kinos.

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Wer das Original nicht kennt, dem wird es auch nicht auffallen, aber Hilly Martineks (auch Script zu „Honig im Kopf“) Drehbuch erinnert doch sehr an Astrid Lindgrens Pippi Langstrumpf. Ein naiv-kluges Mädchen, das allein in einer Villa lebt, statt einem Affen ein Eichhörnchen auf der Schulter sitzen hat und sich mit den Nachbarskindern (nein, nicht Tommy und Annika) anfreundet – da sind die Parallelen mehr als deutlich. Zumal Cordula Stratmann auch noch eine Art „Prusseliese“ gibt. Kann das einen neuen, originellen Film ergeben?

Rocca verändert die Welt: Die Handlung

Auf dem Hamburger Flughafen landet etwas hoppelig ein großes Passagierflugzeug. Als erste springt die elfjährige Rocca (Luna Maxeiner) heraus und kann auf ihrem Skateboard verschwinden, bevor die Sicherheitskräfte des Flughafens bei der Maschine eintreffen. Denn nachdem die Piloten durch Lebensmittelvergiftung ausfielen, hat das Mädchen das Flugzeug selbst geflogen und gelandet. Warum? Weil Rocca im kasachischen Baikonur aufgewachsen ist,  da ihr Vater dort Astronaut ist – und sie diverse Flugsimulatoren schon in- und auswendig kennt.

Das ungewöhnliche Mädchen soll in Hamburg bei seiner Großmutter (Barbara Sukowa) leben und zur Schule gehen, weil ihr Papa (Volker Bruch) einige Monate auf der ISS weilt. Schon auf dem Weg dorthin sammelt sie ein verletztes Eichhörnchen auf, das sie auf den Namen Klitschko tauft – und das ihre Großmutter am nächsten Morgen so erschreckt, dass diese stürzt und ins Krankenhaus muss. Nun ist Rocca ganz allein im Haus – nach Ansicht ihres Schuldirektors ein unhaltbarer Zustand, der eine Beamtin vom Jugendamt (Cordula Stratmann) auf den Plan ruft …

Rocca verändert die Welt: Naiv, aber wahr

Das Grundgerüst der Geschichte nutzt Drehbuchautorin Martinek dazu, sich mit realen und aktuellen Problemen von Kindern zu beschäftigen. Dazu erschafft sie mit der Hauptfigur Rocca (eine Abkürzung von fünf verschiedenen Vornamen) eine Figur, die Pippi Langstrumpf zwar ähnelt, aber genug eigenen Charme entwickelt, um kein plumpes Plagiat zu sein. Dazu gibt sie ihr den glaubwürdigen Hintergrund, nur unter Erwachsenen aufgewachsen zu sein, die alle jederzeit für sie da waren und ihr Rede und Antwort standen.

Und deshalb kennt Rocca es auch nicht anders, als auf jeden unbefangen und neugierig zuzugehen. Diese Naivität ist auch heute noch genauso entwaffnend, wie sie es zu Zeiten der Langstrumpf-Filme war – das Konzept funktioniert. Und so befasst sich Katja Benraths Film neben der klassischen Pippi-Story vom Mädchen, das allein lebt, auch mit aktuelleren Themen wie Armut, Obdachlosigkeit oder Mobbing in der Schule. Und auch, wenn die Geschichte vieles vereinfacht, so ist der Kern der Botschaften von Rocca stets richtig.

Rocca verändert die Welt: Der Charme macht es aus

Dass der Film so gut funktioniert, liegt auch an Luna Maxeiner, deren Ausstrahlung die Geschichte zu großen Teilen trägt – eine mehr als beeindruckende Vorstellung. Dazu kommen die zahlreichen Stars, die sich brav der Story unterordnen und somit zum Erfolg entscheidend beitragen. Barbara Sukowa ist als grummelige Großmutter absolut sehenswert, Fahri Yardim („Dogs of Berlin“) spielt den obdachlosen Kaspar, der noch ein Geheimnis mit sich herumträgt, nordisch frisch und sympathisch. Und Mina Tander als coole Lehrerin ist auch toll besetzt.

Dazu kommen viele kleine Rollen wie Detlev Buck als Taxifahrer oder Volker Bruch („Babylon Berlin“) als Astronauten-Papa. Und natürlich Cordula Stratmann als resolute Kollegin vom Jugendamt. Da greifen die schauspielerischen Rädchen perfekt ineinander. Weil das Ganze stets ein Kinderfilm ist und bleibt, spart Rocca verändert die Welt natürlich bestimmte Dinge aus, die nicht in die Story passen. So sind die Obdachlosen alle nett und keiner hat ein Alkoholproblem. Und auch das Mobbing lässt sich durch ein klärendes Gespräch beenden.

Das sind aber alles Dinge, die in einem Kinderfilm in Ordnung sind – und sogar sein müssen. Schließlich wirft auch niemand Erich Kästners Kinderbüchern vor, sie würden zu viele Zufälle oder Wendungen zum Guten beinhalten – genau das macht ihren Charme ja aus. Und genauso ist es mit Rocca. Am Ende muss man sich still und leise die Frage stellen: Warum eigentlich nicht? Und damit hat der Film wirklich eine Menge erreicht. Daher ist er nicht nur für Kinder, sondern auch für deren Eltern eine absolute Empfehlung. Selbst, wenn Pippi von hinten deutlich sichtbar winkt.

Fazit:

Was schon Pippi Langstrumpf auszeichnete, macht auch Rocca verändert die Welt, eine liebevolle, moderne Hommage an die große Lindgren-Figur, richtig. Voller Naivität stellt Hauptfigur Rocca hier Fragen, auf die den Protagonisten – und auch dem Zuschauer – auf Anhieb keine guten Antworten einfallen. Warum muss etwas sein, wie es ist? Warum hilft man nicht denen, die Hilfe brauchen? Der Kinderfilm legt gekonnt, aber leicht, den Finger in manche Wunde, vergisst dabei aber nie, auch sehr gut und lustig zu unterhalten. Großes Kino!

Rocca verändert die Welt startet am 14. März in den deutschen Kinos.

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