Die Handlung

Ex-Soldat Will (Yahya Abdul Mateen II) braucht dringend Geld. Seine Frau muss schnellstens operiert werden, um ihr eine Chance auf Heilung zu geben – und die Krankenversicherung weigert sich, die teure OP zu zahlen. In seiner Verzweiflung wendete sich Will an seinen Adoptiv-Bruder Danny (Jake Gyllenhaal), der ihrem gemeinsamen Vater als Gangster nacheifert. Weil Danny gerade ein großes Ding plant und ihm noch ein Crewmitglied fehlt, zieht er Will kurzerhand in die Sache hinein. Eine todsichere Sache soll es werden und 32 Millionen Dollar einbringen. Obwohl Will kein gutes Gefühl hat, lässt er sich seiner Frau zuliebe auf den Deal ein, der ihm alle Geldsorgen vom Hals schaffen würde.

Doch natürlich läuft nicht alles nach Plan, was in einer wilden Schießerei auf der Straße mit etlichen Toten und einem angeschossenen Cop (Jackson White) endet. Und einem Brüderpaar, das mit acht Millionen Dollar in einem Parkhaus in der Nähe der Bank festsitzt. Als ein Krankenwagen mit der Sanitäterin Cam (Eiza Gonzalez) den verletzten Polizisten einlädt, kommt Danny die Fluchtidee. Er kapert den Wagen, setzt seinen Bruder Will ans Steuer, weil der ein ausgezeichneter Fahrer ist, und versucht durch einen Deal mit einem alten Geschäftspartner seine Haut zu retten, obwohl die halbe Polizei von Los Angeles den Krankenwagen verfolgt. Doch damit ist für Danny und Will das Chaos noch lange nicht beendet …

Bays bester Film seit Jahren

Ambulance ist offiziell das Remake eines dänischen Thrillers mit gleichem Namen, der aber eine Stunde kürzer ist. Und den Fokus auf das Innere des Krankenwagens und die dort getroffenen Entscheidungen über Leben und Tod legt. Die spielen zwar auch in Bays Version eine Rolle, aber der US-Regisseur setzt natürlich andere Schwerpunkte als sein dänischer Kollege. Sein Film ist trotz im Vergleich zu früheren Werken deutlich geerdeten Story noch immer ein Action-Thriller und kein stilles Drama. Und als solcher ist der Film Bays beste Arbeit seit vielen Jahren. Denn es gelingt ihm, halbwegs glaubhafte Action so fiebrig und dynamisch zu inszenieren wie in seinen besten Tagen, ohne deshalb die alten Fehler zu wiederholen.

Ambulance ist für Bay-Verhältnisse erstaunlich unpatriotisch, er übt sogar offene Kritik am Umgang mit Veteranen und der Krankenversicherung in den USA im Allgemeinen. Zwar hebt er dafür die Rettungshelfer auf einen kleinen Sockel, aber das ist Heldenverehrung, mit der man als Zuschauer gut leben kann. Die Anzahl im Wind wehender US-Flaggen hat sich drastisch reduziert und Eiza Gonzales muss sich nicht lasziv über eine Motorhaube beugen, sondern darf ohne übertrieben sexy zu sein, eine echte Heldin spielen. Natürlich bleiben immer noch genug typische Bilder übrig, aber die zeigen meist Bays beste Eigenschaft – gute gemachte Action. Und dürften der Grund sein, warum die meisten Leute sich diesen Film ansehen werden.

Deutlich zu lang

Zwar übertreibt es Bay an der einen oder anderen Stelle ein wenig. So finden sich in der Mitte des Films etwa 15 Minuten, in denen Bay nur die Autoverfolgungsjagd aus möglichst vielen Blickwinkeln zeigt, ohne die Handlung auch nur ein wenig voranzutreiben. Aber die meisten seiner 135 Minuten verwendet Ambulance auf die Entwicklung seiner drei Hauptfiguren und dem halbwegs glaubwürdigen Aufbau spektakulärer Actionsequenzen. Und die filmt Bay mit allen Kameras, die ihm zur Verfügung standen. Vor allem mit Drohnen fängt er manche großartige Szene ein. Er übertreibt es aber auch hier ab und zu mit dem Einsatz der fliegenden Kameras.

Neben der Action wissen aber auch die Schauspieler zu gefallen. Allen voran Jake Gyllenhaal, der als charmanter Schurke eine starke Performance abliefert. Während man dem weltgewandten und umgänglichen Danny 90 Prozent des Films über wünscht, er möge irgendwie glimpflich aus der Sache herauskommen, macht Gyllenhaal dem Publikum in den verbleibenden zehn Prozent richtig Angst mit seinem psychopathischen Spiel. Yahya Abdul Mateen hingegen hält sich mit Emotionen sehr zurück und setzt so einen starken Gegenpol zum aufbrausenden Bruder. Eiza Gonzales, im letzten Bay Film 6 Underground noch wenig mehr als schmückendes Beiwerk, darf hier zeigen, dass sie mehr kann als gut aussehen.

Lediglich das Finale passt nicht zum Rest des Films. Denn der clevere Danny, der sich einen genialen Plan ausgedacht hat, wie er seinen und den Kopf seines Bruders noch aus der Schlinge ziehen kann, sieht plötzlich die Hand vor Augen nicht mehr und bemerkt nicht, dass er eigentlich schon am Ziel ist. Das macht das Ende des Films etwas schlechter als nötig. Wer im Kino gern perfekt gemachte Action sieht und von recht ordentlicher Handlung dabei nicht gestört wird, sollte sich Ambulance in jedem Fall ansehen. Es scheint, dass Michael Bay zu alter Stärke zurückfindet und wieder Action-Kracher dreht, die auch eine nachvollziehbare Geschichte erzählen.

Fazit:

Actionfans machen mit Ambulance nichts falsch. Nach Jahren der Verirrung im Transformers-Dschungel findet Regisseur Michael Bay wieder Gefallen an handgemachter Action, in der sich sogar interessante Figuren und eine packende, wenn auch nicht immer logische Story verbirgt. Und mit seinem Hauptdarsteller-Trio voll ins Schwarze trifft. Vor allem Fans von Jake Gyllenhaal dürften mit der Schurkenrolle ihres Lieblings eine neue Seite entdecken. Zwar nutzt Bay die offenbar für ihn neue Technik einer Drohnenkamera ein wenig zu viel, aber insgesamt liefert der Explosions-König von Hollywood hier wieder richtig gute, wenn auch etwas zu lange, Unterhaltung ab.

Ambulance startet am 24. März 2022 in den deutschen Kinos.

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Comic-Autor Rick Remender kann bereits auf etliche Jahre in seiner Karriere zurückblicken. Gearbeitet hat der 47-jährige Amerikaner dabei schon für alle großen US-Verlage, seine Arbeiten für Marvel sind aber vermutlich seine bekanntesten. Denn neben Captain America und den X-Men schrieb Remender auch für die Avengers etliche Ausgaben. Dass er auch anders kann, zeigte er mit The Last Days of American Crime, einer blutigen Gangsterstory, die er bei DC unterbrachte. Wie ist die Umsetzung als Film geraten?

The Last Days of American Crime: Die Handlung

Graham Bricke (Edgar Ramirez) war einst ein sehr erfolgreicher Bankräuber. Doch als sein kleiner Bruder im Knast angeblich durch Selbstmord stirbt, verliert Bricke die Lust am Job. Stattdessen will er herausfinden, wie es dazu kommen konnte und legt sich dazu sogar mit der Gangstersippe der Dumois an. Als ausgerechnet der Sohn dieser Familie auf ihn zukommt, um ein letztes, großes Ding zu drehen, traut Bricke dem Braten zuerst nicht. Doch als Kevin Cash (Michael Pitt) ihm erzählt, dass sein Bruder von der Regierung getötet wurde, willigt er voller Rachegedanken ein.

Denn die USA will in wenigen Tagen ein flächendeckendes Signal einschalten, dass jegliches Verbrechen für immer verhindert, weil die Einwohner schlicht nichts mehr tun können, was gegen das Gesetz ist. In nur einer Woche wollen Bricke und Cash eine satte Milliarde Dollar klauen und damit nach Kanada entkommen, bevor das Signal startet . Aber spielt Kevin wirklich ehrlich? Und welche Ziele verfolgt Kevins geheimnisvolle Freundin Shelby (Anna Brewster), eine Weltklasse-Hackerin? Bricke bleibt nicht viel Zeit, um all das herauszufinden …

The Last Days of American Crime: Blutig, aber flach

Der Pate? Goodfellas? Heat? Nein. Wer hier ein Gangsterepos im Stil eines Martin Scorsese erwartet, ist im komplett falschen Film. The Last Days … erinnert deutlich stärker an die Comic-Verfilmung Polar mit Mads Mikkelsen als an einen realistisch anmutenden Mafia-Film. Der Comic-Charakter der Vorlage schlägt hier wie dort deutlich durch. Und beide sind auch in Sachen Gewalt ähnlich explizit. In The Last Days … wird viel gestorben, und in aller Regel nicht friedlich im Bett. Damit hält sich der Film an seine ähnlich kompromisslose Vorlage.

Folter, wilde Schießereien und jede Menge Blut gehören hier ebenso dazu wie schablonenhaft gezeichnete Figuren. Der stoische Bankräuber. Der brutale Soziopath. Die Femme Fatale. Der trottelige Cop. Ob Remender die Figuren ebenso klischeehaft schrieb, wie sie hier zu sehen sind, müssen Leser der Comics beurteilen. Fest steht, dass hier tatsächlich eher Comicfiguren agieren als echte Menschen. Tiefe hat das Ganze also nicht, unterhält es dafür wenigstens besser als der eher enttäuschende Polar?

The Last Days of American Crime: Satte Action, aber zu lang

Im Prinzip schon. Denn Olivier Megaton, Regisseur von Filmen wie „Taken 2+3“ sowie „Colombiana“, ist durchaus Spezialist für harten Tobak, der schon beim Zusehen weh tut. Und das setzt er auch hier in gewohnter Qualität um. Dennoch dauert es fast eine Stunde, bis er die erste starke Action-Szene nach dem fiesen Auftakt des Films präsentiert. Die größte Schwäche von The Last Days … ist denn auch seine Länge. Fast zweieinhalb Stunden braucht Megaton für seine Story, obwohl die Figuren allesamt blass bleiben und manche schlicht überflüssig sind. 

Was auch daran liegt, dass die Schauspieler wenig Gelegenheit bekommen, um sich auszuzeichnen. So darf Edgar Ramirez kaum mehr tun, als bei einer Schusswunde einmal kurz aufzustöhnen, sonst ist sein Charakter derart cool, dass es für das Publikum nicht leicht ist, Kontakt zu ihm zu bekommen. Shelby bekommt zwar ein Motiv für ihre Taten im Lauf des Films, sonderlich originell oder stark ist das aber nicht. Immerhin beweist Anna Brewster, dass sie eine körperlich so herausfordernde Rolle durchaus meistern kann. Und Michael Pitt?

Der vielen Zuschauern aus dem US-Remake von „Funny Games“ bekannte Schauspieler hat als Psycho Kevin noch die interessanteste Rolle und macht auch einiges daraus. Dem Klischee des verrückten Sohnes eines mächtigen Mannes kann aber auch er nicht entkommen. All das ist gar nicht schlimm, wenn man The Last Days … als das nimmt, was er ist: eine Comicverfilmung an der Grenze zur Parodie. Wer ihn sich unter dieser Prämisse ansieht, wird trotz der unnötigen Überlange seinen Spaß an den sauber inszenierten Gewalt-Grotesken haben. 

Fazit:

Hart, aber hohl, so lässt sich The Last Days of American Crime kurz zusammenfassen. Schablonenhafte Charaktere schießen und morden sich hier durch einen deutlich zu langen Plot, der nur selten einmal eine halbwegs überraschende Wendung nimmt. Dafür kann der Film mit derben Gewaltspitzen aufwarten und geht wenig zimperlich mit seinen Figuren um. Dazu sind die Action-Sequenzen von Regisseur Olivier Megaton durchaus sehenswert. Mit Filmen wie von Scorsese oder Michael Mann hat das aber nichts zu tun, eher mit „Sim City“. Wer so etwas mag, ist hier genau richtig.

The Last Days of American Crime startet am 5. Juni 2020 bei Netflix.

Weitere Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

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Verlierer – sie gehören zum amerikanischen Film dazu wie Revolver, Cowboyhüte oder Vietnam. Filme wie „Asphalt Cowboy“ oder „Die Ermordung eines chinesischen Buchmachers“ zeigen Figuren, deren tragisches Ende der Zuschauer bereits in der ersten Szene vor Augen hat – selbst wenn das dann gar nicht eintritt. Welchen Trip haben die Regie-Brüder Joshua und Benjamin Safdie für Netflix geschrieben und inszeniert? Kann Der schwarze Diamant mit den Großen des Gangsterfilms konkurrieren?

Der schwarze Diamant: Die Handlung

Howard Ratner (Adam Sandler) ist ein New Yorker Juwelier, Jude – und ein notorischer Zocker, der wegen seiner Spielleidenschaft nicht nur seine Ehe mit Dinah (Idina Menzel) ruiniert hat, sondern auch bei einigen Buchmachern und Kredithaien tief in der Kreide steht. Doch nun wittert er seine große Chance. Nach monatelangen Verhandlungen hat er einen großen Fisch an Land gezogen – einen riesigen schwarzen Opal, der nach seiner Schätzung gut eine Million Dollar wert ist. Als Kumpel Demany (Lakeith Stanfield, „Get Out“) den Basketballstar Kevin Garnett in Howardss Laden bringt, geschieht etwas Seltsames.

Der NBA-Star verliebt sich in den seltenen Stein und will ihn unbedingt als Glücksbringer für sein nächstes Spiel kaufen. Doch Howard plant, den Opal bei einer Auktion loszuwerden, die deutlich mehr Geld bringen soll. Schließlich lässt er sich breitschlagen, Kevin den Opal zu leihen, wenn der ihm dafür den NBA-Meisterring als Pfand da lässt. Der Sportler willigt ein und nur Minuten später hat Howard den Rings schon als Sicherheit für weiteres Wettgeld verpfändet. Doch die Schläger seines Verwandten Arno (Eric Bogosian), dem er viel Geld schuldet, sind ihm auf den Fersen …

Der schwarze Diamant: Fiebriger Trip in die Tiefe

Nein, die Handlung ist es nicht, die diesen Film außergewöhnlich macht. Zwar ist die Story des Zockers, der sich immer tiefer in den Sumpf reitet, spannend und gut erzählt, doch das hat man schon häufiger gesehen. Frischer ist hingegen die Art und Weise, in der die Safdie-Brüder die Story erzählen. Mit viel Hip-Hop und Black Music unterlegt (The Weeknd spielt sich in einer Nebenrolle selbst), wird Der schwarze Diamant durch schnelle Schritte und permanentes durcheinander reden der Protagonisten zum fiebrigen, manchmal regelrecht anstrengenden Stakkato für die Sinne.

Das Zentrum bildet dabei Adam Sandler, der in so gut wie jeder Szene zu sehen ist. Und mit seinem permanenten Gerede wirkt wie ein dunkler Charakter von Woody Allen. Dabei geben die Safdies ihrem Antihelden ebenso wenig Pausen wie dem Publikum. Sie peitschen Howard durch die Handlung, jagen ihn von Ort zu Ort, immer mit einem Plan im Hinterkopf, wie er bereits schief gelaufene Deals durch Versprechen auf neue, bessere Geschäfte noch retten kann. Dass er sich dabei oft um Kopf und Kragen redet, ist nur eins seiner Probleme.

Der schwarze Diamant: Herausragender Adam Sandler

Mal versucht er, seine kaputte Ehe zu retten, weil ihn seine Angestellt und Geliebte Julia (Julia Fox) scheinbar betrogen hat. Mal muss er dringend mehrere tausend Dollar auftreiben, um mit seinem nächsten Geschäft voranzukommen. Oder mal eben nach Boston fahren, um seinen Stein zurückzuholen, der seine letzte Lebensversicherung ist. Die Art und Weise, wie Sandler diese Figur spielt, ist nicht neu. Die hektische Art, das das dauernde Reden, das sind typische Stilmittel für seine Komödien. Nur dass er sie diesmal für einen galligen, todernsten Film einsetzt.

Und das macht er tatsächlich herausragend gut. Er ist es, der letztlich dafür sorgt, dass Der schwarze Diamant dem Zuschauer unter die Haut geht. Dass er mit diesem eigentlich so schmierigen Looser mitfiebert und hofft, sein letzter Plan möge doch aufgehen. Und sein meist so vergebliches Streben nach dem schnellen Glück des schnellen Geldes endlich einmal Früchte trägt. Denn wenn Howard davon erzählt, was er erreichen will und wie er sich selbst sieht, beginnt Sandler, regelrecht zu leuchten. Hohe Schauspiel-Schule, die ihm sicher nicht jeder zugetraut hätte.

Der schwarze Diamant aber nur auf seinen Hauptdarsteller zu reduzieren, täte nicht nur dem blendend aufgelegten Cast Unrecht, sondern auch den Regisseuren. Denn sie tragen mit ihren zwar schnell geschnittenen, aber dennoch akribisch genau beobachteten Milieu-Studien extrem zum großartigen Gesamteindruck dieses Verlierer-Psychogramms bei. Und machen dem Publikum eindringlich klar, dass es ein Happy-End für jemanden wie Howard nicht geben kann – ob er nun seinen Kopf aus der Schlinge zieht oder nicht. 

Fazit:

Netflix hat es wieder getan! Nach grandiosen Filmen wie „Roma“ oder „Marriage Story“ bietet der Streaming-Dienst in Zusammenarbeit mit dem eigentlich auf Arthouse spezialisierten Studio A24 mit Der schwarze Diamant eine weitere Drama-Perle auf. Alleine Adam Sandlers wilder Ritt in die Dunkelheit ist bemerkenswert anzusehen, eine furiose Regie der Safdie-Brüder bringt die Story um einen unrettbaren Spieler auf ein Niveau, das so selten zu sehen ist. Die düstere Studie des glücklosen Glücksritters ist das Spielfilm-Highlight des Monats bei Netflix.

Der schwarze Diamant startet am 31. Januar 2020 bei Netflix.

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Auch wenn Martin Scorsese mittlerweile 77 Jahre alt ist und in seiner Karriere eine Menge unterschiedlicher Filme gedreht hat – sein besonderes Steckenpferd war immer das (organisierte) Verbrechen. Sein von Netflix finanzierter, mehr als 150 Millionen Dollar teurer The Irishman galt daher schon als Alters-Meisterwerk des Regisseurs, bevor auch nur eine Menschenseele etwas davon zu Gesicht bekommen hatte. Viele Kritiker wichen von diesem Lob auch nicht ab, nachdem sie ihn gesehen hatten. Haben die Experten recht?

The Irishman: Die Handlung

Frank Sheeran (Robert DeNiro) lernt in den 50er Jahren als Fahrer von Tiefkühl-Fleisch den damals bereits mächtigen Mafia-Boss Russell Bufalino (Joe Pesci) kennen. Die beiden freunden sich an und schnell wird Frank ein Teil der ehrenwerten Familie. Für seinen väterlichen Freund verübt Frank bald erste Verbrechen, schließlich auch den ersten Mord. Als The Irishman kämpft sich Frank langsam immer höher in der Karriereleiter der Mafia, ohne sich je wirklich Feinde zu machen. Zum echten Freund wird ihm aber Gewerkschaftsboss Jimmi Hoffa (Al Pacino).

Der hängt zwar in Mafiageschäften, gibt sich nach außen aber als Saubermann, der für die Arbeiter kämpft. Während der 70er Jahre geraten Hoffa und die Mafia schließlich in einem erbitterten Streit um Geld und Macht. Während Frank zuhause immer stärker durch die Fragen seiner heranwachsenden Tochter Peggy (Anna Paquin) unter Druck gerät, wird im Geschäft seine Freundschaft zu Hoffa für ihn zum ernsthaften Problem. Denn Russells Organisation verliert langsam die Geduld mit dem aufbrausenden, machthungrigen Gewerkschaftler …

The Irishman: Alterswerk ja …

Fans des Regisseurs werden nicht weiter verwundert sein, weil sie es schon kennen. Auch in The Irishman lässt sich Scorsese wieder sehr viel Zeit, um seine Story zu erzählen. Die spannt sich immerhin auch über mehr als 50 Jahre amerikanischer Zeitgeschichte. Dennoch sind 209 Minuten eine Menge Zeit für einen Film. Die füllt Scorsese mit für ihn typischen Inhalten. Klassische kurze Gewaltausbrüche wechseln sich mit manchmal quälend langen Dialogen ab. Der Eindruck, hier ein Alterswerk des großen Regisseurs zu sehen, bestätigt sich bald.

Denn er hat für sein Lieblingsthema auch einige seiner Lieblingsschauspieler vor die Kamera geholt, mit denen er schon sehr oft zusammengearbeitet hat. Damit die allerdings den gesamten Film über glaubhaft aussehen, griff Scorsese, eigentlich untypisch für ihn, auf massive Special-Effects zurück, um die Darsteller im Computer zu verjüngen. Das sieht stets gut aus, eine perfekte Illusion, wie es zumindest teilweise in „Gemini Man“ von Ang Lee gelang, gibt es hier aber nicht. Den DeNiro von 30 bis 80 glaubt der Zuschauer so nicht uneingeschränkt.

The Irishman: … aber kein Meisterwerk

Dennoch entfaltet Scorsese Verfilmung des Drehbuchs von Steve Zaillian („Schindlers Liste“) nach dem Sachbuch „I Heard you paint Houses“ eine große, erzählerische Kraft. Wenn Frank seinen beruflichen Erfolg mit der Liebe seines Kindes bezahlen muss, lässt sich das auch dank der großartigen Anna Paquin als Zuschauer nur schwer verdauen. Und der eigentlich so erbarmungslose Killer erntet dafür auch Sympathie vom Publikum. Was DeNiro und Scorsese da gelingt ist schon beeindruckend. Aber eben alles andere als neu.

Über weite Strecken des Films fühlt sich der Fan des Regisseurs an frühere Werke erinnert. Zwar hat sich Scorsese mit diesem Monster von Film an einen großen Zeitraum gemacht, den er abdeckt. Aber viele der Szenen erinnern so stark an vergangene Filme des Regisseurs, dass hier von frisch oder gar innovativ nicht die Rede sein kann. Klar, das muss man von einem 77-jährigen Großmeister seines Fachs nicht unbedingt erwarten. Um ein Meisterwerk zu sein, ist The Irishman aber einfach zu sehr den alten Pfaden verhaftet.

Was nicht heißen soll, dass der Film nicht gut wäre, denn das ist er ohne Zweifel. Große Schauspielkunst mit unglaublicher Präsenz, der demaskierende Blick hinter die Kulissen des organisierten Verbrechens. Und auch die mitunter fast albernen Ehrenbezeugungen und Machtkämpfe untereinander – das ist alles sehr sehenswert. Freunde des Regisseurs haben das alles aber schon mindestens ein Mal in einem Film von Martin Scorsese gesehen. Und so ist The Irishman ein sehr guter, aber kein herausragender Film. Der dazu auch etwas zu lang geraten ist.

Fazit:

Martin Scorsese kann es immer noch, das beweist er mit The Irishman eindrucksvoll. Er zeigt allerdings auch, das ein alter Hund keine neuen Tricks mehr lernt. Denn der Film ist Scorsese pur – aber eben deshalb auch so bekannt und wenig innovativ. Wer den Regisseur ob seiner explodierenden Gewalt und seiner fast absurd anmutenden Gangster-Dialoge liebt, wird auch hier begeistert sein. Neue Fans dürfte sich Scorsese mit diesem „Best of“ seiner bisherigen Arbeiten kaum erschließen.

The Irishman läuft ab dem 27. November 2019 bei Netflix.

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Remakes ausländischer Filme sind in Hollywood an der Tagesordnung. Da es eine Synchronisierung in den USA nicht gibt und viele Zuschauer von Untertiteln abgeschreckt werden, drehen die großen Studios erfolgreiche Filme aus dem Rest der Welt deshalb lieber neu. Manchmal darf sogar der Regisseur, der das Original drehte, auch die US-Version davon inszenieren. Das gilt auch für Hard Powder, den der Norweger Hans Petter Molland als „Einer nach dem anderen“ schon 2014 drehte. Kann er die zweite Version ebenso gut in Szene setzen?

Hard Powder: Die Handlung

Nels (Liam Neeson) und Grace Coxman (Laura Dern) leben in einem kleinen Ort mitten in den nördlichen Rocky Mountains. Weil Nels den örtlichen Schneepflug fährt, ist er einer der wichtigsten Mitglieder der kleinen Gemeinde und wird sogar dafür geehrt. Doch ausgerechnet an diesem Tag erhält er in der Nacht die Nachricht, das Sohn Kyle tot aufgefunden wurde, angeblich eine Überdosis. Nels glaubt das aber keine Sekunde und beginnt, an seinem Arbeitsplatz, dem örtlichen Flughafen, Fragen zu stellen.

Schnell findet er heraus, dass Kyle offenbar gelegentlich kleine Job für den hiesigen Drogenbaron „Viking“ (Tom Bateman) erledigt hat und deshalb schließlich als unerwünschter Zeuge sterben musste. Nels beginnt also, sich in der kriminellen Nahrungskette langsam, aber zielsicher noch oben zu morden, um den Kopf der Bande zu erwischen. Doch damit stößt der verbitterte Vater eine Welle der Gewalt los, wie sie das kleine Städtchen so noch nie erlebt hat. Denn Vikings Konkurrenten wittern Morgenluft …

Hard Powder: Starkes Script

Drehbuchautor Frank Baldwin hat mit seiner Adaption des Originalscripts einen guten Job gemacht. Denn die lakonisch erzählte Gewaltspirale kommt weitgehend ohne Zufälle aus. Stattdessen verkauft der Film seine Story als mehr oder weniger unausweichlich. Und darin liegt auch die Stärke der Geschichte. Wie einst der Seher bei Asterix, so denkt auch der Zuschauer immer wieder: Das habe ich kommen sehen! Aber Molland und Baldwin gelingt es dennoch, das Publikum immer wieder mit neuen Figuren zu überraschen, deren Handlungen sich erst im Nachhinein als zwingend erweisen.

So fängt die Story noch relativ klein an, erinnert aber schnell an einen Kieselstein, den man ins Wasser wirft: Die Sache zieht immer größere Kreise. Und bald ist die halbe Unterwelt der Gegend bereit, beim kleinsten Muckser der Gegenseite das Magazin leer zu ballern. Von alldem bekommt Nels, der einfach nur Rache für seinen Sohn will, lange Zeit überhaupt nichts mit. Denn weil Viking die ersten Morde naturgemäß anderen Gangsterbanden anlastet, die sein Terrain wollen, fällt der Einzelkämpfer lange gar nicht auf.

Hard Powder: Ein neuer Neeson

Also alles wie immer? Nein. Denn hier gibt der großgewachsene Schauspieler eben nicht seine Paraderolle als eiskalter Profi, der über Leichen geht. Sondern ist nur ein tief verletzter Vater, der viel emotionaler handelt als die Figuren in seinen anderen Filmen. Allerdings passt der eher stoische Charakter von Nels Coxman sehr gut zu Neesons sparsamer Mimik. Ebenfalls sehr sehenswert ist Tom Bateman als latent cholerischer Gangsterboss. Der stets die Kontrolle über alles un jeden anstrebt – und extrem unwirsch reagiert, wenn ihm das nicht gelingt.

Der eigentliche Clou des Films besteht aber darin, dass Molland hier nicht etwa eine düstere, bleischwere Gangster-Saga erzählt, sondern eine lockere, allerdings tief schwarzhumorige Komödie daraus macht. Auch wenn sich Vergleiche nicht wirklich aufdrängen, so hat der kalte Spaß ein wenig von „Fargo“ und kann Spuren von Tarantino enthalten. So hochhängen lässt sich der ganze Film allerdings nicht. Denn nicht immer zündet der Humor, nicht immer erzielt die durchaus vorhandene Härte die gewünschte Wirkung.

Zudem geht Molland in seinem US-Remake auch nicht ganz so rabiat mit seinen Protagonisten um, wie noch im norwegischen Original. Ein wenig mehr Rücksicht auf die Sehgewohnheiten Amerikas hat der Regisseur offensichtlich genommen. Trotzdem bleibt unter dem Strich eine angenehm rotzige und mitunter fiese schwarze Komödie, die gut gespielt und geschrieben ist und die Langsamkeit und Stille der eingeschneiten Filmwelt als Stilmittel wunderbar nutzt. Zudem erlaubt Molland den Ureinwohnern der USA auch mal, die Bösen zu sein. Und das ist ganz erfrischend.

Fazit:

Liam Neeson mal nicht als eiskalten Profi zu sehen, der Verbrecher über den Haufen schießt, sondern als tief verletzten und rachsüchtigen Vater, ist eine nette Abwechslung, die der Schauspieler offenbar ebenso empfunden hat und es mit gutem Spiel dankt. Hard Powder, das Remake des Norwegers Hans Petter Molland nach seinem eigenen norwegischen Original ist eine fiese schwarze Komödie mit ein paar emotional berührenden Momenten. Die Fans von solchem Humor garantiert Spaß macht.

Hard Powder startet am 28. Februar 2019 in den deutschen Kinos.

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In Gangsterfilmen ist die Geschichte vom Underdog, der bereits einmal gefallen ist, sehr beliebt. Unlängst erzählte Regisseur Özgür Yildirim mit „Nur Gott kann mich richten“ die düstere Story eines Ex-Knackis auf dem Weg in ein neues Leben. Nun versucht sich Modersohn an einem ähnlichen Plot. Funktioniert die Mischung aus Milieustudie und hartem Gangsterdrama auch im Sportumfeld?

Spielmacher: Die Handlung

Als Ivo (Frederick Lau) aus dem Knast kommt, ist keiner da, um ihn zu begrüßen. Einst war der gebürtige Kroate ein aufstrebender Stern am lokalen Fußballhimmel, hatte das Zeug zu mehr. Doch stattdessen nahm er Geld, verlor absichtlich und wurde betrogen. Nun will der geläuterte Heißsporn nur einen neuen Platz im Leben finden. Sein ehemaliger Trainer (Paul Faßnacht) versucht, ivo dabei zu helfen, doch er ist selbst todkrank und kann nur wenig tun.

Und Ivo findet keinen Job, verfällt schließlich mit seinem letzten Geld auf die Idee, eine Sportwette zu platzieren – und gewinnt. Dadurch wird Dejan (Oliver Masucci), der Boss der Wettmafia im Gebiet, auf ihn aufmerksam. Und bietet ihm an, als Scout auf den Plätzen in der Region nach neuen Stars Ausschau zu halten. Als Ivo beim Training das neue Talent Lukas (Matteo Wansing Lorrio) sieht, bemerkt er dessen Können – und dessen hübsche Mutter Vera (Antje Traue). Alles scheint sich zum Guten zu wenden. Doch dann zeigt Dejan langsam sein wahres Gesicht und für Ivo geht es bald um Leben und Tod …

Spielmacher: Authentischer Look

Will man einen Film inszenieren, der sich im Ruhrpott mit Fußball beschäftigt, muss der Look stimmen, um glaubwürdig zu sein. Und das hat Timor Modersohn mit seinen Bildern vom 60er Jahre Beton-Charme der Bolzplätze und Trainingsanlagen glänzend geschafft. Dazu kommen die kantigen Gesichter seiner Hauptdarsteller Frederick Lau („Simpel“) und Oliver Masucci („Dark“), die nicht besser hätten besetzt werden können. Und auch die Sprache, die man dort spricht, wo der Film spielt, fängt Spielmacher ausgezeichnet ein. So bringt Modersohn die wichtigsten Zutaten zusammen, um einen wirklich authentischen Film zu drehen.

Auch bei der Story macht Modersohn nicht den Fehler, zuviel hineinpacken zu wollen. Er erzählt die Geschichte des vorprogrammierten Verlierers Ivo, dem das Leben neue Hoffnung macht, um ihn dann nur tiefer ins Elend zu stürzen, ohne viele Schlenker oder zusätzliche Nebenhandlungen. Nur kurz reißt das Drehbuch von Christian Precht die Krankheit des Trainers an, das Leben vor dem Knast, die Vergangenheit von Vera. All das sind kleine Einsprengsel, die den Film glaubhafter und lebendiger machen, aber keine Ablenkungen vom Hauptthema.

Spielmacher: Groß aufgespielt

Dass Spielmacher so intensiv ist, verdankt er seinem guten Cast und zu allererst seinem Hauptdarsteller Frederick Lau. Den vom Leben herumgeschubsten Underdog mit kurzem Docht, der dennoch stets versucht, etwas Richtiges zu tun, nimmt man Lau von der ersten Szene an sofort ab. Und begleitet ihn auf seinem Strudel in die Tiefe der internationalen Wettmafia und Großkriminalität. Dass der Film dabei Parallelen zum tatsächlichen Wettskandal 2005 aufweist, ist sicher kein Zufall. Und auch Oliver Masucci gibt den eiskalten und doch so charismatischen Gangsterboss ohne Übertreibungen oder Macken – und deshalb umso erschreckender.

Die Besonderheit vom Spielmacher ist aber auch, dass der Zuschauer spätestens nach 20 Minuten zu wissen glaubt, wie dieser Film ausgehen wird, ja ausgehen muss. Und es Modersohn gelingt, sein Publikum da zu überraschen, ohne den Film deshalb weniger glaubhaft oder realistisch zu machen. Einziges Manko des Films: So gut er seine Story auch erzählt, echtes Kinoformat hat Spielmacher selten. Meist überwiegt das Gefühl, einen sehr guten Fernsehfilm zu sehen, weil die Bilder mit der Intensität der Geschichte nur selten mithalten können.

Einige wenige Szenen wie ein Tauchgang in einer Zisterne oder ein Verbrechen im Steinbruch zeigen, dass es gegangen wäre. Aber zu oft bleibt der Film dem TV-Look verhaftet und macht Spielmacher so ein wenig kleiner, als er hätte sein müssen. Wer auf Kino-Optik weniger Wert legt als auf eine packende Story, ist hier dennoch richtig. Aber Sportfans seien gewarnt: Um Fußball geht es letztlich nur am Rande.

Fazit:

Gelungener Mix aus Milieustudie und Gangsterdrama, der hauptsächlich durch seine tollen Schauspieler glänzt. Der jederzeit authentisch wirkende Film kann zwar optisch die Leinwand nicht immer überzeugend füllen, besticht aber durch intensive Momente und eine packende, straff erzählte Verlierer-Story. Und überrascht mit seinem Ende.

Spielmacher startet am 12. April 2018 in den deutschen Kinos.

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