Die Handlung

Der neunjährige Buddy (Jude Hill) lebt 1969 in Belfast in einer typischen Arbeitergegend. Sein Vater (Jamie Dornan) ist für seinen Job fast immer in England, so dass Buddys Mutter (Caitriona Balfe, „Outlander“) sich allein um ihn und seinen älteren Bruder kümmert. Hilfe hat sie nur von Granny (Judi Dench) und Pop (Ciaran Hinds), ihren Schwiegereltern, die Buddy abgöttisch liebt. Eines Tages, als Buddy auf der Straße spielt, wird sein Viertel von Protestanten überfallen, es fliegen Steine und Fäuste. Zwar verschwinden die Angreifer schnell wieder, doch die Nachbarschaft, die aus Protestanten und Katholiken besteht, ist danach nicht mehr dieselbe. Das merkt auch Buddy, der den Konflikt aber nicht versteht.

Denn er als Protestant hat sich nicht nur unsterblich in eine katholische Mitschülerin verliebt, er kann auch mit den gegenseitigen Anschuldigungen der beiden Konfliktparteien wenig anfangen. Viel lieber genießt er seine Zeit mit den Großeltern, Kinobesuchen, seiner Cousine Moira und den wenigen Stunden im Monat, die er mit seinem Vater verbringen kann. Doch der merkt bald immer deutlicher, dass Buddys Kindheit im zunehmend gewalttätigen Konflikt in der Stadt in Gefahr gerät. Schließlich denken Buddys Eltern über eine für die Familie folgenschwere Entscheidung nach. Und mitten hinein platzt eine Hiobsbotschaft …

Das Leben – wenn man neun Jahre alt ist

Die vielen Preise, die Belfast schon gewonnen hat, unter anderem den Golden Globe für das beste Drehbuch, finden manche Kritiker richtig und andere haben wenig Verständnis dafür. Das dürfte daran liegen, dass sich Branagh mit seiner Art, die Geschichte zu inszenieren, auf den ersten Blick angreifbar macht. Denn er erzählt seinen Film nicht nur aus der Sicht des Neunjährigen, der ihn selbst als Kind zeigt, sondern er erlaubt sich auch, seine Erinnerungen daran so verklärt zu zeichnen, wie sie bei Erwachsenen nun einmal oft sind. So sehen seine Eltern aus wie Filmstars und bewegen sich auch oft so, weil Buddy und seine Familie oft ins Kino gehen und Filme sehen. Und wenn sie zusammen sind, erscheinen sie Buddy wie das tollste Liebespaar der Welt, auch wenn Branagh die dunklen Seiten der angespannten Beziehung nicht ausspart.

Immer wieder zeigt Branagh gleichzeitig Realität und eine idealisierte Version davon und diese Doppelbödigkeit der Bilder können mitunter irritieren. Zudem sorgen sie dafür, dass sich Branagh den Vorwurf einfing, er würde über den Irland-Konflikt nicht angemessen ernsthaft berichten. Ein ziemlich unsinniger Vorwurf, da der Nordire keinen Dokumentarfilm gedreht hat. Und gerade einige Szenen, die direkt mit dem Konflikt zu tun haben, zu den stärksten Momenten des Films zählen. So macht die Anfangsszene mit dem Angriff der Protestanten unmissverständlich klar, wie viel Angst Buddy empfindet. Aber er ist eben ein neunjähriges Kind, das schon am nächsten Tag genauso traurig darüber ist, dass seine Mitschülerin ihn nicht beachtet.

Verklärte Erinnerung statt Kriegsdrama

Dass Branagh sich weigert, aus seiner filmischen Autobiographie ein reines Bürgerkriegs-Drama zu machen, ist Belfast gar nicht hoch genug anzurechnen. Denn der Regisseur und Autor interessiert sich mehr für Menschen als für Meinungen oder Ideologien. Und so zeigt er Buddy nicht als hilfloses Opfer der Umstände, sondern als starkes Kind inmitten einer beschützenden Familie, deren Opfer für ihn er oft gar nicht bemerkt. Der Konflikt ist zwar stets unterschwellig da, weil vor allem das Leben des Vaters davon stark beeinträchtigt wird, aber es bleibt im Film nur ein Teilaspekt, weil Buddys Leben eben auch andere Seiten hat – wie die glücklichen Stunden bei seinen Großeltern. Das ist je nach persönlichem Empfinden emotional packend oder kitschig, aber als Blick auf die eigene Kindheit auch nicht wirklich angreifbar.

Neben der Handlung besticht Branaghs Film aber auch durch seine Bilder. Kameramann Haris Zambarloukos, mit dem Branagh hier bereits zum achten Mal zusammenarbeitet, zeigt Belfast als kulissenhafte Schmuddel-Schönheit in edlem Schwarz-Weiß und unterstreicht damit den fast traumhaften Charakter der verklärten Erzählung. Belfast ist hier schöner als es wohl tatsächlich war. So wie jeder Ort einer glücklichen Kindheit eben schön ist, wenn wir uns daran erinnern. Die Konsequenz, mit der Branagh seine Erinnerungen kindlich überhöht, lässt den Verdacht zu, dass der Regisseur durchaus wusste, was er tat, als er diese Art wählte. Das muss man nicht mögen. Aber es wäre schon vermessen, würde man Branagh deshalb sein Können als Autor und Regisseur absprechen.

Schauspiel-Oscars?

Doch nicht nur Belfast sieht in Zambarloukos Bildern märchenhaft aus, auch die Darsteller stellt der Film auf kleine Sockel. In den kontrastreichen Schwarz-Weiß-Bildern wirken Judi Dench und Ciaran Hinds nicht mehr rein menschlich, sondern fast wie steinerne Denkmäler, die als weise Ratgeber und Anker für Buddy da sind. Und denen ihr wunderbares Spiel je eine Oscar-Nominierung für die beste Nebenrolle einbrachte. Auch Caitriona Balfe und Ex-Model Jamie Dornan überzeugen als Buddys Eltern. Und spielen die leidenschaftlich Liebenden aus Sicht eines Neunjährigen mit viel Freude an Gesten und Drama. Und einer unwiderstehlichem Musical-Nummer. Belfast ist ein sehr persönlicher Film, den der Regisseur mit den Mitteln des Mainstream-Kinos erzählt. Und dagegen ist gar nichts zu sagen.

Fazit:

Mit Belfast arbeitet Regisseur und Drehbuchautor Kenneth Branagh seine eigene Kindheit in Nordirland auf. Und nutzt dabei die Mittel des Films, um aus seinen subjektiven Erinnerungen ein wunderschönes Dankeschön an seine Familie zu verschicken. In edlem Schwarz-Weiß zeigt Branagh eine Kindheit in einer schweren Zeit, die dennoch glücklich war. Und in der es auch andere Dinge gab als nur den Bürgerkrieg. All das erzählt Branagh mit einer melancholischen Leichtigkeit und ohne großes Interesse an Geschichtsunterricht. Branagh hat damit sicher keinen Film für ein großes Publikum gedreht, denn die Superhelden-Generation wird mit Belfast wenig anfangen können. Wer aber optisch und inhaltlich schönes Erzählkino schätzt, dürfte mit einem Lächeln aus dem Kino kommen.

Belfast startet am 23. Februar 2022 in den deutschen Kinos.

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Die Handlung

Italien 1978: Die junge Patrizia Reggiani (Lady Gaga) lernt auf einer Party Maurizio Gucci (Adam Driver) kennen, einen Jura-Studenten – und der Erbe von 50 Prozent des Modehauses Gucci. Zwar interessiert sich Maurizio nicht sonderlich für Mode oder Geschäfte, dafür aber bald umso mehr für Patrizia. Doch Maurizios Vater Rodolfo (Jeremy Irons) glaubt, dass Patrizia nur hinter Maurizios Geld her ist. Und verweigert seinem Sohn die Erlaubnis, seine große Liebe zu heiraten. Doch den zieht es trotz Geldentzugs so sehr zu Patrizia, dass er lieber bei deren Vater als Autowäscher arbeitet, als weiterhin von seiner Liebe getrennt zu sein. Und schließlich mischt sich auch Maurizios Onkel Aldo (Al Pacino) ein, um den Frieden in der Familie wieder herzustellen.

Als Patrizia schließlich als Teil der Familie akzeptiert ist, beginnt sie, sich den momentanen Stand des Modelabels genau anzusehen. Und stellt schnell fest, dass aus der einstigen Nobelmarke regelrechter Ramsch geworden ist. Das will sie in jedem Fall ändern. Also wirkt sie auf Maurizio ein, doch endlich die Verantwortung für das Familienunternehmen zu übernehmen und es nicht länger in den Händen von Aldo und seinem unbegabten Sohn Paolo (Jared Leto) zu lassen. Dabei entwickelt die einstige Sekretärin erstaunliches Geschick, wenn es darum geht, im Hintergrund die richtigen Fäden zu ziehen. Doch das Leben als Chef verändert Maurizio …

Kontroversen zum Film

Mit der Verfilmung der wahren Geschichte des Gucci-Clans über einen Zeitraum von 17 Jahren hat Scott sich nicht nur Freunde gemacht. So haben bereits Teile der Gucci-Familie öffentlich ihren Unmut über die Darstellung ihrer Verwandten im Film geäußert. Vor allem die Rolle Paolos traf bei dessen Nachkommen auf wenig Verständnis. Und das ist auch eines der wenigen Probleme des Films. Angesichts der teilweise fast absurd wirkenden Geschehnisse kann sich Scott nie so ganz entscheiden, ob der einen kalten, bösen Thriller drehen oder doch eine Art Farce aus der Story machen wollte. Elemente beider Ideen treffen in House of Gucci aufeinander – und tun sich gegenseitig nicht gut.

Denn die unterschiedliche Tonalität des Films sorgt immer wieder dafür, dass der Zuschauer aus dem Gefühl gerissen wird, an dass er sich gerade gewöhnt hatte. Einem Könner wie Scott darf man da gern Absicht unterstellen, nur – so richtigen Sinn ergibt es hier nicht. Will er Patrizia nun als liebende Gattin und Mutter inszenieren? Oder doch als eiskaltes Miststück, das für eigene Macht über Leichen ging? Hin und wieder erinnert House of Gucci daher an „I, Tonya“ der einen medienwirksamen Skandal ebenfalls satirisch überspitzt in Szenen setzt. Auch dort bleib einem so manches mal das Lachen im Hals stecken. Doch da die wahre Geschichte im Fall Gucci deutlich düsterer ausfällt, wirkt diese Satire hier in manchen Szenen schlicht deplatziert.

Grandios gespielt – von fast allen

Das ist aber neben der etwas zu langen Laufzeit von mehr als 150 Minuten auch die einzige Schwäche, die man House of Gucci anlasten kann, wenn man von Jared Leto als großartig maskiertem, aber ständig am Rand der Albernheit balancierender Paolo Gucci einmal absieht. Denn der Cast ist nicht nur auf dem Papier großartig. Lada Gaga spielt die facettenreiche Patrizia ebenso gekonnt mit großem Pathos wie mit kleinen Gesten und Blicken. Zudem schafft sie es glänzend, eine schwerreiche Frau darzustellen, die sich möglicherweise aus Überzeugung oder schlicht wegen schlechten Geschmacks anzieht wie eine Sekretärin. Gaga mit schrillen 80er-Frisuren und Leoparden-Look – das bleibt in Auge und Hirn hängen, auch über den Film hinaus.

Adam Driver ist gewohnt souverän in seiner Darstellung des Maurizio Gucci, der sich vom intellektuellen Schöngeist zum knallharten Geschäftsmann mausert – und von Becky Johnstons Drehbuch dafür auch reichlich Prügel bekommt. Obwohl Scott immer wieder auch sehr emotional inszeniert, so ergreift er doch nie Partie. Und überlasst dem Publikum, bei wem es seine Sympathien festmacht. Dass auch Al Pacino in der Rolle des charismatischen, aber letztlich wenig stilsicheren Aldo beeindruckt, sollte wirklich niemanden verwundern. Ob hier die eine oder andere Oscar-Nominierung herausspringt? Vermutlich.

Wenig überraschend ist auch, wie optisch stilsicher Scott seinen Film in Szene setzt. Licht, Perspektive und Musik, das geht in House of Gucci in fast jeder Szene eine perfekte Symbiose ein und nimmt den Zuschauer mit in die Discos der späten 70er, die Modenschauen der 80er und 90er sowie die Villen der Reichen und Schönen, mit denen Patrizia Gucci sich gerne umgibt. Hätte Scott sich emotional stärker auf ein Genre gestürzt und das konsequent umgesetzt, House of Gucci wäre wohl noch unterhaltsamer geworden, als er ohnehin schon ist. Dennoch gelingt dem Regisseur etwas, dass er schon sehr langte nicht mehr geschafft hat: zwei richtig gute Filme hintereinander zu drehen.

Fazit:

Mit House of Gucci gelingt Altmeister Ridley Scott zwar nicht sein bester Film seit Jahren, aber dennoch ein sehr guter. Denn die stellenweise fast absurd anmutende und dennoch wahre Geschichte unterhält auch dann glänzend, wenn sich Scott nicht so recht entscheiden kann, ob er einen düsteren Thriller oder doch eine satirische angehauchten Krimi drehen will. Das verdankt er auch seinem umwerfenden Cast um Lady Gaga und Adam Driver. Die beide in keiner einzigen Szene langweilen und eine große Präsenz in dem Film bringen. Lediglich bei einer Sache war sich Scott ganz sicher: Er wollte den Schwerpunkt auf die Intrigen und Wirrungen der Familie legen und nicht auf das Modehaus Gucci. Wer darüber mehr zu erfahren hofft, geht hier weitgehend leer aus.

House of Gucci startet am 2. Dezember 2021 in den deutschen Kinos.

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Es gibt nicht viele Filmemacher, die es gewagt haben, den Terror der Nazis zum Thema eines humorvollen Films zu machen. Da gibt es „Sein oder Nichtsein“ von Ernst Lubitsch, „Das Leben ist schön“ von Roberto Benigni – aber dann? Dann wird es schon knapp mit weiteren Beispielen. Nun hat Taka Waititi sich an die Verfilmung des Romans „Caging Skies“ von Christine Leunens gemacht, der sich um einen Jungen in den Fängen der Nazi-Ideologie dreht. Ist das wirklich sehenswert oder hat Waititi mit seiner Adaption dem Buch keinen Gefallen getan?

Jojo Rabbit: Die Handlung

Der 10-jährige Jojo (Roman Griffin Davis) ist eine fanatischer Hitlerjunge. Und führt regelmäßig Gespräche mit seinem imaginären Freund Adolf Hitler (Taiki Waititi). Als er sich bei einer Waffenübung mit Granaten besonders hervortun will, wird er schwer verletzt und liegt lange im Krankenhaus. Narben im Gesicht bleiben ihm für immer. Als er wieder nach Hause kommt, in dem nach der Abkommandierung seines Vaters an die Front und dem Tod seiner Schwester nur noch Mutter Rosie (Scarlett Johansson) lebt, erlebt er eine Überraschung.

Rosie, die heimlich gegen die Nazis arbeitet, hat im oberen Stockwerk hinter einer Holzvertäfelung die 15-jährige Elsa versteckt hält – eine Jüdin. Weil Jojo durch seine Nazi-Kontakt weiß, dass alle Juden Dämonen sind, hat er zunächst Angst und überlegt dann, wie er den unerwünschten Gast loswerden kann. Doch obwohl Adolf immer wieder gute Ideen dafür hat, klappt es nie. Und schließlich beginnt Jojo, sich mit Elsa anzufreunden. Und versteht langsam, dass möglicherweise nicht alles stimmt, was er in der Schule über Juden gelernt hat …

Jojo Rabbit: Kriegshorror aus Kindersicht

Eigentlich kann man mit einer Komödie über Nazideutschland nur falsch liegen. Das Thema ist derart schwierig und heikel umzusetzen, dass wohl nie ein Deutscher und auch kaum ein Europäer auf die Idee kommen würde, darüber eine Tragikomödie zu machen. Und so brauchte es einen Neuseeländer, der sich traute, das Projekt zu stemmen. Und auch gleich noch Drehbuch und Nebenrolle zu übernehmen. Offenbar ist der Abstand zwischen Neuseeland und Deutschland groß genug, um einen Film zu machen, der ohne den typischen Ballast daherkommt.

Aus den Augen eines Kindes erzählt Waititi von den großen Lügen, die zum Ende des Krieges hin nur noch die allertreuesten Hitler-Verehrer für bare Münze nehmen, wie Fräulein Rahm (Rebel Wilson). Aber Hauptmann Klenzendorf (Sam Rockwell) glaubt die Propaganda-Sprüche ebensowenig wie Jojos Mutter und andere Einwohner des Dorfes. In der Spiegelung der Erwachsenen in Jojos Sicht zeigt Waititi die kleinen und großen Helden eines Krieges, der weder zu gewinnen noch für viele zu überleben war. Waititi wird dabei aber nie gallig, sondern arbeitet mit anderen Mitteln.

Jojo Rabbit: Lacher und Tränen

Schon die Entwicklung von Jojo, großartig gespielt von Roman Griffin Davis, zeugt davon. Zu Beginn noch fanatisch hitlertreu, wird der Junge zwar durch tragische Schicksalsschläge gehärtet. Er behält trotz allem seine kindliche Fähigkeit, instinktiv richtig von falsch zu unterscheiden. Und so wandeln sich auch Jojos Gespräche mit dem imaginären Adolf. Der Junge emanzipiert sich Stück für Stück von den Ideen des Führers und fällt schließlich seine eigenen Entscheidungen aufgrund von Fakten. Hitlers Reaktionen drauf sind meist brüllend komisch.

Dennoch lauert bei Waititi die Tragödie hinter jeder Ecke. So lässt er den Zuschauer nie vergessen, in welchem tödlichen Umfeld sich hier alle Protagonisten bewegen, wie schnell es mit der scheinbaren Idylle vorbei sein kann. Und das macht Jojo Rabbit auch zu einem sehr spannenden Film. Und für das Publikum ist das doppelt schwer zu ertragen, weil sich Jojo der Gefahr gar nicht bewusst ist, in der über lange Zeit des Films schwebt, der Zuschauer aber sehr wohl. Das sorgt für Szenen, in denen man den Atem anhält, weil man so sehr um diesen 10-jährigen fürchtet.

Die Virtuosität, mit der Waititi in seiner satirischen Abrechnung mit den Nazis dabei alle Emotionen erzeugt, ist eine neue Qualität des Regisseurs, Autors und Schauspielers, die er in seinen vorherigen Werken so noch nicht zeigte. Humor traute ihm das Publikum jederzeit zu, ergreifende und traurige Momente hingegen nicht. Dass Jojo Rabbit als bester Film und für das beste adaptierte Drehbuch Oscar-nominiert wurde, ist daher nur zu verständlich und verdient. So mutig hat lange kein Film den Nazis ihre Lächerlichkeit vor Augen gehalten.

Fazit:

„Dieser Film wird eine Menge Rassisten anpissen und das macht mich sehr glücklich“, sagte Regisseur Taika Waititi in einem Interview über  Jojo Rabbit. Schon dafür dürfte man den Film mögen. Aber Waititi liefert sehr viel mehr Argumente dafür, sich seine satirische Tragikomödie anzusehen. Neben den Schauspielern, die allesamt großartig agieren, ist das vor allem der Tonfall, der keinen Deut anders sein dürfte, als er ist, um das ganze Ausmaß des Irsinns zu zeigen. Dabei ist Jojo Rabbit blendend unterhaltsam, statt bleischwer.

Jojo Rabbit startet am 23. Januar 2020 in den deutschen Kinos.

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Die Kritik zu den beiden ersten Staffeln von Babylon Berlin finden Sie hier.

Es war nicht weniger als ein kleines Wunder. Mit extremem finanziellen Aufwand und einem Trio aus Regisseuren und Autoren hob Pay-TV-Sender Sky im Verbund mit der ARD eine Serie aus der Taufe, die vordergründig eine Krimihandlung erzählte, tatsächlich aber tief ins Herz der Weimarer Republik blickte. Und die Wilden 20er ebenso brillant einfing wie das Erwachen extremer Kräfte, die schließlich zu Nazi-Deutschland und dem Zweiten Weltkrieg mündete. Kann Babylon Berlin Staffel 3 an diese Qualität anknüpfen?

Babylon Berlin Staffel 3: Die Handlung

Berlin, Spätsommer 1929. Der Armenier (Misel Maticevic) holt seinen Geschäftspartner Walter Weintraub (Ronald Zehrfeld) vor dem Gefängnis ab, wo Weintraub eine Haftstrafe verbüßt hat. Gereon Rath (Volker Bruch) lebt inzwischen in einer Wohnung mit Schwägerin Helga (Hannah Herzsprung) zusammen, leidet aber unter der Lüge, die er auf Wunsch seines tot geglaubten Bruders leben muss. Das wirkt sich zunehmend auf die Beziehung aus. Das einst so glückliche Paar driftet auseinander.

Charlotte Ritter (Liv Lisa Fries) ist aus der Wohnung der Familie ausgezogen und lebt mit ihrer kleinen Schwester im eigenen Zimmer. Außerdem macht sie bei der Berliner Kripo ihre Ausbildung zur Ermittlerin unter der wohlwollenden Feder von Ernst Gennat (Udo Samel), dem Chef der Mordkommission. Als es bei den Dreharbeiten zu einem großen Stummfilm in Babelsberg zu einem tödlichen Unfall kommt, fahren Rath und Ritter eher widerwillig zum Tatort. Doch schnell wird beiden klar – hier ist ein Mord geschehen! Und der zieht bald weite Kreise. Währenddessen wartet die arme Greta (Leonie Benesch) nach dem Attentat auf August Benda auf ihren Prozess …

Babylon Berlin Staffel 3: Zeitgeschichte pur

Staffel eins der Serie beschäftigte sich unter anderem mit den Mai-Unruhen 1929 und einem geplanten Putsch des Militärs. In den neuen Folgen sind der Tod Gustav Stresemanns und der Schwarze Freitag an den Börsen der Welt wichtige historische Ereignisse. Sie umkleiden die komplexe Krimihandlung, die wie schon in der ersten Staffel von viel Zeitkolorit durchzogen wird. So ist erneut der Aufstieg der Nazis ein Thema, der diesmal bereits mehr Raum in der Serie einnimmt als in den Vorgängerstaffeln. Das ist zwar sinnvoll, bremst die Erzählung aber immer wieder ein wenig aus.

So geht es beispielsweise in den Folgen fünf und sechs mit den eigentlichen Mordermittlungen gar nicht voran, weil sich Rath und Ritter um andere Dinge kümmern müssen, die mit dem Prozess von Greta zusammenhängen. Das haben die Autoren in den vorherigen Staffeln etwas geschickter gelöst als hier. Spannend sind die Episoden dennoch, weil sie zum großen Teil bereits angefangene Storylines weiterführen und neben der Mordsache auch noch andere Spannungsbögen setzen. So lassen die Autoren unterschiedliche politische Ansichten innerhalb einer Familie aufeinanderprallen, wie bei dem Heerführer Seegers und seiner Tochter.

Babylon Berlin Staffel 3: Gleichbleibende Qualität

Der Lack ist ab, werden manche Zuschauer vielleicht sagen, wenn sie die dritte Staffel sehen. Das ist auch nicht ganz falsch, liegt aber weniger an der Qualität der Staffel, sondern mehr daran, dass das Publikum die erzählerischen und inszenatorischen Zaubertricks der Macher diesmal schon kennt. Und eben nicht mehr ganz so leicht zu begeistern ist wie beim ersten Mal. Denn auch diesmal sind die Figuren großartig und komplex geschrieben, verweben die Autoren klug das Zeitgeschehen mit der fiktiven Krimi-Story. Und glänzen die Schauspieler wie kleine Perlen.

Ob ein Lars Eidinger, ein Volker Bruch oder eine Liv-Lisa Fries – jede Hauptrolle hier ist großartig besetzt und gespielt. Die neuen Gesichter wie Ronald Zehrfeld oder Meret Becker schlüpfen so schnell in ihre Rollen, als würden sie von Beginn an dazugehören. Dazu sind die Kulissen und Kostüme erneut eine Augenweide. Und für Cineasten bilden die Szenen in Babelsberg noch einen besonderen Leckerbissen an grandioser Kamera-Arbeit und tollem Schnitt. Schon die allererste Szene, eine Plansequenz, zeigt, in welch hoher Qualität hier abgeliefert wird.

Neben den technischen Qualitäten besticht Babylon Berlin Staffel 3 aber auch erneut mit dieser ganz speziellen Atmosphäre, die schon die beiden ersten Staffeln auszeichnete. Eine bleierne Schwere liegt über der Stadt und damit über fast jeder Szene. Der Sturm ist noch nicht da, aber die Insekten fliegen bereits tief und die Luft riecht nach Elektrizität. So inszenieren Tykwer und seine beiden Mitstreiter erneut eine fiebrig-hypnotische Staffel. Die sich sogar die eine oder andere witzige Szene erlaubt, ohne ihre Düsternis zu verlieren. 

Wer noch tiefer in den Serienkosmos von Babylon Berlin eintauchen will, findet in diesem Beitrag mehr Informationen zum Aufwand, den Schauspielern und ihren Rollen und vieles mehr.

Fazit:

Auch Babylon Berlin Staffel 3 gehört zum Besten, was ein Publikum aus deutscher Serienproduktion in diesem Jahrtausend gesehen hat. Zwar wirken die neuen Staffeln nicht mehr ganz so frisch und neu wie die ersten Staffeln, aber das Regie- und Autorentrio um Tom Tykwer liefert erneut Story, Dialoge und Inszenierung von ganz hoher Qualität ab. Dazu kommt die Atmosphäre voller Melancholie angesichts des nahen Scheiterns der Freiheit, die in Staffel drei bereits durch alle Ritzen pfeift. Großes Kino fürs TV, dass man nicht so leicht vergisst.

Babylon Berlin Staffel 3 lief ab 24. Januar 2020 bei Sky und ab Herbst 2020 in der ARD.

Gesehen: Sechs von zwölf Folgen.

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Authentischer geht es kaum. Nicht nur, dass der Titel Green Book sich auf das damals wirklich existente „Negro Motorists Green Book“ bezieht, in dem nachzulesen war, welche Hotels und Restaurants schwarze Gäste bedienten. Auch die Geschichte selbst basiert auf einem Drehbuch, an dem Nick Vallelonga, Sohn der von Viggo Mortensen gespielten Tony, maßgeblich mitgeschrieben hat. Er hatte vor dem Tod seines Vaters oft mit ihm über die Ereignisse von damals gesprochen und auch die alten Briefe seiner Mutter bekommen. Ist das vielleicht zu viel Realismus für einen guten Film?

Green Book: Die Handlung

Weil es in dem Nachtclub, in dem Tony Lip (Viggo Mortensen) als Rausschmeißer arbeitet, dicke Luft zwischen zwei verfeindeten Mafia-Familien gibt, macht der Laden kurzerhand eine Weile dicht, bis sich die Gemüter beruhigt haben. Doch Tony hat Familie und braucht Geld. Als das Angebot kommt, als Fahrer für einen Schwarzen zu arbeiten, der mehrere Wochen in die Südstaaten muss, bewirbt sich Tony auf den Job – und begegnet einem in seinen Augen hochgradig eigenartigen Schwarzen. Dr. Don Shirley (Mahershala Ali)  ist Musiker, hochintelligent und gebildet.

Tony bekommt den Job tatsächlich, verabschiedet sich von Gattin Dolores (Linda Cardellini) und verspricht ihr, oft Briefe zu schicken. Dann beginnt die Tournee des Musikers, dessen zwei Bühnenpartner im eigenen Wagen reisen. Zuerst können der Intellektuelle, der auch auf andere Schwarze herabsieht, und der ungebildete, aber smarte Tony nicht viel miteinander anfangen. Aber der italienischstämmige Fahrer redet und fragt so permanent auf Shirley ein, dass dieser schließlich doch private Dinge von sich preisgibt …

Green Book: Ein Rassismus-Feel-Good-Movie?

Rassismus ist in den USA noch immer ein großes Thema und bewegt den kleinen Mann ebenso wie die Kulturschaffenden des Landes. Anders ist eine Oscar-Nominierung für „Black Panther“ auch nicht zu erklären. Aber dabei geht es entweder bitterernst zu, wie in „Moonlight“. Oder die weißen Rassisten werden komödiantisch als hirnlose Trottel gezeigt, wie in „Blackklansmen“. Green Book macht beides nicht, sondern skizziert den Rassismus der 60er Jahre eher nebenbei. Während er in wunderbaren Szenen die Entstehung einer besonderen Freundschaft erzählt.

Wie aus gegenseitiger Abneigung erst Verständnis, dann Respekt und schließlich Freundschaft wird, hat ein Film lange nicht mehr so warmherzig und emotional erzählt, ohne jemals auf die Tränendrüse zu drücken oder übertriebene Momente zu bemühen. Farrelly dirigiert seine beiden Stars dabei traumhaft sicher durch den Film. Und sorgt dafür, dass sie keinen einzigen Moment aus ihrer Glaubwürdigkeit fallen. Deshalb sieht der Zuschauer auch nur Nuancen von Änderungen. Aber das kann schon reichen, um etwas besser zu machen – eine schöne Botschaft des Films.

Green Book: Edel gespielt

So ist Tony zu Beginn des Films im Alltag ein Rassist. Als zwei schwarze Handwerker, die von Dolores angeheuert wurden, um etwas in der Küche zu reparieren, um etwas Wasser bitten, entsorgt Tony die Gläser hinterher heimlich im Müll. Und steht so stellvertretend für die meisten Weißen der 60er, für die der Rassismus völlig normal war – etwas, an das man keinen zweiten Gedanken verschwendet. Viggo Mortensen schaffte es, aus diesem eigentlich sehr unsympathischen Typen im Verlauf des Films jemanden zu machen, den man versteht – und dann auch mag.

Das Gleiche gilt für Mahershala Ali, der seine Figur, die zu niemandem wirklich gehört – und zu Beginn auch nicht gehören möchte – so fein verkörpert, dass sich wie bei einer Zwiebel eine Schale nach der anderen abzieht und der Zuschauer Dinge von ihm erfährt, die zu Anfang kaum vorstellbar schienen. Ali spielt seine zutiefst tragische Figur mit einer Mischung aus Wut und Würde, die ihm seine Oscar-Nominierung zu Recht einbrachte, weil er sie so nachvollziehbar macht. Dabei hilft das ausgezeichnete Drehbuch mit wundervollen Dialogen.

Wenn man sich dann vor Augen hält, dass diese Geschichte mit eventuellen kleinen Änderungen aus dramaturgischen Gründen, tatsächlich so passiert ist, kommt man kaum umhin, davon berührt zu werden. Gerade weil es trotz der eigentlich düsteren Ausgangsposition so viel zu lachen und zu schmunzeln gibt. Denn statt Betroffenheitsreden oder pathetischen Szenen zeigt Green Book, wie man das im Alltag regelt – mit kleinen Gesten und wenigen Worten. Das macht den Film so lebendig und so sehenswert.

Fazit:

Mit Green Book gelingt Peter Farrelly ein Film gänzlich abseits seiner bisherigen Klamauk-Erfolge, aber dennoch streckenweise genauso witzig. Weil er nicht den Rassismus ins Zentrum seiner Erzählung rückt, sondern die Freundschaft zweier Menschen, die unterschiedlicher kaum sein könnten. Und trotzdem einen Weg zueinander finden. Wer Kino als einen Ort ansieht, wo man gute Geschichten erzählt bekommt, für den ist Green Book gemacht. Ein Film, aus dem man vielleicht nicht als besserer Mensch herauskommt – aber als glücklicherer.

Green Book läuft ab dem 31. Januar 2019 in den deutschen Kinos.

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