Die Handlung

Der jüdisch-stämmige J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) ist eher ein Theoretiker denn ein Praktiker, das wird ihm schon im Studium klar, als Laborversuche regelmäßig in einem Fiasko enden. Doch er ist ein brillanter Kopf, stellt kluge Fragen. Und kann sogar den damals bereits legendären Physiker Nils Bohr (Kenneth Branagh) beeindrucken, der ihm zu weiteren Studien bei Kollegen in ganz Europa rät. Zurück in den USA sieht er die wachsende Bedrohung Europas durch die Nazis zunehmend mit Sorge. Zudem ist Oppenheimer politisch eher links eingestellt, was auch die Amerikaner mit mäßiger Begeisterung zur Kenntnis nehmen. Bei einer Party der Kommunisten trifft Oppenheimer seine erste große Liebe Jean (Florence Pugh).

Seine Vorlesungen in Berkeley erfreuen sich großer Beliebtheit, bald gilt Oppenheimer als einer der größten Köpfe in der Quantenphysik. Und weil der Wettkampf darum, wer als erster eine Atomwaffe einsetzen kann, zwischen den USA und Nazi-Deutschland in eine entscheidende Phase tritt, holt das Militär in der Person von Lt. General Leslie Groves (Matt Damon) den politisch eher unbequemen, aber fachlich grandiosen Oppenheimer zum Manhattan Project. In der Wüste von New Mexiko entsteht Los Alamos, ein Dorf, das nur einem Zweck dient: der Erschaffung einer Atombombe, die den Krieg entscheiden kann. Oppenheimer und seine Crew gewinnen schließlich das Rennen gegen Hitler, doch die US-Regierung hat inzwischen einen weiteren Feind – Japan …

Ein starkes Stück Zeitgeschichte

Mit Oppenheimer wagt Regisseur und Autor Christopher Nolan einen neuen Schritt in seiner Karriere. Konnte der mittlerweile 52-jährige Brite bislang vor allem mit rein fiktionalen Stoffen begeistern, so drehte er nun nach dem Kriegsdrama „Dunkirk“ einen weiteren historischen Stoff mit real existierenden Personen. War aber die Rettung britischer Soldaten vom Festland eher eine Momentaufnahme mit nur wenig bekannten Figuren und hauptsächlich fiktiven Helden, steigt Nolan mit Oppenheimer tief in die jüngere Geschichte der USA ein. Und beleuchtet die Causa Oppenheimer von verschiedenen Seiten. Nicht alle davon sind schmeichelhaft für den Wissenschaftler selbst oder die Regierung, für die er arbeitete.

Nolan, der auch das Drehbuch verfasste, ist dabei klug genug, die wissenschaftliche Seite des Projekts dabei weitgehend zu ignorieren. Allerdings nur, um das Publikum nicht mit einer Physik zu überfordern, die ohne Studium kaum zu verstehen ist. Stattdessen verlegt er sich auf die Beobachtung der Ereignisse, die mit dem Einsatz der Bombe auf Hiroshima und Nagasaki noch längst nicht auserzählt sind. Nolan interessiert sich für den Wandel, der in Oppenheimer vorgeht und die Art, wie sein Land ihn vor und nach der Fertigstellung der Atombombe behandelt. Dazu nutzt er klug einen Ansatz mit viel Zeitkolorit. Denn Oppenheimer geriet aufgrund seiner Vergangenheit in den Fokus der hysterisch-antikommunistischen McCarthy-Ära. Einige der besten Momente des Films erzählen davon.

Gefühlvolles Portrait einer komplexen Persönlichkeit

Für Nolan, dem Kritiker immer wieder nicht völlig zu Unrecht vorwerfen, recht kühle Filme zu inszenieren, hat mit Oppenheimer vielleicht seinen emotionalsten Film seit „Memento“ gedreht. Seine Charaktere fühlen unverkennbar, sind weder Superhelden noch Agenten, sondern Menschen. Und dieser Aspekt gelingt Nolan in Anbetracht seiner bisherigen Defizite auf diesem Gebiet ausnehmend gut. Was sicher zu einem guten Teil an den Schauspielern liegt, die er für das Projekt gewinnen konnte. Murphy spielt den ambivalenten Titelhelden mit viel Gespür für einen abgehobenen, genialen Verstand, der dennoch vor allem für die fleischlichen Gelüste viel übrig hatte, mit einer klugen Mischung aus Zurückhaltung und gelegentlichen Gefühlsausbrüchen. Und holt so den fast normalen Menschen hinter dem Denkmal hervor.

Ein heißer Kandidat für einen Oscar für die beste männliche Nebenrolle ist Robert Downey Jr.. Er brilliert als Senator, der zum Erzfeind Oppenheimers wird und alles in die Waagschale wirft, um ihn zu vernichten. Downeys Spiel eines durchtriebenen Machtmenschen schwebt über den durchgehend starken Auftritten diverser großer Namen wie der Geist über dem Wasser. Sein Gesicht in Schwarz-Weiß (die Nachkriegs-Szenen sind alle ohne Farbe gedreht) bleibt hängen, seine Blicke voller verhaltenem Zorn dringen durch. Neben Murphy und Downey Jr. bleiben für Stars wie Josh Hartnett, Emily Blunt, Florence Pugh, Jason Clarke, Matt Damon, Casey Affleck und viele andere nur einzelnen Szenen, in denen sie sich auszeichnen können.

Und neben dieser imposanten Liste hat Nolan weitere kluge Entscheidungen getroffen. So zeigt er kein einziges Bild der zerstörten japanischen Städte. Er belässt es bei der visuell eindrucksvollen Testzündung in New Mexiko, Tage vor dem Abwurf. Den Schrecken, der bald Oppenheimers Wesen beeinflusst, nachdem er den Geist aus der Flasche ließ, braucht diese Bilder nicht, um zu funktionieren. Die Gefahr, die der Wissenschaftler durch seinen eigentlich ehrenhaften Versuch, die Nazis zu stoppen, auf die Welt losließ, findet auch so den Weg zum Publikum. Lediglich bei der Tonspur hat Nolan entgegen seiner sonstigen Gepflogenheiten nicht überzeugt – die ist an vielen Stellen so laut, dass der gesprochene Text dahinter verschwindet. Das mag allerdings in der deutschen Version besser sein.

Fazit:

Christopher Nolan meldet sich mit Oppenheimer nach Dunkirk nochmals als Chronist echter Geschichte zurück. Und überzeugt diesmal auch auf einer emotionalen Basis. War sein Kriegsfilm technisch und optisch aufregender als inhaltlich, so zeigt er mit dieser Erzählung, dass ihm auch solche Stoffe liegen. Denn er stellt als Regisseur und Autor viele Weichen richtig, bringt seine Geschichte früh ins Rollen und bremst sie auch durch diverse Zeitsprünge niemals aus. Die Bombe fällt nach zwei Stunden und Nolan gelingt es eine weitere Stunde, die Handlung spannend zu fesselnd zu halten. Und deckt dabei viele Aspekte der komplexen Geschichte ab, wertet aber selbst zurückhaltend. Großes Erzählkino nach Tatsachen, das nie langweilt und mit großen Bildern und Schauspielern auftrumpft.

Oppenheimer startet am 20. Juli 2023 in den deutschen Kinos.

Der Beitrag Filmkritik: Oppenheimer erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Europa ist nicht der einzige Kontinent, der sich mit einer Flut an Flüchtlingen auseinandersetzen muss. Auch in Australien kommen viele Menschen an, die aus Asien stammen und vor Krieg, Verfolgung und Armut ins reiche Australien fliehen wollen. Allerdings ist das Land mittlerweile für eine rigorose Politik gegen die Bootsflüchtlinge bekannt, die von einem nicht unbeträchtlichen Teil der Bevölkerung allerdings getragen wird. Dieses alles andere als einfache Thema nutzt Blanchett für ihren Sechsteiler, der auch noch auf wahren Begebenheiten beruht. Geht er auch an die Nieren?

Stateless: Die Handlung

Sophie (Yvonne Strahovski) ist psychisch labil, leidet seit Jahren unter ihrer übermächtigen Mutter und der erfolgreichen Schwester. Schließlich fällt sie auf der Suche nach Halt in die Fänge einer Sekte, angeführt von Gordon (Dominic West) und Pat (Cate Blanchett). Schließlich ist sie so verzweifelt, dass sie sich mit einem gestohlenen Pass in ein Flüchtlingscamp der Regierung begibt und als deutsche Staatsbürgerin ausgewiesen werden möchte. Doch der Schwindel fliegt auf …

Ameer (Fayssal Bazzi) floh mit Frau und zwei Töchtern aus Afghanistan und strandet in Malaysia, wo er auf Plätze für alle auf einem Schlepperboot wartet. Doch er wird von seiner Familie getrennt und kommt erst Monate später im australischen Lager an. Dort erwartet ihn die Hölle …

Cam (Jai Courtney) hat seinen Job auf dem Bau satt und nimmt die Stelle als Wärter im Flüchtlingslager an, weil sie viel besser bezahlt ist. Zu Beginn gefällt ihm das bessere Gehalt und der damit verbundene bescheidene Luxus für die Familie. Doch bald meldet sich Cams Gewissen …

Claire (Asher Keddie) arbeitet für die Regierung und wird zum Flüchtlingslager abkommandiert, um die Probleme dort zu lösen. Doch die ehrgeizige Beamtin stößt mit ihrem kalten Pragmatismus bald an Grenzen, die sie eigentlich nicht überschreiten wollte. Ihre Reaktion darauf hat schlimme Folgen …

Stateless: Fair, aber unbarmherzig

Stateless geht nicht den leichten Weg und drückt mit den Schicksalen der Flüchtlinge auf die Tränendrüse. Stattdessen bemüht sich das Drehbuch um eine differenzierte Sichtweise, das auch die Perspektiven der Wachen, der Regierung und der Einwohner Australiens nicht unter den Tisch kehrt. Sonderlich freundlich geht das Script allerdings mit keiner dieser Gruppen um. Dafür zeichnet es ein düsteres Bild einer Politik, die Asylsuchende faktisch zu Gefangenen macht, weil ihre Anträge jahrelang nicht bearbeitet werden. Obwohl das Gesetz es eigentlich so vorsieht.

So gibt es mehrere Gruppen. Die Flüchtlinge, die nicht alle Engel sind und durchaus schlimme Dinge tun, um ihre Not zu lindern. Die Mitarbeiter des Systems, die aus Karrieregründen oder finanzieller Not wegschauen. Und die Menschen, die helfen wollen, dazu aber ebenfalls gegen Regeln verstoßen müssen. Denn die Stimmung im Land wird gegenüber den Flüchtlingen zusehends feindlich. Und inmitten dieses Pulverfasses spielt sich Yvonne Strahovski, selbst Tochter polnischer Einwanderer in Australien, als psychisch kranke Sophie die Seele aus dem Leib.

Stateless: Großes Schauspiel

Nachdem ihre US-Karriere in der in Deutschand weitgehend unbekannten Spionage-Comedy-Serie „Chuck“ begonnen hatte, war sie in einigen Kino-Produktionen wie „I, Frankenstein“ zu sehen, bevor sie mit „The Handmaids Tale“ ihren zweiten Serienhit landen konnte. Schon da zeigt sie, was sie kann. Aber in Stateless legt die Australierin nochmals eine Schippe drauf. Die erste Folge, die weitgehend ihr gehört, ist ein wilder Ritt einer hübschen jungen Stewardess in den langsamen Wahnsinn, der ungemein fesselt und schmerzt.

Zum Ende der Folge spielt sie gemeinsam mit Blanchett eine Szene, die eine unglaublich Intensität entwickelt und haften bleibt. Und am Ende dieser Episode versteht der Zuschauer deshalb auch, warum eine weiße Australierin plötzlich in einem Camp für illegale Flüchtlinge landet – und sie dort gar nicht so falsch ist, wie man denkt. Allerdings ist Strahovski nicht die einzige, die in Stateless eine tolle Leistung zeigt. Jai Courtney, den viele nur aus Actionrollen wie „Suicide Squad“ kennen, ist hier ebenfalls sehr sehenswert als Mann mit Gewissen – und Kindern.

Und auch die weiteren Darsteller sind allesamt sehenswert und verliehen ihren Rollen die Authentizität, die Stateless gleichzeitig zu einer faszinierenden und unangenehmen Seh-Erfahrung machen. Denn die Serie macht es dem Zuschauer schwer, einen Schuldigen für die Situation auszumachen. Jeder trägt seinen Teil dazu bei, aber jede der Figuren ist dabei nachvollziehbar und nicht so einfach als Held oder Schurke auszumachen. Zudem ergeht sich das Script nicht in einfachen Lösungen, sondern beschränkt sich darauf, beobachtend die Realität zu zeigen, wie sie ist. Und das reicht völlig.

Fazit:

Stateless ist eine Serie, die in mehr als einer Hinsicht besonders ist. Denn sie ergeht sich nicht in simpler Schwarz-Weiß-Malerei, sondern bietet stattdessen einen differenzierten Blick auf die Flüchtlings-Problematik. Und der ist mitunter deshalb so schmerzhaft, weil er sich so real anfühlt. Und wenig Hoffnung hinterlässt, dass sich diese Tragödien nicht mehr wiederholen. Dabei gibt die Serie nie vor, einfache Antworten auf die komplexen Fragen zu haben, die sich hier stellen. Und ist auch noch toll geschrieben und großartig gespielt. Keine leichte Kost – aber gute.

Stateless startet am 8. Juli 220 bei Netflix.

Gesehen: Vier von sechs Folgen

Der Beitrag Serienkritik: Stateless erschien zuerst auf lauterfilme.de.

Da hat sich Regisseur Galder Gazteru-Urrutia für sein Langfilm-Debüt ja einen schweren Stoff gesucht. Was gleich zu Beginn auffällt, wenn Netflix den Sicherheitscode für Erwachsene abfragt, Der Schacht hat eine Freigabe ab 18 Jahren erhalten. Und das ist heutzutage durchaus eine Seltenheit und wird meist nur dann vergeben, wenn Menschen auf blutigste Art und Weise zu Tode kommen. Zuschauer seien also gewarnt: Auch wenn dieser Film kein Splatter-Horror ist, so bietet er genug Szenen, die empfindlichen Zuschauern auf den Magen schlagen könnten.

Der Schacht: Die Handlung

Weil er in der Gesellschaft nach oben kommen und seinen Studiumsabschluss erringen möchte, willigt Goreng (Ivan Massague) ein, für sechs Monate in den Schacht zu gehen. Hier seitzen Freiwillige mit Verbrechern zusammen, immer zwei Gefangene auf einer Ebene. In der Mitte verläuft ein Schacht, in dem jeden Tag eine Plattform mit Essen anhält – für wenige Sekunden. Wer weit oben ist, kann sich satt essen, wer weiter unten eingekerkert ist, bekommt so gut wie nichts mehr. Jeden Monat werden die Ebenen gewechselt, so dass jeder mal oben, mal unten ist.

Goreng wacht mit Trimagasi (Zorion Eguileor) auf, einem Zyniker, der bereits seit einigen Monaten im Schacht sitzt und beide Extreme schon erlebt hat. Er warnt Goreng davor, hier drin seinen Anstand und seine Menschlichkeit bewahren zu wollen und sich stattdessen zu nehmen, was er kriegen kann. Doch der intellektuelle Goreng will davon zuerst nichts wissen. Bis ihn nach einigen Tagen der Hunger plagt. Bald isst er Dinge, die er früher nicht einmal angefasst hätte. Und im nächsten Monat wacht er mit Trimagasi weit unten im Schacht wieder auf …

Der Schacht: Unappetitliche Bilder

Subtil sieht anders aus! Das Drehbuch-Autorenduo Pedro Rivero und David Desola legt seine Sicht über die heutige Gesellschaft, in der wenige im Überfluss leben und viele andere dafür hungern müssen, in drastischen Szenen dar. Und Gazteru-Urrutia wählt ebenso drastische Bilder davon, wie das im Einzelfall aussieht. Wenn Trimagasi wie ein Tier in den Essensresten herumwühlt, um noch Nahrung zu finden, ist das ein Anblick, den sicher nicht jeder appetitlich findet. Und das ist erst der Anfang dessen, was der Film seinem Publikum zumutet.

Denn das Prinzip des „Die da oben, wir hier unten“ denkt der Film konsequent zu Ende. Wenn man nichts zu Essen hat außer seinem Zellengenossen, dann wird aus dem eigentlichen Kumpel schnell nur noch die einzige Möglichkeit zu überleben. Diese Momente, auch wenn sie lange nicht so reißerisch gezeigt werden wie in einem Kannibalen-Horrorfilm, dürften der Grund sein, warum Der Schacht eine Freigabe ab 18 erhalten hat. Die Botschaft, die darin steckt, ist jedenfalls kaum misszuverstehen.

Der Schacht: Politik-Lehrstunde

Doch damit sind Rivero und Desola noch nicht am Ende. Denn der Schuldige ist – natürlich – eine nicht greifbare Macht namens Verwaltung, die unmenschlich die Regeln durchzieht und dafür sorgt, dass der Status Quo aufrecht erhalten wird. Doch als ein höchst menschliches Mitgleid dieser Veraltung zu Goreng kommt, sieht die Sache bald anders aus. Denn auch dieses kleine Rädchen kann dem zunehmend zornigen Goreng nur sagen, dass es nie wusste, was es da eigentlich tat.

Hier wird mehr als deutlich, dass sich da mit dem Raubtier-Kapitalismus ein System etabliert hat, dass offenbar niemand mehr kontrolliert. Und es zeigt sich, wie viel Goreng in seiner Zeit im Schacht bereits gelernt hat. Denn während Verwaltungsfrau Imoguiri (Antonia San Juan) an die Mitmenschlichkeit und den Anstand der anderen Gefangenen appelliert, um jeden im Schacht die Chance zum Überleben zu bieten, weiß Goreng schon besser, welche Mittel die Menschen dazu bringen, das zu tun, was von ihnen verlangt wird.

Neben der politischen Dimension kann der Film aber auch durch seinen Handlung fesseln. Denn Fragen nach der Tiefe des Schachtes und seiner Beschaffenheit sind bald genauso spannend für den Zuschauer wie für Goreng. Gibt es tatsächlich eine Möglichkeit, etwas zu verändern? Oder ist jeder Versuch nur eine Illusion in einem System, das längst von niemandem mehr kontrolliert zu werden scheint? Rivero und Desola finden hier eine klare Antwort, die Gazteru-Urrutia in passende Bilder kleidet. Ein derbes Stück Film mit klarer Botschaft!

Fazit:

Dem Film Der Schacht gelingt das Kunststück, seine feinsinnigen und durchaus anspruchsvollen Aussagen mit derben Bildern sehr klar zu machen. Ausgezeichnet gespielt und gut synchronisiert, stellt der Film unangenehme Fragen nach dem Sinn einer Gesellschaft, in der die Unterschicht nur von Resten lebt. Neu ist das sicher nicht, schon 1927 hat Fritz Lang mit „Metropolis“ ein ähnliches Szenario entworfen. Aber die bitterböse Sci-Fi-Satire ist in seiner Umsetzung so konsequent wie zuletzt „Brazil“. Und das ist schon eine Seltenheit.

Der Schacht startet am 20. März 2020 bei Netflix.

Mehr Kritiken zu Netflix-Filmen finden Sie hier.

Der Beitrag Filmkritik: Der Schacht erschien zuerst auf lauterfilme.de.