Die Handlung

Sieben Mitglieder hat die mittlerweile berühmte Heldengruppe von Vox Machina. So etwas ähnliches wie der Anführer ist Percy, ein menschlicher Scharfschütze. Dazu kommen die Halbelfen-Zwillinge Vex und Vax, sie eine Rangerin, er ein Dieb. Mit dem Gnom-Barden Scanlon, der Gnom-Priesterin Pike, dem Barbaren Grog und der Halb-Elf-Druidin Keyleth ist Vox Machina vollzählig. Nach den Ereignissen, die zur Befreiung von Percys Heimat Bryarwood führten, wollen sich die Sieben eigentlich in der Hauptstadt des Reiches Tal’Dorei feiern lassen, doch es kommt anders. Denn kurz nach ihrer Ankunft wird die Stadt von gleich vier gigantischen Drachen angegriffen, die große Teile der Bevölkerung töten, unter ihnen auch den König.

Nur mit Mühe kann Vox Machina entkommen, doch die Helden schwören, dass sie sich auf den Weg machen werden, um nach Informationen über diese Drachen und mögliche Schwächen zu suchen. Bald setzt sie eine uralte Sphinx auf die Spur von mächtigen Artefakten, die möglicherweise stark genug sind, auch die mächtigen Drachen zu verwunden. Doch Vox Machina muss feststellen, dass die Erlangung dieser Gegenstände alles andere als einfach ist. Denn schon bei der Beschaffung des ersten Artefakts in einem uralten und offenbar von bösen Mächten durchdrungenen Tempel unter Wasser geschieht das Undenkbare: Ein Held von Vox Machina stirbt vor den Augen seiner Freunde …

Ein Hoch auf Rollenspiele

Critical Role sind tatsächlich ein Phänomen. Denn sie spielen nicht nur die mittlerweile dritte Kampagne für ihre Fans, sondern haben sich ihre guten Ideen mittlerweile auch vergoldet. Zu Vox Machina erschienen Comics und Abenteuerbücher zum Nachspielen. Und die Schauspieler sind sieben Jahre später noch immer aktiv. Zwar hat keiner von ihnen als Schauspieler einen echten Star-Status, die bekannteste dürfte Ashley Johnson sein, die die Figur der Ellie in „The Last of US“ sprach, doch immer mehr Fans der D&D-Runde sorgen für steigende Bekanntheit. Inzwischen hat die Gruppe Gäste wie den Schauspieler Joe Manganiello, Khary Payton, Will Wheaton oder Fantasy-Autor Patrick Rothfuss – und nach wie vor gute Quoten.

Vox Machina ist allerdings der Ursprung des Erfolgs, auch wenn die Kampagnen zwei und drei mit anderen Charakteren gespielt werden. Denn die 115 Folgen dieser ersten Kampagne dienen als Vorlage für die TV-Serie, die sich nach der zweiten Staffel etwa in der Mitte der Handlung befindet. Zwei weitere Staffeln, von denen eine bereits von Amazon geordert wurde, stehen also wohl noch aus. Zwar folgt die Handlung dabei nicht ganz genau den Abenteuern der Spielerrunde, aber die Grundstory bleibt die gleiche. Und die ist aus mehreren Gründen erstaunlich. Denn ihr gelingt eine Mischung, die sich in den allermeisten Fällen in Fantasy-Erzählungen ausschließt – die Story von Vox Machina Staffel 2 ist von epischer Größe und Tragik und dennoch immer wieder erstaunlich lustig.

Fantasy für Erwachsene

Tatsächlich legen die Autoren im Vergleich zur ersten Staffel der Serie noch eine ganze Schippe drauf. Ging es dort noch um ein kleines Reich, das vom Bösen befreit werden musste, so ist nun der ganze Kontinent bedroht, denn die vier Drachen attackieren Stadt um Stadt. Und diese deutlich größere Skalierung der Geschichte schlägt sich auch in der Dramatik und der Spannung der Staffel nieder. So kommt die Heldengruppe nicht nur deutlich mehr herum als noch in der ersten Staffel, The Legend of Vox Machina Staffel 2 hat gefühlt auch deutlich mehr Handlung. Gleich fünf der Helden bekommen während dieser zwölf Folgen mehr Hintergrundstory als zuvor. Staffel 1 schaffte da gerade einmal zwei Charaktere. Zudem bleibt der Humor weitgehend gleich.

Und der arbeitet oft mit liebevollen Seitenhieben auf Fantasy- und Rollenspiel-Klischees, die mal bestätigt und mal gebrochen werden. Wichtig dabei: Vox Machina macht sich über seine Helden nie zu sehr lustig, sondern schafft trotz aller erwartbaren Eigenschaften lebendige Figuren, was sicher zu einem guten Teil auch daran liegt, dass die Sprecher (im Original) auch die Spieler hinter den Charakteren sind. Eine Ashley Johnson hat die Gnomin Pike zweieinhalb Jahre jede Woche gespielt und kennt die Figur einfach gut. Diese Vertrautheit der Sprecher mit ihren Charakteren sorgt für eine eigene und in der westlichen Anime-Landschaft auch ziemlich einzigartige Atmosphäre. Die trotz reichlich Blut und Brutalität auch etwas Familiäres ausstrahlt.

Der einzige Schwachpunkt von Vox Machine Staffel 2 ist, dass die Story mittendrin abbricht und erst in der dritten Staffel fortgesetzt wird. Da war die Vorgängerstaffel noch deutlich befriedigender, weil weitgehend abgeschlossen. Wann es hingegen mit dem Kampf gegen die Drachen weitergeht, ist bislang unklar, auch wenn Staffel 3 bereits bestellt ist. Wenn die Serie aber auch dann weiterhin eine Story mit epischen Ausmaßen, sympathischen Helden und gutem Humor beibehält, dürfte sich die Wartezeit in jedem Fall lohnen.

Fazit:

Wer schon den Vorgänger mochte, macht mit dem Einschalten von The Legend of Vox Machina Staffel 2 nichts falsch. Denn die neuen Folgen sind in der Machart und der Story ähnlich, qualitativ aber noch besser. Die Handlung ist größer, die Entscheidungen schwerwiegender, die Charaktere verzweifelter und die Suche nach Hilfe stets spannend erzählt. Dazu erhält sich die Serie den Humor, dringt tiefer in die Vergangenheit der Helden ein. Und betreibt auch weiterhin World Building, um den Kontinent Tal’Dorei mit Leben zu füllen. So ist die Serie vor allem für Rollenspieler und Fantasy-Fans ein absoluter Genuss, den sie auf keinen Fall verpassen sollten. Amazon Prime Video wäre gut beraten, diese kleine Perle um weitere Staffeln zu verlängern, um die ganze Vox Machina-Kampagne zu erzählen.

The Legend of Vox Machina Staffel 2 startet am 20. Januar 2023 bei Amazon Prime Video.

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Die Episoden

Drei Roboter: Rückzugsstrategien

Der Auftakt der neuen Folgen und die erste Fortsetzung innerhalb der Serie: Die Drei aus Staffel 1 bekannten Roboter untersuchen weiter die untergegangene Zivilisation der Menschen und begleiten ihre Entdeckungen mit bissigen Kommentaren. Das ist genauso witzig und treffend wie beim ersten Mal und somit eine der gelungenen Folgen von Love Death and Robots 3.

Schlechte Reise

Regisseur David Fincher inszeniert hier einen knallharten und sehr blutigen Horrortrip auf hoher See. Allerdings bleibt die Story auch etwas oberflächlich und belässt es bei Splatter und Intrigen an Bord.  Eine gigantische, fleischfressende Mörderkrabbe attackiert einen Walfänger und setzt sich in den unteren Decks fest. Der Kapitän muss mit dem Scheusal einen Deal eingehen, um das Schiff zu retten.

Der Puls der Maschine

Bei einer Reise auf einem Jupitermond verunglückt das Raupenfahrzeug mit seinen beiden weiblichen Insassen. Nur eine von beiden überlebt und versucht nun, mit der Leiche im Schlepptrau rechtzeitig einen Rendezvous-Punkt zu erreichen, bevor ihr der Sauerstoff ausgeht. Eine der wenigen neuen Episoden, die trotz cooler Optik wie in französischen Comics für Erwachsene, auch auf Inhalt setzen und echte Science Fiction präsentieren.

Die Nacht der winzigen Toten

Der Humor-Snack der Staffel: Kurz, witzig und ohne bleibenden Eindruck. Ein winziges Paar auf einer winzigen Erde entweiht mit wildem Sex einen Friedhof, was die Apokalypse der winzigen Zombies zur Folge hat. Eine nette Idee, die aber nie über das hinausgeht, was der Zuschauer zu sehen bekommt. Ganz in Ordnung, gegen die Humor-Highlights der Vorgänger wie Alternative Zeitachsen oder Bescherung aber etwas flach.

Töte es, Team!

Eine Elite-Einheit in irgendeinem Krieg bekommt es mit Forschungsergebnissen der eigenen Regierung zu tun. Und die sind absolut tödlich. Mit viel Blut und Splatter garnierter Action-Trip. Nett gezeichnet, aber ohne jeglichen Tiefgang. Hier ist nur das Auge mit, der Geist bleibt hungrig. Wer daran Spaß hat, kommt hier auf seine Kosten.

Schwärmer

Zwei Wissenschaftler untersuchen im All eine gigantische Kolonie aus insektenähnlich strukturierten Aliens – mit überraschenden Ergebnissen. Optisch eines der Highlights der Staffel in fast fotorealistischer Optik. Auch inhaltlich interessant, wenngleich die Form einer Kurzgeschichte dem Stoff nicht wirklich entgegenkommt, weil die Zeit nicht reicht. Für Sci-Fi-Fans aber zumindest einen Blick wert.

Masons Ratten

Der alte Mason, eindeutig schottischer Abstammung, betreibt irgendwo eine Farm. Und die wird immer mehr von intelligenten Ratten übernommen. So ordert Mason einen Roboter, der als gnadenloser Kammerjäger die Nagetiere blutig dezimiert. Doch da entdeckt Mason etwas Interessantes. Blutig, witzig und mit einer guten Pointe ist diese Episode eine klassische Kurzgeschichte im besten Sinn. Eine gute Folge der Reihe.

Begraben im Gewölbe

Ein Elite-Team aus Soldaten verfolgt eine Gruppe Terroristen in eine Höhle und findet dort weit mehr als erwartet. Die Lovecraft-Episode der Staffel. Hier ballt sich die meiste Starpower im Original, denn Joe Manganiello, Christian Serratos („The Walking Dead“) und Jai Courtney sind die englischen Sprecher der Figuren. Optisch stark bietet der Inhalt der Story klassisches Lovecraft-Gedankengut, was sich sogar in der Optik einer der Figuren deutlich niederschlägt. Für Fans des Autors die vielleicht beste Folge der neuen Staffel.

Jibaro

Eine Gruppe von Konquistadoren treffen tief im Dschungel auf ein magisches Wesen der Ureinwohner, das mit den Eindringlingen kurzen Prozess macht. Doch einer der Eroberer ist taub und deshalb gegen die Kräfte der Sirene geschützt. Optisch das absolute Highlight der Staffel! Die Mischung aus Fotorealismus und Aquarellzeichnung ist zum Niederknien schön. Und auch inhaltlich bietet diese Episode den meisten Grund zur Diskussion darüber. Denn die komplett ohne Text auskommende Geschichte lässt viel Raum für Interpretationen und hat gleichzeitig einen der stärksten Bezüge zu realen Ereignissen.

Zu wenig Bandbreite

Love Death and Robots 3 ist zwar minimal länger (eine Folge) als die vorherige, aber nicht besser. Optisch gibt es hier wenig zu meckern, denn die unterschiedlichen Animations-Stile sind auch hier wieder eine der Stärken der Staffel. Aber es fehlt diesmal der ruhige Pol wie beispielsweise „Der ertrunkene Riese“ in Staffel 2, lediglich Der Puls der Maschine geht etwas in diese eher philosophische Richtung.  Diesmal geht es meist extrem blutig zu und ab und zu schimmert ein wenig Humor durch. Aber von allen Staffeln bislang ist diese definitiv die Splatter-Season. Nicht dass nicht schon früher sehr blutige Folgen dabei waren, so dominant wie diesmal fiel das da aber nicht aus.

Ein absolutes Highlight der ersten Staffel war „Die Augenzeugin“ vom Studio pinkman.tv. Sexy, cool und mit einer Story, die in der Einfachheit der Erzählung doch ein klassisches Sci-Fi-Thema gut umsetzte. Das Studio pausierte in Staffel 2 und räumt nun mit Jibaro erneut zumindest den optischen Sieg ab. Wunderschöne Bilder stehen in hartem Kontrast zum blutigen und interessanten Inhalt, der ein dunkles Kapitel der Menschheits-Geschichte grandios bearbeitet. David Fincher liefert mit Schlechte Reise die vielleicht ekelhafteste Folge der Staffel ab, die für Horrorfans wohl neben Begraben im Gewölbe das Highlight sein dürfte. Insgesamt ist die Serie aber weiterhin spannend und gut genug, um fortgesetzt zu werden. Es gibt noch viele tolle Horror- und Sci-Fi-Short-Storys da draußen!

Fazit:

Auch Love Death and Robots 3 kann nicht an die bislang beste erste Staffel anknüpfen und präsentiert sich im Schwerpunkt als blutiges Splatterpaket der Reihe. Neben Highlights wie Jibaro gibt es auch viel Mittelmaß, das über eine nette Pointe oder einen interessanten Ansatz nicht hinauskommt. Dennoch ist auch die neue Staffel zumindest optisch wieder über jeden Zweifel erhaben und präsentiert nicht nur sehr unterschiedliche Animationsstile, sondern auch sensationelle Bilder. Wer die Serie bislang mochte, wird auch diesmal genug Episoden finden, die das Ansehen lohnen. Die erste und längste Staffel bleibt in ihrer Abwechslung aber ungeschlagen.

Love Death and Robots 3 startet am 20. Mai 2022 bei Netflix.

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Die Handlung

Die Zeiten ändern sich. Dracula und Ericka van Helsing, die Monsterjägerin und Urenkelin des großen Abraham, sind ein Paar und möchten möglichst viel Zeit miteinander verbringen. Und so denkt der alte Vampir langsam darüber nach, der nächsten Generation sein geliebtes Hotel zu überlassen. Auf einer großen Gala zum 125-jährigen Bestehen will Dracu seinen Freunden und Gästen die Botschaft verkünden, dass Maevis und Johnny an seiner Stelle das Hotel weiterführen sollen. Doch als Johnny Wind davon bekommt und Dracu gleich seine ganzen tollen Ideen zum Umbau präsentiert, bekommt der alte Graf kalte Füße. Und erzählt seinen Schwiegersohn eine fatale Lüge: Angeblich können laut Gesetz nur Monster das Hotel erben.

Johnny würde also seine Maevis unglücklich machen, weil er ein Mensch ist und ihrem Erbe im Wege steht. Und so nimmt er das Angebot von Abraham van Helsing an, ihn per Zauberstrahl in ein Monster zu verwandeln. Nachdem er zum Test seinen goldigen Hamster in eine Bestie verwandelt hat, wendet er den Strahler auch bei Johnny an, der in einen großen grünen Drachen mutiert! Als Dracula sieht, was er angerichtet hat und was seine Tochter ihm dazu erzählen wird, will er den Zauber unbedingt rückgängig machen – und verschlimmert damit die Lage nochmals drastisch. Nicht nur, dass er selbst zum Menschen wird, er verwandelt auch seine ältesten Kumpels in ganz normale Menschen. Und dann geht auch noch der Zauberkristall kaputt …

Finale mit gebremstem ADHS-Schaum

Die Serie war schon immer eher für jüngere Kinder gedacht, denen mit den liebenswerten Monster die Angst genommen werden sollte. Das war eine schöne Idee – und eine erfolgreiche. Die ersten drei Filme brachten Sony mehr als 1,3 Milliarden Dollar ein. Damit die Zielgruppe auch erreicht wurde, waren die Storys schon von jeher etwas durchgeknallter und wilder als andere Animationsfilme, hier sollten Grundschüler Spaß haben. Leider haben es die Macher beim dritten Teil damit aber so übertrieben, dass er für Erwachsene kaum noch auszuhalten war. Erfreulicherweise hat Sony mit Hotel Transsilvanien 4 einen kleinen Gang zurückgeschaltet. Nachdem es zu Beginn auch wieder nach einer knallbunten und hyperaktiven Geschichte aussieht, fängt sich der Film in Hälfte zwei und mutiert zum Familienfilm mit Botschaft.

Denn Dracula stell als Mensch Dinge fest, die ihm als Vampir nie klar waren. Und Johnny, der unerschütterliche Optimist, der seit Teil eins seinem Schwiegervater seinen Wert beweisen will, ist als Monster ganz angetan von seinen neuen Fähigkeiten. Ohne deshalb seinen Markenkern als trotteliger Held zu verleugnen. Und so entstehen auf der gemeinsamen Reise von Dracula und dem Schwiegersohn einige der schönsten und ruhigsten Momente der gesamten Serie. Die der Zielgruppe wegen natürlich nie sehr lange anhalten, bis der nächste überdrehte Part naht – aber immerhin.

Abenteuer mit viel Slapstick

Auch die Story an sich ist im Finale deutlich stärker als im Vorgänger, der vor lauter Tanzszenen und Musikeinlagen kaum voran kam. Hotel Transsilvanien 4 lässt einmal zu Begin die Monster feiern – und danach ist Schluss. Ziemlich bald wird es zwar für ältere Zuschauer mitunter ganz lustig, für Kinder aber ganz schön spannend. Denn die Suche nach einem Ersatzkristall entwickelt sich vom harmlosen Klamauk schnell in ein echtes Abenteuer. Das bleibt zwar stets kindgerecht, ist aber doch deutlich aufregender als die Storys früherer Filme. Und geht auch ein wenig auf Kosten der schrägen Nebenfiguren. Denn der Fokus der Story auf die Familie heißt eben auch, dass neben Maevis, Johnny Dracula und Ericka nicht mehr viel Platz bleibt, den sich die anderen Monster teilen müssen.

Es gibt zwar immer noch nette Ideen wie Frankensteins Monster als hippen Muskelprotz oder den 5000 Jahre alten Murray, den nun keine Mumie mehr ist und mit den Tücken des Alters zu kämpfen hat. Aber der eine oder andere etwas feinsinnigere Spaß vergangener Teile bleibt weitgehend auf der Strecke. Die neuen Regisseure Jennifer Kluska und Derek Drymon setzen hauptsächlich auf Slapstick und nutzen dabei meist Dracula oder Johnny als zentralen Punkt des Geschehens. Aber sie trauen sich eben auch, die beiden Figuren emotionale Szenen erleben zu lassen. Genndy Tartakovsky, der bei allen Teilen davor Regie führte, hat dennoch seinen Anteil daran. Denn er steuerte die Story-Idee bei und arbeitete auch am Script mit.

Fazit:

Hotel Transsilvanien 4 – Eine Monster Verwandlung dürfte die Geister scheiden. Der Kernzielgruppe der Grundschüler ist das Finale der Monstermär möglicherweise etwas zu zahm, wenn man es mit den Vorgängern vergleicht. Älteren Zuschauern hingegen sollte das etwas zurückgenommene Chaos und die etwas geringere Hektik entgegen kommen. Denn lustig ist das Ganze immer noch, weil die Idee des Rollentauschs zwischen Mensch und Monster einige wirklich gute Gags hervorbringt. Und der Abschied von den knuffigen Monstern auch etwas schwer fällt, weil der letzte Film ein wenig emotionaler sein darf als die Anfänge der Reihe. Als Familienfilm ist der Film jedenfalls durchaus gut geeignet, vor allem, wenn kleinere Kinder dazugehören.

Hotel Transsilvanien 4 – Eine Monster Verwandlung läuft ab dem 14. Januar 2022 bei Amazon Prime Video.

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Die Handlung

Im Marvel-Comic-Universum gibt es ein Volk, dass sich die Beobachter nennt. Einer von ihnen hat seit ewigen Zeiten die Erde im Auge und erzählt in What If Geschichten, die so nicht passiert sind, aber hätten passieren können. Daraus ergeben sich neue Blickwinkel auf bekannte Ereignisse und Helden.

Episode 1: Captain Carter

Weil Steve Rogers kurz vor seiner Umwandlung zum Supersoldaten von einem Spion verletzt wird, muss Peggy Carter einspringen und lässt die Prozedur über sich ergehen. Als Captain Carter kämpft die brünette Britin nun mit dem Schild, das Howard Stark schuf, gegen die Nazis und den Red Skull …

Episode 2: Ein anderer Starlord

Es ist nicht Peter Quill, den Yondus Leute von der Erde entführen, sondern der von Wakandas Isolationspolitik gelangweilte junge T’Challa. Jahre später tritt er als bekannter Ravanger Star-Lord gegen die Machenschaften des Collectors an …

Episode 3: Keine Avengers auf der Erde

Bevor Nick Fury das mächtigste Heldenteam der Erde zusammenraufen kann, wird ein potenzielles Mitglied nach dem anderen von einer geheimnisvollen Macht getötet. Wer steckt hinter dem Komplett, die Avengers zu töten?

Weitere Inhalte sind noch nicht genau bekannt, allerdings gibt es eine liste von Charakteren, die noch vorkommen. So wird es eine Episode mit Marvel-Zombies geben, auch eine Folge mit Thor als Hauptfigur scheint noch zu kommen Auch eine Dr. Strange-Folge ist sicher. Die meisten Schauspieler aus dem MCU haben ihre Figuren auch in What If gesprochen, allerdings nicht alle. Prominente fehlende Stimmen sind Robert Downey Jr. Chris Evans und Scarlett Johansson – zumindest im englischen Original.

Aus den Comics ins MCU

Neu ist die Idee von What If nicht, schon seit den 70er Jahren gab es immer wieder Comic-Reihen dieses Namens, insgesamt 13. Darin wurden und werden, ganz wie in der TV-Serie, große Momente des Marvel-Universums variiert. So gab es eine Story darüber, dass eine andere Figur die Kräfte von Spider-Man erhält oder was geschehen wäre, wenn Peter Parker Mitglied der Fantastic Four geworden wäre. Die zehnteilige, erste Staffel der TV-Serie bezieht sich natürlich nicht auf die Comics, sondern auf das MCU. Und behält eine wichtige Eigenschaft der bisherigen Marvel-Filme und Serien bei: den Humor. Wenn beispielsweise Thanos als Teil der Ravanger-Crew immer wieder von seinen Plänen zur Vernichtung des halben Universums erzählt und alle sich darüber lustig machen, ist das für Kenner des MCU schon sehr witzig.

Grundsätzlich gilt: Je mehr Filme und Serien bekannt sind, desto mehr Anspielungen und Witze wird der Zuschauer verstehen. Komplette Neulinge im MCU dürfte What If deshalb auch weitgehend kalt lassen. Wer die Vorbilder nicht kennt, wird diese zum Teil sehr originellen Variationen der Storys auch nicht zu schätzen wissen. Wer allerdings den Durchblick hat, wird dafür mit vielen Insider-Gags und Anspielungen belohnt.

Starke Ideen in eigener Optik

Natürlich sind die meist etwa 20 Minuten langen Episoden kein Ersatz für die Originalstorys und raffen die Vorlagen arg zusammen. Dennoch schrieben die Autoren in jeder Folge einige starke Szenen, die die Grundidee der Serie – das Aufzeigen der großen Konsequenzen bei Änderungen von Details – gut herausarbeiten und einfach Spaß machen. Dabei sollte man allerdings nicht immer ein Happy-End erwarten. Und das MCU ist auch nicht die einzige Quelle, aus der die Autoren ihre Inspiration bezogen. So enthält beispielsweise Captain Carter eindeutig eine Verbeugung vor del Toros „Hellboy“ und Lovecrafts Cthulhu-Mythos. Insgesamt liefern die Autoren hier starke Ideen ab, die das MCU um interessante Aspekte erweitern.

Stilistisch sind die Folgen aus einem Guss und erinnern im Look ein wenig an Spiele-Grafiken im Stil des „Cel-Shading„. Das ist ein ganz besonderer Grafikstil, der vor allem durch kräftige Außenlinien der Figuren definiert ist. Für Fans ist es sicher ungewohnt, ihre Helden zum ersten Mal als Trickfilm zu sehen, Comic-Leser hingegen dürften mit dem Look weniger Probleme haben. Auch wenn der Stil nicht unbedingt eng an klassische Comic-Optik angelegt ist. Die vor längerer Zeit in Aussicht gestellte unterschiedliche, künstlerische Bearbeitung der einzelnen Folgen ist nach drei Episoden hingegen nicht zu sehen, der Look der Serie bleibt gleich.

Und die Veröffentlichung zum jetzigen Zeitpunkt, also nach „Loki“ und vor „Doctor Strange 2“, ist absolut sinnvoll, denn What If stellt einen gelungenen Ausblick darauf dar, auf was sich die Fans in einem Multiversum so alles einstellen können. Schon die Bandbreite der ersten drei Folgen zeigt das deutlich auf. Wer sich also von der Animations-Optik der Serie nicht abschrecken lässt, für den ist What If eigentlich ein Pflichttermin.

Fazit:

Wer sich als glühender Fan des MCU sieht, für den ist What If nicht weniger als ein Geschenk. Denn die seit bald 50 Jahren funktionierende Grundidee aus den gleichnamigen Comics passt auch sehr gut ins MCU. Die Variationen an Charakteren und Handlungen, die gleichzeitig vertraut und doch frisch daherkommen, sind ein großer Spaß für Marvel-Fans und auch optisch schön anzuschauen. Dass sich im Original viele Schauspieler bereit erklärt haben, ihre MCU-Rollen auch in der Serie einzusprechen, ist da nur die Sahne auf der Torte. Eine zweite Staffel ist bereits in Arbeit.

What If …? startet am 11. August 2021 mit wöchentlich einer neuen Folge bei Disney+.

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Die Handlung

Bei einem Einsatz im asiatischen Penamstan erleben Jason, der Squad-Leader  der Mad Dogs, und sein Team schreckliche Dinge. Auch Jahre später hat das noch Auswirkungen auf ihr Leben, die meisten Soldaten der Einheit haben ihres inzwischen durch Selbstmord beendet. Jason hingegen ist zum Agenten der Regierung befördert worden und kann gemeinsam mit Spezial-Agent Leon S. Kennedy einen Zombie-Ausbruch im Weißen Haus gerade noch rechtzeitig niederschlagen, um den Präsidenten und seine engsten Berater zu retten. Aber wie kam der Virus ins Gebäude?

Um das herauszufinden, machen sich Leon mit Jason und der Agentin Jin Mei auf den Weg nach Shanghai, wo nach Informationen des Verteidigungsministers Wilson eine Biowaffen-Fabrik ihren Betrieb aufgenommen hat. Das Trio soll dort nach dem Rechten sehen und Beweise für die Mitwirkung der chinesischen Regierung finden. Doch die Mission entwickelt sich völlig anders, als erwartet. Währenddessen ist Journalistin Claire Redfield auf der Spur eines Skandals in Penamstan und landet bei ähnlichen Spuren wie Leon. Und entdeckt einen ganz anderen, möglichen Drahtzieher hinter dem Anschlag …

Aus dem Osten nichts Neues

Wie so manch ein geheimer Schurke im Film bleibt auch die Entscheidung, aus dem gut 80 Minuten Material eine Serie zu machen, statt es bei einem Film zu belassen – denn wie ein solcher wirkt der Vierteiler – im Dunkeln. Eigentlich passt Resident Evil Infinite Darkness gut zu den drei bisher erschienen Animationsfilmen „RE: Degeneration“ (2008), „RE: Damnation“ (2012) und „RE: Vendetta“ (2017). Zumindest gilt das für die Handlung, die fast wie ein Remake des ersten Anime Degeneration wirkt. Für Fans der Spiele gibt es schnell eine gute Nachricht. Mit Leon S. Kennedy und Claire Redfield kehren die Helden aus dem Spiel „Resident Evil 2“ zurück. Das gilt als das vielleicht beste der ganzen Reihe und machte unlängst als Remake nochmals Furore.

Leider hat die neue Serie Resident Evil Infinite Darkness auch die Schwächen der bisherigen Filme und Games. Denn der Aufbau vieler Storys ist sehr ähnlich. Fast jedes Game endete in einer geheimen Forschungsanlage und auch hier wird schnell klar, dass bei der kurzen Laufzeit wohl die Fabrik in China als Showdown herhalten darf. Auch den Schurken zu finden, dürfte Kennern der Serie nicht allzu schwer fallen. Immerhin gibt es  in Resident Evil Infinite Darkness auch ein paar Figuren, die sich in der Grauzone zwischen Antiheld und Schurke bewegen.

Bloß kein Risiko

Trotzdem muss man der neuen Serie konstatieren, dass sie inhaltlich wenig bis gar nichts wagt. Das mag beinharten Fans des Franchises vielleicht genug sein, holt aber wohl kaum neue Zuschauer ab. Die Story präsentiert lediglich eine leichte Variation bereits erzählter Geschichten, die Helden sind bekannt, bekommen durch Resident Evil Infinite Darkness allerdings keine neuen Facetten. Das ist auch deshalb schade, weil die Serie im Vergleich zu Resident Evil Vendetta technisch einen großen Sprung nach vorn macht.

Optisch ist Infinite Darkness das bislang beste Abenteuer der animierten Reihe und zeigt in manchen Einstellungen bereits fast fotorealistische Bilder. Bei den Gesichtern der Charaktere ist das im Vergleich zu älteren Animationen besonders gut zu sehen. Dagegen bleibt die Action der Serie im Mittelmaß stecken. Besonders interessant in Szene gesetzt ist hier leider nichts, auch der in Spielen oft quälend lange Showdown vergeht in Resident Evil Infinite Darkness wie im Nu. Hier hätte das Drehbuch dringend noch die eine oder andere Überarbeitung brauchen können. 

Möglicherweise lässt Rechteinhaber Capcom aber auch schlicht keine Neuerungen in Ablegern wie den animierten Werken zu, sondern hebt sich Innovation für die Spielereihe auf. Die immer gleichen Storys der bislang vier Abenteuer lassen darauf schließen. Fans werden sicher trotzdem einschalten und vermutlich auch ganz zufrieden sein. Wer eine wirklich gruselige und harte Serie sehen will und sich im Resident Evil-Universum nicht auskennt, wird hier hingegen nur wenig Spaß haben.

Fazit:

Das haben wir doch schonmal gesehen? Das wird sich mancher Fan sagen, der sich die vierteilige Serie Resident Evil Infinite Darkness ansieht. Die Parallelen zum ersten Animationsfilm Resident Evil Degeneration sind deutlich, allerdings sieht das neue Werk klar besser aus. Wenigstens bei der Computeranimation setzt die Serie so neue Maßstäbe. Ob das aber reicht, um Fans wirklich zu befriedigen und neue Zielgruppen für das langlebige Horror-Franchise zu generieren, darf angesichts der Innovationslosigkeit und der wieder einmal altbekannten Story doch bezweifelt werden.

Resident Evil Infinite Darkness startet am 8. Juli 2021 bei Netflix.

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Die Handlung

Luca ist ein Seewesen. Er lebt mit seinen Eltern und seiner Großmutter vor der Küste eines italienischen Fischerdorfs und fürchtet die Landungeheuer zwar, ist aber auch sehr neugierig auf die Wesen, die mit Netzen Fische fangen und offenbar große Angst vor ihm haben. Obwohl seine Eltern ihn ständig warnen, auf keinen Fall an die Oberfläche zu schwimmen, sondern sich auf seine Arbeit als Fischhirte zu konzentrieren, kann Luca es nicht lassen, sich mit den Hinterlassenschaften der Landbewohner zu beschäftigen, die er immer wieder im Meer findet. Eines Tages lernt er auf dem Meeresgrund Alberto kennen, auch ein Seewesen, das aber schon lange an Land lebt! In einem Turm auf einer Insel vor dem Dorf hat sich der halbwüchsige Meeresbewohner ein Zuhause eingerichtet. Denn die Seewesen nehmen an Land Menschengestalt an!

Zuerst spielen die beiden Jungen auf der Insel ganz für sich und träumen von der coolsten Sache im Universum: einer Vespa! Denn damit, da ist sich Alberto ganz sicher, könnten sie die ganze Welt bereisen und alles sehen, was sie sich bisher nur erträumen können. Doch ihre Nachbauten aus Schrott funktionieren nur bedingt. Und so trauen sich Luca und Alberto schließlich in die Siedlung der Landungeheuer, um eine echte Vespa zu finden. Dabei lernen sie nicht nur das Ekel Ercole kennen, sondern auch die freundliche Giulia. Sie träumt davon, das große Triathlon-Rennen aus Schwimmen, Nudeln essen (!) und Radfahren zu gewinnen. Weil die Siegprämie für eine Vespa reichen würde, machen die beiden Jungs mit. Doch Lucas Eltern haben den Braten inzwischen gerochen und suchen ihren Sohn …

Rückkehr zum Kinderfilm

Mit Luca findet bei Pixar nach einigen Werken, die sich nur noch bedingt für Kinder eigneten, zurück zum Familienfilm. Denn der Italiener Enrico Casarosa, der bereits seit fast 20 Jahren an diversen Animationsfilmen („Ice Age“, „Cars“) mitgearbeitet hat, durfte mit Luca sein Langfilm-Regiedebüt geben – und packt eine Menge Kindheitserinnerungen an die Heimat hinein. Dabei ist Luca erstaunlich vollgepackt mit Themen. Es dreht sich um Freundschaft, den Abnabelungsprozess von den Eltern, die Lust daran, Wissen zu erwerben und als wichtigster Punkt Toleranz. Das ist sehr viel vorhersehbarer und einfacher erzählt, als in Filmen wie „Soul“ – und deshalb auch besser für ein jüngeres Publikum geeignet. Die Probleme von Luca, Alberto und Giulia versteht schon ein sechsjähriges Kind.

Auch der Look passt sich an den Inhalt des Films an. In Luca dominieren neben den typischen Pastellfarben der 60er Jahre, ganz besonders schön zu sehen an den Vespa-Modellen, vor allem Meeresfarben. Grün und Blau sind überall, sodass Giulias feuerrote Haare fast aufdringlich auffällig sind. Dabei ist der Fotorealismus früherer Filme, vor allem bei Wasser und Natur, einem kindlicheren Look gewichen, der allerdings perfekt zum Thema passt. Und ist natürlich dennoch beeindruckend gut animiert. Casarosa erzählt seinen Film konsequent aus Lucas Sicht und öffnet so dem Zuschauer die Augen für die Eigenheiten der Menschen, die ein Seewesen nur mit Erstaunen und Ratlosigkeit quittieren kann. Und dich bald feststellt, dass auch die landungeheuer ihre Kinder lieben – genau wie die Seewesen.

Einfache Story, leicht erzählt

Casarosa transportiert seine einfachen und doch ewigen Botschaften dabei klar und schnörkellos, versucht gar nicht erst, seine Geschichte in Allegorien oder Metaphern zu erzählen. Trotzdem ist Luca alles andere als ein flacher Film. Seine Charaktere haben Tiefe, selbst wenn sie nur Nebenfiguren sind. Obwohl Casarosa auch Stereotypen bemüht – wie etwa den blasierten und fiesen Ercole, den Schlagersänger Giovanni Zarella mit hörbarem Vergnügen synchronisiert. Das Erzähltempo in Luca passt sich ganz der Landschaft und Jahreszeit an und geht immer wieder vom Gas, um kunterbunte Traumsequenzen einzustreuen oder die Jungs einfach ein wenig reden zu lassen. Das ist nicht immer spannend, aber es sorgt schon beim Zusehen für ein kleines, entspanntes Gefühl von Urlaub.

Auch der Humor ist in Luca ein wenig kindgerechter als zuletzt. Wo es bei Soul nur wenige Szenen gab, die auch Kinder witzig finden konnten, bietet Luca da deutlich mehr Lacher auch für Jüngere an. Ob das die ungewöhnliche Suche von Lucas Eltern nach ihrem Sohn ist oder die Katze von Giulia und ihrem Vater, die den Mummenschanz der beiden Seewesen schnell durchschaut. Gerade weil die Story in einem vergleichsweise kleinen und trotz der wilden Kids ruhigen Rahmen erzählt wird, hebt sich Luca von den vorigen Pixar-Filmen ein wenig ab. Deshalb ist er nicht besser oder schlechter, sondern einfach nur ein wenig anders. Wer die moderneren Pixar-Ansätze mochte, ist mit Luca vielleicht nicht so glücklich, weil der Film doch sehr traditionell wirkt. Andere wiederum dürften genau das mögen.

Fazit:

Mit Luca hat Pixar im Gegensatz zu den sonst so innovativen Inhalten eine sehr traditionelle und einfache Geschichte zu erzählen. Sie handelt von erster großer Freundschaft, dem Abnabeln von den Eltern, dem Kampf um eigene Freiheiten und Wünsche, aber auch von Toleranz und gegenseitigem Verständnis. Daraus wurden auch schon große Dramen gestrickt. Regisseur Enrico Casarosa belässt es aber bewusst bei einer leichten Erzählweise. Und entführt sein Publikum in einen Kurzurlaub von 90 Minuten, in denen man das Mittelmeer fast spüren kann. Luca ist sicher nicht Pixars bester oder einfallsreichster Film, aber er ist ein wunderbares Sommer-Werk, das viel Spaß macht – auch den jüngeren Zuschauern – und gute Gefühle verbreitet. Das darf dann auch mal reichen.

Luca startet am 18. Juni 2021 bei Disney+.

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Hier gibt es die Kritik zu Staffel 1.

Die einzelnen Episoden

Automatisierter Kundenservice

Inhalt: Auf der Erde der Zukunft hat sich die Menschheit gemütlich eingerichtet und die ganze Arbeit den Robotern überlassen. Was das für ein Problem sein kann, lernt eine alte Dame samt Pudel, als ihr Saugroboter Amok läuft und der automatisierte Kundendienst des Unternehmens ebenfalls höchst eigenwillige Ansichten an den Tag legt …

Fazit: Ein guter Staffelauftakt mit schwarzem Humor, einer guten Pointe und einem schrägen, aber recht coolen Animationsstil. Die witzigste Folge der Staffel.

Eis

Inhalt: Zwei Brüder müssen sich nach einem Umzug in der neuen Umgebung zurechtfinden. Dem optimierten kleinen Bruder gelingt das besser als dem naturbelassenen älteren. Doch ein perfekter Körper ist nicht alles …

Fazit: Eine optisch überaus stylische, mangaesk anmutende Folge, die inhaltlich aber reichlich belanglos bleibt. Eine der schwächeren Episoden.

Jäger und Gejagte

Inhalt: In der Zukunft hat die Menschheit einen Weg gefunden, sich selbst unsterblich zu machen. Allerdings gibt es einen hohen Preis, die sie dafür zahlen müssen. Ein erfahrener Cop und seine Kollegin sind dabei die ausführenden Organe …

Fazit: Die „Blade Runner“-Folge der Staffel. In fast fotorealistischer Optik stellt diese Episode moralische Fragen, die je nach Blickwinkel unterschiedliche Antworten liefern. Eine komplexe Welt, mit schnellem Strich beeindruckend zum Leben erweckt und konsequent erzählt – ein Highlight!

Snow in der Wüste

Inhalt: Der Einsiedler Snow lebt abgeschieden mitten in der Wüste eines fremden Planeten. Nur einmal im Monat sucht er die Stadt auf, um sich besondere Vorräte zu verschaffen. Auch dieses Mal lauern ihm Kopfgeldjäger auf, denn seine DNA ist eine Menge Geld wert. ALs eine geheimnisvolle Fremde ihm hilft und sich ihm später anschließt, denkt er sich erst nichts Böses …

Fazit: Obwohl der Wortwitz des Titels auf deutsch nicht ganz zündet, die beste Folge der Staffel! Brutal und blutig, aber auch mit cooler Grundidee ungleich mehreren Twists ist diese Folge Sci-Fi pur. Dazu kommt die wohl beste fotorealistische Optik der Staffel.

Im hohen Gras

Inhalt: Als der Zug kurz hält, steigt ein Fahrgast aus, um kurz eine Zigarette zu rauchen. Dabei fallen ihm seltsame Lichter im hohen Gras auf und er geht den Leuchtsignalen nach. Das hätte er mal lieber nicht getan …

Fazit: Die Horrorfolge der Staffel. Obwohl sie auf deutsch so heißt wie eine Kurzgeschichte von Stephen King, hat sie damit nichts zu tun. Inhaltlich erinnert sie eher an einen anderen Großmeister des Horrors. Ob es Zufall ist, dass der Protagonist Ähnlichkeit mit H.P. Lovecraft aufweist? Vermutlich nicht. Auch die ganz eigene Optik überzeugt, eine gute Folge.

Bescherung

Inhalt: Bruder und Schwester hören am Weihnachtsabend in ihrem Zimmer Lärm von unten und beschließen, sich den Weihnachtsmann einmal aus der Nähe anzusehen. Was sie entdecken, hätten sie aber nicht erwartet …

Fazit: Die kürzeste Folge von Love, Death and Robots Staffel 2 ist ganz in Ordnung. Sie hat zwar nur eine Idee, aber für die fünf Minuten Laufzeit ist das auch genug. Und ein leichter Beigeschmack bleibt zurück und beweist die Qualität.

Rettungskapsel

Inhalt: Ein Pilot (Michael B. Jordan) sucht nach dem Absturz auf einem fremden Planeten nach der abgeworfenen Rettungskapsel. Die hat den Aufprall aber nicht so gut überstanden, wie der Pilot es gehofft hatte …

Fazit: Optisch ebenfalls beeindruckend, belässt es diese Episode auch bei einer Idee, die die kurze Story antreibt. Eine ganze nette Folge, aber nichts Besonderes.

Der ertrunkene Riese

Inhalt: Ein mehr als 50 Meter großer Mensch wird tot am Strand angespült. Während ein Wissenschaftler immer wieder dorthin geht und sich den Riesen ansieht, lässt er seine Gedanken fließen …

Fazit: Ruhiger, fast zenhafter Ausklang der Staffel. Optisch ebenfalls sehr stark, inhaltlich eher ein Essay als eine Kurzgeschichte, denn eine Handlung im eigentlichen Sinn gibt es nicht.

Love, Death and Robots Staffel 2-Fazit:

Love, Death and Robots Staffel 2 enttäuscht gleich mehrfach. Zum einen bietet sie nicht einmal halb so viele Folgen wie die erste Staffel, zum anderen fällt die Auswahl deutlich harmloser aus als im Vorgänger. Wo diese noch echte (wenn auch meist leicht morbide) Erotik und reichlich Blut bot und auch mit ein paar ganz starken Ideen punkten konnte, ist Staffel 2 in allen Bereichen schwächer. Keine neue Episode ist so blutig wie „Sonnies Vorteil“, keine so lustig wie „Drei Roboter“ und keine so innovativ wie „Die Augenzeugin“ oder „Alternative Zeitachsen“. Es bleibt zu hoffen, dass Netflix vielleicht mehr schwache Episoden in Staffel zwei gepackt hat und die angekündigte dritte Staffel noch ein paar Highlights bereithält. Gute Unterhaltung ist Love, Death and Robots Staffel 2 immer noch, ein Knaller wie Staffel eins ist sie nicht mehr.

Love, Death and Robots Staffel 2 startet am 14. Mai 2021 bei Netflix.

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Auch wenn Onward tatsächlich völlig neu von Pixar erdacht wurde und auf keinem Comic oder Roman basiert, so kommen die meisten Zutaten des Films dennoch nicht von ungefähr. Denn Pixar orientiert sich bei ihrem neuesten Film eindeutig an Fantasy-Rollenspielen wie „Dungeons & Dragons“.  Denn die Welt des neuen Pixar-Abenteuers ist bevölkert mit Elfen, Zentauren, Einhörnern und Drachen. Allerdings gar nicht so, wie Fantasy-Fans das aus zahlreichen anderen Büchern und Filmen kennen. Funktioniert der neue Ansatz?

Onward – keine halben Sachen: Die Handlung

In der Fantasy-Welt der Lightfoots hat es einmal Magie gegeben, doch mit dem Einzug der Technik geriet sie in Vergessenheit. Aber nicht bei allen. Als der junge Elf Ian Lightfoot 16 Jahre alt wird, erhalten er und sein älterer Bruder Barley ein Geschenk ihres Vaters, der vor vielen Jahren an einer Krankheit starb. Darin befindet sich ein Zauberstab. Und dazu ein magischer Spruch, mit dem der Vater für einen ganzen Tag wieder zum Leben erwacht! Ian, der seinen Vater nie kennengelernt hat, probiert es sofort aus. Doch leider zaubert er nur den unteren Teil seines Dads herbei.

Barley und Ian machen sich daher auf die Suche nach einer magischen Zutat, die sie brauchen, um den Zauber zu vollenden. Ihr Weg führt sie zu einer alten Taverne, in der ein Mantikor mit einer Schatzkarte warten soll. Doch die Mantikordame ist so ganz anders, als die beiden Jungs erwartet hatten. Dennoch lassen sie sich nicht ermutigen und begeben sich auf eine gefährliche Quest, um ihren Vater zu sehen. Dabei stolpern sie nicht nur über Pixie-Rocker, sondern auch über einige unausgesprochene Dinge zwischen einander …

Onward – keine halben Sachen: Typisch Pixar!

Wo Pixar draufsteht, ist auch Pixar drin! Wie kein anderes Animationsstudio stehen die Kalifornier neben perfekten, mittlerweile sogar fotorealistischen Animationen, vor allem für intelligentes Story-Telling, das nicht nur auf die ganz junge Zielgruppe schielt. Schon von Anfang an erzählte Pixar Geschichten, die auch für die Eltern von Interesse waren, nicht nur für die Kinder. Und entwickelten hier eine Meisterschaft darin, ihre Filme mit gelungenen Momenten für beide Zielgruppen zu füllen. Onward bildet da keine Ausnahme.

Den mit der schnellen und witzigen Story können sich schon junge Zuschauer gut identifizieren und Spaß damit haben. Die Sorgen der Mutter um ihre Söhne und ihr Handeln können aber die Erwachsenen gut nachfühlen. Dass es dennoch nicht zu einem Platz unter den allerbesten Pixar-Filmen reicht, liegt daran, dass dem neuesten Abenteuer aus der Trickfilm-Schmiede etwas fehlt, dass die wirklichen Meilensteine des Studios auszeichnet: unvergessliche Momente. Das macht Onward aber noch lange nicht zu einem schlechten Film.

Onward – keine halben Sachen: Kein Meilenstein

Wall-E fliegt mit seiner Angebeteten Eva durchs All und rührt dabei zu Tränen. Das Essen der Familie in „Alles steht Kopf“, bei dem der Zuschauer das Innere der Familie live miterlebt. Die ersten zehn Minuten aus „Up!“, in der das Leben des alten Helden im Zeitraffer dahinzieht. Wer die Filme einmal gesehen hat, vergisst sie wegen dieser Szenen nicht mehr. So eine fehlt Onward. Eine sehr vergnügliche Reise ins Land der Fantasy-Klischees ist der Film aber trotzdem geworden. Dafür sorgen schon die typischen, gelungenen Running-Gags und Side-Kicks.

Ob der neue Partner der Mutter, ein Zentaur-Cop, oder das ständige Nerd-Gerede über Rollenspiele von Barley – hier funktionieren die kleinen Späße am Rand wunderbar. Dafür ist die große Geschichte um die von beiden Jungs so sehnlichst gewünschten Stunden mit dem toten Vater als Leim, der den Film zusammenhält, nicht immer überzeugend. Denn mit der unteren Hälfte eines Elfen mitzufiebern, ist für das Publikum gar nicht so einfach. Hier hat Onward – keine halben Sachen sein größtes Defizit. Die indirekte Einführung der Vaterfigur funktioniert nur bedingt.

Dafür haben sich die Autoren für das Brüderpaar viele Situationen einfallen lassen, die sie zusammenschweißen und den Zuschauer als dritte Person auf ihrer Reise mit ins Boot holen. Das Mitfiebern mit den jungen Helden kommt so ganz automatisch. Optisch ist ein Pixar-Film ohnehin über jeden Zweifel erhaben. 

Fazit:

Zwar hat Onward – keine halben Sachen trotz seiner magielastigen Handlung nicht den finalen Zauber der ganz großen Pixar-Filme, aber er sortiert sich dank gelungener Story, viel Witz und einem hohen Tempo im gehobenen Mittelfeld der bisherigen Werke des Studios ein. Wie immer biete der Film dabei sowohl gute Unterhaltung für junge wie auch für ältere Zuschauer und teilt mit freundlichem Augenzwinkern gegen Rollenspiele und Fantasy-Klischees aus. Dieses Brüderpaar kann sich in jedem Fall sehen lassen.

Onward – keine halben Sachen startet am 5. März 2020 in den deutschen Kinos.

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Der große John Lasseter, einst Pionier bei Pixar und bis Ende 2018 Kreativ-Chef des Disney Animation, gab den Regisseuren und Autoren Jennifer Lee und Chris Buck einen Freibrief. Sie durften die Story der Fortsetzung so entwickeln, wie immer sie es für richtig hielten. Das sollte vermutlich ein wenig Druck von den beiden nehmen, ob es geholfen hat, ist aber unklar. Denn dass die beiden auch möglicherweise unausgesprochene Wünsche von Disney nicht ignorieren wollten, zeigt der fertige Film deutlich.

Die Eiskönigin 2: Die Handlung

Drei Jahre sind vergangen, seit Elsa und Anna das Königreich Arendelle gerettet haben und seitdem gemeinsam regieren. Eigentlich läuft alles gut, doch dann beginnt Elsa, eine geheimnisvolle Stimme zu hören, die außer ihr niemand wahrnimmt. Und die sie nach Norden ruft, wo ein geheimnisvoller Nebel seit vielen Jahren den Zugang zum magischen Wald und den mit Arendelle verfeindeten Stamm der Northumbra versperrt. Weil sich die Schwestern an Geschichten über Magie erinnern, die ihre Mutter ihnen als Kind erzählte, reisen die dennoch dorthin.

Gemeinsam mit Olaf, Kristoff und Sven gelingt es ihnen tatsächlich, den Nebel zu durchdringen. Was sie dahinter entdecken, übertrifft nicht nur ihre kühnsten Erwartungen, sondern entwickelt sich auch schnell zur Bedrohung ihres Königreiches. Und schließlich entscheidet sich auch das Schicksal der beiden Schwertern im hohen Norden. Denn endlich erfährt Elsa den Grund, warum sie seit so vielen Jahren schon ihre Kräfte besitzt – und was sie damit anfangen soll. Aber kann sie ihre Aufgabe auch lebend überstehen?

Die Eiskönigin 2: Nur kein Risiko!

Der Vorgänger war nicht nur extrem erfolgreich an den Kinokassen, er schuf auch einen der größten Hits, den je ein Disneyfilm hervorgebracht hat. „Let It Go“ (dt. Lass jetzt los) lässt noch heute die Herzen von Millionen zehnjähriger Mädchen schneller schlagen. Dazu erdachten Buck und Lee mit dem Schneemann Olaf einen der witzigsten und rührendsten Charaktere in der langen Disney-Historie. Kein Wunder also, dass sich genau diese Faktoren im zweiten Teil im Überfluss wiederfinden, freie Hand hin oder her.

Denn natürlich wollte das Regie-Duo keinen Flop riskieren, indem es allzu viele Änderungen und Neuerungen in der Fortsetzung einführte. Und so gibt es hauptsächlich das, was die Fans kennen und lieben – nur mehr davon als in Teil eins. Gefühlt hat der Zuschauer nach zehn Minuten bereits drei Songs hinter sich, von denen allerdings keiner das Zeug dazu hat, das nächste Let it Go zu werden. Das ändert sich auch bis zum Ende des Films nicht. Und es gibt natürlich auch mehr Szenen mit Olaf, denn der ist jetzt ja schon von Anfang an dabei.

Die Eiskönigin 2: Perfekt für die Zielgruppe

Von Anfang an planten die Macher Teil zwei generalstabsmäßig durch. So wurden sämtliche Kreativen des ersten Films erneut verpflichtet. Songschreiber, Autoren, Komponist – alle waren wieder im Boot. Und das mag auch der Grund sein, warum sich Die Eiskönigin 2 trotz neuer Story und sechs Jahre Zeit so wenig neu und frisch anfühlt. Hier sind einfach zu viele Mitwirkende auf Nummer sicher gegangen. Für einen fast sicheren dritten Teil der Reihe würde man sich etwas mehr frisches Blut im Kreativbereich wünschen.

Dennoch ist Die Eiskönigin 2 natürlich kein schlechter Film – ganz im Gegenteil. Vor allem für die Zielgruppe junger Mädchen löst der Film vermutlich nahezu jedes Versprechen ein, das er im Vorfeld gegeben hat. Starke weiblich Identifkationsfiguren, ein wenig Boygroup-Flair, einen knuddeligen und lustigen Stofftier-Kumpel und ganz viel Musik. Besser kann man sein Publikum kaum bedienen. Gleichaltrige Jungs werden mit dem Film aufgrund fehlender Helden dafür schon wesentlich weniger anfangen können. Aber für die war schon Teil eins nicht gedacht.

Und wer sich die Handlung einmal näher ansieht, merkt schnell, wie wenig eigentlich in 103 Minuten passiert und wie vorhersehbar das alles ist. Nun gilt Disney nicht unbedingt als Haus der spannenden Twists und coolen Storys, aber ein wenig mehr als hier hätte es gerne sein dürfen. Der Mäuse-Konzern behält hier eisern seinen Kurs bei, den er mit „Aladdin“ und „König der Löwen“ bereits erfolgreiche gefahren hat. Lieber eine Wiederholung vertrauter Rezepte als etwas Neues mit Risiko.

Fazit:

Auch wenn die Macher im Vorfeld freie Hand hatten, um ein neues Abenteuer um Elsa, Anna und Olaf zu stricken, so ist Die Eiskönigin 2 doch altbackenes Disney-Wohlfühl-Kino geworden, dass keinerlei Risiko eingeht. Und dem Zuschauer genau das gleiche bietet, was in Teil eins bereits so gut funktioniert hat. Wie üblich bei Fortsetzungen ohne echte, eigene Idee, ist diese Wiederholung trotz guter Machart nicht mehr ganz so gut wie das Original. Harten Fans des Vorgängers wird aber auch der Aufguss noch gefallen. 

Die Eiskönigin 2 startet am 20. November 2019 in den deutschen Kinos.

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Fast neun Jahre hat der international erfahrene Animations-Regisseur Sergio Pablos an seiner Idee gearbeitet, bis Klaus endlich fertig war. Denn jahrelang sucht Pablos nach einem Geldgeber, doch alle großen Hollywood-Studios fanden das Projekt zu riskant und lehnten ab. Ende 2017 schlug dann Netflix zu und gab bekannt, den Film für eine Veröffentlichung Ende 2019 eingekauft zu haben. Hat sich für den Streaming-Dienst das Risiko gelohnt?

Klaus: Die Handlung

Jesper ist der verwöhnte Sohn des Postchefs und denkt gar nicht daran, seine Ausbildung zum Postboten ernst zu nehmen. Zur Strafe schickt ihn sein Vater in den hohen Norden auf die Insel Zwietrachting. Dort soll Jesper innerhalb eines Jahres 6000 Briefe abfertigen, um wieder nach Hause zurückkehren zu dürfen. Doch bald muss er einsehen, dass die verfeindeten Einwohner-Clans sich keinerlei Briefe schreiben und er im eisigen Norden festsitzt. So wie die junge Alva, die einst als Lehrerin kam und feststellen musste, dass die Kinder nicht zur Schule kommen.

Als Jesper eines Tages von einem einsam lebenden Holzfäller namens Klaus hört, stattet er dem Haus einen Besuch ab – und verliert dabei durch Zufall die Zeichnung eines Kindes, die er gefunden hatte. Damit macht er denn schweigsamen Handwerker neugierig, denn offenbar war das Kind sehr traurig, als es das Bild gemalt hatte – und das geht Klaus zu Herzen. Also schenken er und Jesper dem Jungen in einer Nacht-und Nebel-Aktion ein selbstgebautes Spielzeug. Eine Tat, die im finsteren Zwietrachting nicht ohne Folgen bleibt …

Klaus: Weder kitschig noch albern

Regisseur und Ideengeber Sergio Pablos hat sich tatsächlich an ein schweres Thema gewagt. Denn Storys rund um Weihnachten sind oft entweder witzig – und dann nicht selten albern. Oder aber gefühlvoll – und dann häufig leider furchtbar kitschig. Beides zu vermeiden ist eine Kunst, die selten zu sehen ist. Doch der im Animationsbereich sehr erfahrene Spanier, der lange für die Tickfilmstudios von Disney und Universal („Minions“) gearbeitet hat, kann mit Klaus einen Film vorweisen, der sowohl gefühlvoll als auch lustig ist – ohne zu nerven.

Das verdankt der Film zu großen Teilen seinem starken Drehbuch der als Autoren eher unbekannten Zack Lewis und Jim Mahoney. Denen es immer wieder gelingt, sehr traditionelle Erzählstrukturen und Charaktere mit Kleinigkeiten und Details so aufzupeppen, dass sie frisch und neu wirken. Und allzu tränenreiche Situationen immer wieder mit schönem Humor aufbrechen. Besonders gelungen ist aber der Aufbau der Story, die von Minute zu Minute nach lediglich ganz nettem Beginn immer stärker und einfallsreicher wird.

Klaus: Tolle Figuren

Denn auch wenn viele Handlungsstränge wenig überraschend enden, so gibt es doch immer wieder auch schöne Momente, die der Zuschauer nicht unbedingt kommen sieht. Dazu schaffen Pablos, Lewis und Mahoney auch Nebenfiguren, die ungemein charmant ausfallen. So wird sich garantiert kaum jemand der entzückenden kleinen Samin Margu entziehen können. Auch weil Jesper mit ihr tolle Gespräche führt, obwohl sie gar nicht die selbe Sprache sprechen. Niedlicher als hier lässt sich so eine Szene kaum umsetzen.

Aber auch das Duo aus Jesper und Klaus, die gemeinsam Gutes für die Kinder tun wollen – wenn auch aus unterschiedlichen Gründen – sind in ihrer Charakterzeichnung absolut gelungen und bieten sowohl slapstickartigen Humor als auch besinnliche Momente, die gut zum Thema des Films passen. Dazu entwirft Pablos seine Story in einem ganz eigenen Look, der, obwohl am Computer entstanden, fast wie von Hand gezeichnet wirkt. Und an die Optik eines Animationsgroßmeisters wie Don Bluth („Mrs Brisby und das Geheimnis von Nimh“) erinnert.

So gelingt ein Familienfilm, der den Namen verdient, weil er für Kinder und Erwachsene gleichermaßen rührende, traurige, aber auch sehr lustige Szenen beinhaltet. Und in seiner Länge von knapp 100 Minuten nicht nur eine ganze Menge Handlung unterbringt, sondern auch ein paar dieser magischen Momente hervorbringt, an die man sich auch nach Jahren noch erinnert, als hätte man sie gestern zuletzt gesehen. Wer das mit animierten Figuren schafft, ist schon ein großer der Zunft. Klaus ist wundervoll – nicht nur, aber vor allem zu Weihnachten.

Fazit:

Netflix hat schon viele, eher durchschnittliche Weihnachtsfilme produziert, aber Klaus gehört ausdrücklich nicht dazu. Regisseur Sergio Pablos inszenierte einen manchmal lustigen, manchmal besinnlichen, aber nie langweiligen Animationsfilm, der nicht nur die Weihnachtsbotschaft transportiert, sondern auch glänzend unterhält. Mit dem Charme und dem Look alter Disney-Produktionen ausgestattet, ist Klaus nicht nur für Kinder ein echter Hingucker, sondern ein toller Film für die ganze Familie.

Klaus startet am 15. November 2019 bei Netflix.

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